Неизвестный автор. Конная статуэтка короля Польши Августа III. 1800-1850

Неизвестный автор Кувшин. Конец I века. Выдувное стекло. Высота вместе с ручкой — 21

Античные мастера изготавливали свои сосуды по определенным формам, которые определялись назначением изделия и наделялись своим наименованием. Перед зрителем ольпе — кувшинчик с ручкой, возвышающейся над горловиной, для оливкового масла или другого жидкого продукта. Такие сосуды часто носили с собой на палестру спортсмены, использовались они и для парфюмерии. Данный — из желтого стекла, широко распространенного во второй половине I века. Трехчастная ручка завершается на теле кувшина овальным медальоном, сделанным по шаблону, на котором рельефная женская голова. Обод и ручка ольпе декорированы матовой стеклянной массой синего цвета. Это изделие редкое, так как хрупкость материала не оставила большого количества образцов подобного рода и в такой сохранности. Несмотря на бытовое предназначение предмета в свое время, сегодня он позволяет любоваться высочайшим вкусом и мастерством ремесленников, изяществом пластической формы и изысканным цветосочетанием.

Неизвестный автор Крест. Последняя четверть XII века. Медь, позолота, эмаль. 60x36,5

С XII века сохранилось не так уж много предметов культа, как представленная здесь изысканная работа. Музей Польди-Пеццоли имеет право с гордостью демонстрировать в своей экспозиции этот крест, декорированный эмалью с двух сторон. Изготовлен он во французском Лиможе. Город находился на перекрестье торговых путей. Из Англии здесь оседало корнуэльское олово, которое придает краскам при обжиге непрозрачность, что необходимо для изготовления эмалей. Из Испании привозили сафру — смесь окиси кобальта и натрия, делавшую таким глубоким тон знаменитой синей лиможской эмали. В XII столетии она была выемчатой (в отличие от византийской перегородчатой).

Над Христом представлен ангел, ниже — полуфигура Адама, появляющаяся из могилы и возносящая руки к Спасителю, под ним — святой Петр с ключом от Рая в руке. Раскинутые на перекладине руки Христа словно раскрыты Богоматери и святому Иоанну Крестителю. Так, программа изображения оказывается соответствующей теологическому содержанию: первородный грех (Адам) — земное воплощение (Богоматерь), Страсти (Распятие как искупление греха) и церковь (Святой Петр).

Неизвестный автор Турнирный кубок. XIV век. Серебро, горный хрусталь, эмаль. Высота — 25

Представленный кубок исполнен в ювелирных мастерских французского города Авиньона. Именно в этот период (с 1309 по 1377) здесь располагалась официальная резиденция глав католической церкви. Первым папой, который переселился сюда из беспокойного Рима, был Клименту (проклятый тамплиерами), а Климент VI выкупил для святого престола город у графа Прованского. Однако кубок мог быть изготовлен раньше: при папах Иоанне XXII (1316–1334) и Бенедикте XII (1334–1342). Оба они являлись французами, окситанцами, а рыцарские обычаи Прованса, как и провансальская поэзия, были необычайно сильны и почитаемы в крае.

Октогональная база кубка несет мистическую символику: восьмерка — знак вечной жизни. Она целиком покрыта эмалью с сюжетами на рыцарские темы, чрезвычайно популярными в XIV столетии (учтем, что последний Крестовый поход состоялся в 1291, а актуальность его целей вовсе не была потеряна). О мастерстве художника можно судить по одной из сцен, изображенных на емкости, — встрече рыцаря Тристана с его возлюбленной Изольдой, за которой следит король Марк, чье лицо отражается в воде фонтана. Крышка кубка декорирована эмалью с изображениями собак и кроликов (охота была занятием, достойным рыцарей). На дне хрустального изделия различим медальон с чудовищным существом — полуженщиной-полузверем.

Мастерская братьев Де Предис(?) Реликварий. XV век. Серебро, эмаль. 16,5x7,3

Представленный реликварий, который попал в собрание в музея в 1902, носит название «Мир Ривольта д'Адда», так как именно в этом ломбардском городке (провинция Кремона) находится церковь, откуда табернакль (поскольку реликварий выполнен именно в его форме) ведет свое происхождение. Этот предмет культового поклонения верующих, по сути, представляет собой реликварий для креста. Украшенный полихромной эмалью на позолоченном серебре, он слажен из триптиха, покоящегося на базе. При сложенных створках виден сюжет Благовещения, при открытых — Благовещение в центре и фигуры святого Бернардино Сиенского и святого Людовика Тулузского по бокам. На задней части реликвария изображено распятие. Дверцы в XIX веке подверглись реставрации. Тонкость прорисовки, изысканность и праздничность колористической гаммы, сияние эмалевых переливов, общий артистизм исполнения обнаруживают высокую изобразительную культуру Ломбардии времен деятельности круга Леонардо. Хронологически происхождение табернакля относят к концу XV столетия и считают изделием ломбардской мастерской братьев Де Предис.

Неизвестный автор Эсфирь перед Артаксерксом. Конец XV-начало XVI века. Шерсть, шелк, серебряная и золотая нити. 255x308

Представленная шпалера на ветхозаветный сюжет — один из лучших образцов изделий брюссельских ткачей, хранящихся в Италии. Шпалерой называли не просто безворсовый ковер, а тот, на котором фигурное, сюжетное или орнаментальное изображение создано в технике самого тканья — переплетением нитей утка и основы, в отличие от вышивки. Крупными центрами такого производства в позднее Средневековье были Аррас, Турнэ, Брюссель. Обычно брюссельские шпалеры отличаются очень сложными композициями (влияние нидерландской живописи). В них много персонажей, драпировки одежд выполнены в духе поздней, интернациональной, готики. Все это зритель видит в представленной работе. В ней почти не чувствуется глубина пространства, все поле занято фигурами. Хотя сюжет взят из «Книги Эсфири», в которой повествуется о событиях V века, библейские персонажи облачены в роскошные одеяния XV столетия. Персидский царь Артаксеркс восседает на троне в образе первого рыцаря двора в роскошной мантилье, шляпе с пышными павлиньими перьями, из-под нее на плечи струятся локоны. Лик его нежен, а облик мягок и поэтичен. Еще более утончен образ прекрасной Эсфири, юной супруги правителя, которой удалось избавить свой народ от козней неправого первого министра Амана. Сюжет, когда злодей получает достойное наказание, а справедливость торжествует — целому народу удается избежать погрома, был чрезвычайно популярен в европейском искусстве.

Даже в настоящее время, когда шпалера немного выцвела, она сохранила свою гамму: в ней превалируют красный, желтый, зеленый и коричневый цвета. В ткань вплетены не только шелковые и шерстяные нити, но также серебряная и золотая канитель.

Джулио Романо (1499–1546) Играющие путти 1540–1545. Шерсть, шелк, золотая нить. 341x107

Среди предметов декоративно-прикладного искусства из коллекции Польди-Пеццоли этот шедевр на особом счету: и из-за своей сохранности, сложного рисунка, авторства (Джулио Романо — талантливейший ученик великого Рафаэля), знаменитого заказчика — кардинала Эрколе Гонзага. Шпалера является частью серии работ «ли путтини», вытканной для покоев священнослужителя.

Сенью раскидистого каштана беззаботные, невинные забавы малышей-ангелочков (один из них, играющий на дудочке, — темнокожий) защищены, словно божественным покровом. Буйная растительность на берегу прозрачного потока привлекла сюда зверушек, и вместе они создают картинку райского сада. Вдали, на другом берегу, за крепостными стенами — городские постройки. Мантуя ли это, владение семейства Гонзага, или Феррара, чьи правители связаны с Гонзага кровными узами? Вопрос открытый, но совершенно точно работа прославляет плодотворное правление Гонзага.

Избыточность форм в рисунке шпалеры выдает маньеристические тенденции, свойственные искусству художника и архитектора Джулио Романо. Он много работал в Риме, но самым значительным его творением является палаццо Те в Мантуе, куда мастер был приглашен герцогом Франческо Гонзага. Во дворце правителя он расписывал залы сценами из мифов о Диане и из истории Троянской войны. В названном палаццо, сооруженном по его проекту, Романо создал громадную фреску «Низвержение гигантов».

Мастерская Саракки Лампа. Вторая половина XVI века. Серебро, позолота, горный хрусталь. Высота — 23,5

Представленная лампа — редкий экземпляр миланского ювелирного искусства эпохи Возрождения. Ножка, тулово и остроносая крышечка созданы из пяти фрагментов горного хрусталя (варианта кварца), объединенных серебряными позолоченными перетяжками, роскошно декорированными, в том числе и эмалью. На самом хрустале — рельефная резьба. Среди прочего выделяются две львиные головы. Изумительное мастерство и сложность исполнения позволяют считать, что изделие было изготовлено в мастерской братьев Саракки, которая обслуживала многочисленных клиентов по всей Европе.

Глядя на лампу, вспоминается, что само понятие «ювелирный» происходит от латинского слова «драгоценность», а это слово — от jocus — «шутка». Время играет шутку с такими предметами. Почти не осталось работ великого Бевенуто Челлини, современника Саракки. Роскошные экземпляры, пережившие века, — действительно музейный раритет.

Неизвестный автор Кубок 1549· Гравированное стекло. Высота — 15,4, диаметр — 11

Полусферическая чаша кубка украшена тончайшей филигранной прорисовкой растительного орнамента и фигур птиц, не затеняющей прозрачность стекла (она осуществлялась алмазным резцом; эта техника, изобретенная гранильщиками, появилась в Венеции именно в конце XVI века). Столь же изыскан декор основы сосуда. Сложными драматическими наплывами трех «оперенных» «крыльев» синего стекла «взрывается» ножка. Такое украшение формировалось щипцами и крепилось отдельно.

Как пишет автор «Истории декоративно-прикладного искусства» Анри де Моран, «самую громкую славу принесли Венеции бокалы и кубки, которые современники называли хрустальными за их легкость и несравненную прозрачность, благодаря которым они сверкали на свету яркими радужными красками. К этим благородно-простым и изящным изделиям иногда добавляется ножка из цветного или покрытого эмалью стекла. Иногда эта ножка представляет собой настоящее чудо мастерства…».

Кубок был произведен в Венеции, на острове Мурано, в мастерской Винченцо д'Анджело дель Галло.

Неизвестный автор Бургонет. Около 1570. Сталь. Вес — 1573

Бургонет — шлем с «клювом», то есть заостренным козырьком, шейным покрытием, боковыми щитками на шарнирах. Лицо рыцаря в таком «головном уборе» остается открытым. Стальная поверхность данного изделия покрыта изысканной чеканкой, гравировкой, резьбой, клеймением, позолочением и посеребрением. Сложность обработки делает предмет воистину ювелирным шедевром. По сторонам шлема легко «читаются» фигуры богини победы Виктории с пышной пальмовой ветвью и аллегории Славы с трубой. Пальмовую ветвь вручали победителям соревнований (отсюда — выражение «пальма первенства»). С эпохи Возрождения римскую богиню Славы (в отличие от ее греческой ипостаси) стали изображать с атрибутом — трубой. Длинной — означающей добрую славу, или короткой — дурную. Обе героини, сопровождаемые эфебами (отроками), облачены в античные одеяния.

Центр шлема над козырьком отведен рельефу с ликом горгоны Медузы. Ее волосы украшены драгоценными камнями, голову обвивают две змеи. Великолепное исполнение доспеха демонстрирует высочайшее умение миланских мастеров: происхождение шлема относят именно к ломбардской столице. При этом само изделие — редкий образец XVI века с изображением мифологических персонажей.

Помпео дела Чеза (около 1537–1610) Шлем Борромео. Около 1585–1590. Сталь, золото. Вес — 3073

Предполагают, что «Шлем Борромео» сделан на заказ в миланской мастерской Помпео дела Чеза и принадлежал Ренато Первому Борромео (1555–1608), который в 1591 стал капитаном, а в 1598 — послом при дворе испанского короля Филиппа III. Кроме того, он был братом кардинала Федерико Борромео, мать Ренато — Маргарита Тривульцио. Аристократы Борромео до сегодняшнего дня продолжают играть видную роль в общественной жизни провинции. В прошлом же в этом семействе родился святой — Карло Борромео, видный деятель Контрреформации. Впрочем, по преданиям, род ведет свое начало от святой мученицы Иустины Падуанской, но прямая линия на протяжении тысячелетия прослеживалась в падуанской семьей Виталиани. Однако в самом начале XV века Виталиано Виталиани был усыновлен своим бездетным дядей по матери Джованни Борромео, торговцем и банкиром, поставившим условие, что племянник возьмет его фамилию. Виталиано не только продолжил дядюшкино дело, но и стал сначала миланским гражданином, вскоре казначеем Миланского герцогства, а затем и графом, получив крупные земельные угодья от владетелей Милана.

Шлем декорирован гравировкой, расположенной поясами, узор распространяется и на забрало. Среди изображений — эмблема с герба семьи Борромео — единорог, конная узда, святая Иустина, девиз «HOMILITAS» («смирение»).

Неизвестный автор Герат. XVI век. Шерсть, хлопок. 84x124

«Ковры, занимающие столь почетное место и в шатрах кочевников, и в жилищах оседлых народов, являются одним из важнейших видов искусства мусульманского мира», — пишет исследователь декоративно-прикладного искусства Анри де Моран. И далее утверждает: «Ведущее место в ковроделии, бесспорно, принадлежит Ирану — как по количеству и разнообразию, так и по качеству продукции».

Собрание Музея Польди-Пеццоли обладает несколькими бесценными экземплярами персидских ковров. Они, как правило, различаются узорами, на которых специализировались мастера той или иной местности. Так, в Герате (северо-западная Персия) ткались ковры с гибкой цветочной вязью. В представленном насчитывают 24 разнообразных фрагмента арабесок на темно-синей, а также на желтой и зеленой основе. Ценность ковра обычно определяется количеством узелков. Здесь использовался особый узел «юфти», он завязывался нитями четырех основ, а на одном квадратном дециметре можно насчитать около 1600 подобных узлов.

Неизвестный автор Ваза типа «Куттрольф». XVII век. Прозрачное стекло. Высота — 23,5

Сосуд из прозрачного стекла (его именуют то бутылью, то вазой), представленный в коллекции Музея Польди-Пеццоли, имеет неожиданно усложненную форму. От широкого тулова идет высокая шейка, составленная из пяти трубочек, переплетенных и отвернутых в сторону и вновь соединенных уже горловиной, похожей на монашеский клобук (отсюда, вероятно, и название типа емкости). Такая форма имела свое функциональное назначение, она позволяла жидкости набираться и изливаться медленно и аккуратно. Форма переплетенных трубочек легко рифмуется с общим декором округлого изделия, создающим впечатление растянутых ячеек сетки.

Такие сосуды были в обиходе в северных странах Европы и особенно популярными стали в XVII веке. Первоначально они производились в Венеции, в мастерских на острове Мурано, но затем заальпийские государства наладили их изготовление в подражание венецианским изделиям. Тому была и «теоретическая» основа. Если раньше стеклодува-перебежчика в Венеции ожидала казнь, то в 1612 в свет вышло сочинение Антонио Нери «Искусство стекла» с подробным технологическим руководством и разнообразнейшей рецептурой. Так во второй половине XVII столетия во Франции, Бельгии и германских землях появлялись мастерские, изготавливающие стекло в «венецианской манере».

Неизвестный автор Эфес шпаги 1622. Сталь, железо, серебро. 102x2,3. Вес — 1687

Эта шпага германской работы находилась в изначальной коллекции Польди-Пеццоли, который и начал собирать ее с оружия и военной амуниции. Все элементы эфеса украшены резьбой и особой техникой инкрустации изделий из металла — дамаскинаж. Она использовалась главным образом для декорирования дорогого оружия из дамасской стали. При данном способе насечки тонкая золотая или серебряная проволока проковывалась в гравированные углубления рисунка. В этом случае после полировки на стальном фоне образовывался изысканный золотистый или серебристый узор. Здесь его создают гирлянды из цветов и фруктов, гротески, змеевидные ленты. На клинке рядом с эфесом присутствует надпись «HANS», на другой стороне — «MOUM». В 1641 Ханс Моум (Моурн) был советником Братства клинковых мастеров знаменитого города Золингена (Северный Рейн — Вестфалия), славящегося лезвиями и клинками по сей день. Также на лезвии выбит девиз: «ARME SELENT LEG(ES)» («Среди оружия законы немы»). На противоположной стороне — дата 1622 и еще одна надпись — «VIDE SED CUI VIDEM» («Доверяй, но смотри, кому доверяешь»), то есть «будь бдительным», представляющая собой хорошо известную поговорку, которую сделали своим девизом подданные Августа Саксонского.

Неизвестный автор Наутилус. XVII век. Раковина, перламутр, серебро. 13,3x18,5

Наутилус, род головоногих моллюсков, получил наименование из-за своей формы: от латинского слова nautilus — «кораблик». Древние считали спираль символом вселенной, космоса. Удлиненная раковина достигает в диаметре до 30 см, та же, которую украсил неизвестный мастер XVII века, меньше 20 см. Раковины часто использовали в ювелирном искусстве, а в эпоху барокко, то есть в конце XVI–XVII веках мода на всяческие «натуралии» утвердилась в связи с любовью к путешествиям, ко всему загадочному и чудесному. Для кубков и других сосудов брали скорлупу кокосового ореха, страусиных яиц и, конечно же, перламутровые раковины наутилуса, извлеченные со дна теплых морей в западной части Тихого океана, близ Индонезии, Филиппин или Новой Гвинеи. Изделия из них изготавливали в мастерских Германии и Голландии, именно амстердамской работы и представленная раковина.

Обычно наутилус оформляли в золото и серебро, часто прорисовывая на хрупком перламутре морские сюжеты. Однако перед зрителем — персонажи итальянской комедии дель арте, разыгрывающие свое веселое действие, их облаивает собачка, такого же размера, как и огромные насекомые (последние, собственно, — уже образы фламандской традиции). Основой для рисунка послужила гравюра французского художника XVII столетия Жана Калло. Он работал также в Италии при дворе Медичи, путешествовал по Нидерландам, его искусство было популярным и в этих странах.

Однако морская тема здесь все же присутствует. Верхняя часть наутилуса оформлена в виде головы морского конька, гиппокампа, сквозь глаз которого продевался шнурок или стерженек для соединения с металлической ножкой «сосуда». Кромка и полость раковины оправлены серебром. Обычно такого рода дорогие и изысканные изделия не были предназначены для практического использования.

Джован Пиетро Каллин (активен во второй половине XVII века) Часы «Алтарь». Около 1675. Бронза, позолота, дерево, латунь. Высота — 73

Часы «Алтарь» — один из множества терминов в словаре знатоков истории часов. Особой приметой этого типа были ящички, устраиваемые в деревянном футляре. Ко второй половине XVII века он встречался еще чрезвычайно редко, однако с применением усовершенствованного маятника стал популярным. Известны английские экземпляры, немецкие, но особенно распространились такие часы в Италии. Им придавали форму домашних переносных алтарей, что послужило поводом к рождению термина.

Данный футляр расписал известный художник итальянского барокко, создатель монументальных произведений и портретов Джованни Батиста Гаулли, прозванный Баччичо (1639–1709).

Майссенская фарфоровая мануфактура Рукоять прогулочной трости 1750–1760. Фарфор. 7, 5x12

Фарфоровая ручка в виде женского бюста, ставшая экспонатом Музея Польди-Пеццоли, служила навершием дорогой прогулочной трости из слоновой кости. Она изящна и элегантна. Часть фигуры продолжена плавным изгибом для удобства пользователя и украшена цветочными букетами и фигурками путти. Такие предметы, как и парфюмерные сосуды, таблеточницы, табакерки, стали подарочным ассортиментом майссенской фарфоровой мануфактуры, получившим наименование «галантерея».

Конечно же, рококо — один из главных европейских господствовавших в XVIII веке художественных стилей — нашел великолепный материал для воплощения своих изысканных декоративных фантазий, когда в 1710 в городке Майссен, близ Дрездена, была открыта первая в Европе фарфоровая мануфактура. На белоснежной, слегка просвечивающей глазурованной поверхности миниатюрная красочная роспись смотрелась по-особому эффектно, но особенно широкой палитры местные мастера достигли под руководством Йохана Грегора Хёрольдта (1696–1775), живописца, химика и технолога. Экспериментируя над окислами металлов, он получил красную, фиолетовую, желтую, зеленую, коричневую, голубую краски. Причем обжигались они при более низкой температуре в специальных печах, муфелях, уже после того, как само изделие было подвергнуто обжигу при высокой температуре, поэтому сохраняли сияющую яркость. Эпоха в развитии своеобразного жанра мелкой фарфоровой пластики связана, прежде всего, с 1733, когда руководителем модельной мастерской стал Йохан Иоахим Кендлер (1706–1775).

Неизвестный автор Статуэтки двух молодых садовников 1763–1774. Фарфор, роспись. Высота — 22

Две фигурки, представленные в коллекции фарфора Музея Польди-Пеццоли, сделаны из так называемой жесткой пасты, или твердого фарфора, то есть смеси каолина (50 %), кварца и полевого шпата, подвергнутой обжигу при температуре 1500 градусов по Цельсию. Такие изделия получаются необычайно твердыми.

Молодая пара садовников изящна и элегантна даже в своих рабочих костюмах. Босоногий юноша предлагает полюбоваться красочным букетом, который он поместил в свою шляпу. Рядом с ним — лейка, украшенная цветочным бордюром, садовый инструмент — лопатка. Фигурка поддержана пнем.

Девушка, словно соревнуясь с кавалером, протягивает свои цветы на фартуке. Рядом с ней, на октогональной базе, внушительный (если так можно выразиться по поводу миниатюры) вазон с растением. Несмотря на многообразие красок, неизвестный мастер позаботился об их гармоничной перекличке. Так, красные туфельки прелестной садовницы сочетаются и с ее красным корсажем и ленточкой в изысканной прическе.

Жанр мелкой фарфоровой пластики был развит на майсенской мануфактуре Й. Кендлером с помощниками. В их изделиях белоснежная фарфоровая масса соединена с яркой миниатюрной росписью, блеском глазури, смягчающим контрасты. Все это соответствовало камерной эстетике галантного века, века игры, стилизации, шутливого гротеска, и отмечено высоким вкусом. Для таких фигурок иногда делались небольшие полочки-консоли.

Фортунатто Пио Кастеллани (1794–1865) Гарнитур 1820–1825. Золото, агат. Высота — 44,5

В коллекции украшений Музея Польди-Пеццоли хранятся экземпляры работ потомственного ювелира Фортунатто Пио Кастеллани, создателя знаменитого ювелирного дома, обращающегося в основном к археологическим и историческим образцам. Кастеллани очень привлекали предметы, найденные в процессе работы археологических экспедиций на территории древней Этрутии. Особенно любимы были такие образцы глиптики, как геммы — камеи (выступающее резное изображение) и интальо (углубленное резное изображение).

Кастеллани лично участвовал в археологических экспедициях, стал подлинным знатоком древностей, собирал собственную коллекцию памятников и демонстрировал ее в своем новом, открытом в 1853 магазине в центре Рима. Большая часть созданных им изделий приобреталась лондонским Британским музеем и музеем Виктории и Альберта.

Рикардо Джинори по модели Либеро АНДРЕОТТИ (1875–1933), дизайн — Джио Понти (1897–1979) Чиста 1927. Фарфор. 57x31,5

Цилиндрический ларчик, чиста, как и его пара, хранящаяся в этом же собрании, исполнен по модели Либеро Андреотти, известного скульптора, керамиста, иллюстратора и карикатуриста, и архитектора Джио Понти на мануфактуре Рикарда Джинори, изделия которой по сей день пользуются популярностью. Оба контейнера снабжены крышками, на них возвышаются фигуры крылатых гениев, или, как пишут в каталогах, «крылатые женские фигуры». Такие же, только коленопреклоненные, можно видеть над ножками сосудов. В декоре, который Понти назвал «археологическим собеседованием», изображения мужчин и женщин сочетаются с колоннами, гермами, эдикулами, сосудами, колчанами, стрелами и абстрактными фигурами.

Другом Андреотти и Понти был известный писатель, критик и общественный деятель Уго Оджетти (1871–1946). Представленные сосуды были изготовлены по специальному заказу по случаю двадцатилетнего юбилея со дня свадьбы Уго и Фернанды Оджетти, что и сказано в надписях на емкостях. Именно из семьи Оджетти они были переданы в дар в музейную коллекцию Польди-Пеццоли.

Неизвестный автор. Украшение для волос. VII век до н. э.

Следующий том

Национальный музей антропологии — один из лучших в Мехико. Его посетители могут познакомиться с предметами культуры древних обществ Мексики: ольмеков, майя, миштеков, сапотеков, ацтеков (мешиков). Коллекции музея включают разнообразный археологический и художественный материал: монументальные изваяния, произведения мелкой пластики, образцы живописного наследия, культовую и бытовую утварь, редкие экземпляры ювелирных изделий.