Антонис ван Дейк. Видение Богоматери блаженному Герману Иосифу. 1629–1630
Питер Пауль Рубенс (1577–1640) Четыре части света 1615. Холст, масло. 209x284
Один из лучших мастеров аллегорической композиции XVII века Питер Пауль Рубенс в своих произведениях очень часто обращался к иносказательным мотивам в духе античной мифологии.
На картине «Четыре части света» фламандский художник изобразил персонификации известных в его время земных континентов, которые сопровождают воплощения протекающих по их территории великих рек. Согласно латинским названиям и древнеримской традиции, части света олицетворяют женские фигуры, а реки — мужские. Рядом представлены характерные для разных стран элементы пейзажа и экзотические животные, а также маленькие фигурки обнаженных путти — так называемых гениев места. Справа сидят Азия с Гангом, возле них бродит свирепый и великолепный тигр, в центре находится негритянка — Африка, которую обнимает расположившийся рядом с ней на земле Нил, а за его спиной, раскрыв пасть, лежит огромный крокодил. На втором плане видна Америка — самый молодой из континентов, ее воплощает белокурая дева с распущенными волосами и река Амазонка. Европа, считавшаяся колыбелью христианства и античной культуры, представлена женщиной с венцом из четок на голове и мужчиной с музыкальным инструментом, призванным напомнить зрителю о том, что именно здесь зародились искусства. Передовой и хорошо образованный художник был знаком с теорией Коперника о вращении Земли вокруг Солнца, и поэтому он расположил персонификации континентов по кругу. Крепкие фигуры аллегорических персонажей энергичны и сильны, их прекрасные обнаженные тела вылеплены уверенно, с отличным знанием пластики и законов движения человека. Очень живописны в своей великолепной ярости и хищные звери, которых Рубенс как истинный мастер барокко любил и умел изображать.
Питер Пауль Рубенс (1577–1640) Портрет Елены Фоурмен (Шубка) 1636–1638. Дерево, масло. 176x83
Облик своей второй жены Елены Фоурмен Питер Пауль Рубенс не единожды запечатлел на картинах на мифологические и библейские сюжеты, где она представала то Венерой, то Вирсавией.
Один из последних портретов молодой женщины, который сам художник называл «Шубка», написанный за два года до смерти великого фламандского мастера, совершенно лишен каких-либо атрибутов и аксессуаров, указывающих на его принадлежность к мифологическому жанру. Здесь на нейтральном фоне изображена непринужденно стоящая обнаженная красавица, укрытая черной, расшитой золотом шубкой. Одной рукой женщина придерживает край дорогого одеяния на своем плече, а другой не позволяет соскользнуть по телу ворсистому меху. Это естественное движение придает изображению непосредственность реального мотива. Открытый взгляд Елены, немного наивный и доверчивый, выражает ту душевную ясность и чистоту, которая особенно присуща юности. Умело подобранные теплые тона выделяют нагое тело, залитое светом и будто излучающее тепло жизни. Рубенс, последовательно нанося мазок за мазком, достиг почти эмалевого, отливающего нежными оттенками звучания красок, которые необычайно тонко и верно воспроизводили осязаемость трепетного дыхания плоти.
Эта картина была создана великим живописцем исключительно для себя. Он обещал жене никому ее не показывать, ибо она была очень смущена этим произведением, где вне всякого сюжетного контекста представала в столь откровенном виде. После смерти автора молодая женщина даже хотела уничтожить «Шубку», но кардинал-инфант Фердинанд через духовника уговорил ее не делать этого.
Антонис ван Дейк (1599–1641) Портрет принца Рупрехта фон Пфальца Около 1631–1632. Холст, масло. 175x95
Принца Рупрехта фон Пфальца, сына принцессы Елизаветы Английской, дочери Якова I, и Фридриха V фон Пфальца, знаменитый фламандский живописец Антонис ван Дейк написал во время своего пребывания в Англии. Картина была создана в паре с полотном, изображавшим старшего брата принца, Карла Людвига.
Родившемуся в 1619 Рупрехту в это время было около тринадцати лет, но благородный отпрыск королей не по-юношески величав и серьезен. Его облик полон уверенного, гордого достоинства. Направленный на зрителя взгляд больших умных глаз чуть высокомерен. Принц хорош собой, его свободная поза изящна, а строгий черный костюм безупречно элегантен. Рупрехт фон Пфальц — будущий офицер и воин: на темном фоне камзола выделяется позолоченный эфес шпаги.
Колорит и композиция картины так же сдержанны и аристократичны, как модель Ван Дейка. Автор варьирует, гармонично согласовывая тона, всего четыре цвета: черный, белый, серо-голубой и золотистый. Юноша изображен в рост на фоне окна, в котором виднеется осенний пейзаж, а у ног принца сидит преданный породистый пес. Красивое животное и живописный пейзаж вносят оживление в произведение, заставляя зрителя вспомнить, что перед ним совсем еще мальчик, который, стоя и чуть театрально позируя модному художнику, быть может, мечтает умчаться в лес на охоту в сопровождении веселой своры собак.
Давид Тенирс Младший (1610–1690) Эрцгерцог Леопольд Вильгельм в своей картинной галерее в Брюсселе. Около 1651. Дерево, масло. 123x163
Давид Тенирс Младший, фламандский живописец из Антверпена, с 1651 жил в Брюсселе, где служил придворным художником и директором картинной галереи эрцгерцога Леопольда Вильгельма. За четыре года пребывания в должности ему удалось создать одно из лучших по тем временам собраний живописи в Европе. Тенирс написал несколько картин, в которых подробно изобразил эту богатейшую коллекцию. Две работы данной серии сейчас хранятся в Вене, четыре — в Старой Пинакотеке Мюнхена, одна — в мадридском Прадо и еще одна — в Королевском музее изящных искусств Брюсселя.
В венском полотне (как и в прочих подобных) на первом плане представлен благородный владелец коллекции, рядом находятся сам Давид Тенирс и его служащие. Просторный зал галереи переполнен узнаваемыми произведениями Тициана, Рубенса, Рафаэля и Джорджоне. На стене согласно моде середины XVII века вплотную друг к другу (так называемая шпалерная развеска) висят картины, украшающие сейчас экспозиции Музея. Талантливый копиист Тенирс создал в этой работе точные миниатюрные копии полотен великих мастеров, прославляя само собрание и свое искусство.
Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) Портрет матери 1639. Дерево, масло. 79,5x61,7
Рембрандт часто изображал своих близких, особенно мать, которую очень сильно любил. Кроткой и мудрой девушке по имени Неелтген ван Зейтбруг после того, как в 1589 ее выдали замуж за лейденского мельника Харменса Герритса ван Рейна, пришлось перенести много тягот. Нужда и страх за близких на протяжении долгих лет были постоянными спутниками хозяйки многочисленного небогатого семейства. Лучшие годы ее жизни пришлись на тяжелую пору войны Голландии за независимость.
Данный портрет был создан всего лишь за год до смерти Неелтген ван Зейтбруг. Это последнее изображение матери, которое Рембрандт написал с натуры, когда, уже будучи в преклонных летах (в XVII столетии женщины редко переживали свое семидесятилетие), заботливая старушка приехала к сыну из Лейдена в Амстердам, желая посмотреть, как он устроился в новом доме с молодой женой Саскией ван Эйленбург.
Портрет написан с большой теплотой и вниманием. Художник ярко освещает и точно фиксирует каждую черту дорогого ему лица, будто стараясь навсегда запечатлеть его в памяти. Рембрандт понимал, что, возможно, скоро потеряет мать. Заметно, что она слаба и нездорова. Неелтген ван Зейтбруг позирует терпеливо, хотя ей нелегко стоять и приходится обеими руками опираться на трость. Но в этой слабости есть тихое и спокойное упорство человека, привыкшего преодолевать себя ради счастья других. Образ старой женщины очень убедителен и правдив: кожа лица покрыта сетью морщинок, в печальных, смотрящих мимо зрителя глазах застыли слезинки, а спина согнулась под тяжестью прожитых лет. Дорогая, отороченная мехом и украшенная драгоценностями одежда подчеркивает скромность и кротость модели и в то же время поднимает картину над обыденной жизнью, придавая облику Неелтген ван Зейтбруг сходство с ветхозаветными персонажами.
Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) Читающий Титус ван Рейн Около 1656. Холст, масло. 70,5x64
В 1650-е Рембрандт создал ряд замечательных портретов, в которых стремился раскрыть внутренний мир человека, его сокровенные переживания, настроение и особенности душевного склада.
Особое место среди этих работ занимает данная картина. Художник изобразил своего единственного, горячо любимого сына в возрасте 15 лет. Сидя в кресле и слегка откинувшись назад, юноша читает книгу. Его одухотворенное лицо вылеплено сияющими подвижными мазками, оно воплощает счастье и радости жизни. Титус словно озарен светом того чудесного мира, который открывает чтение, рождающее в чуткой душе надежды и мечты. Он взволнован и по-детски восторженно увлечен: слегка подняты тонкие брови, приоткрыт рот, на лоб и плечи падают непослушные золотистые кудри, а вокруг глаз лежат глубокие бархатные тени.
Будучи отчасти жанровой сценой, это произведение не является портретом в полном смысле слова, и поэтому ему больше подходит название «Читающий юноша». Обычное для прошлых времен чтение вслух дает Рембрандту повод для передачи процесса духовного восприятия книги. Он создает образ самой юности, с ее трепетной искренностью и светлой красотой, будто не принадлежащей земному миру и поэтому недолговечной. Умный, тонко чувствующий юноша, с детства привыкший разделять заботы отца, к несчастью, не обладал крепким здоровьем. В феврале 1668 Титус умер спустя семь месяцев после удачной женитьбы, не дожив до двадцати семи лет.
Герард Терборх (1617–1681) Дама, чистящая яблоко 1660. Дерево, масло. 36,3x30,7
Герард Терборх, деликатный и вдумчивый голландский живописец XVII века, с большой любовью и знанием дела изображал сцены быта патрицианских семей. Обычно он писал картины небольшого формата. Сдержанные по настроению и изящные по живописной манере, они, как правило, включают две-три хорошо освещенные фигуры, которые располагаются в затененных, элегантно обставленных интерьерах. Люди, более всего интересующие художника, всегда занимают центральное место в его композициях.
В данной работе на фоне окутанной полумраком комнаты выделена группа переднего плана: молодая женщина, сидя за столом, очищает для ребенка яблоко. Предполагают, что здесь изображена сестра художника, которая часто служила ему моделью. Терборх тщательно выписывает натюрморт на столе: подсвечник со свечой, тарелку с фруктами и свисающий кусочек кожуры. Вся сцена пронизана легкой меланхолией, которая читается в любопытном и чуть печальном взоре ребенка и глубокой задумчивости матери. Дама совершает привычное действие серьезно и сосредоточенно. Простому мотиву автор придает глубокий смысл, превращая немудреное занятие почти в священнодействие. Продуманная и уравновешенная композиция полотна, лаконизм старательно и точно отобранных деталей и гармония нескольких приглушенных цветов, умело связанных друг с другом повторами и соответствиями, — все создает ощущение спокойного, размеренного ритма жизни. Кажется, что в этом тихом мире само время бежит медленнее и ничто не способно нарушить уют дома и благоденствие его скромных обитателей.
Ян Стен (около 1626–1679) Расстроенное хозяйство 1663. Холст, масло. 105x145
Голландский мастер жанровой живописи Ян Стен изображал сцены быта бюргеров и крестьянства, отдавая предпочтение шумным пирушкам, разудалому веселью и забавным происшествиям. Картины этого темпераментного и жизнерадостного художника почти всегда пронизаны юмором, который при всей назидательности образов не позволяет автору превратиться в скучного морализатора.
«Расстроенное хозяйство» — прекрасный образец зрелого творчества Стена. Здесь, как и в других произведениях, он, наглядно передавая смысл пословиц и поговорок, создал особый тип картины, где нравоучительность и реализм перемешаны друг с другом, а детали столь живы, что возникает ложное впечатление жанровой сцены. На самом деле зрителю представлены выраженные средствами живописи примеры, смысл которых сгруппирован вокруг изречения «В праздности остерегайтесь…» (такие слова написаны на грифельной доске, прислоненной к нижней ступени лестницы, расположенной справа). Хозяйка уснула, и в доме все пошло кувырком. Девушка вместо того, чтобы быть образцом скромности, бесстыдно флиртует с развеселым кавалером. Намерения последнего демонстрируют его действия: поступая наперекор пословице, он «мечет розы перед свиньями», показывая, что использует девицу лишь для удовлетворения похоти. Остальные герои тоже нарушают строгие нормы бюргерского быта. Тут все перевернуто по законам карнавала с ног на голову. Люди поступают не «так, как должно», а «как нельзя». Простая женщина поучает человека с книгой в руках, девочка забирается в оставшийся незапертым шкаф с припасами, мальчик курит трубку, младенец играет с драгоценным ожерельем, собака на середине стола лакомится пирогом, обезьянка схватила маятник часов, а поросенок забрался в дом. В комнате полнейший беспорядок. Ощущения пустой суеты Стен добивается, уподобляя композиционный ритм работы вертящемуся кругу, который образуют фигуры людей и разбросанные предметы. На поручне лестницы лежит наполовину очищенный лимон — символ тщеты плотских наслаждений, а в корзине под потолком вместе со шпагой и палкой изображены также розги — знак неизбежности наказания за беспутство. Ироничная картина — сама не что иное, как своеобразный вызов жанру, жестко определявшему требования к изображению бюргерского интерьера, в котором непременно должны были царить благопристойность и покой (драчунами и забияками на голландских полотнах представали обычно крестьяне).
Якоб Исакс ван Рейсдал (1628/1629-1682) Большой лес 1655–1660. Холст, масло. 140x180
Данная картина была создана, когда особый, присущий художнику героический стиль живописи окончательно сложился. Якоб ван Рейсдал изображает освещенную солнцем лесную опушку. В стороне невысокого песчаного оврага, вдоль которого идет дорога и струится ручей, мощные деревья возносят к небесам свои раскидистые кроны, бросающие густую тень и сулящие прохладу усталому путнику, присевшему отдохнуть под их гостеприимной сенью. Над красивой рощей голубеет небо, а на листве и сильных стволах дубов и буков играют веселые солнечные блики. На противоположном берегу речушки видна темная и низкорослая лесная поросль, сквозь нее не проглядывает свет, а ближе к переднему краю полотна можно различить торчащий на пригорке сизый пень с вывороченными наружу корнями. Уходящая далеко вглубь леса дорога делит изображение на две части, символика которых вполне очевидна: прекрасный зеленый бор справа — это бушующая и всепобеждающая жизнь, а затененный лесок и покрытый лишайником пень — образы старения и смерти. Важную роль в этой картине играет умелое использование контрастов: светлые стволы деревьев и темно-зеленая листва эффектно вырисовываются на фоне белых облаков; густо затененный лес контрастирует с ярко освещенной землей и ясным небом. Очень выразителен тональный колорит работы. Коричневатосерые и оливково-золотистые оттенки обладают здесь предельной напряженностью эмоционального звучания. Ван Рейсдал как всегда точно передает признаки древесных пород и особенности лесных почв. Написанный с небольшой дистанции пейзаж активно вовлекает зрителя в драматическую жизнь природы, делая его участником происходящего.
Якоб Кате «Солнечные часы»
Ян Вермер Делфтский (1632–1675) Мастерская художника 1666–1668. Холст, масло. 120x100
Данную картину выдающегося голландского живописца Яна Вермера Делфтского называют также «Аллегория живописи», хотя каким было название, данное ей самим художником, неизвестно. Многие исследователи полагают, что в этой поздней работе мастер создал своеобразный автопортрет.
Вермер представляет живописца за работой. Одетый в старомодный дублет, штаны-рингравы и берет (тогда уже считавшийся головным убором богемы), он, сидя на табурете перед мольбертом, пишет лавровый венок. Перед художником напротив окна стоит юная модель с трубой — символом славы и томом «Истории» Фукидида в руках. Фигуры и предметы находятся в обычном для полотен Вермера интерьере с выложенным черно-белыми плитками полом. Однако эффектно открытый занавес на переднем плане указывает на постановочность сцены, добавляет театральности и маска на столе. Темные складки откинутой за спинку стула тяжелой ткани контрастируют с ярко освещенным треугольником стены, на которой висит карта 17 голландских провинций. Зритель не видит лица художника, который, позволяя посмотреть на таинственный процесс создания картины, не позирует, показывая, что сосредоточен на любимой работе и не хочет, чтобы его отрывали от нее. Умело выстроенная композиция направляет взгляд в точном соответствии с замыслом автора. Центральная фигура здесь — сам творец, рядом с ним пустой холст, являвшийся с эпохи Возрождения символом художественной идеи, далее — модель (или муза), затем — сюжет картины (карта, атрибуты славы и маска). Произведение посвящено исторической живописи, самому возвышенному, с точки зрения человека XVII века, жанру этого вида искусств. Девушка с лавровым венком — аллегорический образ музы Клио.
Цветовая гамма картины очень гармонична, она построена на созвучии естественных золотисто-песочных, голубых, кремово-белых и черных тонов.