Где были раньше картины, которые теперь висят в музеях?

У каждой картины своя история. Когда-то ни одна картина не предназначалась специально для музея. Живопись украшала церкви, дворцы, частные резиденции; ее скупали коллекционеры. Собрать в одном месте такое множество картин, которое мы привыкли видеть в музеях и галереях, раньше было невозможно, да и обстановка была совсем другая. Если вспомнить, что электрическое освещение появилось только в конце XIX века, мы поймем, как выглядели при свечах картины с золотым фоном и как яркость красок притягивала зрителей, стоявших в полутьме. А многие современные произведения искусства создаются как раз для того, чтобы выставляться на всеобщее обозрение: недаром они бывают огромных размеров!

Почему в музеях так много старинных картин на религиозные темы?

Не удивительно, что обилие религиозной тематики у многих посетителей не вызывает особого отклика: зачем тратить время на такие картины, если сам ты далек от религии? Между тем средневековая церковь, используя искусство как способ донести свои идеи до людей, способствовала развитию универсального языка зрительных образов. Такие основополагающие моменты, как композиция, колорит, символическая трактовка света и тени, были изначально разработаны в религиозной живописи. Игнорировать религиозную живопись — значит перекрыть себе доступ к языку зрительных образов, который по сей день питает изобразительное искусство — вплоть до рекламы.

Из чего делаются картины?

Две главных составляющих любой картины — основа (дерево или холст) и собственно живопись. Самые старые картины писались на деревянной основе (обычно на досках из тополя или дуба). Начиная с XV века художники стали переходить на холст, который уже в XVII веке почти полностью вытеснил дерево. Картины стали легче по весу, их стало проще хранить (холст менее чувствителен к перемене погодных условий), проще перевозить (холст можно свернуть в рулон). Что касается красок, то они делаются из пигментов (порошкообразных красителей) и связующих веществ — натуральных (яичный желток) или искусственных. До XVIII века использовались только природные красители, затем появились синтетические, и диапазон цветов необычайно расширился. Красители, растертые на яичном желтке или на смеси клеевого раствора с маслом, называются темперой . С XV века художники стали отдавать предпочтение масляной живописи. Масляные краски более жидкие и обладают большей прозрачностью, чем темпера. До начала XIX века краски обычно накладывались на грунт, белый или цвета охры, а потом покрывались защитным лаком. Сейчас художники часто используют акриловые краски.

Что такое «смешанная техника»?

Это значит, что художник использовал смесь разных красок — масляных, акриловых, лаков и т. д. Кроме красок, он мог применить материалы, которые обычно в живописи не используются: ткань, бумагу, песок, древесину, стекло.

Что кроме картин можно увидеть в художественной галерее?

В состав музейных экспозиций и временных выставок как правило входят рисунки, гравюры, пастели и даже фотографии. Рисунки — это чаще всего наброски или этюды, сделанные на разных стадиях подготовки к созданию картины, хотя они могут представлять собой и самостоятельные произведения. Поскольку бумага требует самого бережного обращения, такие работы выставляют ненадолго и при более слабом освещении, чем живопись.

Какая разница между настенной живописью и фресками?

Разница в технике. Фрески требуют специальной техники, при которой роспись делается по свежей, сырой штукатурке (fresco по-итальянски «свежий»). Когда краски высыхают, они глубоко впитываются в основу, что обеспечивает их прочность. А при другом способе краски наносятся на сухую штукатурку или на холст, который затем наклеивается на стену или на потолок.

Как попадают в музеи фрески и настенная живопись?

Когда-то все они и вправду украшали стены — стены церквей, монастырей, дворцов, а в музеи попадали так: слой живописи вместе с частью штукатурки осторожно отделяли от старой стены (которая обычно успевала пострадать от времени) и переносили на новую — в музей. Такой метод в ходу и до сих пор, хотя в наши дни чаще стараются сохранить фрески на прежнем месте, восстановив поврежденные участки и укрепив основу.

Почему одни картины подписаны, а другие нет?

Прежде всего это зависит от того, где и когда они были созданы. Долгое время сюжет картины и персона заказчика были важнее имени художника. Средневековые художники не подписывали свои произведения, поскольку считались всего-навсего техническими исполнителями, вроде ремесленников (как пекари или аптекари). В XV веке, с началом эпохи Возрождения, когда на первый план выдвинулась идея личности и живопись стала цениться как проявление творческих возможностей человека, художники уже подписывали свои работы — правда, не всегда. В обычай это вошло только в XIX веке. К авторской подписи иногда добавляется дата окончания работы и/или место ее создания. В наши дни многие художники не хотят подписывать свои вещи или стараются сделать подпись как можно менее заметной. Тут играют роль и эстетические соображения (подпись может помешать целостному восприятию картины), и нежелание афишировать свое «я»: кое-кто находит это старомодным.

Почему старинные картины обычно такие темные?

Некоторые картины были изначально написаны в темных тонах: например, в XVII веке любили изображать ночные сцены. Но как правило виноват тут лак, покрывающий красочный слой. Со временем лак темнеет — желтеет или даже приобретает коричневатый оттенок. Современные способы позволяют высветлить живопись, удалив один-два слоя старого лака. Картины, годами висевшие в помещениях при свечах, успевали покрыться копотью; ее тоже можно удалить. Если же сами краски потемнели от времени, сделать картину светлее уже не удастся.

Переписывают ли поврежденные картины?

Нет, их не переписывают, а реставрируют. Поверхность картины расчищают, а если красочный слой отстает от основы, начинает пузыриться и трескаться, его укрепляют; при необходимости укрепляют и саму основу. Если на картине обнаруживаются участки, где живопись полностью утрачена, их закрашивают небольшими мазками тщательно подобранной по оттенку краски. Мазки реставратора накладываются параллельно соседним, авторским, но при этом они должны быть различимы невооруженным глазом. Тогда даже сильно поврежденная картина будет иметь приличный вид, не превращаясь в откровенную подделку. Отсюда три главных правила реставрации: восстановленный участок должен на глаз отличаться от авторского подлинника; краски следует выбирать только такие, которые при повторной реставрации можно будет удалить и заменить другими; все используемые материалы должны быть надежными и безопасными, чтобы ни сразу, ни потом не повредить картине.

Почему одни картины под стеклом, а другие нет?

Все картины в той или иной степени нуждаются в защите. Стекло предохраняет их от пыли и уменьшает риск повреждений от внешних воздействий. Произведения искусства, особенно прославленные шедевры, часто становятся мишенью для вандалов: например, «Даная» Рембрандта из собрания Эрмитажа в Петербурге была облита кислотой, а в лондонской Национальной галерее «Венера с зеркалом» Веласкеса была исполосована ножом. Поэтому картины надо стараться всячески оберегать.

Похищают ли картины из музеев и галерей?

Время от времени это случается. Одни картины быстро находятся, другие исчезают бесследно. Самый известный случай похищения — кража «Моны Лизы» из парижского Лувра 21 августа 1911 года. Картину удалось отыскать только через два года. Похититель, по происхождению итальянец, хотел вернуть картину на историческую родину, полагая, что она была «украдена» во время итальянских походов Наполеона. С тех пор во всех музеях стали уделять гораздо больше внимания вопросам безопасности.

Кто выбирает рамы для старинных картин?

Картина может остаться в той раме, которую в свое время подобрал для нее художник или заказчик, но это бывает редко. Иногда раму выбирает кто-нибудь из позднейших владельцев, и этот выбор сам по себе может представлять исторический интерес. Но обычно такими вопросами занимаются хранители музейных собраний.

Почему в некоторых картинах чего-то не хватает?

В эпоху Средневековья и Возрождения были широко распространены картины из нескольких частей: диптихи (из двух половин, или створок), триптихи (из двух боковых створок и центральной части) и полиптихи (из многих частей). На протяжении веков какая-то часть могла пострадать от времени, другая могла попросту затеряться — створки нередко разделяли, поскольку так их легче было продать. В результате фрагменты одного и того же произведения нередко находят пристанище в разных современных музеях. Размеры и форму многих картин меняли, приспосабливая их ко вкусам эпохи (так, прямоугольное полотно, следуя моде, превращалось в овальное), или из практических соображений: фреску или холст подгоняли по размерам к стене, куда их предполагалось поместить.