За что художника называют великим?

Великий художник открывает новый взгляд на мир — не только другим живописцам, но и широкой публике. После него уже нельзя писать как прежде. Он входит в историю искусства как первооткрыватель и новатор, чье творчество смогло повлиять на целые поколения. Его шедевры неразрывно связаны с его эпохой, но при этом не подвластны изменчивой моде. Великий художник сам меняет мир, он становится примером для подражания и в то же время остается неподражаемым. Леонардо да Винчи совершил открытие в использовании тончайшей светотени (сфумато ) (6); Караваджо впервые стал применять резкие светотеневые контрасты (10); Патинир сыграл решающую роль в развитии пейзажной живописи (7); Дега показал выразительность человеческих движений и поз (20) и т. д. — примеры можно приводить бесконечно.

Как учились и как учатся сейчас художники?

В Средние века и в эпоху Возрождения обучение начиналось очень рано. Примерно в десять лет способных детей определяли в ученики к известным живописцам. В мастерской им на первых порах поручалось готовить краски — толочь камни в порошок, разводить полученные пигменты и т. д., потом их начинали обучать рисованию и напоследок — живописи. Процесс обучения длился годами; за это время ученик проходил путь от помощника до фактического участника работы своего наставника. Когда он дорастал до того, что сам мог получать и выполнять заказы, его признавали полноправным художником. Он начинал работать под собственным именем и обычно открывал мастерскую, где в свою очередь обучал молодых. Понятно, почему в старину живопись была семейным делом, переходившим от отца к сыну. В XVII веке начали появляться академии живописи; вокруг них объединялись опытные художники, которые вели для начинающих живописцев теоретические и практические занятия. Такие центры стали предшественниками современных художественных школ.

Правда ли, что художник может стать знаменитым только после смерти?

Такая мысль действительно возникает: ведь в музеях шире всего представлено творчество именно старых мастеров. Создается впечатление, будто слава приходит к художнику только после его кончины. К счастью, это не так — мы убеждаемся в этом, попадая в галереи современного искусства. К тому же многие художники, чье творчество восхищает нас сегодня, были признаны и прославились еще при жизни. Однако верно и то, что с течением времени творчество того или иного художника предстает перед нами во всей полноте, и мы можем правильнее оценить его роль в развитии мировой живописи.

И если прижизненная слава художника не потускнела до наших дней, его имя скорее всего останется в веках.

Всегда ли были знаменитыми художники, которые прославлены сегодня?

Нет, не всегда. На протяжении столетий отношение к художникам не раз претерпевало перемены. Изменялись вкусы эпохи; работы одних мастеров расходились по свету, работы других терялись или разрушались от времени. Так, Вермеер (15) и Жорж де Латур (11), живописцы XVII века, после долгого периода забвения были заново открыты исследователями XIX и XX веков. Но это был лишь преходящий эпизод в судьбе их творений, поскольку обоих мастеров успели по достоинству оценить при жизни. С другой стороны, Ван Гогу (21) была уготована только посмертная слава: жизнь он прожил в полной безвестности. Его живописное новаторство осталось непонятым современниками, зато оказалось как нельзя более востребованным в наши дни.

Почему так много неизвестных художников?

В Древней Греции и Древнем Риме имена художников и сведения об их творчестве записывались и сохранились в античных текстах (в отличие от самих произведений), но в других странах привычка оставлять такого рода письменные свидетельства возникла сравнительно поздно: в Италии, например, она отмечается только с XVI века. До этого публика знала в основном имена художников, которые более прочих были «на виду». Поскольку работы редко подписывались, в дальнейшем возникли сложности с определением авторства и принадлежности картины тому или иному мастеру. В ряде случаев авторство удавалось постепенно установить путем сопоставления картин, выполненных в одинаковой манере, а также с помощью архивных материалов (инвентарных описей, платежных документов, нотариальных актов). Дело упрощалось, если в распоряжении исследователя была хотя бы одна подписная работа. К сожалению, документальные источники в большинстве своем со временем утрачиваются, и точная атрибуция картины оказывается невозможной — если только в архивах не посчастливится обнаружить что-то новое.

Почему среди художников так мало женщин?

В наши дни их как раз довольно много, но в прошлом женщины-художники и вправду были наперечет. Дело в том, что когда-то женщине в обществе отводилась второстепенная роль. Право заниматься профессиональной деятельностью, в том числе в сфере искусств, женщины получили фактически только в начале XX века. Тем не менее история знает немало прославленных художниц: это Софонисба Ангишола (1530–1625), Лавиния Фонтана (1552–1614), Артемизия Джентилески (1597–1651), Элизабет Виже-Лебрен (1755-1 842), Мэри Кассатт (1844–1926). Имена других почти забылись или канули в безвестность; иногда мы знаем только мастерские, где они работали. В Средние века монахини, а позднее дочери художников нередко занимались живописью, но их произведения обычно оставались безымянными. Тем не менее с началом XVII века некоторые художницы сумели добиться известности при жизни. Писали они по преимуществу портреты и натюрморты, поскольку работать с обнаженной натурой женщинам было запрещено. Поэтому — за редким исключением — религиозные, мифологические и исторические темы оставались пне пределов их творчества. В наше время, особенно в последние тридцать лет, научный интерес к «женской» живописи существенно повысился, и в этом бесспорная заслуга американских исследовательниц.

Как художник выбирает, что изображать?

До конца XVIII века художники работали на заказ. Заказчик заключал с приглашенным художником письменный контракт, выбирал тему картины и оговаривал свои требования. Из дошедших до нас документов XV века явствует, что заранее определялось все до мелочей: количество фигур, декоративные детали, выбор и даже соотношение цветов. Назначался срок окончания работы (с поправкой на возможную задержку); предусматривались также позднейшие исправления и доделки — что-то вроде гарантийных услуг после продажи.

Система работы на заказ просуществовала очень долго, прежде всего в сфере официальной живописи (религиозные сюжеты, портреты государственных деятелей и коронованных особ), но мало-помалу стала отходить на второй план. Уже в XVII веке (10, 14) и в особенности с наступлением эпохи романтизма в начале XIX-го художники предпочитали выбирать сюжеты по собственному усмотрению. И тут они снова столкнулись с необходимостью искать кого-то, кто смог бы не только оценить, но и купить готовое произведение.

Правда ли, что в старину художники не только писали картины?

Да, правда. В Средние века художники фактически считались ремесленниками и выполняли любые работы, суть которых состояла в нанесении краски на некую поверхность. Им поручали не только писать картины, но и украшать росписью предметы мебели, турнирное оружие, деревянные переплеты для реестров, знамена, флаги и т. п. Положение отчасти изменилось в эпоху Возрождения (XV–XVI века), но и тогда художники наряду с картинами занимались оформлением праздничных шествий и торжественных церемоний, создавали эскизы для ювелирных украшений и т. д.

Мог ли художник не поладить с заказчиком?

Разногласия между ними возникали постоянно, чаще всего если художник не заканчивал работу в срок или пренебрегал условиями договора. История знает примеры, когда заказчик получал свою картину с опозданием на несколько лет или не получал вообще (6). Споры велись, в частности, по поводу размеров и количества фигур или того, как они распределены на полотне; заказчик мог быть также недоволен нарушением принятых в то время правил приличия. Иногда художник соглашался что-то переделать. Если же клиент наотрез отказывался принять работу и расплатиться, автор получал право продать ее кому-нибудь другому. В особых случаях подобного рода споры разрешал специально созванный «художественный совет», а бывало и так, что дело доходило до суда.

Чем заказчик отличается от мецената?

Заказчик — это клиент, на которого работает художник. Он может получить всего один заказ, а может получать их регулярно. Заказать можно что угодно: мебель, дом, проект нового оперного театра, сад и, разумеется, картину. Денежные отношения художника с заказчиком определяются стоимостью заказанной и представленной работы. Слово «меценат» (от имени богатого древнеримского покровителя поэтов и художников) предполагает нечто большее: существенную и постоянную материальную поддержку какого-либо художника или определенного направления в искусстве. Меценатство, процветавшее в эпоху Возрождения, основывалось не на одной любви к искусству: работы, созданные на средства покровителя, становились свидетельством его щедрости и широты взглядов, придавали ему вес в обществе. В XX веке идея меценатства захватила деловой мир. В наши дни промышленные компании и банки выступают как спонсоры дорогостоящих проектов в области искусства: организуют масштабные выставки, финансируют реставрацию памятников культуры, дают заказы художникам и скульпторам, устраивают конкурсы творческой молодежи, выделяют большие суммы на премии для победителей и т. д.

Может ли художник выразить себя, если работает на заказ?

Согласно расхожему представлению, особенно популярному в наши дни, художник творит, повинуясь порыву вдохновения, и дает полную волю своей фантазии и чувствам. Эта романтическая и в чем-то наивная мысль никак не вяжется с тем, что мы знаем о господствовавшей веками системе работы на заказ. Самовыражение происходит независимо от того, близка ли заданная тема сердцу мастера. Творческое начало проявляется не в умении выбрать сюжет, а в способности его воплотить. Художник создает особую изобразительную систему, которая помогает ему перевести то, что он видит, на язык своего искусства и осмыслить это по-своему.

Как художники добивались известности?

Молодой талантливый живописец, работая в мастерской признанного мэтра, имел дело с многочисленными заказчиками своего учителя. Когда же его собственные работы начинали появляться в церквях, монастырях и частных резиденциях, его репутация укреплялась, хвалебные отзывы передавались из уст в уста, имя художника приобретало известность. Выставки в нынешнем понимании возникли только в XVII веке; вначале были просто показы ученических работ, которые устраивали академии искусств. Понемногу художники освобождались от контроля всевозможных советов и комитетов, отбиравших произведения на выставки, и начинали действовать самостоятельно. С конца XIX века количество выставок и свободных салонов многократно выросло, и примерно в то же время стали открываться частные галереи для демонстрации и продажи картин.

Должен ли художник давать пояснения к своим картинам?

Многие думают, что по-настоящему объяснить смысл картины может только сам художник, если снабдит ее пояснительным текстом. Такая позиция предполагает, будто живопись менее красноречива, чем слова. Это чистой воды заблуждение. Мы же не ждем от пианиста, чтобы он, исполняя сонату, пояснял на словах, что выражает музыка; с какой же стати это делать художнику? Живопись сама по себе есть особый язык. С помощью зрительных образов художник не иллюстрирует, а материализует свои идеи. Художники, писавшие о собственном творчестве (например, некоторые абстракционисты), не занимались собственно толкованием своих картин, а скорее объясняли мотивы их создания или излагали соображения общего характера.

С этим вопросом тесно связан другой — о границах полномочий искусствоведов, историков искусства и художественных критиков. Суть их деятельности сводится как раз к то му, чтобы добраться до «текста», стоящего за образом, и расшифровать его. Разумеется, их изыскания должны основываться на доскональном знании истории — истории страны, искусства этой страны и творчества интересующего их художника.