Джон Констебл

(1776–1837)

Пейзажи не приносили их авторам больших денег, поэтому родители Джона Констебла мечтали, что их сын станет портретистом. Мастера портретного жанра, имевшие много выгодных заказов, могли жить на широкую ногу. Но Констебл, в отличие от Гейнсборо, который с одинаковым успехом писал и пейзажи, и портреты, понимал, что его истинным призванием остается пейзажная живопись.

Крупнейший английский живописец Джон Констебл родился в местечке Ист-Бергхолт в графстве Суффолк. Его отцом был богатый мельник, мечтавший, что сын сделает карьеру священника. Он определил мальчика в школу Гримвуда в городе Дэдхем. Здесь Джон увлекся рисованием.

Отцу не нравился выбор сына, но в конце концов ему пришлось смириться и отпустить юношу в Лондон для обучения живописи.

В 1799 году Джон поступил в Королевскую академию художеств. Признание пришло к нему не сразу. Юноша очень много работал, копировал произведения известных европейских художников. В 1802 году небольшой пейзаж Констебла был выставлен в академии, а в 1803 на выставке оказались уже три его картины. Обучение в академии не удовлетворяло молодого художника. В поисках впечатлений он отправился в путешествие на корабле «Каутс», принадлежавшем ост-индской компании. Его верным спутником был альбом для зарисовок. Констебл рисовал море, корабли, дома в городах, в которых останавливалось судно.

Большую роль в становлении молодого художника сыграли такие мастера, как К. Лоррен, Я. dан Рейсдал, Т. Гертин, Т. Гейнсборо. Стараясь лучше узнать природу, художник много путешествовал по Англии, посещал маленькие провинциальные городки и селения. Он писал с натуры, стремясь уловить и запечатлеть на холсте изменения, происходящие в лесу, на реке, на лугу в разное время суток и при различной погоде.

Дж. Констебл. «Уэймутская бухта», ок. 1817, Галерея Тейт, Лондон

Ранние пейзажи Констебла очень тонко передают всю прелесть скромной английской природы. Таковы картины «Вид в Эпсоме» (1809, Галерея Тейт, Лондон), «Мельничный поток» (1811, Галерея Тейт, Лондон), «Барки на реке Стур» (1811, Музей Виктории и Альберта, Лондон). Тонкая наблюдательность и умение чувствовать природу помогают мастеру передать характерные черты английских ландшафтов: влажный воздух и небо, затянутое серой пеленой.

Современники ставили Констеблу в упрек меланхоличность и печаль его пейзажей. Вероятно, здесь сказались жизненные обстоятельства: в те годы молодой живописец был серьезно болен. Много душевных мук ему доставляла трогательная и робкая любовь к Марии Бикнелл, родня которой пыталась воспрепятствовать браку девушки с безвестным художником. Его картины в то время покупались очень плохо.

Известный коллекционер произведений искусства Дж. Оллнат вспоминал такой случай. Он купил пейзаж Констебла в то время, когда живописец был еще мало кому известен. Небо на картине показалось ему серым и некрасивым, и он попросил другого мастера переписать его. В результате исчезла гармония, то очарование, которое и привлекло коллекционера к пейзажу. Прошло много лет. Констебл стал известным художником. Оллнат познакомился с ним и попросил вернуть полотну первоначальный вид. Констебл, сделав это, отказался от вознаграждения, мотивируя свой отказ следующими словами: «Вы помогли мне стать художником, вы были первым незнакомым мне человеком, купившим мою картину, что придало мне духу продолжать занятия живописью в пору, когда все мои друзья уже сомневались в успешном исходе дела».

В 1812–1814 годах живопись Констебла становится более эмоциональной и живой. Спокойная созерцательность сменилась глубоким поэтическим чувством.

В октябре 1816 года сбылась мечта художника — он обвенчался с любимой девушкой. Спустя три года умер дядя Марии, оставив племяннице 4 тысячи фунтов. Молодой семье они пришлись очень кстати.

Дж. Констебл. «Телега для сена», 1821, Галерея Тейт, Лондон

Чтобы заработать, Констебл писал портреты на заказ и композиции на религиозные сюжеты. Но эти произведения гораздо менее удачны, чем его пейзажи. Исключение составляют лишь несколько работ, среди которых портрет Марии Бикнелл, написанный в год свадьбы.

В конце 1810-х годов был создан ряд пейзажей, среди которых много практически совершенных по мастерству исполнения картин. Это «Вид на судоходную реку» («Флэтфордская мельница на реке Стур», ок. 1817, Галерея Тейт, Лондон), «Хэмпстедская пустошь» (ок. 1818, Галерея Тейт, Лондон) и др.

В 1819 году Констебл был избран ассоциированным членом Королевской академии художеств. Его творчество достигло своего расцвета. Пейзажи, по-прежнему посвященные непритязательным уголкам английской природы, наполнились эпическим звучанием. Наиболее ярко это выражено в таких картинах, как «Телега для сена» (1821, Галерея Тейт, Лондон), «Вид на реке Стур» (1822, Художественная галерея Хантингтон, Сан-Марино, Калифорния), «Собор в Солсбери из епископского сада» (1823, Музей Виктории и Альберта, Лондон), «Пляж в Брайтоне и угольщики» (1824, Музей Виктории и Альберта, Лондон).

Констебл по-прежнему много времени проводил на этюдах. С тщательностью ученого он изучал природу, наблюдал за малейшими изменениями, происходящими в лесу или на реке. Свои зарисовки художник сопровождал подписями: где, когда и при какой погоде был сделан набросок или этюд. Важную роль в его живописи играло небо — источник света. В творческом наследии мастера великое множество этюдов неба, чистого и светлого, но чаще всего покрытого облаками.

В 1828 году от воспаления легких умерла любимая жена художника, Мария Бикнелл. С этого времени в его пейзажах появляются мрачные настроения.

С 1829 по 1832 год Констебл вместе с С. Лукасом работал над созданием альбома гравюр по своим картинам. Работа завершилась полным провалом.

В последние годы жизни мастер писал пейзажи с прежними, с детства знакомыми мотивами. Но теперь изображения Солсбери, Дедхемской долины, Хэмпстедской пустоши экспрессивны и даже романтически приподняты («Хедлейский замок», ок. 1829, собрание Селлон, Нью-Йорк; «Стонхендж», 1835, Музей Виктории и Альберта, Лондон).

Дж. Констебл. «Хлебное поле», 1821, Галерея Тейт, Лондон

Дж. Констебл. «Собор в Солсбери из епископского сада», 1823, Музей Виктории и Альберта, Лондон

Констебл не получил широкого признания у английской публики, которая хотела видеть эффектные ландшафты и «высокие» сюжеты. Скромная природа Англии, открытая художником, не волновала зрителей. Живопись Констебла имела чрезвычайно узкий круг поклонников. Поняли художника французы, показавшие в Салоне 1824 года ряд его пейзажей.

Почитателями таланта английского пейзажиста были Т. Жерико, Э. Делакруа, мастера барбизонской школы и импрессионисты.

 

Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер

(1775–1851)

Для усиления впечатления Тёрнер стал класть краску широким густым мазком, причем наносил ее не кистью, а мастихином, процарапывая линии ногтями. И, как правило, добивался нужного эффекта: картины поражали воображение зрителей. Позднее их стали сравнивать с работами импрессионистов.

Английский художник и гравер Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер родился в Лондоне. Его отец, цирюльник, не мог дать мальчику никакого образования, поэтому он стал учиться самостоятельно. В детстве Джозеф копировал гравюры и довольно быстро преуспел в этом занятии. Через некоторое время он начал рисовать пейзажи Лондона и предместий, раскупаемые жителями столицы с удовольствием.

В 1789 году Тёрнер начал посещать классы Академии художеств, а через год его акварели были впервые представлены на выставке. На формирование художественной манеры молодого живописца оказали влияние Гертин и Уилсон.

В молодости Тёрнер много путешествовал по Англии. Как правило, он бродил пешком по стране, зарисовывая в альбоме наиболее живописные виды. Впоследствии он использовал мотивы, встречающиеся в этих рисунках, для создания картин. Тогда же Тёрнер начал создавать и первые пейзажи, для которых было характерно точное, топографическое изображение местности. Для усиления впечатления он использовал светотеневые эффекты.

Вернувшись из путешествия, Тёрнер сблизился с членами кружка коллекционера и мецената Т. Монро. Выполняя вместе с ними копии с работ Дж. Р. Козенса и других художников, он отказался от топографического пейзажа и стал более свободно применять размывку, локальный колорит, начал экспериментировать с цветом. В 1796 году Тёрнер написал маслом свою первую картину «Рыбаки в море» (Галерея Тейт, Лондон), до этого он выполнял лишь рисунки и акварели. Примерно в то же время художник увлекся стихами У. Вордсворта, С. Т. Колриджа и Дж. Томсона, что не могло не отразиться на его творчестве. Он начал создавать метафоричные, романтические пейзажи. Кроме того, мастер исполнил несколько полотен на исторические, мифологические и религиозные сюжеты («Пятая египетская казнь», ок. 1800, Музей, Индианаполис; «Десятая египетская казнь», ок. 1802, Галерея Тейт, Лондон).

В 1802 году Тёрнер был принят в члены Королевской академии художеств. Вскоре после этого он отправился в путешествие, на этот раз — за границу, в Швейцарию. По дороге живописец посетил Париж, где у него появилась возможность увидеть картины знаменитых мастеров: Тициана, Рембрандта, Пуссена. В Швейцарии он много работал, создавая горные пейзажи. Природа этой местности — ослепительно белые горные вершины, яркие, чистые краски, особое состояние атмосферы — произвела на Тёрнера очень сильное впечатление. Здесь окончательно сформировалась его художественная манера.

Дж. М. У. Тёрнер. «Последний рейс корабля „Отважный“», 1838–1839, Галерея Тейт, Лондон

Работы, выполненные после возвращения Тёрнера из путешествия, относят к периоду зрелого творчества. В этих пейзажах ощутимо влияние Лоррена («Кораблекрушение», ок. 1805, Галерея Тейт, Лондон; «Пейзаж на Темзе с радугой», ок. 1806, Британский музей, Лондон). Помимо живописных работ, художник исполнил цикл гравюр в смешанной технике.

Тёрнер занимался и преподавательской деятельностью. С 1807 по 1828 год он являлся профессором перспективы Королевской академии художеств. Свои теоретические воззрения на искусство он отразил в работах, ценнейшей из которых считается лекция «О задних планах». Художник рассказал в ней об истории пейзажа и своей трактовке этого жанра. Он был сторонником того, что при создании пейзажа нельзя отдельно рассматривать перспективу, светотень и колорит.

В 1804 году Тёрнер открыл галерею, в которой выставлял свои работы. Однако публика принимала его творчество не так, как он ожидал. Большинству зрителей очень нравились гравюры, тогда как пейзажи почти не получали положительных отзывов. Возможно, причина этого была в том, что пейзажи маслом более напоминали акварельные работы: мазок был легким и прозрачным, а колорит совсем светлыми. В то же время акварели, которые он не прекращал писать, становились все более похожими на живопись маслом, приобретали насыщенность. Среди его работ этого периода можно отметить «Метель. Переход Ганнибала через Альпы» (1812, Галерея Тейт, Лондон), «Дидона строит Карфаген» (1815, Национальная галерея, Лондон) и др.

Дж. М. У. Тёрнер. «Снежная буря», 1842, Национальная галерея, Лондон

В 1819 году Тёрнер отправился в Италию. Работая на юге, мастер еще больше высветлил свою палитру, стал использовать цветные тени («Венеция. Сан-Джорджо при восходе солнца», 1819, Британский музей, Лондон). В поздних пейзажах художник стал больше внимания уделять изображению не отдельных деталей пейзажа — скал, руин, деревьев, а среды, в которой они находятся. Он стремился к более достоверной передаче воздуха, света и тени, состояний атмосферы. Часто он показывал шторм, метель, проливной дождь или пожар («Пожар Парламента», 1835, Художественный музей, Кливленд; «Последний рейс корабля “Отважный”», 1838–1839, Галерея Тейт, Лондон; «Снежная буря», 1842, Национальная галерея, Лондон).

 

Ричард Паркс Бонингтон

(1802–1828)

Одним из самых больших поклонников творчества Бонингтона был Делакруа. Он говорил, что «живопись английского мастера настолько драгоценна, что завораживает глаз независимо от темы и степени сходства с реальностью».

Английский живописец Ричард Паркс Бонингтон родился в Арнольде, неподалеку от Ноттингема. В 1817 году, приняв решение профессионально заниматься живописью, он переехал в Кале и начал учиться у Л. Франсиа. Этот художник писал акварели в технике, близкой Гертину и Дж. Варли. Влияние учителя ощущается в ранних работах Бонингтона — топографических пейзажах, исполненных акварелью.

В 1820 году Бонингтон приехал в Париж и поступил в Школу изящных искусств. Его учителем был А. Ж. Гро. Вскоре он исполнил свое первое значительное произведение — пейзаж «Собор и порт Руана» (ок. 1821, Британский музей, Лондон).

Художник рано добился успеха во Франции. Начиная с 1822 года он экспонировал свои работы в Салоне. Вскоре он прославился и на родине. Его считали одним из мастеров, работавших в характерной английской манере, которая сочетала элементы английского и французского романтизма. В 1827–1828 годах картины Бонингтона были показаны на выставках Общества художников Великобритании и Королевской академии художеств в Лондоне.

Р. П. Бонингтон. «Марли с террасы Сен-Жермен-ан-Ле», 1826, частное собрание

Большое влияние на формирование художественной манеры Бонингтона оказали Констебл и Делакруа. Последнего молодой живописец в 1824 году сопровождал во время поездки в Лондон. Вернувшись во Францию, они сняли мастерскую и стали работать вместе. Бонингтон многому научился у Делакруа. А французский художник в свою очередь восхищался умением Бонингтона наносить краски на холст, его способностью точно изображать световоздушную среду, чистыми, яркими и светлыми красками, которые он использовал. В период их совместного творчества Бонингтон создал множество удачных произведений, в том числе «Партер в Версале» (1826, Лувр, Париж), «Марли с террасы Сен-Жермен-ан-Ле» (1826, частное собрание), «Площадь Сан-Марко, Венеция» (ок. 1827) и др.

К сожалению, Бонингтон умер в самом расцвете творчества, в возрасте двадцати шести лет. Но его проникновенные и свежие полотна стали образцом для подражания для многих художников-пейзажистов XIX века.

 

Каспар Давид Фридрих

(1774–1840)

Каспар Давид Фридрих был знаком со многими известными людьми своего времени. Среди них художники Г. Ф. Клейст, Г. Ф. Керстинг, К. Г. Карус, а также писатель И. В. Гёте. С ним живописец впервые встретился в 1810 году, когда Гёте посетил его мастерскую. В 1821 году Фридрих познакомился с русским поэтом В. А. Жуковским, который в то время путешествовал по Германии.

Немецкий художник Каспар Давид Фридрих родился в городке Грейфсвальде, расположенном в Померании, на Балтийском побережье. В детстве он часто приходил на берег моря наблюдать за жизнью стихии. Фридрих бывал там на рассвете и закате, в ясную погоду и в шторм. Любовь к морю осталась у него на всю жизнь, что можно проследить по его творчеству — большинство его пейзажей являются маринами. В 1794 году Фридрих переехал в Копенгаген и поступил в Академию художеств, где его учителем был Н. Абильгор. После окончания академии он переехал в Дрезден и вскоре познакомился с художником Ф. Рунге, который тоже учился живописи у Н. Абильгора. Некоторое время живописцы работали вместе.

В 1800-х годах Фридрих совершил три поездки на остров Рюген, где выполнил огромное количество рисунков карандашом, углем и сепией. Вскоре после возвращения из последней поездки, в 1807 году, он впервые попробовал писать маслом («Зима», 1808, Новая пинакотека, Мюнхен).

В течение своей жизни художник много путешествовал. Из каждой поездки он привозил огромное количество рисунков, эскизов, набросков, натурных этюдов, мотивы которых использовал для создания своих пейзажей.

К. Д. Фридрих. «Меловые скалы на острове Рюген», ок. 1820, собрание О. Рейнхарт, Винтертур

В 1810 году он вместе с Г. Ф. Керстингом побывал в горах Ризенгебурге, в 1811 году посетил Герц и Йену, в 1818 году снова отправился на остров Рюген, на этот раз с художником К. Г. Карусом.

Наиболее часто повторяющимися сюжетами пейзажей Фридриха были море и горы. Среди его многочисленных работ на эту тему можно отметить «Возрасты» (ок. 1815, Музей, Лейпциг), «Меловые скалы на острове Рюген» (ок. 1820, собрание О. Рейнхарт, Винтертур), «Восход луны над морем» (1821–1822, Национальная галерея, Берлин).

Кроме этого, мастер изображал церкви, монастыри и распятия («Крест в горах», 1808, Картинная галерея, Дрезден; «Аббатство среди дубовых деревьев», 1810, Шарлоттенбург, Берлин; «Крест среди горящих деревьев», 1811, Художественная галерея, Дюссельдорф; «Собор», 1818, частное собрание, Швейнфурт).

 

Юхан Кристиан Клаусен Даль

(1788–1857)

Излюбленные мотивы живописи Даля — величественные горные вершины, бурные реки, тихие озера. Живший в Германии, Даль каждое лето возвращался в Норвегию, где подолгу работал на открытом воздухе, создавая этюды с видами суровой северной природы.

Норвежский живописец Юхан Кристиан Клаусен Даль родился в городе Бергене. Художественное образование он получил в Копенгагене в Академии художеств, куда поступил в 1811 году.

Творческая манера Даля сформировалась под влиянием таких известных мастеров, как К. Лоррен, М. Хоббема, Я. ван Рейсдал. Первые пейзажи молодого художника, выполненные в 1814 году, ученически робки, но уже полны глубокого поэтического чувства, посвящены природе Дании. С 1818 года Даль жил в Дрездене. Здесь молодой живописец сблизился с К. Д. Фридрихом и другими романтиками. В 1824 году он стал профессором Дрезденской академии художеств.

Даль много путешествовал: побывал в Италии, Франции, объездил всю Норвегию. Живя в Дрездене, художник создавал в основном пейзажи с видами города («Вид Дрездена», Картинная галерея, Дрезден; «Вид из окна на замок Пилльниц», 1823, Музей Фолькванг, Эссен).

Ю. К. К. Даль. «Вид Дрездена при свете луны», 1839, Картинная галерея, Дрезден

Множество работ Даля посвящено природе родной Норвегии, которую художник любил всем сердцем. Холодную красоту северной природы передают его пейзажи «Две копенгагенские башни на вечернем небе» (ок. 1820, Кунстхалле, Гамбург), «Норвежский пейзаж» (1821, Музей Торвальдсена, Копенгаген), «Кораблекрушение у берегов Норвегии» (1832, Национальная галерея, Осло), «Пороги близ Хеллефосса» (1838, Национальная галерея, Осло). Очень разные по настроению — полные внутреннего драматизма или глубоко лиричные — они тонко и реалистично передают черты норвежского ландшафта.

Высокое мастерство и неповторимая манера письма привлекли к Далю множество молодых живописцев. Школа Даля получила известность далеко за пределами его родины (с 1826 года пейзажист постоянно жил в Норвегии). Картины художника пользовались огромным успехом в Германии, Дании и других европейских странах.

 

Александр Калам

(1810–1864)

Александр Калам быстро достиг всеобщего признания. С каждым годом в крупных европейских городах появлялось все больше и больше художников, которые писали в стиле альпийской пейзажной школы, основоположником которой он являлся.

Швейцарский живописец Александр Калам родился в маленьком городке Веве на берегу Женевского озера. Его отец был каменотесом и рано умер, после чего мальчику пришлось самому зарабатывать себе на жизнь. Александр переехал в Женеву и первое время обучался ремеслу каменотеса.

В возрасте двадцати лет Александр поступил в подмастерья к знаменитому в то время художнику Франсуа Дидэ, который одним из первых в Швейцарии начал писать пейзажи романтического направления. Вскоре Калам попробовал сам писать пейзажи в этом же стиле и очень быстро превзошел своего учителя. Через некоторое время он занял его место во главе женевской художественной школы и начал создавать работы, которые впоследствии стали называть первыми картинами альпийской пейзажной школы.

В 1837 году Калам экспонировал на выставке в Гамбурге пейзаж «Лес около Авранша», который принес ему большой успех. Его имя стало известно среди собратьев-художников и людей, интересовавшихся искусством.

Через два года после создания пейзажа «Гроза на Хандеке» (Музей искусств и истории, Женева) художник стал еще более известен. Он выставил эту работу в Салоне в Париже, и она произвела очень сильное впечатление на парижан. В ней великолепно сочетались точное изображение разыгравшейся стихии, цветовые сочетания, интересная композиция и высокое мастерство самого художника.

Одному из зрителей довелось спустя десять лет повторно увидеть эту работу на выставке в Женеве.

Свои впечатления от этой картины он выразил такими словами: «Калам питал свой гений созерцанием грандиозной природы. Его талант, суровый и строгий, вдохновляется скорее чувствами, нежели искусством. Какое величественное смятение! Так и слышишь, как воет ветер в этих глубоких ущельях; грозовые тучи нависают над самой землей; а ниже угадывается темная голова гиганта, который словно бы вызвал всю эту бурю».

В 1839 году Калам совершил поездку в Германию и Нидерланды, а через год посетил Англию, где изучал английские пейзажи. В 1842 году художник снова побывал во Франции, где интересовался картинами Лоррена и Пуссена, а также произведениями художников барбизонской школы. В 1845 году побывал в Италии. Однако, несмотря на это, Калам не отступал от своей системы изображения природы.

Его последующие пейзажи неизменно вызывали восторг зрителей, где бы художник их ни выставлял: в Швейцарии, во Франции, в Италии, в Голландии или других европейских странах. Вероятно, причина такой популярности была в том, что отдельные элементы его композиций всегда были узнаваемы и необычайно реальны. Зритель, взглянув на полотно, как бы переносился в это место. При этом мастер отказался от популярных в то время деталей классического пейзажа: мраморных колонн, развалин, яркого и ровного солнечного света, мифологических персонажей.

Калам стремился к разработке своих, до тех пор никем не испробованных рецептов. Например, довольно часто он объединял отдельные элементы различных видов, получая «искусственные» пейзажи, которые также имели у публики большой успех. Таков «Горный пейзаж», выставленный сегодня в парижском Лувре. Искусное сочетание фрагментов, их условные цветовые сочетания продолжали производить впечатление подлинной природы.

Калама считали не только создателем альпийской живописи. Современники называли его «величайшим швейцарским пейзажистом и одним из лучших европейских художников века». За свои работы он неоднократно награждался премиями. В 1842 году Калам был произведен в кавалеры ордена Почетного легиона, а также избран членом Петербургской и Брюссельской академий художеств.

В 1850-е годы у Калама, которому было еще только за сорок, уже появилось огромное количество учеников. Имелась школа Калама и в России. В нее входили П. А. Суходольский, А. И. Мещерский, В. Д. Орловский и другие известные художники конца XIX века.

Известно, что творчество Калама оказало сильное влияние на развитие художественной манеры талантливого русского пейзажиста Ф. А. Васильева.

А. Калам. «Пейзаж с дубами», 1859, Эрмитаж, Санкт-Петербург

Сам Калам не переставал создавать пейзажи. Среди его многочисленных работ можно отметить «Люцернское озеро», выполненное в 1857 году по заказу полковника Теплова, «Вид озера в окрестностях Женевы» (1857), «Пейзаж с дубами» (1859), «Горное озеро в Швейцарии», «Вечерний пейзаж». Все эти картины хранятся в Эрмитаже в Санкт-Петербурге.

Интересна работа «Пейзаж с дубами». В центральной части композиции посреди поля созревшей пшеницы художник поместил два старых, больших, развесистых дуба. Далеко на горизонте виднеются высокие, поросшие лесом холмы. По серовато-синему небу бегут белые, плотные облака. Картина написана в сочных, ярких, естественных тонах.

В начале 1860-х годов Калам стал чувствовать себя хуже, и вскоре у него был обнаружен туберкулез. Он переехал в Ментону, где и провел последние месяцы жизни.

Художник умер в возрасте пятидесяти четырех лет.

Через год в Париже была организована распродажа картин, рисунков и этюдов мастера. Доход от нее составил огромную для тех лет сумму — 180 тысяч франков. Однако через десять лет альпийские пейзажи Калама и его последователей вышли из моды. Пейзажи стали называть условными и надуманными. Место Калама заняли другие художники.

 

Карой Марко Старший

(1791–1860)

Несмотря на то что Карой Марко Старший большую часть жизни провел в Италии, художника не забывали на родине, в Венгрии. Издания того времени внимательно следили за творчеством мастера. Многие жители города Пешта еще при жизни мастера имели возможность видеть его картины и называли его «венгерским Клодом Лорреном».

Карой Марко Старший — первый венгерский пейзажист, которому удалось добиться европейского признания. Он родился в обеспеченной семье. Родители хотели, чтобы Марко стал инженером.

Юноша начал было учебу, но через некоторое время понял, что инженерная наука — не его призвание. Он решил посвятить свою жизнь живописи.

Известно, что учиться рисовать Карой начал довольно поздно — в двадцать семь лет. Сохранились его работы этого периода, например полотно «Карпаты» (1820, Венгерская национальная галерея, Будапешт). Наиболее его привлекал жанр пейзажа: в своих работах Марко старался передать красоту своей родины. Как и пейзажисты XVII столетия Н. Пуссен и К. Лоррен, он восхищался картинами природы и пытался увековечить их на своих полотнах.

Такова картина «Вышеград» (1828–1830, Венгерская национальная галерея, Будапешт). Перед зрителем раскрывается панорама одного из самых древних и знаменитых мест истории венгров. Это высокий, пологий холм, заросший кустарниками и деревьями. На его вершине сохранились развалины старинной крепости, по склону тянется стена с остатками сторожевых башен. В правой части полотна изображено кудрявое ветвистое дерево. Между холмом и деревом виднеется бело-голубоватая лента Дуная. Над холмами раскинулось высокое светло-серое небо, по которому плывут легкие облачка.

К. Марко Старший. «Вышеград», 1828–1830, Венгерская национальная галерея, Будапешт

Картина написана в классицистическом стиле: это отражается в выборе сюжета и в строгой, четкой композиции. Она считается не только лучшим произведением художника, но и самым выдающимся венгерским пейзажем XIX столетия.

Художник стремился поехать на учебу в Италию, и в 1832 году его мечта осуществилась. Марко в то время было уже сорок лет. В течение пяти лет он жил и работал в Риме, затем переехал в Пизу, где пробыл еще пять лет. Последующие годы жизни он провел на вилле Медичи в Л’Аппенджи неподалеку от Флоренции. Там он и остался до конца жизни, покидая виллу только на короткое время.

В Италии, куда стремятся все художники, он изучал творчество знаменитых живописцев прошлого, читал Гомера и Горация, интересовался древними мифами. Большинство его работ, написанных им в этот период, — это типичные итальянские пейзажи в классицистическом стиле, дополненные развалинами старинных замков и фигурками людей («Пейзаж из Аппенджи», 1848, «Итальянский пейзаж со сценой жатвы», 1848–1855, оба — Венгерская национальная галерея, Будапешт). Довольно часто он изображал сценки из жизни народа, мифологические или библейские сюжеты. Таковы его картины «Диана и Эндимион при лунном свете» (1853, Венгерская национальная галерея, Будапешт), «Мифологическая сцена на фоне скалистого пейзажа» (1853, частное собрание, Будапешт).

К. Марко Старший. «Пуста», 1853, Венгерская национальная галерея, Будапешт

К. Марко Старший. «Итальянский пейзаж со сценой жатвы», 1848–1855, Венгерская национальная галерея, Будапешт

В 1853 году он посетил Пешт и Вену и в том же году выполнил полотно «Пуста» (Венгерская национальная галерея, Будапешт). На нем изображен луг с колодцем. Чувствуется, что только что прошел дождь, но тучи уже рассеиваются, на небе видна радуга.

К этому же году относится и картина «Альфельдский пейзаж» (Венгерская национальная галерея, Будапешт), в которой мастеру удалось, несмотря на долгое проживание в Италии, показать уголки природы, типичные именно для Венгрии.

В работах Марко высокое мастерство сочетается с умением передавать красоту и богатство природы. Несмотря на некоторую обобщенность, он прекрасно комбинирует характерные элементы. Благодаря средствам цветоперспективы ему удавалось изображать воздух.

Живя в Италии, Марко не терял связи со своей родиной. Он следил за художественной жизнью Венгрии и регулярно посылал туда свои картины, которые неоднократно экспонировались на выставке в Пеште. Его дом постоянно посещали художники-венгры.

За свою жизнь Марко (он умер в возрасте шестидесяти девяти лет) написал множество прекрасных пейзажей. Сегодня они хранятся в музеях Венгрии, а также Вены, Флоренции, Милана, Мюнхена, Копенгагена и в частных собраниях.

 

Констан Тройон

(1810–1865)

Констан Тройон, подобно Теодору Руссо, в своих пейзажах стремился как можно более точно зафиксировать все, что видел вокруг. Хотя его живопись близка к искусству барбизонцев, она лишена той эмоциональности, которая свойственна другим художникам, работавшим в лесу Фонтенбло.

Французский пейзажист Констан Тройон родился в семье севрских мастеров, занимавшихся росписью фарфора. Свой творческий путь он начал именно в этой сфере искусства. Сначала художник покрывал пейзажными мотивами фарфоровые изделия, а затем увлекся живописью маслом.

В ранних работах Тройона чувствуется влияние голландских мастеров XVII века («Дровосеки», 1839, Музей, Ла-Рошель). Специально для Салона художник создавал композиции с христианской тематикой («Товий с ангелом», 1841, Музей Валлраф-Рихартц-Людвиг, Кёльн). Неизгладимое впечатление на молодого живописца произвели картины К. Лоррена. Отсюда и стремление Тройона соединить элементы классического пейзажа с натурными наблюдениями.

В 1841 году Тройон познакомился с художниками-барбизонцами Жюлем Дюпре и Теодором Руссо. С этого времени он начал больше времени посвящать работе с натуры.

К. Тройон. «Приближение грозы», 1851, ГМИИ, Москва

В 1847 году живописец посетил Голландию. Здесь его восхищение вызвали картины голландских мастеров анималистического жанра (в частности, художника XVII века Паулюса Поттера).

Вернувшись на родину, Тройон начал писать композиции, главной темой которых стали домашние животные. Он изображал их на фоне дикой природы или на сельской улице. С большой достоверностью передавал мастер приметы французской деревни, жизнь которой тесно связана с природой. И хотя этим пейзажам присущи черты натурализма, они не лишены поэтического звучания.

Картины Тройона показывают интерес художника к передаче изменчивых состояний природы («Приближение грозы», 1851, ГМИИ, Москва). Живописец стремится запечатлеть золотистый свет предзакатного солнца, пронизывающий стволы и листья деревьев («Возвращение стада», 1856, Музей, Реймс), или показать спокойную атмосферу раннего утра («Отправление на рынок», 1859, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

 

Теодор Руссо

(1812–1867)

Теодор Руссо, автор полных поэтического чувства прекрасных пейзажей, всегда считал, что с помощью искусства можно сделать жизнь человека счастливей. Своим соотечественникам мастер говорил: «Если бы я был королем, я внес бы поэзию в жизнь нации, я поднял бы низшие классы, изуродованные нищетой, и, восстановив красоту человека, я вернул бы ему естественное окружение — пейзаж и небо».

Французский живописец и график Теодор Руссо родился в Париже в семье портного. Родители отдали мальчика в пансион М. Питоле. На уроках маленький Теодор увлеченно рисовал на полях своих ученических тетрадок. Юный художник не расставался с карандашом и во время загородных прогулок. Он рисовал все, что видел вокруг себя.

Каникулы Теодор любил проводить в Компьене, где жил двоюродный брат его матери — живописец По де Сен-Мартен. Дядя писал исторические пейзажи и отдавал испорченные холсты племяннику. Руссо копировал работы Сен-Мартена, но не они, а окружающая природа являлась для будущего пейзажиста источником вдохновения.

Чтобы находиться ближе к природе, юноша устроился секретарем к другу родителей, владельцу лесопилки в Безансоне. Эти живописные места — густые леса, чистые озера, горные гря-ды — восхитили Теодора.

Спустя год Руссо вернулся в Париж и написал свой первый пейзаж. Он твердо решил стать художником. Родители не препятствовали выбору сына и попросили Сен-Мартена проверить, действительно ли у юноши есть способности к рисованию. Дядя увез Теодора в Компьен, где, наблюдая за его работой на натуре, убедился, что племянник действительно талантлив.

Вскоре Руссо начал учиться в мастерской Жозефа Ремона. Ремон обучил Теодора приемам построения классического пейзажа, но это не удовлетворило юношу, желавшего писать то, что видели его глаза. В выходные дни Руссо отправлялся на этюды в окрестности Парижа, а летом уезжал в Компьен, Верберн, Батиньи. Его привлекала естественная, дикая природа. В мастерской Ремона Теодора учили писать облагороженные леса, поля и реки, но молодой художник стремился к реализму и потому вскоре покинул мастерскую.

Летом 1828–1829 годов Руссо работал в Фонтенбло, а зимой отправлялся в Лувр, где делал копии с картин своего любимого пейзажиста Клода Лоррена. Чтобы научиться передавать перспективу и писать лица, он занимался в мастерской Г. Летьера.

Решив окончательно порвать с академической живописью, художник стремился поселиться в месте, где природа еще не тронута человеком. В 1830 году Руссо приехал в Овернь.

Он хотел писать только то, что видел, нисколько не приукрашивая и не изменяя натуру.

Привезенные из Оверни картины и этюды Руссо показал своему бывшему учителю, Ремону. Последний был возмущен тем, что молодой живописец пренебрег приемами создания академического пейзажа. Поддержал Теодора прогрессивный критик искусства А. Шеффер. Он поместил его этюды в своем доме и стал демонстрировать их друзьям и знакомым.

Руссо много путешествовал. В своих поездках он создавал этюды, которые по возвращении в парижскую мастерскую использовал при создании пейзажей. Художник обладал исключительной зрительной памятью, поэтому иногда для написания картины ему было достаточно лишь воспоминаний.

Теодор, восхищавшийся художниками романтического направления (в частности, Э. Делакруа), тем не менее равнодушно относился к спорам романтиков и академистов. Его не волновала политика. Единственным, во что верил мастер, была гармония, которая могла, по его мнению, существовать только в природе. Руссо с возмущением относился к посягательствам на природу, он оберегал растения, боялся причинить вред даже насекомым. Эта огромная любовь к миру животных и растений и побудила художника к созданию реалистических пейзажей.

Т. Руссо. «Опушка леса в Фонтенбло. Заход солнца», 1848–1850, Музей Орсэ, Париж

В 1830 и 1832 годах Руссо побывал в Нормандии. Он работал возле Руана и маленьких городков Мон-Сен-Мишель и Гранвиль.

Среди лучших пейзажей Руссо — картины «Рынок в Нормандии» (1832, Эрмитаж, Санкт-Петербург) и «Вид в окрестностях Гранвиля» (1833, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Эти пейзажи, лишенные романтической окраски, передают красоту обыденного мира. В самых глухих деревушках, заросших лесных чащобах, унылых провинциальных городках мастер умел видеть поэзию. В пейзажах, изображающих раскисшую от дождя проселочную дорогу с редкой растительностью на обочине, заросший пруд, деревенских ребятишек с собакой, крестьянскую телегу, старый плетень, чувствуется огромная любовь художника к родной земле. Руссо ничего не приукрашивает, чувствуется, что именно так должны выглядеть потерявшаяся среди холмов и лесов маленькая французская деревушка, которая угадывается по крышам домиков и струйке дыма, величественные скалы, широкие долины, вид на которые открывается из-за деревьев. Очарование простых и скромных уголков природы подчеркивает негромкая, светлая цветовая гамма пейзажей. К сожалению, с течением времени краски на картинах Руссо утратили свою свежесть и потемнели.

В 1834 году Руссо посетил Швейцарию. Он жил на берегу Женевского озера. Величественная красота альпийской природы поразила художника. Он создал несколько пейзажей с видами Монблана, стремясь передать в них освещение в разное время суток и при различных погодных условиях. Величественное зрелище предстает на картине «Спуск коров с высокогорных пастбищ Юры» (Музей Месдаг, Гаага): большое стадо коров спускается в долину, удаляясь от идущего со стороны ледников холодного дыхания осени. Руссо изобразил торжественную красоту природы в тот момент, когда последние лучи заходящего солнца освещают горы, леса и луга. Пейзаж получился очень красочным и эмоциональным. Свою работу художник попытался выставить в Салоне 1836 и 1837 годов, но оба раза жюри отвергло полотно. За Руссо попытались вступиться прогрессивные критики, но это лишь подлило масла в огонь. Почти на тринадцать лет доступ в Салон для художника был закрыт.

В этот период Руссо стал фактическим основателем барбизонской школы, в которую входили такие известные мастера пейзажа, как Ж. Дюпре, Ш. Ф. Добиньи, К. Тройон и др.

Т. Руссо. «Весна», ок. 1850, Музей Орсэ, Париж

В маленькую деревушку Барбизон Руссо приехал в 1847 году. Причиной этого приезда стали не только личные обстоятельства (разрыв с племянницей Жорж Санд, Августиной, на которой Теодор собирался жениться), но и стремление вырваться из душной атмосферы официального искусства. Вдали от цивилизации, в общении с природой Руссо пытался восстановить душевное равновесие и утвердиться как художник.

Живя в Барбизоне, Руссо протестовал против варварского уничтожения природы. Он осуждал вырубку лесов и потребительское отношение людей к окружающему их миру. Художник наделял растения человеческими качествами, утверждая, что слышит голоса леса и понимает их.

С точностью естествоиспытателя Руссо передает строение, породу, масштабы деревьев («Дубы», 1852, Музей Орсэ, Париж).

Иногда Руссо покидал Барбизон и приезжал в Париж или путешествовал по французским провинциям. В 1857 году он побывал в Пикардии, в 1860 году — во Франш-Конте.

Революция 1848 года оказала огромное влияние на культурную жизнь страны. В этом году картины принимались в Салон без жюри, и Руссо смог участвовать в организации выставки. Вскоре он получил первый в своей жизни государственный заказ и написал картину «Опушка леса в Фонтенбло. Заход солнца» (1848–1850, Музей Орсэ, Париж).

Художник изобразил лес таким образом, что зритель ощущает себя как бы в глубине пространства, в лесу, корорый постепенно редеет, и наконец перед глазами путника открывается чудесная равнина, освещенная неяркими лучами заходящего солнца. Подобный прием открытого переднего плана характерен для многих работ Руссо. Нередко он помещает на первом плане тропинку, приглашающую зрителя ступить на нее и войти в прохладу леса. Пейзаж «Опушка леса в Фонтенбло. Заход солнца» — одна из самых эмоциональных и живых работ зрелого художника.

Постепенно враждебное отношение к Руссо со стороны представителей официального искусства исчезло. Теперь его живопись не кажется неожиданной и непонятной. Появились более решительные в своих творческих исканиях художники — такие, как Г. Курбе и Ж. Ф. Милле.

Т. Руссо. «Дубы», 1852, Музей Орсэ, Париж

В 1852 году Руссо получил от правительства Франции орден. К этой награде его представляли в 1849 и в 1850 годах, но тогда имя художника было вычеркнуто из списка.

Стремившийся нести свое искусство людям, художник пытался сделать его более простым и доступным. Он обратился к технике офорта и стал инициатором проекта на создание лучшими французскими художниками иллюстраций к басням Лафонтена.

И все же Руссо уже отстал от времени. На смену ему пришли молодые и прогрессивные художники. Всегда старавшийся помочь своему народу, он тем не менее не понимал, что уход в «чистый» пейзаж оторвал его от жизни и отодвинул на задний план в искусстве. Но именно теперь Руссо, известный и знаменитый французский мастер, добился того, чего был лишен почти всю жизнь — материального благополучия.

В 1866 году Теодор Руссо стал членом жюри Салона. В 1867 году мастера избрали председателем жюри на Всемирной выставке, где было представлено 13 его работ, выполненных в разные годы. Когда-то эти картины не признавались публикой и критиками, теперь же они вызвали зрительское восхищение.

В последние годы жизни здоровье французского пейзажиста резко пошатнулось.

Из-за психического заболевания жены, закончившегося полным помешательством, Руссо находился в глубокой депрессии. В 1867 году паралич лишил его возможности двигать левыми рукой и ногой. Но художник не сдавался и продолжал создавать чудесные рисунки с изображением природы. 22 декабря в Барбизоне Теодор Руссо скончался.

 

Жан Батист Камиль Коро

(1796–1875)

Камиль Коро своим девизом сделал слова «стойкость и добросовестность». И действительно, добросовестность и трудолюбие — важнейшие качества характера художника. Стойкость также была необходима мастеру, картины которого в Салоне (он начал выставлять там свои работы с 1827 года) помещались в самые дальние и темные углы, и зрители равнодушно проходили мимо них.

Жан Батист Камиль Коро, французский живописец и график, один из основоположников национальной школы пейзажа XIX столетия, родился в Париже в семье владельца модного магазина. Родители хотели, чтобы их сын также занялся торговлей, поэтому всячески препятствовали его увлечению живописью. Лишь в 26 лет Камиль получил возможность заниматься любимым делом.

Учителями Коро были художники-академисты, сначала А. Мишаллон, затем В. Бертен, которые стремились внушить своему воспитаннику, что истинная живопись — это пейзаж со сценой из античной истории или мифологическим сюжетом.

Проучившись три года у Бертена, Коро отправился в Италию. Здесь он пробыл более двух лет (с 1825 по 1828). Эти годы прошли в мучительных поисках собственного пути. Отчаяние от неудач сменялось уверенностью в своих силах. В Италии Коро полностью отказался от академических канонов и понял, что главное для настоящего мастера — следовать природе.

В Италии Коро создал множество этюдов, восхищающих свежестью и необычайной легкостью. В них проявилось замечательное колористическое мастерство художника, его умение передать световоздушную среду. Еще одна характерная особенность итальянских работ Коро — строгость композиционного строя и четкость в распределении планов. Таковы пейзажи «Мост Августа на реке Нера» (ок. 1827, Лувр, Париж), «Колизей» (1826–1828, Лувр, Париж).

В Италии Коро сделал большое количество рисунков, изображающих итальянские пейзажи — скалы и долины.

Вернувшись домой, художник продолжил свои поиски. Он путешествовал по Франции, останавливаясь в приглянувшихся ему городках и селениях. В Нормандии, Бургундии, Пикардии, Бретани, Оверни Коро создал ряд чудесных пейзажей. Среди них «Собор в Шартре» (1830, Лувр, Париж), «Лес в Фонтенбло» (1831, Национальная галерея, Вашингтон), «Вид Суассона» (1833, Государственный музей Крёллер-Мюллер, Оттерло).

К. Коро. «Собор в Шартре», 1830, Лувр, Париж

Коро принадлежит первенство в открытии леса Фонтенбло, который своими могучими дубами и грабами напоминал ему Италию. Лишь спустя некоторое время Фонтенбло стал местом паломничества парижских художников. Коро был первым мастером, писавшим натурные этюды на набережной Сены. Его пейзажи, созданные в этот период, удивительно тонко и реалистично передают живое очарование французской природы.

Тем не менее в Салон Коро посылал картины, выполненные в традициях академического искусства. Среди них не только произведения с античной тематикой («Агарь в пустыне», 1845, «Гомер и пастушки», 1845), но и пейзажи, изображающие уголки Фонтенбло. Они нисколько не похожи на свежие, поэтические этюды, написанные в Фонтенбло. Создавая полотна для Салона, Коро старался на время забыть о своих принципах.

Художник обращался к общепринятым законам построения классического пейзажа, но иногда не мог скрыть те новшества, к которым стремился, и, вероятно, поэтому жюри Салона часто отвергало его картины.

Коро побывал в Италии не один раз: в 1830-х, а затем в 1840-х годах он вновь приезжал в эту южную страну. Здесь художник написал множество пейзажей, пронизанных воздухом и солнечным светом. Большей частью это городские виды с памятниками архитектуры («Утро в Венеции», ок. 1834, ГМИИ, Москва). Уже в это время Коро начинает интересовать передача различных состояний природы.

Со временем красота южной природы перестает привлекать художника. Излюбленными темами его творчества становятся уголки Франции: старинные города Иль-де-Франса, морское побережье, сельские ландшафты. В этих пейзажах очень ярко проявляется интерес мастера к передаче изменчивых состояний окружающей среды. Коро пишет этюды в разное время суток: утром, когда очертания предметов только начинают проявляться сквозь туманную дымку, или вечером, когда сумрак окутывает землю.

К. Коро. «Утро в Венеции», ок. 1834, ГМИИ, Москва

К. Коро. «Тиволи, сады виллы д'Эсте», 1843, Лувр, Париж

Показывая трепетность воздуха и эффекты света в пасмурные или ясные дни, художник создавал глубоко эмоциональные пейзажи, отражающие душевные состояния человека. Коро ставил перед собой цель с помощью картин передать свои чувства зрителю. Он писал: «Если мы действительно растроганы, искренность нашего переживания передается другим». Многие произведения Коро глубоко лиричны. Среди них мажорные пейзажи «Колокольня в Аржантёе» (ГМИИ, Москва) и «Воз сена» (ГМИИ, Москва). Другие картины, как, например, «Порыв ветра» (1865–1872, Музей, Реймс), полны тревожной напряженности. На фоне мрачного вечернего неба четко вырисовываются силуэты деревьев. Их ветви гнутся от сильного ветра. По дороге, пытаясь уйти от надвигающейся бури, спешит крестьянка. Бурное движение, охватившее природу, подчеркивают динамичные линии и густые, пастозные мазки.

Цветовая гамма всегда играет огромную роль в создании эмоциональной выразительности в пейзажах Коро. Чаще всего художник использует сочетания голубых, оливково-зеленых, серебристо-серых оттенков. Негромкие краски, мягкие цветовые градации, тончайшие светотеневые переходы помогают создать ощущение реальности изображаемого («Замок Пьерфон», 1850–1860-е, Художественный музей им. А. Н. Радищева, Саратов).

В пейзажах Коро почти всегда присутствуют следы человеческого пребывания. Это может быть маленький домик или старинный замок с ведущей к нему дорогой. Нередко художник оживляет изображение природы фигурами людей: крестьян, пастухов, рыбаков, мифологических персонажей, нимф и пастушек. В 1860–1870-е годы, когда к Коро наконец пришла известность, на него посыпались заказы на пейзажи с нимфами. Большим успехом пользовались картины, подобные романтической композиции Коро «Воспоминание о Мортефонтене» (1864, Музей Орсэ, Париж). На полотне — озеро, окруженное деревьями. Поэзией дышит пробуждающаяся от ночного сна природа. На фоне чудесного ландшафта женщина и дети в ярких одеждах рвут цветы.

К. Коро. «Воспоминание о Мортефонтене», 1864, Лувр, Париж

К. Коро. «Мост в Манте», 1868–1870, Лувр, Париж

Пейзажи Коро очень музыкальны. В плавном движении линий, в цветовых градациях, в повторяющихся ритмичных формах ощущается музыка, которую художник любил и понимал. Увидев расстилающуюся перед ним долину, он мог сказать: «Какая гармония, какое величие! Как будто это создано Глюком».

В творческом наследии Коро, помимо пейзажей, множество портретов, в которых чувствуется искренняя симпатия автора к моделям (художник писал портреты близких ему людей, друзей и родственников).

Коро был не только замечательным художником, но и прекрасным человеком. В годы Франко-прусской войны 1870–1871 годов он передавал крупные денежные суммы полевым госпиталям. Жертвовал он и на нужды обороны. Для своих учеников, среди которых множество известных мастеров (А. Сислей, К. Писсарро, О. Домье), Коро всегда был хорошим учителем и другом. Современники живописца вспоминали, что, когда у Домье не оказалось денег, чтобы внести плату за аренду дома, где он жил, Коро купил этот дом и подарил его Домье.

Творчество французского мастера высоко ценили многие знаменитые художники. Большое влияние его искусство оказало на импрессионистов.

 

Жан Франсуа Милле

(1814–1875)

Живопись Франсуа Милле проникнута чувством печали и одиночества. Художник объяснял это так: «Жизнь никогда не оборачивалась ко мне радостной стороной, я не знаю, где она, я ее никогда не видел. Наиболее веселое из того, что я знаю, — это покой, тишина, которыми так восхитительно наслаждаешься в лесах или на пашнях, все равно, пригодны они для обработки или нет; согласитесь, что это всегда располагает к мечтательности грустной, хотя сладостной».

Французский пейзажист Жан Франсуа Милле родился недалеко от города Шербура в семье простого крестьянина. С детства в нем воспитывалось уважение к старым национальным традициям, и это не могло не сказаться на творчестве художника. Рисовать Милле начал еще ребенком. Он часами бродил по полям и лесам, наслаждаясь красотой родной природы, и иногда останавливался, чтобы зарисовать понравившийся ему вид.

Мастерству живописца юный Жан начал обучаться в своем родном городе сначала у Мушеля, а затем у Ланглуа, воспитанника А. Гро. Вскоре Милле смог отправиться в Париж, где стал посещать мастерскую П. Делароша. У этого модного мастера исторического жанра юноша проучился недолго. Далее он занимался самостоятельно, копируя картины известных мастеров в Лувре, где его особенно привлекали произведения А. Ватто и Ф. Буше.

Ранние работы Милле характеризуются яркостью колорита, резкими цветовыми контрастами, что придает им декоративный характер.

В середине 1840-х годов художник написал несколько композиций с мифологической тематикой и ряд портретов, отразивших его увлечение античным искусством. Новый этап в творчестве Милле открылся картиной «Веяльщик» (частное собрание, США), продемонстрированной в 1848 году в Салоне. С этого времени почти все свои работы художник посвящал жизни сельских тружеников и родной природе, которую он самозабвенно любил.

Ж. Ф. Милле. «Мертвая береза; перекресток Эпин, лес Фонтенбло», 1866–1867, Музей изящных искусств, Дижон

В конце 1840-х годов появились ясные по своему композиционному строю и приглушенные по колориту картины, изображающие крестьян за работой или в краткие минуты отдыха («Отдых на покосе», 1849, Лувр, Париж; «Сеятель», 1849–1850, Художественный музей, Бостон; вариант — Метрополитен-музей, Нью-Йорк). В этих жанровых сценах важное место занимает пейзаж, который является не столько фоном, сколько способом передачи настроения героев.

В конце 1840-х годов Милле оставил Париж и отправился в Барбизон. В этой живописной деревушке, ставшей местом паломничества французских пейзажистов, он познакомился с Т. Руссо. Под влиянием последнего Милле стал более внимательно относиться к натуре и больше времени проводить на пленэре.

К началу 1850-х годов относится ряд произведений, в которых мастер обращается к прежним мотивам («Молодая пастушка», 1850-е, Музей изящных искусств, Бостон; «Швея», 1853, Лувр, Париж; «Отдых жнецов», ок. 1853, Музей изящных искусств, Бостон). Последняя картина была выставлена в 1853 году в Салоне.

Своих героев Милле не приукрашивает. Его полотна откровенно и реалистично показывают зрителю измученных непосильным трудом и нуждой людей («Человек с мотыгой», 1863, частное собрание, Сан-Франциско). Но тем не менее персонажи этих картин не кажутся жалкими и униженными, они полны достоинства и по-своему красивы.

Раскрыть внутренний мир людей, изображенных в произведениях Милле, помогают образы природы. Мрачный темный лес на полотне «Сидящая крестьянка» (1849, Музей изящных искусств, Бостон) соответствует настроению молодой женщины, погруженной в глубокое раздумье. Бескрайние поля, полные тишины и покоя, созвучны чувствам погруженных в молитву супругов, оставивших работу при первых звуках колокольного звона в картине «Анжелюс, или Вечерний звон» (1859, Музей Орсэ, Париж).

Ж. Ф. Милле. «Церковь в Гревилле», 1871, Лувр, Париж

Человек занимает важное место в живописи Милле, но есть в его творчестве и безлюдные пейзажи, где природа выходит на первый план. Среди них проникнутые печалью и одиночеством картины «Зимний пейзаж с воронами» (1862, Музей истории искусства, Вена), «Мертвая береза; перекресток Эпин, лес Фонтенбло» (1866–1867, Музей изящных искусств, Дижон).

Полотна, написанные мастером в конце 1860 — начале 1870-х годов более жизнерадостны. Свое внимание автор акцентирует на изображении природы, излучающей солнечный свет и тепло. Таковы картины «Церковь в Гревилле» (1871, Лувр, Париж), «Молодая пастушка» (1872, Музей изящных искусств, Бостон) и др.

 

Гюстав Курбе

(1819–1877)

Родители Гюстава Курбе мечтали, чтобы их сын стал юристом, и не верили, что из него может получиться хороший художник. Когда сын показал отцу свои первые пейзажи, Курбе-старший, владевший довольно большой фермой, заявил: «Твоя трава никуда не годится: мои коровы на нее не польстились бы». Но эта оценка не обескуражила молодого живописца, твердо решившего добиться своей цели, чего бы это ему ни стоило.

Французский живописец, график и скульптор Гюстав Курбе родился в местечке Комб-о-Ро недалеко от провинциального городка Орнана в семье зажиточного фермера, владевшего обширными землями и большим домом.

С детства Гюстав любил природу, поэзию и музыку, а вовсе не те науки, которыми ему приходилось овладевать в орнанской школе, а затем в коллеже Безансона, куда он поступил в возрасте восемнадцати лет. Родители хотели, чтобы сын после окончания коллежа стал студентом Политехнической школы, но Курбе не питал пристрастия к математике и латыни, его увлекали музыка и живопись. В Безансоне юноша начал посещать рисовальную школу, занимаясь у ученика знаменитого Ж. Л. Давида, Ш. А. Флажуло. Гюстав проявил такие способности, что вскоре товарищи стали называть его «королем красок». На летние каникулы Курбе приезжал к родителям в Орнан. Он целыми днями пропадал в окрестностях города, где делал зарисовки с натуры.

В 1840 году юноша приехал в Париж. Ему пришлось подчиниться желанию отца и поступить в школу права. Но Курбе по-прежнему мечтал стать художником. Он посещал Лувр и другие музеи, копировал картины знаменитых мастеров (особенно привлекали Гюстава работы Рембрандта, Д. Веласкеса, Х. Риберы, Т. Жерико и Э. Делакруа). В студии Сюиса Курбе старательно рисовал натурщиков.

Жизнь в Париже была нелегкой для начинающего художника. Его картины не находили покупателей. Он жил в маленькой дешевой квартире на улице Бюси и постоянно испытывал недостаток денег. Отец, недовольный выбором сына, ограничил его в средствах, и Курбе часто голодал. Но самым неприятным для него было то, что рисовать приходилось на оберточной бумаге.

Однако молодость и упорство помогли художнику выстоять. Вскоре Гюстав смог снять собственную мастерскую.

В первых романтических композициях Курбе чувствуется влияние Т. Жерико и Э. Делакруа. В эти годы он создал несколько портретов и картин с религиозной тематикой. Одна из таких работ — «Автопортрет с черной собакой» (1844, Музей изящных искусств, Париж) — была выставлена в 1844 году в Салоне.

Спустя два года случай свел художника с нидерландским торговцем произведениями искусств Ван Висселингом, благодаря которому Курбе смог посетить Голландию. Он побывал в голландских музеях и картинных галереях, где огромное впечатление на него произвели полотна Рембрандта и Ф. Халса. По заказу Ван Висселинга Курбе написал ряд картин.

Одна из самых известных работ этого времени — композиция «Послеобеденный отдых в Орнане» (1849, Дворец изящных искусств, Лилль). Несмотря на черты сентиментальности, в ней ясно видно стремление молодого художника к реализму. Полотно было куплено музеем. Автору оно принесло медаль второго класса. Но первый успех не изменил материального положения Курбе. Живопись все еще не приносила ему достаточных средств к существованию. Чтобы поддержать сына, родители продали один из своих земельных участков.

Г. Курбе. «Лодка на берегу», 1863, Метрополитен-музей, Нью-Йорк

Реалистический метод, к которому обратился Курбе, потребовал новых художественных приемов. Важнейшим из них стала тональная живопись. Создавая свои работы, мастер вначале писал темными красками, а затем переходил к более светлым, добиваясь таким образом необыкновенной убедительности в изображении окружающей действительности.

В своих работах Курбе смело объединял различные художественные жанры. Во многих его картинах есть элементы портрета, пейзажа и бытовой композиции («Здравствуйте, господин Курбе», 1854, Музей Фабр, Монпелье; «Маленькие англичанки у открытого окна на берегу моря», 1865, Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген; «Девочка с чайками», 1865, собрание Поля Розенберга, Париж).

Стремление мастера показать зрителю неприкрашенную правду жизни вылилось в создание реалистичных картин, среди которых наибольшую известность получило большое полотно «Похороны с Орнане» (1849, Лувр, Париж) и картина «Каменотесы» (1849–1850, ранее в Дрезденской галерее, погибла во время Второй мировой войны). Представители официального искусства встретили работы Курбе в штыки. В чем только не обвиняли художника критики. Его живопись называли вульгарной, тенденциозной. Курбе упрекали даже в незнании элементарных законов создания картины.

Официальные круги отвергали и те работы Курбе, в которых не было никаких социальных идей. Критика обрушилась даже на поэтическую композицию «Деревенские барышни» (1851), в которой художник изобразил своих сестер, милых и грациозных девушек, на фоне чудесного сельского ландшафта.

Г. Курбе. «Этрета», 1869, Лувр, Париж

Значительное место в творчестве Курбе занимает пейзаж. Особый интерес к этому жанру проявился у художника в середине 1860-х годов. Работая на природе, мастер подолгу наблюдал за жизнью животных и растений. Он стремился достоверно точно передать все, что видел вокруг себя («Косули у ручья», 1866, Лувр, Париж).

Пейзажи Курбе показывают, что художник увлечен передачей изменчивых состояний природы («Деревня под снегом», ок. 1865–1870, Штеделевский художественный институт, Франкфурт-на-Майне). В зависимости от времени суток и погодных условий меняется освещение и цвета, окрашивающие предметы. В результате постоянной работы на пленэре палитра мастера стала более светлой, а пространство его картин наполнилось воздухом.

Стремясь передать трудноуловимые изменения в природе, Курбе обратился к теме моря. Множество морских пейзажей было выполнено мастером в 1860–1870-х годах. Стихия на полотнах Курбе всегда разная. В одних композициях она спокойная и ласковая («Море у берегов Нормандии», 1867, ГМИИ, Москва), в других — волнующаяся и величавая («Волна», 1870, Лувр, Париж). Художнику важно передать материальную сущность окружающего мира, поэтому его реалистичные марины совсем не похожи на романтические картины Дж. Тёрнера.

Г. Курбе. «Деревня под снегом», ок. 1865–1870, Штеделевский художественный институт, Франкфурт-на-Майне

Г. Курбе. «Волна», 1870, Лувр, Париж

Пейзажи Курбе — живописный гимн природе. Они воспевают величие и мощь моря, торжественную красоту лесов, горных вершин, водопадов («Водопад в Конше», 1864, Музей, Безансон; «Хижина в горах», ГМИИ, Москва и др.).

Приверженец реалистического искусства, человек прямой и правдивый, Курбе в 1870 году отказался от ордена Почетного легиона, посчитав, что таким образом правительство пытается подкупить его.

Он написал министру изящных искусств: «…Пусть скажут обо мне: он никогда не принадлежал ни к какой школе, ни к какой церкви, ни к какому учреждению, ни к какой академии, в особенности ни к какому режиму, как только к режиму свободы».

В 1871 году, в дни Парижской коммуны, Курбе открыто встал на сторону революционеров. Избранный председателем федерации художников, он принимал участие в мероприятиях Коммуны в сфере культуры. После разгрома Парижской коммуны власти обвинили художника в уничтожении Вандомской колонны. На самом деле Курбе лишь предлагал убрать ее с площади и перенести в другое место, но народ разрушил этот символ монархической власти.

Курбе арестовали и посадили за решетку. Через шесть месяцев он был освобожден. В 1873 году преследования властей возобновились: за разрушение колонны с художника требовали огромный штраф. Курбе пришлось оставить Францию и тайком перебраться в Швейцарию. Его имущество и картины на родине были распроданы с аукциона. Все эти неприятности сказались на здоровье живописца. 31 декабря 1877 года Гюстав Курбе, измученный и больной, скончался на чужбине. Его прах был перевезен во Францию лишь в 1919 году.

 

Ян Бартолд Йонгкинд

(1819–1891)

Йонгкинд много путешествовал по Франции, бывал в Бельгии, Швейцарии и других странах Европы. Во время поездок он не расставался с этюдником, в котором изображал понравившиеся виды. Большинство своих полотен Йонгкинд также написал с натуры.

Голландский живописец, рисовальщик и гравер Ян Бартолд Йонгкинд родился в Латропе неподалеку от Роттердама. О его семье и детских годах сведений почти не сохранилось. Когда Яну исполнилось восемнадцать лет, он переехал в Гаагу и поступил в Академию художеств. Его учителем был мастер пейзажа Э. Скельфхаут. На формирование художественной манеры Йонгкинда оказали влияние голландские пейзажисты XVII столетия, о чем свидетельствуют такие картины, как «Вид Делфта» (1844, Маурицхейс, Гаага), «Канал» (1845, Рейксмузеум, Амстердам), «Конькобежцы» (Музей Бойманса ван-Бёнингена, Роттердам) и «Зима» (Маурицхейс, Гаага). Все эти и другие ранние работы художника отличаются большой реалистичностью и точностью в изображении деталей.

В 1845 году Йонгкинд встретился с Э. Изабе и совершил вместе с ним поездку в Париж. Художник гулял по французской столице и делал зарисовки понравившихся ему архитектурных видов. Кроме того, он учился живописи у своего друга Э. Изабе и Ф. Э. Пико. Во время проживания в Париже Йонгкинд написал несколько полотен, на которых запечатлел виды Парижа. Самыми известными картинами этого периода являются «Сена у Понт-Мари в Париже» (1851, Кунстхалле, Гамбург) и «Набережная Орсэ» (1852, Музей Салье, Баньер-де-Бигор).

Я. Йонгкинд. «Набережная Орсэ», 1852, Музей Салье, Баньер-де-Бигор

В 1855 году Йонгкинд снова переехал в Голландию, где прожил два года. За это время он успел создать большое количество пейзажей, выполненных в стиле художников барбизонской школы. Наиболее удачными среди них критики называют полотна «В окрестностях Бреды» (1855, частное собрание, Голландия), «Гавань в Роттердаме» (1856, Рейксмузеум, Амстердам), «Оверсхи» (1856, Городской музей, Друэ) и «Мельница» (1857, Рейксмузеум, Амстердам).

В 1857 году Йонгкинд вернулся в Париж, а в середине 1860-х годов снял мастерскую на Монмартре, в которой работал на протяжении последующих лет. В 1863 году художник совершил непродолжительную поездку в Нормандию, во время которой писал виды порта Онфлёр. После возвращения он показал несколько своих картин в Салоне отверженных.

Живя в Париже, Йонгкинд писал виды наиболее знаменитых зданий и сооружений («Мост Нотр-Дам», 1862, Лувр, Париж; «Собор Парижской Богоматери», 1863, частное собрание, Париж; «Набережная канала», 1869, ГМИИ, Москва). Тогда же, используя свои наброски, выполненные во время поездки в Нормандию, он написал картину «Порт Онфлёр» (1864, частное собрание, Франция). В этих работах художник сделал попытку изобразить воздушную среду, растворяющую четкие контуры зданий и мостов. Немного позже новые живописные приемы, использованные Йонгкиндом, были взяты на вооружение будущими импрессионистами.

Я. Йонгкинд. «Набережная канала». Фрагмент, 1869, ГМИИ, Москва

В 1871 году художник совершил поездку по городам Франции: он побывал в Авиньоне, Марселе и Тулоне, затем посетил Швейцарию. Во время путешествия он продолжал писать с натуры, однако эти работы значительно уступали его прежним произведениям: они лишились непосредственности и свежести. Многие из них повторяли сюжеты более ранних картин («Заход солнца в Голландии», 1872, частное собрание, Франция; «Порт Роттердама», 1872, частное собрание, Нидерланды).

В 1882 году в Париже прошла персональная выставка картин Йонгкинда. Вскоре после этого он переехал в городок Ла-Ко-Сен-Андре неподалеку от Гренобля, где и провел последние годы своей жизни. Работы этого времени изображают главным образом окрестные пейзажи («Мост около Гренобля», 1883, Лувр, Париж; «Ла-Ко-Сен-Андре», 1883, Маурицхейс, Гаага).

Ян Бартолд Йонгкинд умер в возрасте семидесяти двух лет. Его творчество (особенно акварельные работы) оказало большое влияние на формирование пленэрной живописи 1860–1870-х годов. У голландского мастера учились братья Марис, ставшие впоследствии знаменитыми пейзажистами.

 

Эжен Буден

(1824–1898)

Пейзажи Будена полны поэзии. Художник видел красоту в самом обычном пейзажном мотиве: одинокой прибрежной скале, пустынной песчаной отмели, безлюдном пляже. В сочетании с высоким, чистым или покрытым легкими, прозрачными облачками небом эти мотивы казались живописными и волшебными.

Французский художник Эжен Буден родился в Онфлёре в семье моряка. С детства Эжен мечтал рисовать. Так как родители не имели возможности платить за его обучение, он стал изучать живопись самостоятельно.

В 1844 году Буден открыл в Гавре окантовочную мастерскую и выставил в витрине пейзажи Милле, Тройона и Кутюра. Именно эти художники разглядели в Будене талант и убедили его заняться живописью. Он последовал их советам и через три года переехал в Париж. Он писал столицу и ее окрестности, посещал Лувр и выполнял копии с полотен прославленных мастеров прошлого.

В 1850 году Буден послал два своих пейзажа на выставку «Друзей искусства», проходившую в Гавре. Его работы понравились, и художник в качестве поощрения был награжден стипендией, которую исправно получал от муниципалитета города в течение трех лет. Начиная с 1863 года Буден регулярно выставлял свои работы в Салоне. Он часто писал пляжи в Нормандии и Бретани, причем предпочитал работать не в мастерской, а под открытым небом. Он утверждал, что только на природе возможно «правдиво и сильно» передать особенности световоздушной среды, сочетание света и тени и т. д. Живопись Будена близка к искусству импрессионистов. Художник помогал советами многим начинающим представителям этого направления (в том числе К. Моне) и в 1874 году принял участие в импрессионистической выставке.

Э. Буден. «Императрица Евгения на пляже в Трувиле», 1863, Художественная галерея и музей, Глазго

Среди многочисленных произведений Будена зрелого периода необходимо упомянуть «Императрицу Евгению на пляже в Трувиле» (1863, Художественная галерея и музей, Глазго); «Кринолины на пляже в Трувиле» (1869, частное собрание, Париж), «Пляж в Трувиле» (1871, ГМИИ, Москва).

Буден много путешествовал. Он побывал в Бельгии, Голландии, посетил Италию («Венеция», 1897, Музей изящных искусств, Гавр).

 

Клод Моне

(1840–1926)

Знаменательным событием для мирового искусства стало появление пейзажа Клода Моне «Впечатление. Восход солнца». Именно благодаря названию этой картины родился новый термин — «импрессионизм» (франц. impression — «впечатление»). Художников, отверженных Салоном и добропорядочной буржуазной публикой, впервые назвал импрессионистами репортер Луи Леруа, побывавший на их выставке. Леруа вложил в это слово, такое привычное для нас теперь, всю насмешку и пренебрежение к «мазилам», не способным, по его мнению, создать что-то стоящее.

Французский живописец Клод Оскар Моне родился в Париже в семье владельца маленькой бакалейной лавки. Когда Клод был еще совсем юн, его родители переехали из Парижа в Гавр. Любовь к искусству вылилась у будущего художника в создание смешных карикатур. Изучая рисунки карикатуристов в журналах и газетах, мальчик рисовал шаржи на учителей и школьных товарищей.

Стремясь заработать, Моне начал продавать свои карикатуры, которые вскоре стали пользоваться у жителей города большой популярностью. Произведения молодого художника увидел известный французский пейзажист Эжен Буден. Он сразу понял, что у юноши есть талант. С этого времени Буден стал учителем Клода. Вдвоем они отправлялись в Онфлёр, чудесное местечко в Нормандии, привлекавшее многих пейзажистов.

Буден учил Клода видеть природу глазами художника, примечать все, что недоступно глазу человека, далекого от живописи.

Отец Моне был против выбора сына, но вскоре ему пришлось смириться. Он даже обратился в местный муниципалитет с просьбой о предоставлении Клоду стипендии, что дало бы юноше возможность обучаться в Париже.

Попытки отца помочь сыну не увенчались успехом, но Моне все равно оказался в Париже. Он мог бы попытаться поступить в Школу изящных искусств, но вместо этого начал заниматься в студии Сюиса, где собирались художники реалистического направления. Здесь Моне впервые увидел Камиля Писсарро. Вскоре художники подружились.

Отказ Клода от обучения в Школе изящных искусств вызвал гнев его отца, лишившего сына материальной поддержки. Вскоре молодого художника призвали в армию, от которой он мог бы откупиться, но отец твердо стоял на своем: денег он даст только в том случае, если сын бросит занятия живописью и вернется домой, в отцовский магазин.

Моне служил в Алжире. Спустя два года он подхватил лихорадку и вернулся домой, в Гавр, где с радостью начал опять ездить на этюды с Буденом.

Осенью 1862 года молодой художник вновь приехал в Париж. По желанию отца он начал учиться у популярного в то время художника О. Тульмуша. О творчестве этого модного и почитаемого живописца один из его современников сказал: «Это прелестно, очаровательно, красочно, изысканно и тошнотворно».

Вскоре Тульмуша сменил Ш. Г. Глейр, автор картин на исторические и мифологические сюжеты, преподававший в Школе изящных искусств. В мастерской Глейра Моне познакомился с молодыми художниками: О. Ренуаром, А. Сислеем, Ф. Базилем. Дружеские узы связывали его с Фредериком Базилем. В 1864 году они сняли на двоих крошечную мастерскую. Вместе живописцы ездили на этюды в Фонтенбло.

В ранних работах Моне ощущается влияние Будена, ставшего главным учителем молодого мастера. Пейзажам этого времени присуща ясная, тщательно продуманная композиция, приглушенная цветовая гамма, основанная на серо-голубых и зеленовато-желтых тонах. Таковы панорамные морские виды «Маяк в Онфлёре» (1864, частное собрание, Швейцария), «Берег близ Онфлёра» (1864, частное собрание).

В 1865 году свершилось то, о чем Моне мечтал: один из его пейзажей приняли в Салон. Критики похвалили полотно, правда, из-за сходного звучания фамилий его авторство отнесли к другому художнику, Эдуарду Мане, чьим творчеством Клод всегда восхищался.

С этих пор свои работы молодой живописец подписывал полным именем: Клод Оскар Моне.

Мане был кумиром будущих импрессионистов. Тема его скандально известного полотна «Завтрак на траве», представленного в 1863 году в Салоне отверженных, привлекла Моне, решившего написать подобный «Завтрак», но на открытом воздухе. Работу над композицией Клод начал в Фонтенбло, в Шайи. Позировали ему Фредерик Базиль и юная Камилла-Леония Донсье, позднее ставшая женой Моне.

«Завтрак на траве» не был завершен. Моне уехал в Париж, а свою незаконченную картину оставил в уплату за жилье, арендуемое им в Шайи. Владелец полотна не сберег его, и теперь представление о погибшей работе Моне дает его уменьшенная копия, хранящаяся в Москве в Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, да луврские эскизы.

В Париже художник написал портрет Камиллы (на это ему потребовалось всего четыре дня!). Картина, получившая название «Дама в зеленом» (Кунстхалле, Бремен), была показана в Салоне. Следующую работу, более светлое и воздушное полотно «Женщины в саду» (1867, Лувр, Париж), жюри Салона отвергло. Моне продолжал работать, но его картины по-прежнему отвергались. Не выставляясь, он не мог создать себе имя и в результате почти ничего не продавал. Талантливый мастер вынужден был голодать и с трудом находить деньги на покупку холстов и красок.

Пленэрные искания художника отразились в картине «Терраса в Сент-Андрессе» (1866, Метрополитен-музей, Нью-Йорк), соединившей в себе черты пейзажа и портрета. Моне изобразил на фоне моря своих родственников: отца, сидящего в кресле, и тетку, мадам Лекадр, стоящую под зонтом. Мастер выбрал точку зрения сверху (скорее всего, он писал картину из окна дома, располагавшегося рядом с набережной). В дальнейшем подобное построение можно будет увидеть в знаменитом пейзаже Моне «Бульвар Капуцинок».

Художник писал море против света, поэтому силуэты парусников и кораблей получились темными. Картина пронизана ярким солнечным светом. Великолепна ее цветовая гамма: бирюзовые морские волны, красные, желтые, зеленые пятна клумбы, украшающей набережную, звучные цвета национального флага, развевающегося на ветру.

К. Моне. «Терраса в Сент-Андрессе», 1866, Метрополитен-музей, Нью-Йорк

К. Моне. «Лягушатник», 1869, Метрополитен-музей, Нью-Йорк

В конце 1860-х годов вместе с Огюстом Ренуаром Моне работал над этюдами в «Лягушатнике». Так назывались купальни на берегу Сены. В выходные дни, взяв детей и корзинки с провизией, в «Лягушатник» устремлялись парижане. Именно здесь проявился новый метод Моне. Художник отказался от строгого разграничения света и цвета, линии на его картинах потеряли свою четкость. Особенно хорошо заметны эти приемы в пейзаже «Лягушатник» (1869, Метрополитен-музей, Нью-Йорк). Теперь для Моне главное — передать свое впечатление от чудесного уголка и запечатлеть бурлящую вокруг него жизнь: движение воды, солнечные блики, нарядную толпу отдыхающих.

Франко-прусская война 1870–1871 годов заставила художника эмигрировать в Англию. Моне жил в Лондоне вместе с Камилем Писсарро. В Англии французских мастеров поразила живопись Дж. Тёрнера и особенно его умение посредством разнообразных оттенков передавать белый цвет. Вскоре Моне отправился в Голландию. Его спутником был пейзажист Шарль Добиньи. Голландские впечатления легли в основу картин с изображением каналов и мельниц («Фоорзан близ Заандама», 1871, частное собрание; «Мельница в Амстердаме», 1874, частное собрание).

Расцвет творчества Моне начинается в Париже, куда художник вернулся после окончания войны. В 1872–1873 годах он создал лучшие свои работы. Среди них «Впечатление. Восход солнца» (1872, Музей Мармоттан, Париж), «Сирень на солнце» (1873, ГМИИ, Москва), «Бульвар Капуцинок» (1873, ГМИИ, Москва), «Поле маков у Аржантёя» (1873, Музей Орсэ, Париж).

К. Моне. «Бульвар Капуцинок», 1873, ГМИИ, Москва

К. Моне. «Лодки и мост в Аржантёе», 1874, Музей Орсэ, Париж

Интересен пейзаж «Сирень на солнце», которому Осип Мандельштам посвятил свое знаменитое стихотворение «Художник нам изобразил глубокий обморок сирени…». На картине изображены две женщины под сенью больших кустов буйно цветущей сирени. Автор трактует человеческие фигуры так, что они кажутся частью пейзажа. Моне с огромным мастерством передает разливающееся в пространстве тепло июньского дня, свежесть цветов и нежной зелени листвы.

Другой пейзаж — «Бульвар Капуцинок» — ярко демонстрирует зрителю художественные приемы, разработанные импрессионистами. Словно фотограф, Моне запечатлел на холсте краткое мгновение быстротекущей, бурной жизни французской столицы. Очень убедительно показаны приметы города: размеренное движение улицы, чуть влажный, вибрирующий воздух, зимнее солнце, скользящее по голым ветвям деревьев. И хотя это всего лишь мимолетный кадр, случайно выхваченный из беспрерывного потока бытия, в картине чувствуется незримое авторское присутствие. Чтобы подчеркнуть эту кажущуюся случайность, мимолетность, Моне использует композиционный прием, часто встречающийся в произведениях других импрессионистов. Он как бы обрезает рамой правый край полотна, где изображены стоящие на балконе люди.

В 1874 году Анонимное общество живописцев организовало выставку, ставшую знаменательным событием в истории импрессионизма. Среди работ, показанных Моне на этой выставке, был пейзаж «Впечатление. Восход солнца», первоначально названный мастером «Восход солнца в Гавре». Эдмон Ренуар, брат художника Огюста Ренуара, заметив, что название не соответствует авторскому замыслу, убрал сочетание «в Гавре» и прибавил новое слово «Впечатление». Ему и в голову тогда не приходило, какую роль сыграет изменение в названии.

Подобно Тёрнеру, Моне не стремился к передаче материальной сущности предметов. Его интересовала главным образом та среда, в которой находятся эти предметы. И неважно, что цветы и деревья, вода и небо, песок и трава на самом деле выглядят иначе, если рассматривать их вне окутывающего их воздуха, делающего все детали пейзажа вибрирующими и трепетными.

Среди мотивов, к которым обращался художник, пытавшийся запечатлеть на холсте изменчивость природы, важное место занимает вода. Поселившись в Аржантёе, Моне создает множество пейзажей с видами Сены. Он пишет ее зеленоватую воду, парусники, мосты, берега, поросшие деревьями.

Летом 1874 года в лодке, приспособленной под художественную мастерскую, Моне отправился в путешествие. В результате появилось множество прекрасных пейзажей, посвященных реке. Эдуард Мане называл Моне «Рафаэлем воды», чувствующим «все ее движение, всю ее глубину, все изменения в разные часы дня». Справедливость этих слов подтверждают такие картины Моне, как «Лодки и мост в Аржантёе» (1874, Музей Орсэ, Париж), «Регата в Аржантёе при пасмурном небе» (1874, Музей Орсэ, Париж) и др.

В 1877 году появляется серия работ Моне с изображением вокзала Сен-Лазар («Вокзал Сен-Лазар», 1877, Музей Орсэ, Париж), обозначившая постепенный переход художника к пейзажам с определенными сюжетными мотивами.

Жизнь художника была полна материальных трудностей и лишений. Деньги, оставленные отцом жены Камиллы, очень быстро закончились. Нужно было платить за аренду дома, покупать кисти, краски, холсты. Картины же не находили покупателей.

В 1878 году Камилла, ожидавшая второго ребенка, тяжело заболела. Друзья художника, как могли, помогали ему. В марте 1878 года на свет появился второй сын Моне, а в сентябре 1879 года Камилла умерла.

Заботу об осиротевшей семье взяла на себя Алиса Гошеде. Позднее она стала второй женой художника.

В начале 1880-х годов Моне путешествовал по Франции. Он искал новые мотивы для своих работ. В этот период появились его знаменитые марины, в которых выразилось восхищение мастера красотой и великолепием природы («Скалы в Фекане», 1881, частное собрание; «Обрыв в Дьеппе», 1882, Кунстхалле, Цюрих; «Ворота Маннпор в Этрета», Метрополитен-музей, Нью-Йорк). Эти пейзажи показывают, что если прежде Моне интересовали непритязательные, лишенные эффектности пейзажи, то теперь его влечет иная природа: грозные скалы и бескрайние морские просторы. И еще одна характерная деталь: картины, написанные в 1880-х годах, лишены прежнего светлого и радостного чувства, гармонии, присущей аржантейским пейзажам.

Изменение в живописи Моне не прошло незамеченным для публики и критиков. Так, в конце 1870-х годов зрители поражались обилию сине-лиловых оттенков в картинах импрессионистов. Многие наивно объясняли их присутствие необычным устройством зрения художников, якобы видевших мир в лиловых тонах. Художественный критик и писатель Ш. М. Ж. Гюисманс даже объявил, что импрессионисты страдают «индигоманией» — необычным заболеванием глаз, не позволяющим им видеть окружающие предметы так, как их видят все нормальные люди. Когда живописцы начали постепенно отходить от своих прежних принципов, Гюисманс радостно возвестил, что они наконец-то вылечились.

В 1882 году он писал об увиденных на выставке импрессионистов картинах Моне: «К счастью, художнику удалось восстановить свое здоровье; видимо, он решил больше не малевать как попало бесчисленное количество картин. Мне кажется, он взял себя в руки и достиг хорошего результата…».

В 1883 году в Париже прошла персональная выставка Клода Моне. В прессе появились статьи, авторы которых положительно отзывались о произведениях художника. Все отмечали его высочайшее мастерство в передаче света и воздуха. В одном издании появились следующие слова: «Ученый мог бы определить по Моне, сколько азота и кислорода содержит воздух».

Доходы художника, прежде прозябавшего в бедности, значительно увеличились. В 1883 году он купил себе дом в Живерни. В этом доме, расположенном в живописнейшем местечке на берегу Эпта, притока Сены, художник жил до конца своих дней.

В конце 1883 года вместе с О. Ренуаром Моне отправился в путешествие. Сначала художники побывали на юге Франции — на Лазурном берегу. Вскоре они отправились в Италию. К этому времени Моне отходит от художественных принципов импрессионизма. Все свое внимание он обращает на выразительность цветовой гаммы, в результате чего появляются картины, напоминающие декоративные панно. Его друзья и прежние соратники, в частности К. Писсарро и Э. Дега, не раз упрекали Моне за эти «приукрашенные» картины.

В 1885 году художник вновь приезжает на морское побережье. В Бель-Иль и Этрета он пишет романтически приподнятые морские пейзажи («Лодки на берегу в Этрета», 1885, Художественный институт, Чикаго; «Скалы в Этрета», 1886, ГМИИ, Москва; «Скалы в Бель-Иль», 1886, ГМИИ, Москва).

В 1890-х годах Моне увлекается серийными работами. В Живерни появляется его известная серия, получившая название «Стога» («Стог сена в снегу. Хмурый день», 1891; «Стога. Конец дня. Осень», 1891, обе — в Художественном институте, Чикаго). В этих пейзажах мастер использовал те приемы, которые отвергал в период увлечения импрессионизмом. Особенности композиционного построения и условность цвета придают картинам сходство с панно.

К. Моне. «Стог сена в снегу. Хмурый день», 1891, Художественный институт, Чикаго

Полотна с изображением стогов демонстрировались не только во Франции, но и в других странах, в том числе и в России. Несколько пейзажей из этой серии были куплены американскими коллекционерами.

Биографы Моне рассказывают, что идея серийности появилась у него совершенно случайно. Работая на пленэре, художник увидел, что освещение с течением времени настолько изменилось, что закончить картину нет никакой возможности. Он отложил полотно в сторону и попросил дочь сбегать домой за новым холстом. Близился вечер, и освещение вновь изменило окраску предметов. Мастеру пришлось отставить второе полотно и приступить к третьему. В импрессионистический период Моне старался все эти изменения отразить в одной картине, теперь же, чтобы увидеть их, нужно было последовательно просмотреть всю серию. Вероятно, по этой причине Моне упорно сопротивлялся, когда его серии пытались разбить, чтобы продать по отдельности.

Помимо «Стогов», Моне создал еще несколько серий. В 1892 году он написал 11 вариантов «Тополей», 20 «Руанских соборов». В 1900 году появилось 25 «Нимфей, пейзажей воды», в 1904 — 38 полотен с видами Лондона, в 1909 году — 48 пейзажей «Кувшинки», в 1912 — 29 видов Венеции.

Пейзажи Моне, написанные в последний период творчества, пустынны, они не оживлены человеческими фигурами. Старого мастера не интересует жизнь людей, главное для него — передать очарование мира природы. Таинственной тишиной веет от заросших прудов, густых деревьев и прекрасных цветов («Белые кувшинки. Гармония синего», 1918–1921, Музей Мармоттан, Париж; «Плакучие ивы», 1923, частное собрание). Многочисленные серии и пейзажи принесли Моне настоящую славу и много денег.

В 1911 году умерла Алиса Гошеде, вторая жена художника. Большой дом в Живерни, где Моне жил вместе со своими детьми после смерти жены, посещали известные во Франции люди, и среди них — Ж. Клемансо, французский премьер-министр.

Богатый и знаменитый Клод Моне не забывал своих друзей. Когда в 1899 году в ужасающей бедности умер Альфред Сислей, художник организовал аукцион по продаже картин импрессионистов. Свои работы представили О. Ренуар, П. Сезанн, К. Писсарро и сам Моне. Весь сбор пошел в пользу детей Сислея. Клод Моне поддерживал художников, которым не улыбнулась удача. Например, в мае 1899 года на распродаже коллекции, оставшейся после смерти графа А. Дориа, Моне приобрел полотно Сезанна за баснословную сумму — 6750 франков. И публика, и сам Сезанн, картины которого многие считали мазней, были просто ошеломлены этой цифрой.

По инициативе Клода Моне знаменитая «Олимпия» Эдуарда Мане (родственники Мане после смерти мастера собирались продать ее за границу) осталась во Франции. Моне призвал видных политиков, писателей, живописцев и коллекционеров собрать необходимую сумму и выкупить полотно у семьи Мане. Вскоре «Олимпия» заняла достойное место в Лувре.

 

Камиль Жакоб Писсарро

(1830–1903)

В 1855 году Камиль Писсарро впервые увидел на выставке работы К. Коро. Они произвели на начинающего художника очень сильное впечатление, и он стал искать возможности взять у Коро хотя бы несколько уроков. Но Коро, которому было уже почти шестьдесят лет, не брал учеников; тем не менее он благосклонно отнесся к желанию молодого человека и дал ему несколько советов.

Французский живописец Камиль Жакоб Писсарро родился на острове Сен-Тома, входящем в Антильский архипелаг. Его отец был торговцем скобяными товарами. Когда мальчику исполнилось одиннадцать, он поступил в коллеж в Пасси в Париже, где проучился шесть лет.

Во Франции Камиль впервые заинтересовался живописью.

Затем Писсарро вернулся на родину и первое время, как и хотел его отец, занимался коммерцией. В свободное от работы время он рисовал. Однако такая жизнь ему не нравилась. «Я был в 1852 году хорошо оплачиваемым клерком в Сен-Тома, но я не смог там выдержать. Не раздумывая долго, я все бросил и удрал в Каракас, чтобы сразу порвать связь с буржуазной жизнью», — вспоминал Писсарро впоследствии. Он уехал вместе со своим другом, художником Фрицем Мельби, который стал его первым учителем.

В течение пяти лет Писсарро путешествовал и рисовал все, что привлекало его внимание. В 1855 году он вновь приехал во Францию. Отец желал, чтобы сын учился в Парижской школе изящных искусств. Однако Писсарро очень скоро разочаровался в ней и перестал посещать занятия. Однако, не потеряв желания стать художником, он начал изучать живопись в Академии Сюиса. Вскоре он познакомился с другими художниками — А. Гийоменом, К. Моне, П. Сезанном, а также с писателем Э. Золя.

В 1859 году Писсарро впервые послал свою картину «Вид Монморанси» в Салон, которую сразу же приняли. В том же году случилось еще два важных события, связанных с его личной жизнью: в Париж переехали родители Писсарро, а вскоре после этого он решил жениться на крестьянке Жюли Веллей. Отец Писсарро был против этого брака и лишил сына пансиона, который до того выплачивал ему каждый месяц. Художник смог обвенчаться со своей невестой только через одиннадцать лет в Англии. Задолго до этого, в 1863 году, у Писсарро родился сын Люсьен, после чего он вместе со своей семьей переехал жить в Понтуаз, который находился на берегу Уазы, в окрестностях Парижа. Там он написал многие из своих пейзажей («Въезд в деревню Вуазен», 1872, Музей Орсэ, Париж; «Уаза в Понтуазе», 1873, Художественный институт Кларк, Уильямстоун; «Дорога из Жизора в Понтуаз под снегом», 1873, Музей изящных искусств, Бостон).

К. Писсарро. «Въезд в деревню Вуазен», 1872, Музей Орсэ, Париж

В 1874 году Писсарро отправил на выставку Анонимного общества художников, живописцев, скульпторов, граверов пять своих картин: «Фруктовый сад», «Каштаны в Они», «Сад в Понтуазе», «Июньское утро» и «Заморозки». Эти работы произвели сильное впечатление на зрителей, так как были написаны в необычной, невиданной до тех пор манере. После выставки в Париже заговорили о новом течении в живописи — импрессионизме.

Начиная с 1874 года Писсарро принимал активное участие в организации восьми выставок, которые устраивались импрессионистами (последняя состоялась в 1886 году). Однако творчество не приносило ему никакого дохода: он не мог добиться успеха у парижской публики, картины не продавались. Именно поэтому мастер жил в предместье Парижа, где мог меньше платить за жилье. У его семьи случались тяжелые времена, когда она была вынуждена питаться только овощами, выращенными на огороде.

Писсарро не раз заявлял: «…Наша живопись никому не нужна, особенно моя…» или «…Эту неделю я обегал весь Париж в тщетных поисках чудака, который купил бы картины импрессиониста…». Бывали минуты, когда Писсарро принимал решение «порвать с живописью навсегда».

И действительно, парижане не понимали его работ. После выставок в газетах появлялись статьи, в которых журналисты яростно критиковали его полотна. Например, один из критиков писал: «Попытайтесь-ка убедить Писсарро, что деревья не бывают фиолетовыми, что небо не выглядит как взбитое масло, что нигде мы не увидим того, что он пишет…».

И тем не менее художник продолжал работу, несмотря на трудности и отсутствие средств к существованию. В 1870-е годы он выполнил несколько семейных портретов и написал свои лучшие, по мнению современных критиков, пейзажи: «Красные крыши» (1877, Музей Орсэ, Париж), «Холм де Беф, Понтуаз», «Цветущий сад, Понтуаз» (1877, Музей Орсэ, Париж).

К. Писсарро. «Цветущий сад, Понтуаз», 1877, Музей Орсэ, Париж

Писсарро работал не только маслом. Он увлекался созданием гравюр, часто рисовал гуашью и пастелью и даже расписывал веера.

В 1880-х годах художник исполнил несколько полотен на крестьянские сюжеты. Таковы его произведения «Девочка с веткой» (1881, Музей Орсэ, Париж), «Завтрак».

К. Писсарро. «Красные крыши», 1877, Музей Орсэ, Париж

К. Писсарро. «Девочка с веткой», 1881, Музей Орсэ, Париж

В последнем десятилетии XIX века импрессионисты, до тех пор регулярно устраивавшие выставки и группой выезжавшие на природу для натурных этюдов, стали отдаляться друг от друга. Некоторые — Ван Гог, Гоген — уехали из Парижа. Сам Писсарро вместе с Моне работал в Нормандии. В основном он писал городские пейзажи, причем свои картины, как правило, начинал на природе, стараясь максимально точно передать сочетания цветов, освещение. Картины он дописывал дома, в своей мастерской. В этот период творчества Писсарро создал цикл произведений, на которых запечатлел виды Парижа и Руана. Среди прочих: «Большой мост в Руане» (1896, Институт Карнеги, Питсбург), «Мост Буальдье в Руане на закате солнца» (1896, Музей, Бирмингем), «Площадь французского театра в Париже, весна» (1898, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Однако через некоторое время такую работу пришлось прекратить: у него начала развиваться глазная болезнь, из-за которой он не мог работать на открытом воздухе.

К. Писсарро. «Площадь французского театра в Париже, весна», 1898, Эрмитаж, Санкт-Петербург

Несмотря на болезнь, Писсарро не прекращал работать. В последние годы жизни он выполнил большое количество литографий и офортов. Умер художник в Париже в возрасте семидесяти трех лет.

Все его пять сыновей стали живописцами. Наибольшего успеха добился старший сын, Люсьен.

 

Альфред Сислей

(1839–1899)

Сислей воспринимал природу не как художник, а как поэт. При взгляде на его пейзажи кажется, что слышишь плеск воды в речке, видишь, как бегут по небу легкие облака, ощущаешь свежий ветерок.

Альфреда Сислея называют французским живописцем, но по происхождению он был англичанином. Отец Сислея, богатый коммерсант, хотел, чтобы сын пошел по его стопам.

В 1857 году он отправил Альфреда в Лондон изучать коммерцию, однако юноша больше интересовался картинами Констебла, Бонингтона и Тёрнера. В 1861 году Сислей вернулся в Париж и начал учиться живописи в мастерской Ш. Глейра. Там он познакомился с К. Моне, Ф. Базилем и О. Ренуаром. Они довольно часто проводили свободное время вместе, работая над этюдами на пленэре.

В начале 1860-х годов Сислей написал свои первые самостоятельные работы, в которых чувствовалось влияние Коро. Вскоре он отказался от темных красок и стал использовать более светлые цветовые сочетания, стремясь передать воздух, нюансы освещения и общее состояние атмосферы («Суда на канале Сен-Мартен», 1870, собрание О. Рейнхарт, Винтертур).

А. Сислей. «Наводнение в Пор-Марли», 1876, Музей Орсэ, Париж

Художник любил изображать один и тот же вид в разные сезоны года («Лувенсьенн осенью», 1873, частное собрание, Токио; «Мороз в Лувенсьенне, 1873, ГМИИ, Москва; «Лувенсьенн зимой», 1874, собрание Филипс, Вашингтон).

В 1866, 1868 и 1870 годах Сислей выставлялся в Салоне, а с 1874 года начал демонстрировать свои картины на выставках импрессионистов. Вскоре он стал одним из основных участников этого направления. Как и другие импрессионисты, Сислей не смог завоевать официального признания. Его картины не покупались, и художник жил бедно. Однако это не влияло на его творчество: композиции его картин были соразмерными и уравновешенными, краски — неяркими, но чистыми («Наводнение в Пор-Марли», 1876, Музей Орсэ, Париж).

 

Поль Сезанн

(1839–1906)

Творчество для Поля Сезанна было процессом сложным и мучительным. Нередко он страдал от невозможности воплотить на холсте все задуманное. Недовольный результатом, Сезанн мог безжалостно уничтожить свою картину. Всю жизнь художник мечтал выставить картины в Салоне, но жюри раз за разом отвергало его работы. Полотна Сезанна появились в крупных коллекциях и музеях мира, но мастеру был нужен лишь Салон, который оставался для него недосягаемым. Не признавали живопись Сезанна и его соотечественники, а жители родного города Экса попросту травили художника и издевались над его творениями. Настоящая слава, как это часто бывает, пришла к Полю Сезанну лишь после его смерти.

Французский художник Поль Сезанн родился в Эксе в семье владельца шляпного магазина. Разбогатев, его отец, Луи-Огюст Сезанн, открыл в городе банк. Рисовать Поль начал очень рано. Мальчик расписывал углем стены, и взрослые поражались, что малыш с большой точностью воспроизводит все, что видит вокруг.

В 1852 году Сезанн стал учеником престижной школы Бурбон. Здесь он познакомился с Эмилем Золя, и с этого времени началась многолетняя дружба будущего художника и писателя. Вместе мальчики бродили по окрестностям Экса, читали современную литературу и произведения античных авторов. На всю жизнь Сезанн полюбил Вергилия, с творчеством которого познакомился в ученические годы.

По вечерам Поль посещал занятия в бесплатной рисовальной школе, где преподавал художник-портретист Жозеф Жибер, а по выходным отправлялся в музей Экса, чтобы полюбоваться скульптурами и картинами.

В 1859 году Сезанн поступил в экский университет на юридический факультет. Но его влекло искусство. Вскоре Поль, несмотря на гневные протесты отца, оставил университет, решив целиком и полностью посвятить себя живописи.

В конце концов Луи-Огюсту пришлось смириться. Юноша отправился в Париж, где поступил в мастерскую Сюиса. Отец назначил ему небольшое содержание.

В мастерской Сюиса Сезанн старательно рисовал модели. Часто он отправлялся в Лувр, где делал копии с картин известных мастеров. Особенно восхищали его работы Г. Курбе и Э. Делакруа. Поль мечтал поступить в Парижскую академию художеств, поэтому тщательно готовился к экзаменам. В мастерской Сюиса молодой художник познакомился с Камилем Писсарро, который не учился здесь, а приходил навестить приятелей.

Через некоторое время Сезанну стало казаться, что он зря затеял все это и у него недостаточно таланта. Переживания молодого художника передают его работы. Линии на ранних картинах Сезанна стремительны и динамичны, мазки размашисты и смелы. Эти произведения создают впечатление отставания живописи от замысла.

Несмотря на уверения Писсарро, говорившего, что в работах Сезанна есть черты оригинальности, юноша оставил Париж и отправился домой, к отцу.

В Эксе Сезанн начал работать в банке своего отца. Но цифры совсем не привлекали его. Он часто оставлял банк и уходил бродить в окрестностях Экса, чтобы полюбоваться красотой природы. Ему хотелось рисовать, и он брал в руки карандаш и бумагу.

Вскоре Сезанн, не обращая внимания на косые взгляды отца, вновь начал посещать рисовальную школу.

В 1862 году Сезанн во второй раз приехал в Париж и опять записался в мастерскую Сюиса. Художник много работал, но его картины, как и прежде, не удовлетворяли его. Поль пытался поступить в Школу изящных искусств, но не выдержал экзамена.

В 1863 году, посетив Салон отверженных, Сезанн познакомился с творчеством Эдуарда Мане. Выставленная там знаменитая картина Мане «Завтрак на траве» поразила молодого художника. Вскоре Поль познакомился с импрессионистами — Огюстом Ренуаром, Фредериком Базилем, Клодом Моне, Арманом Гийоменом.

Все свободное время Сезанн проводил в Лувре. Он делал зарисовки или просто любовался великими творениями. Поль мечтал показать свои картины в Салоне.

Под влиянием Писсарро Сезанн начал больше времени отдавать натурным эскизам.

Вместе с Писсарро в 1872–1873 годах он писал этюды в Понтуазе и Овере. Советы Писсарро и работа на открытом воздухе оказали благотворное влияние на Сезанна. Его живопись, прежде темная и густая, посветлела («Дорога в Понтуазе», ок. 1876, ГМИИ, Москва). Более сдержанным и лаконичным стал композиционный строй его картин. Излюбленным жанром художника в этот период творчества, названный импрессионистическим (1872–1879), являлся пейзаж.

Хотя Сезанн много общается со своими друзьями-импрессионистами, его работы сильно отличаются от их картин. Для импрессионистов главное — мимолетные впечатления, все предметы на их полотнах как бы растворяются в окутывающей их воздушной дымке. На картинах Сезанна все детали живого и неживого мира кажутся весомыми и плотными, художник стремится передать материальную сущность предметов, их взаимосвязь и постоянную окраску, не зависящую от освещения и различных атмосферных явлений.

Работал Сезанн в эти годы в основном в Париже и Эксе. Познакомившись с натурщицей Гортензией Фике, он уехал с ней к морю, в Марсель. Связь с Гортензией художник долго скрывал от родителей. Но в 1878 году тайное стало явным, и разгневанный отец наполовину уменьшил денежное содержание, которое высылал молодому живописцу. Сезанну пришлось вернуться в Экс, оставив Гортензию и маленького сына Поля в Марселе, куда им высылал деньги друг Сезанна, Эмиль Золя. Изредка ему удавалось вырваться из Экса и навестить любимую женщину и маленького сына. Лишь в 1886 году живописец наконец официально оформил брак с Гортензией. Вскоре умер отец, и Поль Сезанн стал богат.

Пейзажи, натюрморты и портреты, написанные Сезанном с 1879 по 1888 год (конструктивный период), отражают стремление показать материальную сущность окружающего мира. Передаче объемности предметов, их плотности и весомости способствуют определенные красочные соотношения, четкие, резкие контуры, геометрические формы, ровные плоскости или нарочито деформированные линии. Сезанну принадлежат слова: «Все в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра; надо учиться писать на этих простых фигурах, и если вы научитесь владеть этими формами, вы сделаете все, что захотите». Этому принципу он следовал в своем творчестве.

Для художника была важна форма, передающая весомость, материальность предмета. Сезанн мог писать полусгнившие яблоки, так как вовсе не думал о том, чтобы показать на полотне их свежесть и красоту. Яблоки, равно как и иные фрукты в его натюрмортах, — это определенный объем, сочетающийся с другими объемами, например цилиндрическими (бутылка или кувшин).

Эти же приемы Сезанн использовал и при создании пейзажей. В его работах основную роль играют вертикальные линии, вокруг которых размещаются все пространственные планы. Например, в «Марсельской гавани» (конец 1870-х, Метрополитен-музей, Нью-Йорк) такой вертикалью является труба, поднимающаяся вверх, а в «Деревне на севере Франции» (1879–1882, дворец Почетного легиона, Сан-Франциско) — колокольня.

Таковы и пейзажи «Горы в Эстаке» (1878–1880, Национальный музей Уэльса, Кардифф), «Гарданна» (ок. 1886, Метрополитен-музей, Нью-Йорк), «Гора Сент-Виктуар» (ок. 1885–1887, собрание Филипс, Вашингтон), «Дом и деревья в Жа де Буффан» (1885–1887, Национальная галерея, Прага). Создавая эти полотна, художник акцентировал внимание на горизонтальных и вертикальных линиях, ярких плоскостях крыш и стен домов, четких горных откосах, густой массе деревьев и кустов.

П. Сезанн. «Гора Сент-Виктуар», ок. 1885–1887, собрание Филипс, Вашингтон

Обращаясь к натурным впечатлениям, Сезанн создавал устойчивую конструкцию, в которой главное место занимали предметно-структурные элементы.

1888–1899 годы — синтетический период в творчестве Сезанна. Пейзажи, созданные в это время, представляют зрителю устойчивый и в то же время удивительно подвижный образ природы. С помощью гибких, живых мазков художник создает цельные и гармоничные композиции, передающие красоту постоянно меняющегося и вечного мира («Вид на Сен-Жозеф», 1888–1890; «У пруда в Жа де Буффан», ок. 1889–1890, обе — в Метрополитен-музее, Нью-Йорк; «Пруд в Аннеси», 1896, Институт Кортолда, Лондон; «Большая сосна близ Экса», конец 1890-х, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

П. Сезанн. «Гарданна», ок. 1886, Метрополитен-музей, Нью-Йорк

П. Сезанн. «Дом и деревья в Жа де Буффан», 1885–1887, Национальная галерея, Прага

Начиная с 1900-х годов появляется так называемая спонтанная живопись Сезанна. Художник не продумывает заранее композиции своих произведений, они возникают чуть позже, в процессе написания картины. В палитре мастера появляются более нежные, лирические оттенки («Голубой пейзаж», 1900-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Излюбленным мотивом поздних пейзажей Сезанна становится гора Сент-Виктуар (гора Святой Виктории) как символ вечности и величия Вселенной («Гора Сент-Виктуар», 1900, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

П. Сезанн. «Вид на Сен-Жозеф», 1888–1890, Метрополитен-музей, Нью-Йорк

П. Сезанн. «У пруда в Жа де Буффан», 1889–1890, Метрополитен-музей, Нью-Йорк

П. Сезанн. «Гора Сент-Виктуар», 1900, Эрмитаж, Санкт-Петербург

Всю свою жизнь Сезанн добивался официального признания, но так и не смог получить его. В 1900 году его картины были показаны на Всемирной выставке, а в 1904 и 1905 годах полотна Сезанна демонстрировались в Осеннем салоне. В 1904 году организаторы Салона отвели под его живопись целый зал. Тем не менее орден Почетного легиона, о котором художник мечтал, он так и не получил.

Последние годы жизни Сезанн провел в Эксе. Несмотря на стремительно ухудшающееся здоровье, он продолжал писать. Осенью 1906 года, работая над этюдом, живописец был застигнут грозой.

Под проливным дождем он продолжал работать и лишь спустя два часа отправился домой. По дороге старый художник потерял сознание. Проезжавший мимо человек в повозке подобрал его и привез домой. Утром, едва придя в себя, Сезанн отправился в мастер-скую писать портрет. Но вскоре болезнь заставила его оставить кисть. Спустя несколько дней, 22 октября 1906 года, Поль Сезанн умер.

 

Винсент Ван Гог

(1853–1890)

Винсент Ван Гог, любивший людей и мучительно страдавший от своего бессилия помочь главным героям своих картин — крестьянам, стремился передать свою любовь посредством искусства. Он отдавал живописи все силы, работая на пределе возможного. Константин Паустовский считал, что именно это (а не только душевная болезнь) приблизило конец великого художника. Он писал: «Нет большего лицемерия и низости, чем искать в его конце одну только патологию и сумасшествие. Давно уже сказано, давно уже известно, что искусство требует от художника отдачи всего себя без остатка и сожаления».

Голландский живописец, рисовальщик и офортист Винсент Ван Гог родился в Северном Брабанте, в местечке Грот-Зюндерте. Его отец был пастором.

С раннего детства Ван Гог видел красоту природы и тяжелый крестьянский труд. В возрасте 10 лет Винсент уже делал рисунки с натуры и копировал литографии.

В 1869 году юноша поступил на работу в художественную фирму «Гупиль» в Гааге. Обязанности, связанные с продажей картин, привели Ван Гога в Лондон (1873), где он впервые увидел картины великих мастеров.

Огромное впечатление на художника произвело творчество Дж. Констебла, Дж. М. У. Тёрнера, Т. Гейнсборо, Дж. Рейнолдса. В 1874 году Винсент впервые увидел Париж.

В 1876 году карьера служащего фирмы «Гупиль» оборвалась: Ван Гога уволили с работы. Некоторое время он преподавал в одном из английских пансионов, а затем, решив помогать обездоленным, стал помощником проповедника в Айлварте. Через некоторое время мучительные поиски своей цели в жизни привели Винсента в Эттен, где жила его семья, а затем в Дордрехт. Здесь Ван Гог некоторое время работал в книжной лавке.

В 1877 году будущий художник стал студентом богословского факультета в Амстердамском университете. Но и это не удовлетворило его, и очень скоро он оставил университет и стал слушателем миссионерского курса в Брюсселе.

В. Ван Гог. «Крыши», 1882, частное собрание, Париж

В ноябре 1878 года Ван Гог уехал на юг Бельгии, в шахтерский поселок Боринаж, где начал работать проповедником. Он отдавал нуждающимся все, что имел, ухаживал за больными во время эпидемии тифа, но в конце концов понял, что бессилен что-либо изменить в судьбе прозябающих в нищете рабочих. Пытаясь бороться с равнодушием к людскому горю церковного начальства, Ван Гог лишился своего места. К нему на помощь пришел младший брат Тео, работавший в той же самой фирме «Гупиль». В дальнейшем верный Тео будет не раз помогать своему брату в трудную минуту.

Винсент, чьи способности к рисованию проявились в раннем детстве, избрал путь художника лишь в 1880 году, когда ему исполнилось 27 лет. Сначала он учился живописи в Брюсселе, затем отправился в Гаагу, где брал уроки у своего дальнего родственника, голландского пейзажиста и анималиста А. Мауве. В Гааге Ван Гог написал свои первые картины.

В декабре 1883 года художник жил в голландском селении Нуенен. Здесь он писал натюрморты с птичьими гнездами, портреты крестьян и сцены крестьянского труда.

Мироощущение художника передает написанный в 1884 году пейзаж «Башня Нуенен» (Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло). Печальные пустынные поля, окружающие башню, и деревенское кладбище с покосившимися крестами навевают мысли о смерти. Сочувствие к крестьянам, искренняя авторская симпатия к обездоленным выражены в известной картине «Едоки картофеля», написанной в 1885 году (существует несколько вариантов этого произведения). Эта работа стала ярким примером художественной манеры раннего Ван Гога. Выполненная в духе живописи Ж. Ф. Милле, она написана в темных оттенках зеленого, коричневого, черного и синего. Мрачную обстановку бедного крестьянского жилья передает не только колорит, но и резкие, грубые линии фигур и лиц едоков.

В Нуенене Ван Гог провел два года. Его жизнь была полна печальных событий (болезнь матери, смерть отца, неудача в любви). В 1855 году художник оставил Нуенен и отправился в Париж. По пути он остановился в Антверпене. Побывав в антверпенских музеях, он увидел творения старых мастеров: П. П. Рубенса, Я. Йорданса и др.

Во французской столице Ван Гог пробыл с марта 1886 по февраль 1888 года. Здесь он сблизился с П. Гогеном, А. Тулуз-Лотреком, П. Синьяком и другими художниками, искавшими в искусстве новые пути. В Париже Винсент изучал теорию цвета, разработанную Э. Делакруа, японскую гравюру (в частности, работы К. Хокусая) и живопись Монтичелли, посещал Лувр, где подолгу любовался творениями великих художников.

Большое влияние на Ван Гога оказало искусство импрессионистов. В духе импрессионистов написаны пейзажи с изображением Монмартра и окрестностей Парижа («Сады Монмартра», 1887, Городской музей, Амстердам; «Бульвар Клиши», 1887).

В произведениях, выполненных мастером в парижский период, уже нет прежних темных красок, землистые оттенки серого и коричневого уступили место золотисто-желтым, голубым, зеленым и красным тонам («Мост через Сену», 1887).

В. Ван Гог. «Берег моря в Схевенингене», 1882, частное собрание, Амстердам

В. Ван Гог. «Цветущая груша», 1888, Музей, Амстердам

В. Ван Гог. «Осенняя аллея», 1884, частное собрание, Роттердам

Зимой 1888 года, устав от суеты большого города, Ван Гог оставил Париж и поселился в Арле, маленьком городке, расположенном на юге Франции. Здесь были созданы удивительно поэтичные пейзажи с видами Арля и окрестностей («Жатва в Арле», 1888, Музей Родена, Париж; «Подъемный мост в Арле», 1888, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло; «Рыбачьи лодки в Сент-Мари», 1888, Фонд В. Ван Гога, Амстердам). С большим мастерством художник использует палитру, находя нужные оттенки для каждого времени года. В этом отношении интересно полотно «Красные виноградники в Арле» (1888, ГМИИ, Москва), выстроенное на контрасте теплых и холодных цветов.

Один из любимых пейзажных мотивов Ван Гога в это время — пышно цветущие сады («Дерево в цвету», 1888, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло; «Цветущая груша», 1888, Музей, Амстердам; «Ветка миндаля», 1890, Фонд В. Ван Гога, Амстердам).

В. Ван Гог. «Красные виноградники в Арле», 1888, ГМИИ, Москва

В. Ван Гог. «Оливы», Художественный институт, Миннеаполис

Художник создает в Арле и ряд портретов, но пишет только тех людей, которые чем-то нравятся ему («Девушка из Арля», 1888, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло).

Ван Гога интересует передача ночного освещения. Так, на полотне «Терраса кафе вечером» (1888, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло) теплый золотистый свет фонаря противопоставлен холодному загадочному свету, льющемуся от звезд на небе и освещающему темно-лиловые крыши домов.

С помощью цвета Ван Гог пытается показать различные человеческие чувства. Показательна в этом смысле известная картина «Ночное кафе» (1888, ГМИИ, Москва), о которой художник писал: «Я стремился передать красным и зеленым цветами ужасные человеческие страсти. Зал — кровяного и желтого глухого цвета, посредине зеленый биллиард, четыре лимонно-желтые лампы испускают оранжевый и зеленый свет».

Иным становится желтый цвет в арльских картинах с изображением природы. Для Ван Гога желтый — цвет солнца, спелой пшеницы и подсолнухов, ставших для него символом солнца и тепла («Подсолнечники», 1888, Новая пинакотека, Мюнхен). Этими яркими радостными цветами Винсент расписывает стены своего домика в Арле, надеясь, что росписи будут приятны гостям — художникам, посещающим его жилище.

Ван Гог с радостью ожидает приезда своего друга — Поля Гогена. Он хочет осуществить заветную мечту — создать ассоциацию художников, противопоставивших свое искусство жестокости и хаосу современной цивилизации.

К сожалению, совместная работа с Гогеном показала, как несбыточна мечта Ван Гога. Методы работы двух художников и их взгляды на живопись не совпадали. Душевное перенапряжение обострило психическое заболевание, которым страдал Винсент. Глядя на свой портрет, созданный Гогеном, он сказал: «Это действительно я, но только сошедший с ума». В этот же день, сидя в кафе, Ван Гог запустил стаканом с голову своего друга. Утром он просил прощения и умолял Гогена не уезжать, но последний твердо намеревался оставить Арль. 23 декабря 1888 года, совершая прогулку, Гоген, услышавший за собой шаги, обернулся и увидел Ван Гога с бритвой в руке. В целях безопасности Гоген ушел ночевать в гостиницу, а Винсент, охваченный безумием, этой же бритвой отрезал себе ухо. Вскоре больного художника увезли в госпиталь, из которого он вышел лишь спустя год.

В 1889 году, выписавшись из больницы, Ван Гог исполнил свои знаменитые автопортреты («Человек с трубкой», собрание Файэ, Париж; «Автопортрет с перевязанным ухом», частное собрание, Чикаго; вариант — в Институте Курто, Лондон).

В. Ван Гог. «Дорога с кипарисами и звездами», 1890, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло

В апреле 1889 года художник узнал, что брат Тео, всегда поддерживавший его, женился. Испытывая чувство одиночества и тоски, Винсент сам отправился в больницу в Сен-Реми. Здесь, в перерывах между приступами, он писал пейзажи, в которых изображал больничные сады и окрестности Сен-Реми («Желтые хлеба с кипарисами», 1889, Галерея Тейт, Лондон; «Большая дорога в Провансе», 1890; «У подножия Альп», 1890, оба — в Музее Крёллер-Мюллер, Оттерло). В работах этого периода часто повторяется мотив кипарисовых деревьев («Дорога с кипарисами и звездами», 1890, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло). Их кроны, похожие на языки костра, устремляются в небо, к таинственно мерцающим звездам. Движения кипарисов повторяет все, что окружает их: хлебные колосья в полях, ветви кустарников, облака, плывущие над круто изогнутыми линиями гор.

Бурной экспрессией наполнены не только пейзажи, созданные Ван Гогом в лечебнице, но и картины последнего, оверского периода. Выписавшись из больницы, художник поселился в Овере-на-Уазе недалеко от Парижа. Здесь он писал картины, совершенно различные по своему эмоциональному настрою. Среди них чудесный «Пейзаж в Овере после дождя» (1890, ГМИИ, Москва), передающий свежесть омытой дождем природы, трагичный портрет доктора Гаше (1890, Институт искусств, Франкфурт-на-Майне) и полный мрачных предчувствий пейзаж «Вороны над полем пшеницы» (1890, Фонд В. Ван Гога, Амстердам).

Доктор Гаше, знаток живописи и друг Ван Гога, следил за его здоровьем в Овере. Однажды он увидел у своего подопечного револьвер, но не забрал его. Через несколько дней из этого оружия Винсент смертельно ранил себя. 29 июля 1890 года художник умер.

 

Пьер Боннар

(1867–1947)

Друг Боннара, П. Серюзье, к наставлениям которого Пьер Боннар прислушивался больше, чем к советам учителей, случайно познакомился с Гогеном, который к тому времени уже приобрел известность. Гоген подарил Серюзье на память о знакомстве один из своих этюдов, нарисованный на крышке ящика от сигар. Серюзье показал работу Боннару, и с этого момента и на долгое время Гоген стал их кумиром.

Французский художник Пьер Боннар родился в Фонтенэ-о-Роз неподалеку от Парижа. Его отец был служащим в военном министерстве. Он постарался дать своим детям хорошее образование, благодаря чему они смогли бы сделать карьеру. Старший брат Пьера, как и желал отец, стал химиком, младшая сестра профессионально занималась музыкой. Пьер, согласно планам отца, должен был изучать право, однако он увлекся живописью и в 1888 году поступил в Школу изящных искусств. В следующем году он выставил свои картины на участие в конкурсе на Римскую премию (полотно «Триумф Марходея») и в Регистратуре, однако призовых мест не занял.

Эта неудача привела к тому, что Боннар решил бросить живопись. По настоянию отца он стал изучать право под руководством его друга, помощника прокурора. Однако в свободное время Пьер продолжал рисовать и ходить в Академию Жюлиана. Там он завел дружбу с П. Рансоном, М. Дени, П. Серюзье и Э. Вюйаром, с которым Боннар учился в мастерской театрального деятеля Люнье-По. После посещения выставки «Импрессионисты и синтеристы», которая была организована в Париже в 1889 году, Боннар окончательно решил стать художником и больше не прекращал занятий.

Первая известность пришла к Боннару после того, как он выполнил плакат, рекламирующий шампанское. Очевидцы вспоминали, что в 1891 году, когда плакаты расклеили по улицам Парижа, все друзья Боннара, молодые художники, вслух громко выражали свое восхищение. Вскоре с Боннаром захотел познакомиться Тулуз-Лотрек.

П. Боннар. «Лазурный берег», 1923, собрание Филипс, Вашингтон

Ранние картины Боннара не отличались живописностью и больше напоминали декоративные панно («М-ль Боннар с собаками», 1890, собрание А. Террас, Париж; «Женщина с зайцем»; «Пеньюар» и др.).

В 1890 году в Париже прошла выставка японского творчества. После этого многие художники увлеклись японскими гравюрами. Это увлечение не миновало и Боннара: внимательно изучив данный вид изобразительного искусства, он научился передавать свет, форму и характер при помощи цвета.

В том же году Боннар увлекся импрессионизмом, особенно творчеством Э. Дега. Художник исполнил несколько литографий, в которых постарался выразить свое восприятие общественной жизни французской столицы («Площадь вечером», «Бульвар»).

Вскоре он начал выполнять иллюстрации к роману П. Нансена «Мария». Книга вышла в 1898 году, и читатели были восхищены работами художника. О. Ренуар, полистав книгу, заявил: «У вас есть свой шарм, очарование, не пренебрегайте этим… это — драгоценный дар».

Эти и многие другие работы Боннара (оформление спектакля по пьесе «Король Юбо» для театра «Творчество», картины в стиле ню) принесли ему известность. Он принимал участие в парижских и зарубежных выставках, выставлялся в Салоне независимых, а в 1903 году — в Осеннем салоне.

Пейзажем Боннар увлекся в начале XX века. Полагают, что его дебютом стала работа «Мост Гренель», главным элементом композиции которой явилась Эйфелева башня. Позднее он исполнил несколько произведений с изображением картин природы. Его работы «Начало весны» (1903–1904), «Ранняя весна» (1909) и «Осень» (1912) пронизаны романтикой и поэтичностью. Их можно увидеть в Эрмитаже в Санкт-Петербурге.

Как истинный француз, Боннар не мог обойти такую тему, как парижский пейзаж. Он, как Утрилло и Марке, сделал попытку показать свой Париж, Париж в различное время суток («Вечер в Париже» и «Утро в Париже», обе — 1911, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

В 1910 году Боннар совершил путешествие к побережью Средиземного моря. По возвращении он вспоминал: «Поехать на юг было очень привлекательно, и действительно, я как будто попал в сказку из «Тысячи и одной ночи»: море, желтые стены, рефлексы света такие яркие, как сам свет…». Под впечатлением от этой поездки он выполнил триптих «Лазурный берег» (1923, собрание Филипс, Вашингтон).

В 1920-х годах художник много ездил по курортам, сопровождая свою заболевшую жену, которой врачи порекомендовали перемену климата. Во время этих поездок Боннар написал множество морских пейзажей. Он изображал море спокойным, слегка волнующимся, во время шторма, в разное время суток («Бухта в Сен-Тропез, мистраль», 1936, частное собрание, Англия).

Помимо моря, Боннар писал виды городов, в которых ему довелось побывать («Пейзаж в Нормандии», «Дорога в Нант»), и картины природы («Сад», ок. 1937, Музей Пти Пале, Париж).

П. Боннар. «Сад», ок. 1937, Музей Пти Пале, Париж

В годы Второй мировой войны художник жил в Ле-Канне. Он не прекращал писать пейзажи, в которых выражались его напряжение и одиночество (в начале 1940-х годов умерла его жена и некоторые из друзей). Особенно тяжелой была зима 1940–1941 годов. У Боннара не было угля, тяжело стало доставать краски. Однако он не отчаивался и продолжал работать. Если Боннару не удавалось приобрести масляные краски, он писал пейзажи гуашью и акварелью («Террасы», 1941, частное собрание, Франция; «Красные крыши в Канне», 1942, частное собрание, Англия; «Пейзаж Лазурного берега», 1943, собрание Ж. Вейсвейлера, Франция). Несмотря на тяжелую военную жизнь, отсутствие материалов и одиночество, мастеру удалось создать великолепные произведения, за которые коллекционеры предлагали ему большие деньги. Однако Боннар предпочитал не расставаться со своими полотнами и продавал их только в том случае, если ему очень нужны были деньги.

После окончания войны племянник Боннара организовал выставку современных художников, на которой выставил и десять работ своего дяди. Через некоторое время Боннар экспонировал свои работы на Осеннем салоне и выставке «Искусство и Сопротивление», которая тоже проходила в Париже.

В 1945 году художник на короткое время приехал в Париж, а затем снова вернулся в Ле-Канн, откуда больше не выезжал.

В послевоенные годы он закончил два произведения: «Выход из порта в Трувиле» (Музей современного искусства, Париж) и «Мастерская в Ле-Канне и мимозы», которые были начаты еще в 30-х годах, а также написал еще несколько полотен, в том числе «Цирковую лошадь» (1946, собрание Ш. Терраса, Париж). Последним произведением мастера стал пейзаж «Миндальное дерево в цвету» (1946–1947, Музей современного искусства, Париж). Он сильно отличался от остальных работ того периода оптимизмом и яркими, сочными сочетаниями красок.

 

Жорж Сёра

(1859–1891)

Свою знаменитую картину «Воскресная прогулка на острове Гранд-Жатт» Жорж Сёра создавал более двух лет. Днем он писал на берегу натурные этюды, а вечером работал над полотном, которое было так велико, что мастеру приходилось использовать лестницу. Появление картины на выставке импрессионистов в 1886 году вызвало шквал негодования со стороны критиков. По словам П. Синьяка, они насмехались над этим произведением и всячески оскорбляли его.

Французский живописец Жорж Пьер Сёра родился в Париже в семье довольно состоятельного судебного пристава. Мать мальчика часто водила его в городской парк Бютт-Шомон — одно из любимых мест отдыха парижан. Искусственные гроты, маленькие озера — такой впервые увидел природу будущий художник.

С искусством Сёра впервые познакомился в доме своего отца, коллекционировавшего гравюры. Семья поддержала желание Жоржа стать художником, и с 1875 года он начал учиться в муниципальной рисовальной школе, а немного позднее — на курсах при Школе изящных искусств. В 1878 году юноша начал обучаться в мастерской А. Лемана, преподававшего в школе. Леман, представитель академического искусства, являлся воспитанником Ж. О. Д. Энгра. В эти годы Сёра делал в Лувре копии с картин Х. Гольбейна, Ж. О. Д. Энгра, Н. Пуссена и других известных художников, много работал с натуры, а также старательно штудировал законы академической живописи.

В 1879 году Сёра побывал на выставке импрессионистов. С этого момента его жизнь круто изменилась. Под впечатлением от картин импрессионистов (особенно восхитил его Э. Дега) молодой художник оставил мастерскую Лемана. Вскоре Жоржа призвали на военную службу, но благодаря родителям, внесшим нужную сумму, вместо трех лет он прослужил всего один год.

Сёра служил на берегу моря, в Бресте. В свободное время художник продолжал заниматься живописью. Он рисовал с натуры море, его берега и гавани.

В 1880 году срок пребывания в армии для Сёра закончился, и он вернулся в Париж. На улице Шаброль художник снял небольшое помещение под мастерскую. К этому времени относится множество его рисунков, изображающих Сену, улицы Парижа, вокзал. В некоторых рисунках 1883–1884 годов заметен интерес Сёра к бытовому и портретному жанрам («Портрет матери за шитьем», 1883, Метрополитен-музей, Нью-Йорк).

Картины Сёра, созданные в данный период, посвящены сценам из жизни крестьян и рабочих. В духе Ж. Ф. Милле, творчеством которого молодой живописец восхищался, выполнена картина «Крестьянки за работой» (1882–1883, Музей Гуггенхейма, Нью-Йорк). Помимо этого, художника привлекают темы, связанные с городским пейзажем, — рабочие окраины Парижа, здания фабрик и заводов.

В ранних работах Сёра чувствуется влияние импрессионистов. Его пейзажи пронизаны трепетным воздухом и светом, солнечные блики искрятся на поверхности воды. Таковы картины «Рыбаки на берегу Сены» (1883, частное собрание, Труа) и «Купание в Аньере» (1883–1884, Галерея Тейт, Лондон). Последнее полотно Сёра посылал в Салон, но жюри не приняло эту работу.

Ж. Сёра. «Купание в Аньере», 1883–1884, Галерея Тейт, Лондон

«Купание в Аньере» открывает новый этап в творчестве художника. Широкие динамичные мазки, чистые цвета, четкие светотеневые переходы делают изображение необыкновенно выразительным. Сёра виртуозно передает прозрачную атмосферу жаркого летнего дня. Легкая рябь на воде, силуэты лодок и деревьев, словно тающие в вибрирующем воздухе, создают впечатление движения. По-иному написаны люди. Их фигуры на фоне свежего и живого пейзажа кажутся застывшими. Эта неподвижность придает картине, изображающей обыденную сцену, монументальный и значительный вид.

«Купание в Аньере» привлекло внимание многих современников художника. В их числе был Поль Синьяк, с которым Сёра сблизился в 1884 году. Весной 1885 года Сёра работал на побережье Нормандии, в Гранкане. Здесь он писал морские пейзажи, в которых впервые использовал разработанную совместно с Синьяком пуантилистскую технику, заключающуюся в том, что краски на полотно наносятся раздельными мазками, напоминающими точки, мелкие квадраты и треугольники (франц. pointiller — «писать точками»). Второе название подобного приема — дивизионизм (франц. division — «разделение»), т. к. краски не смешивались между собой.

В такой технике Сёра выполнил свою марину «Мыс дю Ок в Гранкане» (1885, Галерея Тейт, Лондон), в которой отразилось увлечение французского мастера искусством японской гравюры.

В 1884–1886 годах художник создал один из самых известных своих пейзажей — «Воскресная прогулка на острове Гранд-Жатт» (Художественный институт, Чикаго). Точки-мазки разных цветов составляют, подобно мозаике, огромную картину, на которой художник изобразил одно из любимых мест отдыха своих соотечественников. На полотне множество человеческих фигур. Людей Сёра писал с натуры или брал в качестве образца картинки из модных журналов. Из такого рода издания перекочевала на полотно пара — дама и господин с маленькой обезьянкой на поводке.

Ж. Сёра. «Воскресная прогулка на острове Гранд-Жатт», 1884–1886, Художественный институт, Чикаго

Ж. Сёра. «Воскресенье в Порт-ан-Бессон», 1888, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло

«Воскресная прогулка на острове Гранд-Жатт» продолжила тему, начатую мастером в пейзаже «Купание в Аньере». Неподвижные фигуры отдыхающих напоминают статуи в парке. Не видно движения и вокруг них: природа как будто замерла. Остановились парусные лодки на воде, не шелестят листья на деревьях, замерли облака в небе и длинные резкие тени на земле. Благодаря подобному приему автор очень убедительно создает атмосферу летнего полудня, когда все вокруг погружено в состояние легкой дремы. В дивизионистской технике выполнены и пейзажи, созданные Сёра в Порт-ан-Бессоне («Порт-ан-Бессон», 1888, Музей современного искусства, Париж; «Воскресенье в Порт-ан-Бессон», 1888, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло), а также декоративные композиции «Парад» (1888, Метрополитен-музей, Нью-Йорк), «Натурщицы» (1888, Старая пинакотека, Мюнхен), «Канкан» (1890, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло).

Сёра прожил недолгую жизнь. В возрасте 32 лет он неожиданно заболел и через два дня скончался.

Незавершенным осталось его последнее полотно «Цирк» (1890–1891, Музей Орсэ, Париж).

 

Поль Синьяк

(1863–1935)

В творческом наследии французского пейзажиста Поля Синьяка не только восхитительные пейзажи. Его перу принадлежат статьи и критические заметки об искусстве, а также книга «От Делакруа к неоимпрессионизму». Энергичный и деятельный, Синьяк принимал активное участие в общественной жизни своей родины. В 1930-е годы он поддерживал антифашистское и рабочее движение во Франции.

Поль Синьяк, известный французский живописец и график, появился на свет в Париже в семье владельца процветающего магазина.

Отец Поля был художником-любителем, но современное искусство нисколько не интересовало его, и когда сын предложил ему купить несколько работ импрессионистов (К. Моне, Э. Дега, П. Сезанна), он отказался, предпочтя вложить деньги в акции Панамской компании.

В 1880 году отец Поля умер. Мать хотела, чтобы сын стал архитектором, но он выбрал для себя профессию художника. Тем не менее поступать в Парижскую школу изящных искусств Синьяк отказался: это заведение с давно устаревшей системой обучения не отвечало запросам многих его современников, мечтавших стать живописцами.

Хотя некоторое время Синьяк посещал студию Бина, можно с уверенностью сказать, что профессионального мастерства он достиг самостоятельно, много времени посвящая работе с натуры. Большую роль в его становлении сыграла живопись импрессионистов, с которой Поль познакомился в 1879 году на выставке. Особенно восхитили шестнадцатилетнего Синьяка полотна Э. Дега и К. Моне.

В 1879 году Синьяк познакомился с К. Писсарро. Благожелательный к начинающим, Писсарро всегда старался оказать юноше поддержку. Художников связывала крепкая дружба.

В 1892 году Синьяк женился на родственнице своего старшего товарища. Синьяка привлекала живопись Ж. О. Д. Энгра, Э. Делакруа, Дж. Констебла, Дж. Тёрнера, К. Коро, Г. Курбе. Но кумиром его был Э. Мане. Его имя он написал на борту своей парусной яхты, названной «Мане-Золя-Вагнер». Знаменитые имена художника, композитора и писателя вызывали восхищение всех прогрессивно мыслящих современников Синьяка и негодование гордящихся своей добропорядочностью парижских буржуа.

На яхте Синьяк проплывал десятки, а порой и сотни миль. Все свое свободное время художник проводил на реке или на море. С каждым разом он совершал все более дальние путешествия вдоль французского побережья. Большой поклонник парусного спорта, Синьяк сменил за свою жизнь тридцать две лодки.

П. Синьяк. «Дамба в Портриё», 1888, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло

Живописец имел две мастерские: одну в Париже, на Монмартре, другую — в Аньере, недалеко от острова Гранд-Жатт. Там жила его мать. Частыми гостями парижской мастерской были известные художники, критики искусства, писатели.

Среди ранних работ Синьяка — натюрморты и пейзажи с изображением парижских предместий («Натюрморт с книгой Мопассана», 1883, Национальная галерея, Берлин; «Предместье Парижа», 1883, Музей Орсэ, Париж; «Мельницы Монмартра», 1884, Музей Карнавале, Париж). Эти пейзажи, в которых нет человеческих фигур, излучают тишину и спокойствие.

В 1884 году Синьяк сблизился с Ж. Сёра. Художники приняли активное участие в создании нового объединения, получившего название Общество независимых художников. В число Независимых вошли также А. Дюбуа-Пилье, Ш. Ангран и А.-Э. Кросс. Девизом нового объединения стали слова: «Ни жюри, ни наград».

Сёра и Синьяк пошли по пути Э. Делакруа, который когда-то занимался проблемами света и цвета в живописи, и начали штудировать труды Э. Шеврёйля, Г. Гельмгольца, Дж. Максвелла. Их поиски вылились в оригинальную теорию, которую художники стали применять на практике. Они писали свои картины раздельными мазками чистых цветов, рассчитывая на их оптическое смешение в глазах зрителей. Так родился пуантилизм, или дивизионизм, с приемами которого вскоре познакомились и другие художники-новаторы.

В работах, созданных Синьяком в середине 1880-х годов, еще ощущается влияние импрессионистов. Таковы полные золотистого солнечного света пейзажи «Сен-Бриак. Крест моряков» (1885, частное собрание, Лондон) и «Сена в Аньере» (1885, частное собрание, Париж), восхищающие удивительной гармонией красок.

Очень скоро от импрессионистических пейзажей художник перешел к картинам, выполненным в технике дивизионизма. Летом 1886 года он работал в провинциальном городке Анделиз, расположенном на живописном берегу Сены. Здесь появилось чудесное полотно «Анделиз. Купальня» (1886, частное собрание, Париж). Точечными мазками чистых голубых, синих, зеленых, оранжевых и желтых цветов Синьяк написал воду, по которой скользит солнечный свет, а также деревья и домики на берегу. В том же году картина была выставлена в Салоне независимых. Мнения критиков были полярными: одни считали работу Синьяка слишком сухой, другие же, как, например, Феликс Фенеон, увидели в ней поэзию. Этот пейзаж мастер преподнес К. Писсарро, которого он считал своим другом и учителем.

П. Синьяк. «Гавань в Марселе», 1891, частное собрание, Нью-Йорк

Кроме картин с изображением природы, Синьяк в эти годы создает ряд жанровых композиций («Модистки», 1885–1886, частное собрание, Цюрих; «Завтрак», 1886–1887, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло).

Пейзажи, написанные мастером в конце 1880 — начале 1890-х годов, связаны с природой юга Франции. В 1887 году Синьяк работал в Коллиуре. Здесь он исполнил ряд картин, посвященных морю. Среди них большое полотно «Вид Коллиура» (1887, частное собрание, Нью-Йорк). Точечные мазки голубых, фиолетовых, желтых и зеленых цветов передают поэтическое очарование морского залива, песчаного пляжа, загадочного замка на берегу. Все изображенное на полотне как будто растворяется в неярком свете, отчего предметы теряют свои очертания.

В 1888 году Синьяк отправился в Бретань. Здесь появились пейзажи, главная тема которых — спокойное море, населенное парусными лодками («Портриё. Порт», 1888, Художественная галерея, Штутгарт; «Дамба в Портриё», 1888, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло).

Морская тематика надолго увлекла художника. В 1889 году он жил недалеко от Марселя, в Кассисе. Здесь Синьяк написал множество прекрасных пейзажей, передающих красоту Средиземноморского побережья. Живописец мастерски изображает пронизанное солнцем море, песок, деревья, паруса, наполненные ветром. Цвета этих пейзажей неярки, все предметы как будто высветлены солнечными лучами. Критики обвиняли Синьяка в искажении действительности, но он считал, что именно так выглядит природа в тех краях, где много солнца. В своем дневнике художник написал: «Я же считаю, что я никогда не писал таких объективно ”точных картин“, как в Кассисе. В этом крае все белое. Свет отражается отовсюду, съедает все локальные цвета, делает пепельными тени…».

П. Синьяк. «Мол в Влиссинжене», 1896, частное собрание, Лозанна

П. Синьяк. «Паруса и пинии», 1896, частное собрание

В 1891 году скончался друг и соратник Синьяка, Жорж Сёра. Синьяк активно занимался организацией выставок умершего художника.

Главное место в творчестве Синьяка по-прежнему занимают пейзажи и марины. Несмотря на кажущуюся обыденность и простоту, природа на его полотнах передана с глубоким поэтическим чувством. Такова пронизанная тишиной и покоем картина «Лодки на солнце. Ловля сардин» (1891, частное собрание, Нью-Йорк), первоначально названная автором «Покой, или Адажио». Иные ноты звучат в композиции «Возвращение в непогоду» (1891, частное собрание, Лондон), ранее также имевшей название, связанное с музыкой: «Бриз, или Престо». В отличие от первого полотна, где море кажется спокойным и почти неподвижным, второе полно движения: по потемневшему небу движутся мрачные тучи, парусники, пытаясь спрятаться от грозы в гавани, быстро несутся по волнам.

В начале 1890-х годов Синьяк обращается к монументальной живописи. Он создает «Портрет Феликса Фенеона» (1890, частное собрание, Нью-Йорк), а через несколько лет пишет картину «Причесывающаяся женщина» (1892, частное собрание). Эти работы, как и созданная позднее композиция «Во времена гармонии» (1893–1895, мэрия, Монтерей), выполнены в стиле декоративного панно.

Интерес мастера к декоративно-прикладному искусству отразился в эскизах росписей мэрии Аньера. В 1900 году художник отправил на конкурс эскизы с видами Сены, но они не были приняты жюри. Его состав на 90 процентов состоял из представителей салонного искусства, и оригинальная живопись Синьяка не могла удовлетворить их.

Оставив попытки утвердиться в области декоративного искусства, Синьяк вновь обращается к пейзажам. В 1895 году он написал чудесную марину «Красный буй» (1895, частное собрание), показавшую замечательное колористическое мастерство художника. Восхитителен пейзаж, открывающийся взору зрителя: широкое пространство залива, написанное синими и голубыми точечными мазками, нарядные оранжево-желтые дома, красный буй и нежно-алый парус в центре картины. Один из критиков, увидевший эту картину на выставке, писал: «Это самая светлая и самая чудесная марина в салоне… Блеск, веселье и движение красок вызывают ясную и точную иллюзию реальности, в которой художник увидел трепетную песню света и радость южного солнечного бытия».

Среди лучших работ Синьяка — картины, посвященные природе Сен-Тропеза. Художник любил приезжать в этот красивый приморский город, чтобы отдохнуть от шума и суеты столицы. Свой первый пейзаж, передающий очарование этого края, мастер назвал «Тартаны, разукрашенные флагами» («Порт Сен-Тропез», 1893, Музей, Вупперталь).

Звучные цвета флагов, нарядных яхт, отражающихся в воде, наполняют полотно мажорным звучанием.

В Сен-Тропезе Синьяк написал множество прекрасных полотен, показывающих красноватые в солнечных лучах стволы сосен; море, спокойное и полное мерцающих бликов или тревожное и мрачное, ожидающее бурю («Паруса и пинии», 1896, частное собрание; «Выход из порта Сен-Тропез», 1902, частное собрание, Париж; «Сен-Тропез», 1906, частное собрание, Нью-Йорк; «Сосна в Сен-Тропезе», 1909, ГМИИ, Москва).

П. Синьяк. «Сосна в Сен-Тропезе», 1909, ГМИИ, Москва

От этих пейзажей отличаются картины, созданные под впечатлением от пребывания художника в Венеции в 1904 году. Особенно хороши акварели, свежие и поэтичные. Синьяк показал все свои венецианские работы на выставке в Париже. Акварельные пейзажи вызвали восторг зрителей, но станковые работы показались публике не столь привлекательными. Художник Морис Дени назвал картины Синьяка с мотивами Венеции «декоративными фантазиями». В какой-то мере Дени прав: пытаясь передать венецианское освещение, Синьяк делает венецианские пейзажи, изображающие воду каналов с гондолами и парусниками, похожими на призрачный мираж.

В своей жизни Синьяк совершил не одно путешествие за границу. В 1896, а затем в 1906 году он побывал в Голландии. Этой стране он посвятил ряд пейзажей («Мол в Влиссинжене», 1896, частное собрание, Лозанна; «Буксир на Маасе», 1906, частное собрание; «Роттердам. Буксир», 1906, частное собрание, Париж; «Порт Роттердама», 1907, Музей Бойманса ван-Бёнингена, Роттердам).

Синьяка всегда интересовал Восток, и в 1907 году он приехал в Турцию. Экзотическая красота восточной архитектуры и природы поразила художника, не расстававшегося с альбомом для зарисовок. Акварельные эскизы и рисунки углем, сделанные в Константинополе, легли в основу картин, созданных на родине. Среди лучших пейзажей — похожая на сказку композиция «Константинополь. Ени-Джани» (1909, частное собрание, Брюссель), в которой светлыми красочными мазками переданы силуэты минаретов и куполов на берегу и плывущие по морю лодки.

В творческом наследии Синьяка множество прекрасных акварелей. Большинство из них посвящено морской тематике. Светлые и радостные, эти пейзажи убедительно и реалистично передают свежую, трепетную атмосферу моря («Лодки в Лорнало», ок. 1923, Национальная галерея, Прага; «Тулон», 1931, Музей Аннонсиад, Сен-Тропез; «Аяччо. Синее и зеленое», 1935, частное собрание, Париж).

Свое последнее в жизни путешествие Синьяк совершил весной 1935 года — он побывал на Корсике. 15 августа этого же года художник скончался.

 

Альбер Марке

(1875–1947)

Самым веселым временем для Марке были годы его обучения в Школе изящных искусств. Вместе со своими однокашниками он проводил много времени на улице, делая быстрые зарисовки фигур прохожих. Если же модель слишком быстро двигалась, кто-нибудь из студентов издавал неожиданный тихий и шипящий звук, после которого человек, как правило, на несколько секунд замирал на месте.

Французский художник Альбер Марке родился в Бордо. Отец будущего художника работал кондуктором в поезде. Будучи зрелым мужчиной, он женился на девушке, которая была на пятнадцать лет моложе его. Вскоре у них появился сын, которого они назвали Альбером.

Мальчик с детства рисовал: сначала углем на полу и стенах, затем ему купили карандаши, и он стал рисовать картинки в тетрадях. Он часто посещал городской музей, в котором были выставлены картины Б. Мурильо, П. Рубенса и П. Веронезе. После окончания школы в 1890 году пятнадцатилетний Альбер поступил в Школу декоративных искусств (Эколь Деко) в Париже. Вскоре юноша завел в Париже новых друзей: он познакомился с писателем Ш. Л. Филиппом и художником А. Матиссом.

В 1895 году Альбер окончил коллеж и решил продолжить образование в Школе изящных искусств. Очень многому он научился у своего преподавателя, Г. Моро. Кроме того, Марке брал уроки у Ф. Кормона. Помимо работы в студиях, Марке часто рисовал пейзажи с натуры, устанавливая этюдник прямо на улице. После смерти Моро Марке и другие ученики — Милсандро, Матисс и Руо — перестали посещать школу и так и не получили дипломы.

В первых самостоятельных работах Марке — портретах, изображениях обнаженной натуры, натюрмортах — чувствовалось влияние Сезанна и Синьяка, через некоторое время он заинтересовался произведениями Боннара. К этому периоду творчества Марке относятся полотна «Портрет кузины», «Портрет матери в черном платье», «Портрет родителей». В конце 1890-х годов Марке вместе с Матиссом совершил несколько поездок в Вогезы, после которых увлекся пейзажем («Деревья в Бийанкуре», 1898, Музей искусств, Бордо и др.).

После возвращения в Париж художникам пришлось подрабатывать штукатурами, чтобы обеспечить себя. Однако, несмотря на тяжелые времена, Марке не прекращал рисовать. Он старался находить свободное время для натурных этюдов, а по вечерам работал в мастерской. Сохранилось множество его рисунков этого периода: «Дорожные работы», «Парижский извозчик», «Старые женщины». Кроме того, он выполнял иллюстрации к роману «Бюбю с Монпарнаса» Шарля Луи Филиппа.

В 1903 году Марке выставил свою работу в Салоне независимых — это был пейзаж «Вид на Сент-Этьен дю Монд». С этого же года он стал выставляться в Галерее Берты Вейл и в Осеннем салоне.

Выставка 1905 года, на которой были представлены работы Марке и других художников, вызвала сильное возмущение публики. На стенах висели картины с обобщенными, максимально упрощенными контурами, дикими, контрастными сочетаниями цветов. Это новое направление вскоре было названо фовизмом (от франц. fauve — «дикий»). Удивление и негодование вызывали и сами художники, пришедшие на выставку в экстравагантных одеяниях. Манген, например, нарядился в красный костюм фантастического покроя, Дерен надел яркую оранжевую рубашку, Вламинк — желтую. Марке явился на выставку в старом, заношенном вельветовом костюме и шляпе, сдвинутой на затылок.

А. Марке. «Гавань в Мантоне», Эрмитаж, Санкт-Петербург

А. Марке. «Набережная в зелени», 1906, Эрмитаж, Санкт-Петербург

К фовизму можно отнести пейзаж Марке «Гавань в Мантоне» (Эрмитаж, Санкт-Петербург). В ней преобладают яркие, сочные тона: небо неестественно-синее, вода отливает всеми цветами радуги — при беглом взгляде она кажется зеленой, но если приглядеться, можно заметить черные, синие, фиолетовые, золотистые, желтоватые пятна и различные оттенки зеленого: от темно-изумрудного до салатово-голубоватого. На переднем плане изображена водная гладь, виднеются носы лодок, на заднем плане, на берегу, теснятся дома, за ними можно разглядеть заросшие лесами холмы.

В следующих своих работах — «Балкон» и «Заход солнца над Новым мостом» — художник сделал попытку развить не цветовое, а композиционное направления фовизма.

Новое течение просуществовало всего два года. Вскоре Марке отошел от художников-фовистов и совершил поездку в Нормандию, где выполнил серию пейзажей. В них он постарался разработать свою собственную оригинальную художественную манеру, отличительной чертой которой явились менее яркие цветовые сочетания. Таковы его работы «Солнце над Парижем» (1907, ГМИИ, Москва).

Свои работы Марке экспонировал в Парижской галерее Друэ. Он подготовил тридцать девять работ, в число которых входило двадцать три пейзажа. Отзывы на работы были положительными, и с тех пор начали говорить о «Париже Марке», т. е. о его индивидуальном взгляде на парижские пейзажи. Он писал виды французской столицы с высоты пятого этажа или с крыш и показал зрителям Париж в новом, неожиданном ракурсе. Композиции работ выстроены таким образом, что привлекают внимание зрителей вглубь полотна. Одним из наиболее характерных произведений считается «Дождливый день в Париже. Нотр-Дам» (1910, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Наиболее повторяющимся сюжетом его полотен была Сена: ее набережная, многочисленные мосты, остров Сите. Он изображал Сену в различные сезоны, при разном освещении. Одна из первых работ цикла, «Набережная в зелени» (Эрмитаж, Санкт-Петербург), была написана в 1906 году. Художник выбрал для создания пейзажа летний солнечный день, писал его с некоторого возвышения — из окна верхнего этажа. Он изобразил набережную, утопающую в зелени деревьев, далеко на горизонте виднеются дома, над ними — чистое синее небо. В том же году им была написана и «Набережная Лувра и Новый мост в Париже» (Эрмитаж, Санкт-Петербург), а вскоре — «Вид на Сену и памятник Генриху IV» (Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Мост Сен-Мишель зимой» (1908, ГМИИ, Москва) и многие другие произведения.

В начале XX века Марке много путешествовал, тогда же его заинтересовала тема моря. Первую марину — «Гавань в Мантоне» (Эрмитаж, Санкт-Петербург) — художник создал еще в 1905 году, когда увлекался фовизмом. Через год он написал «Регату в Фекане», Музей современного искусства, Париж).

В 1909 году Марке отправился в Германию и некоторое время жил в Гамбурге. Там он написал с натуры «Гамбургский порт» (Эрмитаж, Санкт-Петербург) — пейзаж индустриального города. Композиция этого произведения несколько отличается от его парижских пейзажей, так как он изображал порт не с возвышения.

А. Марке. «В Неаполе», 1909, Эрмитаж, Санкт-Петербург

А. Марке. «Гамбургский порт», 1909, Эрмитаж, Санкт-Петербург

По желтовато-коричневой воде плывет баркас с черной трубой и красной полосой вдоль борта. На берегу теснятся одинаковые трех— и четырехэтажные дома с острыми крышами, за ними возвышаются, резко выделяясь на фоне голубовато-серого неба, башни.

Из Гамбурга художник отправился в Италию, где написал несколько видов Неаполитанского залива: «Марина» (1909, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «В Неаполе» (1909, Эрмитаж, Санкт-Петербург) и др.

Продолжая путешествовать по Европе, Марке старался воспроизвести на полотне порты различных крупных городов («Порт в Роттердаме», 1914, Музей современного искусства, Париж; «Амстердамский порт», Музей современного искусства, Париж; «Грузовое судно в Марселе», 1916, частное собрание, Париж; «Порт в Гавре», 1934, частное собрание, Париж и др.).

А. Марке. «Амстердамский порт», Музей современного искусства, Париж

А. Марке. «Порт в Гавре», 1934, частное собрание, Париж

В 1920–1930-х годах Марке несколько раз бывал в Нормандии и наконец, решив обосноваться здесь, приобрел себе дом. Там он и написал одну из своих лучших работ: «Регата в Меллерей» (1927, Музей искусств, Бордо). Художник изобразил свою любимую реку Сену с волнами, которые поднял резкий порыв ветра. На флагштоке у пристани бьется на ветру флаг, по небу бегут редкие облака. К причалу подошли две парусные лодки. Картина так сильно понравилась художнику, что он повторил ее на кафельных плитках своей ванной комнаты в парижской квартире.

Марке путешествовал не только по Европе. Он бывал и на африканском побережье Средиземного моря: в Алжире, Тунисе, Марокко. В 1910-х годах художник вместе с Матиссом ездил в Танжер. Во время одной из поездок в Алжир в 1920 году Марке познакомился с Марсель Мартине, которая вскоре стала его женой. Они вместе гуляли по узким и кривым улицам алжирской столицы и рассматривали пейзажи этого города. В Алжире Марке написал множество великолепных пейзажей, в том числе «Улицу в Сиди-Бу-Саиде» (1923, частное собрание, Париж). Алжир более других стран привлекал художника: он провел там годы Второй мировой войны. В Африке Марке впервые попробовал создавать пейзажи с изображениями разбушевавшейся природы. На некоторых его полотнах показаны грозы, на других — страшные ураганы и штормы («Буря в Ла-Гулетт», 1926, Музей искусств, Бордо).

После окончания войны Марке вместе с женой вернулся в Париж и поселился на улице Дофин. Из окон его мастерской открывался его любимый вид — набережная Сены и Новый мост.

В последние годы жизни он чувствовал себя плохо, но все же не прекращал работать. Даже после тяжелой операции, которая была сделана ему в 1947 году, он смог создать еще восемь картин. Марке умер в возрасте семидесяти двух лет. После смерти художника его жена, которая была литератором (она известна под псевдонимом Марсель Марти), по совету друзей написала о Марке книгу.

 

Рауль Дюфи

(1877–1953)

В Музее современного искусства в Париже хранится огромное панно Рауля Дюфи, названное автором «Фея электричества». Эту картину, соединившую в себе самые разнообразные мотивы (природу, историю, архитектуру, портреты ученых, мифологические образы), художник написал в 1937 году для Всемирной выставки. Дюфи создавал интерьеры, портреты, натюрморты, но лучше всего его мастерство проявилось в пейзажном жанре.

Французский живописец Рауль Дюфи родился в Гавре. Его родители были небогатыми людьми, поэтому будущему художнику очень рано пришлось приступить к работе, чтобы помочь семье.

Днем Рауль выполнял свои обязанности в конторе фирмы, занимавшейся импортом кофе, а вечерами посещал рисовальную школу. Его кумирами в искусстве были два Эжена — Делакруа и Буден.

В 1900 году благодаря стипендии от городского магистрата Дюфи смог поступить в Парижскую школу изящных искусств. Здесь он прилежно учился в течение четырех лет, хотя система обучения не устраивала художника, искавшего собственные пути в искусстве. Большую роль в формировании творческого метода Рауля сыграло знакомство с импрессионистами. Особенно восторгался он живописью К. Моне и К. Писсарро. В ранних импрессионистических пейзажах Дюфи, изображающих пляжи и улицы, все предметы теряют очертания в вибрирующих потоках света и воздуха («Сумерки в гаврском порту», 1904, Музей Кальве, Авиньон). Вскоре Дюфи под впечатлением от произведений А. Матисса увлекся фовизмом. В 1905 году вместе с представителями этого направления он принял участие в Осеннем салоне. Фовистские пейзажи Дюфи отличаются яркой декоративностью и обобщенностью форм. Таковы «Старые дома в Онфлёре» (1906, частное собрание, Нью-Йорк), «Афиши в Трувилле» (1906, Музей современного искусства, Париж), «14 июля в Гавре. Улицы, украшенные флагами» (1906, Музей современного искусства, Париж).

К этому же времени относится увлечение художника гравюрой. Лучшая его работа в этой технике — серия ксилографий к «Бестиарию, или Кортежу Орфея» Г. Аполлинера (1910). В 1910 году Дюфи также пробовал себя в сфере декоративно-прикладного искусства. Он занимался росписью керамики, эскизами для шпалер и тканей.

Со временем в пейзажах художника появляются пространственные планы и объемы, более сдержанной становится и его палитра. В конце 1910-х годов Дюфи — сложившийся мастер со своей собственной неповторимой манерой письма.

В начале 1920-х годов живописец отправился на юг Франции. Работая на Лазурном берегу, он создает пленительные мажорные пейзажи, в которых главные мотивы — теплое море, пронизанный солнечными лучами золотистый песок пляжей, нарядные набережные, парусные регаты, романтические прогулки. На этих полотнах сквозь звучные цвета (оранжевые, сиреневые, бирюзовые, ярко-розовые, изумрудные), окрашивающие четко разграниченные пространственные плоскости, проступают орнаментальные линии рисунка. Так художник создает очертания зданий, деревьев, решеток, окружающих цветущие скверы, парусных лодок и человеческих фигур. Линии существуют как бы сами по себе, отдельно от цвета, но это не лишает композиции очарования и гармонии.

Доминирующим цветом в средиземноморских пейзажах Дюфи является синий. Нюансы синего и голубого рождают морские волны, небо, набережную на полотне «Казино в Ницце» (1927, частное собрание, Женева). На их фоне нарядным пятном выделяется розовое казино, ярко-зеленые пальмы и трава в маленьком сквере, окруженном ажурной черной решеткой. Эти же выразительные детали (узорные ограждения набережных и скверов, лазурное море, пальмы и фигуры людей, безмятежно прогуливающихся вдоль берега) повторяются и в других картинах Дюфи («Берег моря в Ницце», 1927, частное собрание; «Бухта ангелов», 1927, частное собрание, Брюссель).

Р. Дюфи. «Гавань для яхт», 1920-е, частное собрание, Париж

Р. Дюфи. «Четырнадцатое июля в Довиле», 1933, ГМИИ, Москва

Стремительное движение наполняет пейзажи, посвященные парусным регатам («Регата в Довиле», 1929–1930, частное собрание, Париж; «Регата в Хове», 1934, частное собрание, Париж). Ощущение яркого праздника вызывают легкие парусные яхты, заходящие в воды гавани из открытого моря, и яркие силуэты зданий на берегу.

Такие же красочные и нарядные композиции Дюфи создает под впечатлением от путешествий в Испанию, Италию, Германию, Марокко, Америку. Особенно поразила художника красота Венеции. Ее каналы, улицы и площади, окутанные мерцающим светом, живописец изобразил в своих акварелях («Площадь Сан-Марко», 1938, Галерея Луи Карре, Париж).

В начале Второй мировой войны Дюфи оставил Париж и уехал на юг страны. В этот период главная тема его пейзажей — уборка урожая.

В последние годы жизни больной полиартритом живописец почти не выходил из дома. Он мог писать лишь то, что окружало его, поэтому создавал главным образом интерьеры и натюрморты («Красная скрипка», 1948, частное собрание, Париж).

 

Морис Утрилло

(1883–1955)

Морис Утрилло при жизни добился признания, чего не удавалось большинству других французских художников того времени. В 1950 году одна из его картин была куплена за 8 миллионов франков — это гораздо выше тех сумм, которые коллекционеры платили за полотна Дега и Моне.

Французский живописец Морис Утрилло родился в Париже. Его мать Мари-Клементина Валадон была цирковой гимнасткой, но из-за травмы оставила цирк и стала профессиональной натурщицей. Она позировала Ренуару, Ван Гогу, Тулуз-Лотреку и другим известным художникам. Через некоторое время выяснилось, что у нее тоже есть художественные способности. Дега с восхищением отзывался о ее рисунках и даже помог ей освоить технику мягкого лака.

Полагают, что отцом будущего художника был Буасси, один из знакомых матери. В 1891 году, когда мальчику было восемь лет, его усыновил испанец Мигюэль Утрилло-и-Молинс. Он зарабатывал на жизнь архитекторскими проектами, писал картины и, вероятно, дал мальчику первые уроки рисования. Через два года он покинул Париж и уехал в Испанию. Мари-Клементина вскоре вышла замуж за Муси, который был состоятельным человеком. Из-за рисования у нее оставалось мало времени на занятия с сыном. Он уже ходил в школу, но на уроках часто бывал рассеян и задумчив, за что учителя не раз выгоняли его из класса.

Окончив школу, Морис продолжил обучение в коллеже Роллен. Дорога от дома до коллежа была длинной, и мальчика довольно часто подвозили штукатуры. Они же и приучили Мориса к спиртному.

Очень скоро юноша уже не мог без него обходиться и тратил все свои карманные деньги на абсент. Вскоре он бросил коллеж и некоторое время был подмастерьем у чистильщика сапог, затем перешел в мастерскую по изготовлению абажуров, после чего сменил еще несколько мест.

Мари-Клементина к тому времени уже была известной художницей и постоянно получала заказы. Она прославилась под именем Сюзанны Валадон. Один из заказчиков, по профессии врач-психиатр, посоветовал ей начать учить Мориса живописи. Морис (ему тогда было шестнадцать лет) начал рисовать, и очень скоро новое занятие его сильно захватило. Он стал выезжать на природу и делать натурные этюды. К 1903 году он успел создать более 150 пейзажей. Несмотря на увлечение живописью, Утрилло не переставал пить. Бывали времена, когда запои у него продолжались несколько дней.

Утрилло интересовался творчеством импрессионистов. Особенно его привлекали работы Писсарро. Начинающий художник в чем-то подражал ему, например, пробовал такими же небольшими, прерывистыми мазками наносить краски на полотно. Однако в отличие от живописных, красочных пейзажей Писсарро картины Утрилло неизменно вызывали у зрителя ощущение грусти, тоски, уныния, отчаяния. Причина в том, что в своих работах художник старался выразить чувство одиночества, мучивший его страх, меланхоличное настроение. Таковы виды Монманьи и Пьерефитт, которые художник писал с 1903 по 1908 год («Сена в Париже», 1905, частное собрание, Базель; «Сад в Монманьи», 1908, Национальный музей современного искусства, Париж).

Он писал серые, унылые здания, которые занимали большую часть холста и создавали замкнутое пространство, небо он почти не изображал. В его палитре преобладали оттенки серого и белого, но краски были не сочными, а мрачными, грязными, непрозрачными. Рисунок отличался графичностью. Его художественная манера сформировалась к 1910 году и больше не изменялась.

В отличие от импрессионистов Утрилло не стремился писать воздух. Его больше интересовали материалы, из которых строились парижские здания. Он старался точно изобразить фактуру кирпичей или штукатурки, передать шероховатость черепицы, гладкость мостовых. Для этого художник довольно часто мешал краски с песком или гипсом, дополнял живопись кусочками бумаги или мхом.

В 1909 году Утрилло впервые экспонировал свои картины в Салоне, а через четыре года была организована его первая персональная выставка. Спустя некоторое время он вместе с Сюзанной Валадон совершил поездку в Бретань и на Корсику, во время которой продолжал изображать квартал, который более всего привлекал его в Париже, — Монмартр. Среди его работ этого периода можно перечислить «Кабачок “Лапен ажиль”» (1910, Национальный музей современного искусства, Париж), «Тупик Коттен» (1911, Национальный музей современного искусства, Париж), «Площадь Тертер» (ок. 1911–1912, Галерея Тейт, Лондон), «Белый дом» (ок. 1912, ГМИИ, Москва).

М. Утрилло. «Кабачок “Лапен ажиль”», 1910, Национальный музей современного искусства, Париж

На протяжении всей жизни Утрилло интересовался религией, что отражалось и на выборе сюжетов для картин. Довольно часто Утрилло изображал на своих полотнах одиноко стоящие церкви: «Церковь Сен-Пьер» (ок. 1911, Музей Оранжери, Париж), «Церковь Сен-Северен» (ок. 1913, Национальная галерея, Вашингтон), «Шартрский собор» (ок. 1913, частное собрание), «Рейнский собор» (ок. 1914, частное собрание), «Церковь на окраине» (1917–1918, Национальный музей современного искусства, Париж).

М. Утрилло. «Церковь на окраине», 1917–1918, Национальный музей современного искусства, Париж

После поездки палитра Утрилло стала более светлой и красочной. Тогда же он заинтересовался созданием литографий и стал писать акварелью и гуашью. В 1920–1930-х годах художник приобрел известность, его картины стали покупать. В начале своего творческого пути он, бывало, отдавал картину владельцу кафе за рюмку абсента. Теперь же спрос на его произведения возрос, и владельцы картин продавали их за огромные деньги.

Сюзанна Валадон настояла на переезде в замок Сен-Бернар в окрестностях Лиона, где, как она надеялась, сын перестанет видеться со своими приятелями — завсегдатаями кафе на Монмартре — и излечится от своей пагубной привычки к пьянству. Живя в замке, художник продолжал по памяти изображать уголки Парижа — его любимые в молодости места, которых уже не существовало, так как многие здания в Париже к тому времени уже были снесены или перестроены.

В 1926 году Утрилло по заказу Сергея Дягилева выполнил эскизы декораций и разработал модели костюмов к балету Баланчина «Барабо».

В 1935 году в личной жизни художника произошло важное событие: он женился на богатой вдове, которая была поклонницей его творчества и давно уже коллекционировала картины художника.

Утрилло к тому времени уже было пятьдесят два года. А в следующем году произошло трагическое событие: умерла его мать.

Художника мало интересовала шумиха, поднявшаяся вокруг его имени. В последние годы жизни он стал очень религиозным человеком, собирал статуэтки лурдской Богоматери. Очевидцы утверждали, что, попав на выставку, художник не узнавал своих ранних картин. Он жил за городом, не прекращая писать. В день своей смерти он начал очередную картину, на которой хотел изобразить улицу Корто на Монмартре такой, какой она выглядела в годы его молодости. Он умер в возрасте семидесяти двух лет.

Свою лепту в развитие пейзажного жанра внесли художники США. Следует особо отметить таких известных американских пейзажистов, как Уинслоу Хомер (1836–1910), Меррит Уильям Чейс (1849–1906), Альберт Пинкхэм Райдер (1847–1917), Томас Икинс (1844–1916), Морис Прендергаст (1859–1924). Ярким представителем американской пейзажной живописи является Рокуэлл Кент, посвятивший свое творчество природе Севера.

 

Рокуэлл Кент

(1882–1971)

Пейзажи Рокуэлла Кента повествуют о суровой природе различных уголков Американского континента: Ньюфаундленда, Гренландии, Аляски, Огненной Земли, где художник побывал сам. Он некоторое время жил на одном из северных островов, плавал на паруснике вокруг южной оконечности материка, не раз рисковал своей жизнью.

Американский живописец, график и писатель Рокуэлл Кент родился в Территауне, штат Нью-Йорк. Его отец вместе со своими компаньонами владел адвокатской фирмой и занимался эксплуатацией шахт. Он умер, когда Рокуэллу было всего пять лет. Мальчика воспитывала мать, Сара Энн Бэнкер. Вскоре к ним переехала сестра Сары, художница, получившая образование в Дрездене. Чтобы помочь прокормить семью, она начала расписывать фарфор. Маленький Рокуэлл помогал ей в этом занятии и очень скоро освоил роспись в голландском стиле.

В 1893 году Рокуэлл начал учиться в Епископальной академии штата Коннектикут, затем посещал подготовительную школу Х. Манна в Нью-Йорке. С 1900 года Кент учился в Колумбийском университете на факультете архитектуры. В свободное время он рисовал, а на каникулах посещал Летнюю художественную школу в Шиннекоке на Лонг-Айленде, которой руководил У. М. Чейз. Через некоторое время Рокуэлл бросил университет и поступил на вечернее отделение Школы искусств. К этому же периоду относятся и его первые пейзажи: «Дублинский пруд» (1903, Смитсоновский университет, Вашингтон), «Гора Монаднок» и др.

Вскоре Кент переехал на Север и некоторое время жил на острове Монхеган. Он много работал, а в плохую погоду, когда нельзя было выходить из дома, писал пейзажи суровой северной природы. Наиболее известными работами данного периода являются «Зима. Монхеган» (1906, Метрополитен-музей, Нью-Йорк), «Мыс в штате Мэн зимой» (1906, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Скала. Монхеган» (1906, собрание Дж. Уайета, США), «Труженики моря» (1907, Музей американского искусства, Нью-Бритен, Коннектикут).

В 1907 году Кент организовал первую самостоятельную выставку, на которой представил четырнадцать работ. Она проходила в Нью-Йорке в галерее Клозена и была благосклонно принята зрителями, несмотря на то что цветовые сочетания, используемые художником, критики называли довольно смелыми.

Во второй половине 1900-х годов Кент посетил Беркшир и Монхеган. Во время этой поездки он выполнил большое количество натурных этюдов, рисунков и набросков. После возвращения он использовал мотивы, встречающиеся в этих работах, для написания полотен «Мэнское побережье» (1907, Музей искусств, Кливленд, Огайо), «Снегоукатчик» (1909, собрание Филипс, Вашингтон), «Люди и горы» (1909, Галерея изящных искусств, Колумбус, Огайо).

Р. Кент. «Вечный покой. Северная Гренландия», 1930-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург

Примерно в это же время сформировалась оригинальная художественная манера мастера. Как правило, его картины были панорамными, он изображал огромные пространства и многие детали ему приходилось уменьшать («Деревня на острове. Мэнское побережье», 1909, Эрмитаж, Санкт-Петербург). В более поздних произведениях Кент намечал формы схематически, его палитра стала более яркой, богатой, насыщенной.

Работы Кента воспринимались зрителями и критиками по-разному. Некоторые называли их гениальными и с удовольствием посещали его выставки. Другие утверждали, что при взгляде на его полотна возникают тяжелые, неприятные ощущения, поэтому лучше не посещать его выставок и тем более не развешивать его картины в жилых помещениях. Кент не обращал внимания на эти высказывания. Он продолжал писать так, как считал нужным. В своей книге «Это я, Господи» он писал: «”Рокуэлл Кент, — сказал я, — смотри вокруг себя как обыкновенный человек и благодари Бога и родную мать за то, что они дали тебе хорошие глаза; и пиши как обыкновенный человек, а не как художник“. С того дня и в течение всей моей последующей жизни я именно так и работал».

В 1908 году Кент женился на Кэтлин Уайтинг. За время их недолгого брака она родила ему пятерых детей. Молодая семья поселилась в Ньюфаундленде, так как жизнь там была дешевле, чем в крупных городах США. Кент много работал, чтобы прокормить жену и детей, а в редкие свободные минуты продолжал писать. Большинство его пейзажей этого периода пронизано смятением и чувством тревоги. Таковы полотна «Пастораль» (1914, Галерея изящных искусств, Колумбус, Огайо), «Дом ужаса» (1915, Сани колледж, Платсберг, штат Нью-Йорк).

В 1918 году Кент вместе со своим старшим сыном отправился на Аляску, где прожил около шести месяцев на Лисьем острове. Там у него появилась возможность спокойно работать. Художник вместе с сыном гулял по острову, любовался природой и очень много рисовал. Вернувшись, он привез с собой совершенно иные картины, непохожие на прежние произведения. В этих полных глубокого философского смысла полотнах автор как бы стремится определить место человека в суровом северном мире («Медвежий ледник», частное собрание, США; «Аляска. Зима», Музей Рериха, Нью-Йорк; «Аляска. Вид с Лисьего острова зимой», ГМИИ, Москва; «Замерзший водопад. Аляска», Сани колледж, Платсберг, штат Нью-Йорк).

Р. Кент. «Охотник на тюленей. Северная Гренландия», 1930-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург

После возвращения с Аляски Кент организовал в Нью-Йорке две выставки, на одной из которых показал картины, а на другой — рисунки. Обе выставки имели огромный успех, работы прекрасно раскупались. Благодаря этой поездке Кент смог достичь некоторого материального благополучия.

Вскоре Кент снова отправился в морское путешествие, на этот раз к мысу Горн. Вместе с попутчиками он прошел на паруснике вдоль побережья Латинской Америки. Из-за плохой погоды к мысу подойти не удалось, однако художник смог побывать на Огненной Земле. Природа этого острова подействовала на Рокуэлла угнетающе. Свои впечатления он выразил в произведениях «Ледник» (Государственная картинная галерея Армении, Ереван), «Овечья страна. Огненная Земля» (1922, ГМИИ, Москва), «Гавань Парри. Огненная Земля» (1922, Музей западного и восточного искусства, Киев) и многих других. Пейзажи поражают зрителя своей мрачностью, в них преобладают черный и грязно-коричневый цвета. Небо, изображенное художником, чаще всего не синее, а темное, хмурое, вода больше напоминает стекло, и вся природа кажется застывшей.

Вернувшись в Нью-Йорк, Кент продемонстрировал свои картины на выставке в галерее Вильденштейна в Нью-Йорке. Несмотря на пессимизм, сквозивший в работах, публика приняла их хорошо. Однако раскупались они не так быстро, как рассчитывал Кент. И все же эта поездка значительно улучшила его материальное положение. Художник отправился во Францию, где жила его жена с детьми, и некоторое время оставался с ними, затем посетил Франкфурт и Веймар, совершил непродолжительную поездку в Америку, а затем снова вернулся в Европу и некоторое время жил в деревне Бонсон в Приморских Альпах. Там Кент написал несколько пейзажей, которые сильно отличались от его прежних работ цветовой гаммой: темные, мрачные тона сменились яркими импрессионистическими красками. В палитре художника появились светло-зеленые, розовые, голубые тона («Бонсон. Приморские Альпы», 1925, Музей западного и восточного искусства, Киев; «Приморские Альпы», собрание С. Кент Гортон, США). Однако с точки зрения критиков более ценными являются те работы, на которых художник изображал суровую природу Севера.

В 1926 году в личной жизни художника произошло важное событие: он развелся со своей первой женой и женился на Френсис Ли. Супруги отправились в Ирландию и прожили четыре месяца в долине Гленлоу, графство Донегол. За это время Кент написал более тридцати пейзажей, в том числе «Ирландское побережье» (1926, ГМИИ, Москва), «Стог Дэна Уорда» (1926–1927, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Старролл. Донегол. Ирландия» (1926–1927, Эрмитаж, Санкт-Петербург) и «Кораблекрушение. Ирландское побережье» (1927, Сани колледж, Платсберг, штат Нью-Йорк), которая считается самой удачной работой того периода.

Кент прославился не только как живописец, но и как гравер. Первые его работы датируются 1920 годом. Большое количество гравюр он выполнил в 1930-х годах. Художник создал серию гравюр на морские сюжеты («Человек у мачты», 1929; «Бушприт», 1930) и множество иллюстраций к своим литературным произведениям («Дикий край», «Плавание к югу от Магелланова пролива» и др.).

Кент давно собирался посетить Гренландию. Первый раз он отправился на остров в 1929 году, однако у самого берега бот, на котором он плыл вместе с попутчиками, разбился о скалы. Через двое суток замерзшие и голодные путешественники обнаружили поселение и очень скоро покинули остров. Несмотря на неудачу, Кент побывал в Гренландии еще два раза: в 1931 и в 1934 годах. Результатом этих поездок стали пейзажи «Гора, отражающаяся в воде. Южная Гренландия» (1929, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Художник в Гренландии» (1929, ГМИИ, Москва), «Ноябрь в Северной Гренландии» (1930-е, ГМИИ, Москва), «Зимний день» (ГМИИ, Москва), «Охотник на тюленей. Северная Гренландия» (1930-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Эскимос в каяке» (ГМИИ, Москва) и др.

В личной жизни художника снова произошли изменения: он полюбил Салли, которая некоторое время была его помощницей. Вскоре Кент женился на ней. В 1948 году мастер изобразил свою третью жену на полотне «Салли верхом на лошади. Асгор» (1948, ГМИИ, Москва).

Р. Кент. «Салли верхом на лошади. Асгор», 1948, ГМИИ, Москва

В 1950 году Кент снова вернулся на Монхеган, где работал в начале своего творческого пути. Многое на острове изменилось, но природа осталась прежней. У художника было множество начатых полотен, которые он закончил уже после возвращения («Молодые елки», ок. 1955, Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Мэнский туман. Монхеган», 1955, ГМИИ, Москва). В том же году он написал полотно «Салли и море». Эта картина не сохранилась: незадолго до смерти художника сгорел его дом.

В огне погибла богатая библиотека Кента, коллекция редкостей, собранная им за годы путешествий, и эта картина. Остальные работы хранились в другом месте и потому остались невредимыми. Пожар произвел сильное впечатление на художника. Несмотря на преклонный возраст (ему было далеко за восемьдесят), Кент начал строительство нового дома и успел его закончить.