Развитие искусства театра кукол Беларуси
В начале 1960-х годов центр кукольного искусства СССР сместился из Москвы, из театра С.В. Образцова, в Ленинград (Санкт-Петербург), где режиссер М.М. Королев создал в Ленинградском институте театра, музыки и кинематографии «ленинградскую школу» кукольников, которая оказала решающее влияние на театры кукол всех других советских республик.
Королев Михаил Михайлович (24.01.1913, Петроград — 12.09.1983, Ленинград) — режиссер, педагог. Заслуженный артист России (1936), заслуженный деятель искусств РФ, профессор Ленинградского государственного института театра, музыки и кинематографии им. Н. Черкасова, основатель «ленинградской школы» (1959). Окончил Ленинградский техникум сценического искусства (1933), где и преподавал (1936–1937). Главный режиссер Театра Балтийского флота (1937–1946). В 1948–1965 гг. — главный режиссер Ленинградского Большого театра кукол. Творческая жизнь Королева в первую очередь связана с Ленинградским Большим театром кукол и Ленинградским институтом театра, музыки и кино им. И. Черкасова (ныне — СПГАТИ), где он создал в 1959 г. кафедру театра кукол, которую и возглавлял около четверти века, воспитав плеяду талантливых профессиональных режиссеров, актеров, художников-кукольников. Театр М. Королева продолжил традиции классического детского театра («Дюймовочка» (1947), «Дикие лебеди» Х.К. Андерсена, «Конек-Горбунок» И. Ершова (1955), «Руслан и Людмила», «Сказка о царе Салтане» А. Пушкина, «Горящие паруса» Л. Браусевича и др.). С1954 г. М. Королев начинает создавать кукольные спектакли для взрослых: «В золотом раю» по Б. Чапек (1959), «12 стульев» (1957) и «Золотой теленок» И. Ильфа и Е. Петрова (впервые на сцене театра кукол), «Прелестная Галатея» Б. Гадор, Д. Дарваш, «Мастер и Маргарита», «Иосиф Швейк против Франца Иосифа» Б. Рацера и В. Константинова, «Голый король» Е. Шварца и др. Эти спектакли наряду со спектаклями С.В. Образцова вошли в золотой фонд мирового театра кукол. Автор книги «Искусство театра кукол»(1973), а также ряда статей.
У советских кукольников появился новый лидер, в отличие от прежнего, приветствовавший синтез кукольного искусства с искусствами драмы, балета, пантомимы, музыкального театра и эстрады. Талантливые ученики и последователи «ленинградской школы» в 1970-х — 1980-х гг. стали неформальными режиссерами, лидерами кукольных театров страны. Вдалеке от культурных столиц они создали собственный яркий, социально протестный репертуар театров кукол «уральской зоны». Их жесткие, в лучших традициях «любимовского театра» режиссерские решения, сценические темы и образы часто содержались даже в спектаклях для детей.
Спектакли «Буратино», «Соловей и император», «Вини Пух и все, все, все…», «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты», «Мастер и Маргарита», «Дракон», «Три мушкетера», «Винни пух и все, все, все…», «Человек из Ламанчи», «Гамлет», «Дом, который построил Свифт», «Жаворонок» и др., ставившиеся учениками М. Королева — режиссерами В. Шрайманом, В. Вольховским, Р. Виндерманом, А. Тучковым, Е. Гимельфарбом, М. Хусидом и другими в Магнитогорске, Челябинске, Свердловске (Екатеринбурге), Кургане и других городах Урала и Сибири, были на острие социальных процессов и дискуссий, проходивших в то время в СССР.
Не стали исключением и белорусские кукольники. Они отчасти переняли репертуар режиссеров-«королёвцев», адаптировали найденные ими художественные приемы и социально-протестные установки к условиям и традициям белорусской культуры, создавая собственный театральный язык национального искусства играющих кукол.
Безусловным лидером новой авторской режиссуры Беларуси стал сын Ан. Лелявского — молодой режиссер А. Лелявский. В 1996 г., оценивая состояние белорусского театра кукол, он писал: «Если говорить об общих тенденциях, которые прослеживались и в спектаклях белорусских театров <…> конечно, это стремление к авторскому спектаклю. Очень заметным становится наличие (или отсутствие) в коллективе художественного лидера, способного генерировать и воплощать новые театральные идеи, апробировать новые методы работы. Это очень важные моменты, к которым стоит отнестись повнимательнее <…> Мне представляется, что для начала работы над спектаклем нужна не пьеса, а идея. Е1екий импульс, художественный образ, описанный в двух-трех строчках, максимум — на двух-трех страницах. И именно под определенную идею должен собираться коллектив создателей спектакля: режиссёр, художник, композитор, драматург, актер. Процесс написания музыки, текста, разработки сюжета, создания кукол, сценографии должен быть синхронным и взаимосвязанным. И если какой-нибудь драматург принесет мне несколько строк, содержащих некий замысел, я готов с ним работать. Вместе искать действенный ряд, образы героев, стиль, диалог. Время того явления, которое мы называем “исполнительский театр”, мне кажется, проходит. Театр становится чуть менее литературным, зато более театральным».
Лелявский Алексей Анатольевич (2.02.1957, Минск) — белорусский режиссер, педагог. В конце 1970-х гг. учился в ЛГИТМиК им. Н. Черкасова (Ленинград). Окончил Белорусский государственный театрально-художественный институт (1980). С 1979 по 1982 гг. работал в Государственном театре кукол БССР в должности помощника главного режиссера по литературной части. С 1982 по 1986 гг. — главный режиссер Могилевского областного театра кукол. С 1986 г. — главный режиссер Государственного театра кукол Республики Беларусь (Минск). За годы работы поставил более 80 спектаклей для детей и взрослых: «Соловей» И. Кнаута по Х.К. Андерсену (1980), «Винни-Пух и все, все, все…» Б.Заходера (1982), «Дед и журавль» (1985) В. Вольского, «Мастер и Маргарита» М. Булгакова (1987), «Граф Глинский-Пепелинский» А. Вольского (1987), «Буря» У. Шекспира (1990), «Сымон-музыкант» Я. Коласа (1990), «Приключения Буратино в стране дураков» А. Толстого (1991), «Звезда и смерть Хоакина Муръеты» П. Неруды (1981), «Ганнеле» Г. Гауптмана (1999), «Пух-медведь» (2001), «Драй швестерн» (2010), «Чайка. Опыт прочтения» (2003) и «С Парижем покончено!..» (2001) по пьесам А.П.Чехова «Три сестры», «Чайка» и «Вишневый сад»; «Извечная песня» А. Лелявского по Я. Купале (2003), «Почему стареют люди?» А. Вертинского (2009), «Баллада о белой вишне» С. Климкович (2008), «Веселый цирк» А. Лелявского (1999), «Липовички» А. Лелявского по В. Голубку (1997), «Синяя птица» М. Метерлинка (2006), «Золушка» Ж. Массне (1991), «Покинутый всеми» А. Лелявского (1998), «История Снежной королевы, рассказанная ею самой» А. Лелявского по Х.К. Андерсену (1996), «Царь Ирод» Г. Барышева (1993), «Самозванец» по «Борису Годунову» А. Пушкина (2013) и мн. др. Ставил спектакли в России, Польше, Боснии и Герцеговине, Германии, Нидерландах, Литве, Словении и др. странах, среди которых наиболее известны «Соловей» Х.К. Андерсена (Щецин, Польша, 1985), «Рыгорка — Ясная Звездочка» А. Вертинского (Любляна, Словения, 1989), «Солнечный мальчик» А. Лелявского (Магдебург, Германия, 1997), «Ворон» К. Гоцци (Торунь, Польша, 2000), «Белый пароход» Ч. Айтматова (Ополе, Польша, 2002), «Аир» У. Шекспира (Торунь, Польша, 2002), «Стойкий оловянный солдат» А. Аелявского по Х.К. Андерсену (БаняАука, Босния и Герцеговина, 2003), «Король-олень» К. Гоцци (Тюмень, Россия, 2003), «Каштанка» А. Чехова (Ополе, Польша, 2003), «Маленькая история о любви» М. Торнквист (Магдебург, Германия, 2004), «Сказка об принце Пипо, коне Пипо и принцессе Попи» П. Грипари (Варшава, Польша, 2005), «Очень маленькие трагедии» А. Пушкина (Аюбляна, Словения, 2005), «Скотный двор» Дж. Оруэла (Баня Аука, Босния и Герцеговина, 2007), «Моби Дик» Г. Мелвилла (Магдебург, Германия, 2008), «Золушка. Отрывки из дневника» Ш. Перро / А. Милна (Аюбляна, Словения, 2010), «Одиссей» К. Норревига (Магдебург, Германия, 2011), «Дон Жуан» Ж.Б. Мольера (Щецин, Польша, 2011). Спектакли Аелявского отмечались на международных фестивалях в Австрии, Армении, Беларуси, Бельгии, Болгарии, Германии, Дании, Испании, Италии, Аатвии, Аитве, Молдавии, Нидерландах, Польше, России, Сербии, Словении, Узбекистане, Франции, Хорватии, Чехии, Швейцарии, Эстонии и др. Обладатель гран-при и призов за лучшую режиссуру на фестивалях в Бресте, Минске (Беларусь), Варшаве (трижды), Бельско-Бяле, Ополе, Торуне (дважды), Аомже (дважды) (Польша), Риге (Аатвия), Тюмени (Россия), Нови Сад (Сербия), Загребе (Хорватия). Аауреат премии Аенинского комсомола, Республиканской театральной премии имени Аюбови Мазолевской, премии имени ЯнаДормана (за большой вклад в развитие польского театра кукол). Преподавал режиссуру и актерское мастерство в Белорусской академии искусств (1989–2006), проводил мастер-классы в Нидерландах (Амстердамский университет), Финляндии (университет Турку), Германии (Магдебург, Потсдам) и др. Избирался членом президиума и председателем секции театров кукол Союза театральных деятелей РБ, членом Европейской комиссии У НИМ А. Аауреат первой Национальной театральной премии Беларуси (лучшая работа режиссера) в 2011 г. Награжден медалью Франциска Скорины (2009).
В 1986 г. Анатолия Александровича Лелявского сменил на посту главного режиссера Государственного театра кукол БССР сын, Алексей Лелявский. Его режиссерский опыт в то время был еще невелик. Свой первый спектакль «Соловей» Х.К. Андерсена А. Лелявский поставил в 1980 г., будучи дипломником Белорусского театрально-художественного института). Позже, став в 1982 г. главным режиссером Могилевского областного театра кукол, он создал несколько успешных спектаклей, среди которых был «Дед и журавль» В. Вольского (художник А. Гониодская — главный художник Московского областного театра кукол), ставший вехой в белорусском искусстве играющих кукол. Постановщикам здесь удалось создать на редкость обаятельную, метафоричную сказку.
Могилевский спектакль сразу же привлек к себе внимание и стал ярким событием не только в Беларуси, но и в России. А. Лелявский и А. Гониодская применили в своей постановке «открытый прием» кукловождения и снабдили кукловодов «крыльями». Так возник образ — спектакль разыгрывают ангелы. В реалиях государства с официальной атеистической идеологией это было смелым режиссерским решением.
Первой постановкой А. Лелявского (1986) в качестве главного режиссера Государственного театра кукол БССР стал ремейк его Могилевского «Деда и журавля». (В 2011 г. этот спектакль был еще раз капитально возобновлен и вернул себе изначальное, авторское название «Волшебные подарки».)
«Это, наверное, самая популярная белорусская народная сказка, которая только у нас есть, — говорил А. Лелявский. — История о деде и журавле, пане, попе, об обретении счастья в голодное время. Она была популярна и тогда, и до сих пор. Мне кажется, она очень простая, очень 112 действенная» .
С приходом А. Лелявского театр обратился к произведениям мировой и белорусской национальной классики. В афише Государственного театра кукол БССР появились имена М. Булгакова («Мастер и Маргарита», 1987), Я. Коласа («Сымон-музыкант», 1990), У. Шекспира («Буря», 1990) и др. Почти каждый из созданных им спектаклей вызывал живой интерес как зрителей, так и театральной критики, отмечавшей режиссёрское мастерство и оригинальность мышления Лелявского-младшего.
Своими творческими успехами режиссер также обязан и замечательным художникам-постановщикам, с которыми он работал: А. Гониодской, А. Фоминой, В. Рачковскому, А. Вахрамееву, Т. Нерсисян и др.
Вахрамеев Александр Сергеевич (1961, Новосибирск) — белорусский художник-постановщик, график. Окончил Белорусский государственный театрально-художественный институт, отделение интерьера и оборудования (1987). Работал в Белорусском государственном театре кукол (Минск, 1988–1994). Совместно с А. Лелявским создал спектакли «Три поросенка» С. Михалкова (Минск, 1988), «Приключения Буратино в стране дураков» А. Толстого (Минск, 1991), «Маленький Клаус и Большой Клаус» А. Лелявского по Х.К. Андерсену (Могилев, 2002), «Тарас на Парнасе» С. Ковалева (Витебск, 2003), «Чайка. Опыт прочтения» А. Чехова (Минск, 2003), «День после» (Дордрехт, Нидерланды, 1994), «Солнечный мальчик» А. Лелявского (Магдебург, Германия, 1997), «Ворон» К. Гоцци (Торунъ, Польша, 2000), «Белый пароход» Ч. Айтматова (Ополе, Польша, 2002), «Стойкий оловянный солдат» А. Лелявского по Х.К. Андерсену (Баня Лука, Босния и Герцеговина, 2003), «Маленькая история о любви» М. Торнквист (Магдебург, Германия, 2004), «Сказка об принце Пипо, коне Пипо и принцессе Попи» П. Грипари (Варшава, Польша, 2005), «Золушка» Ш. Перро /А. Милна (Любляна, Словения, 2010), «Одиссей» К. Норревига (Магдебург, Германия, 2011), «Дон Жуан» Ж.Б. Мольера (Щецин, Польша, 2011), «Белоснежка» М. Гусневской (Мостар, Босния и Герцеговина, 2012). Успешно сотрудничает с другими режиссерами: О. Жюгждой («Тот самый слоненок», Минск, 1989), А. Пацей («Поющий поросёнок», Брест, 2006), Е. Плютовой («Пилипка и ведьма», Гродно, 2006), Н. Андреевым («Волшебная дудка», Молодечно, 2010), И. Казаковым («Волшебное кольцо», Могилев, 2007; «Яд», Могилев, 2009; «Гамлет», Могилев, 2013), А. Янушкевичем («Арабская ночь», Минск, 2013). Успешно работает в области сценографии, дизайна кукол, станковой и книжной графики. Его произведения находятся в коллекциях Национального художественного музея Республики Беларусь, Музея современного изобразительного искусства (Минск), Калининградской художественной галереи, Государственного музея театральной и музыкальной культуры (Минск). Создал фирменный стиль и художественное оформление журнала «Театр чудес».
С распадом Советского Союза в белорусском театре проходят закономерные процессы эстетического обновления, переосмысления истории. В этот период важными вехами творчества А. Лелявского стали спектакли по пьесам А. Чехова «Вишневый сад», «Чайка», «Три сестры» — «С Парижем покончено!..», «Чайка. Опыт прочтения», «Драй швестерн»; Я. Купалы — «Извечная песня».
Спектакль «Чайка. Опыт прочтения» был создан режиссером в 2003 г.
«Людское и кукольное действия идут параллельно, порой разоблачая друг друга, — писала о спектакле московский театральный критик Елена Губайдуллина. — Фигурки из папье-маше гротескны — глаза на лбу, носы без переносиц, головы, скрипя, разворачиваются на 180 градусов, конечности непропорциональны. Жесты негнущихся рук особенно решительны, амбиции непомерны, притязания категоричны. Чем незначительнее персонаж — тем меньше кукла. Фигурки выстраиваются в разнокалиберную шеренгу — от учителя Медведенко до беллетриста Тригорина разница сантиметров в двадцать. Куклы нещадно пародируют людские привычки, причуды и страсти. Норовят подмять игру актеров «под себя», внушая преувеличенные интонации и излишне выразительные взгляды. Но люди далеко не всегда идут на поводу у своих питомцев, переигрывая их живой мимикой. Особенно интересна важная Аркадина — маленькая, полненькая дамочка в профессорских очках внешне не похожа на знаменитую актрису, скорее, это всезнающая библиотекарша. Но столько в ней здорового цинизма и надменного хвастовства, что сразу ясно, кто тут главный, а непокорная кукла с вызывающей рыжей шевелюрой удваивает цинизм персонажа. Нина Заречная — наивная, глупая кукла в алой панаме — до самого финала мечтает стать чайкой. Сопровождающая ее актриса ведет себя совершенно по-детски. Героиню не меняют ни жизненные испытания, ни жестокая реальность, ни издевательские белые перья, обильно высыпанные на сцену. Чайка подстрелена, иллюзии развеяны. Но кукольная Нина, похожая на отважную Красную Шапочку, растопыривает руки-палки, запальчиво провозглашая: “Умей нести свой крест и веруй! ” Тряпичный Костя Треплев в этот момент прилип к пишущей машинке. Кукольную пригодность своих пьес он с блеском доказал еще в начале. Действительно, всех этих “львов, орлов, куропаток” с полной убедительностью могут сыграть только предметы — “мировая душа” воплощается в крылатую маску, глаза дьявола — в огоньки фонариков <… > Мысль о том, что в чеховских пьесах все хотят быть услышанными, но никто не слышит друг друга, персонажи кукольной “Чайки” передают точно и остро. Зрителю ни на минуту не дают забыть, что Чехов написал комедию. Но финал постановки Лелявского неожиданен, как выстрел Треплева. Актеры мгновенно оказываются в красном, пунцовое полотнище застилает задник, городской романс звучит, как похоронный марш. Жест фокусника — и хохма превращается в реквием. Рассказ о сломленных судьбах, даже представленный как анекдот, всегда беспощаден».
Счастливое время «ангелов-хранителей» эпохи «Деда и журавля» 1980-х для Алексея Лелявского закончилось в 1990-х годах. Наступило иное, жестокое, беспощадное. У персонажей — людей и кукол его спектаклей — крылья поломаны, ими движут иные, отнюдь не романтические обстоятельства, которые жестко вскрываются режиссером. Особенно отчетливо это чувствуется в спектакле «Драй швестерн».
«С неумолимой и жестокой очевидностью, — писала Т. Комонова, — режиссер демонстрирует нам, что знаменитое чеховское: “В Москву, в Москву! ” касается не простого перемещения в пространстве <…> Невозможность этих побегов возникает из того, что Москва героинь, в которую они так стремятся, осталась в другом времени, и билет в прошлое им вряд ли удастся купить. Что же с такой настойчивостью не просто тянет, а гонит сестер из городка <… > Банальный — но такой ужасный страх! Страх перед той жизнью, что окружает их, перед предчувствием большой, глобальной катастрофы, где человек является лишь маленькой, незначительной куклой, на которую никто не обращает внимания <…> Режиссер дает нам ее острое, почти паническое предощущение, причем не только на визуальном уровне, но и через музыкальный ряд спектакля (композитор — Егор Забелов). Вместе с художником Татьяной Нерсисян Алексей Лелявский ярко демонстрирует нам, как изменился мир сестер. На авансцене, неподалеку от игрушечных фигурок собора Василия Блаженного и Московского университета, — маленький кукольный домик, где все уютно и красиво. Рядом с ним — три красивые куклы, красавицы и модницы — дорогие игрушки конца XIX века. Такими же куклами предстают перед нами и героини Яны Агеенко (Ольга), Светланы Тимохиной (Маша) и Юлии Морозовой (Ирина). Вот только, “современные”, они потеряли свой лоск, обтрепались, а спокойствие и радость сошли с их лиц, уступив место нервной напряженности. И трагедия их, с точки зрения режиссера, заключается вовсе не в плоскости личной жизни, которая не удалась ни одной из них. Самое страшное — они не могут вписаться в новую “игру времени” <… > Сценическое существование чеховских персонажей максимально лишено и знаменитых полутонов, и подтекстов — кажется, всё происходит настолько явно, что не замечать этого невозможно. Однако даже смерть на дуэли Тузенбаха (Дмитрий Рачковский), которую он трижды “повторяет” прямо на авансцене, на глазах у всех остальных, совсем не вызывает эмоций у других: “Одним бароном больше, одним меньше…” И вдруг становится понятно, что никому нет дела ни до чего и ни до кого: на наших глазах разворачивается настоящий апокалипсис человеческих душ..».
А. Лелявский — режиссер, остро чувствующий драматизм и несправедливость окружающего мира, где люди подчас так бездушны и жалки, что, пожалуй, только куклы могут вызвать сочувствие и сострадание.
«“Извечная песня” — спектакль трагический, — писала петербургский театральный критик А. Шепелева, — в нем не звучит ни слова из лежащей в его основе поэмы Я. Купалы, но тем не менее, переданы и смысл, и дух, и философия, и образная система этого произведения. Вербальный пласт поэмы переведен режиссером А. Лелявским в иной регистр — визуально-ассоциативный <…> Вот из детской песочницы… да нет — из земли, из праха появляется маленькое безликое создание, пришедшее в этот мир; затем — второе, и еще другие, поменьше. Вот в нескольких ящиках, напоминающих ящики для снарядов, возникает мечта этих трогательно-беспомощных существ: домики, цветы, домашний скот — мечта о мире, труде, мае… море с пальмами. Вот захлопнуты зеленые крышки, и с интонацией выступающих на съездах приснопамятных лет читается декларация прав человека. <… > Вот из собранных водочных бутылок складывается здание храма… И, наконец, в земле, прахе заканчивают свое существование тряпичные фигурки, которые, как и валяющийся рядом мусор, уносят на свалку <…> Спектакль уникальный как по воплощению сути и духа литературного материала, так и по силе эмоционального воздействия, емкости заключенных в нем смыслов и, как бы высокопарно это ни звучало, — гражданскому пафосу».
Для А. Лелявского, сформировавшегося как личность и начавшего творческую жизнь в советский «период застоя», чрезвычайно важны образы, связанные с трагическими, безнадежными попытками преодоления, казалось бы, непреодолимого.
«Стена как выразительная деталь или, скорее, играющее место действия, — писал автор “Театральной Беларуси”, — появилась у Алексея Лелявского очень давно. Старые театралы, возможно, помнят о давнем-давнем спектакле “Тристан и Изольда” (пьеса А. Лелявского, музыка М. Кондрусевича, сценография Алины Фоминой, 1983 г.), который 26-летний Алексей поставил в Могилевском театре кукол, где он тогда руководил. Третья стена традиционной сценической коробки, металлический задник, о который гремели цепями, обливали вином из сакральной чаши (Грааля?), преграда, о которую в любовном исступлении бились Тристан и Изольда. В центре этой зеркально-блестящей стены иногда возникало окошечко, где появлялась статуя Мадонны с ребенком на руках (мать Тристана)… Собственно, жесткий сценический каркас, как бы разорванный молниями, был еще в спектакле “Звезда и смерть Хоакина Мурьеты” (П. Неруды, тоже в оформлении А. Фоминой, 1981 г.), поставленном в Государственном театре кукол в Минске. Там сценическая трапеция дополнялась потолком, который опускался, являя распростертое тело мертвой Тересы. Время шло, образ стены стал всё чаще возникать в спектаклях Алексея. “Мастер и Маргарита” (по М. Булгакову, Государственный театр кукол, Минск, А. Фомина, 1987 г.) представлял вариации на тему краснокирпичной кремлевской стены с отдельными кирпичами, из которых на авансцене выстраивался тот же Кремль. Образ дополнялся тюремными галереями, лязгающими решетками и прочими аксессуарами на тему Гулага и НКВД… В финале стена опускалась, открывая черную пустоту смерти, пронизанную расстрельным светом прожекторов, бьющих в глаза зрителю… Трансформация стены в грозовое небо в спектакле “Буря” (У. Шекспира, художник — А. Фомина, 1990 г.) была обманчивой. В этом небе открывались двери, откуда на сцену выходили ангелы, трубящие об Апокалипсисе и попутно анимирующие огромных марионеток. Периодически стена падала под ноги, превращаясь в металлическую, безжизненную землю в спектакле “Сымон-музыкант” (Я. Коласа, сценография А. Фоминой, 1990 г.), гулко звучавшую под ногами актеров и падающих камней. <…> Поднимающийся планшет сцены превращался в глухой забор-стену, в нее пытался достучаться брошенный и забытый Фирс (“С Парижем покончено!..” по А. Чехову, художник — В. Рачковский, Беларусский государственный театр кукол, Минск, 2001 г.)…».
Тема безвыходности, жестокости и трагичности окружающего мира так или иначе всегда присутствует в постановках режиссера. Даже если это спектакли, адресованные детям. Среди них — и его работа «Почему стареют люди?» по пьесе А. Вертинского.
«“Почему стареют люди?..” Ответ на вопрос оказался страшным, — писала Е. Губайдуллина. — Добро пытается бороться со злом, но силы оказываются неравными, всё остается на своих местах, как в жизни. К суровой прозе и сказочной поэтике режиссер Алексей Лелявский добавил еще и кукольной философии. <…> Куклы играют людей, а актеры изображают высшие силы и призраков. Обратный эффект срабатывает с волшебной точностью — люди в обличье кукол видятся существами нереальными, а «высшие силы» похожи на простых граждан. <…> Больничная палата превращается в необъятные просторы — на белые двери проецируется флеш-анимация. В небе мечутся птицы и звезды, одна падает на землю, оборачиваясь чудесным мальчиком. Рыгорка, посланный старикам свыше, — тот самый эпический сверхгерой, осмеливающийся противостоять мировому злу. То, как это зло изувечило и землю, и ее население, образно представила художница Татьяна Нерсисян. В дощатый помост вбиваются грубые шесты — то сваи для убогих жилищ-скворечников, то столбы линий электропередач, то скелеты деревьев, то странные надгробия… Лица кукол, оплывшие и недоуменные, напоминают вопросительные знаки. Что делать — не знают, хотя кто виноват — известно всем <…>
Вопрос, почему на добро отвечают злом (а именно поэтому стареют люди), останется для них открытым».
Вместе с А. Лелявским в театре работает и замечательная плеяда актеров, творческая индивидуальность которых сформировалась во многом под его влиянием. Среди этих артистов — замечательные мастера сцены А. Васько и А. Казаков.
Васько Александр Петрович (7.06.1957, Минск) — артист театра кукол. В 1980 году окончил Белорусский государственный театрально-художественный институт. Работает в театре с 1982 г. Актерское мастерство Васько А.П. характеризуется блистательным владением куклой, всегда острым пластическим рисунком ролей. Создал большое количество сценических образов в постановках для детей и взрослых: Воланд («Мастер и Маргарита» М. Булгакова), Просперо («Буря» У. Шекспира), Хоакин («Звезда и смерть Хоакина Муръеты» П. Неруды), Дорн («Чайка. Опыт прочтения» А. Чехова), Священник («Сымон-музыкант» Я. Коласа), Ирод («Видения рождественской ночи» Г. Барышева), Принц («Золушка, или Торжество добродетели» Ж. Массне), Бородавкин, Беневоленский, Брудастый, Грустилов («История одного города» М. Салтыкова-Щедрина), Кулыгин («Драй швестерн» по мотивам А. Чехова), Султан («Волшебная лампа Аладдина» Н. Гернет), Ведьмак («Баллада про белую вишню» С. Климкович), Клоун («Веселый цирк» Ан. Лелявского), Змей («Почему стареют люди?..» А. Вертинского), Гусляр («Дзяды» А. Мицкевича), Бергер, Маттерн («Путь в небеса» Г. Гауптмана), Игнат («Венчание» В. Гомбровича) и др. Принимал участие в международных фестивалях театров кукол в Польше, Германии, Франции, России, Эстонии, Латвии, Украине. Обладатель награды Белорусского союза театральных деятелей «Хрустальный ангел» (2008). Награжден медалью Франциска Скорины (2010).
Казаков Александр Николаевич (8.05.1958, Жлобин) — актер театра кукол. Заслуженный артист Беларуси (1992). Окончил Белорусский государственный театрально-художественный институт (1979). Его творческой индивидуальности свойственны обостренное чувство комедийного — от мягкого юмора до буффонады и гротеска. Среди ролей Дед, Пан, Поп, Войт («Дед и журавль» В. Вольского), Купец («Граф Глинский-Пепелинский» А. Вольского), Бармалей («Доктор Айболит» В. Коростылёва), Ведущий, Боярин («Сказка о царе Салтане» А. Пушкина), Волк («Красная шапочка» Е. Шварца), Слонёнок («Слонёнок» Г. Владычиной), Попугай («Привет мартышке!» Г. Остера), Нуф-нуф («Три поросенка» С. Михалкова), Жак («Кот в сапогах» Г. Владычиной), Андерсен («Приключения оловянного солдатика, пастушки и трубочиста» О. Жюгжды по Х.К. Андерсену), Ведущий («Ру салочка» Х.К. Андерсена), Мужчина в плаще («Покинутый всеми» А. Лелявского по Х.К. Андерсену), Тигренок («Тигренок Петрик» X. Янушевской), Метелкин, Белый клоун («Веселый цирк» Ан. Лелявского), Дровосек («Волшебник Изумрудного города» А. Волкова); для взрослых — Аукаш, Психиатр («Приключения бравого солдата Швейка» по Я. Гашеку), Бегемот («Мастер и Маргарита» по М. Булгакову), Сымон («Сымон-музыкант» по Я. Коласу), Архиепископ («Жаворонок» Ж. Ануя), Атос («Приключения шевалье д Артанъяна» В. Аленикова), ангел А («Божественная комедия» И. Штока), Гермес («Хочу быть богом» А. Вертинского), Чёрт («Чёртова мельница» И. Штока, Я. Дрды), Кликот («Происшествие в городе Гога» С. Грума), Гонзало, Стефано («Буря» У. Шекспира), Моцарт («Это ты… Моцарт?!» И. Мацкевич), Готвальд («Ганнеле» Г. Гауптмана), Патрик, Аилипут, Черный констебль («Дом, который построил Свифт» Г. Горина), Епиходов («С Парижем покончено!» по А. Чехову). Дипломант многочисленных театральных фестивалей в России, Польше, Литве, Германии, Словении, Франции.
Творчество Лелявского-младшего — его режиссерское мастерство, мировоззрение, постановочные идеи, гражданская позиция, умение применить в своей работе идеи европейских коллег — существенным образом повлияло и на всё белорусское искусство театра кукол. Что естественно для талантливого режиссера, направляющего крупнейший в стране кукольный театр. Белорусский государственный театр кукол стал на рубеже XX и XXI вв. одним из флагманов искусства играющих кукол республики.
Немалая заслуга в этом и директора театра Е. Климакова.
Климаков Евгений Владимирович (28.09.1952, Тула) — заслуженный деятель культуры Республики Беларусь. Окончил Белорусский государственный театрально-художественный институт (режиссёр, организатор театрального дела, театровед). Вице-президент Белорусского союза деятелей театров кукол. Председатель Совета директоров театров кукол Беларуси. Работал в Министерстве культуры Республики Беларусь (старший инспектор по делам искусств, заместитель начальника управления театров). За годы руководства Климакова Белорусский государственный театр кукол существенно расширил свое помещение, модернизировал и технически оснастил сцену, зрительный зал, Музей театральных кукол, фойе, значительно увеличил труппу и художественные цеха.
Е.В. Климаков награжден медалью «За трудовые заслуги».
В 2008 г. постановлением Совета министров Республики Беларусь театру присвоено звание «Заслуженный коллектив Республики Беларусь».
Почти через два десятка лет после воссоздания Государственного театра кукол БСССР, в 1960-х годах, в Беларуси один за другим стали возникать областные театры кукол. Первым появился Гомельский областной театр кукол (1968). И это справедливо, так как фактически был воссоздан государственный театр кукол, возникший здесь еще в июле 1938 г., творчески успешно просуществовавший здесь до 1949 г. и давший жизнь как Государственному театру кукол БССР, так и первым национальным «кукольным» драматургам, режиссерам, художникам и актерам.
Основу театра составила группа кукольников, работавшая в Гомеле с 1963 г. при Гомельском областном драматическом театре. Во главе нового театра кукол (до 1986 г.) стоял режиссер Виктор Черняев. В репертуаре были традиционные спектакли-сказки для детей на белорусском и русском языках: «Сказка про храброго солдата», «Пушкинские сказки», «Вот так Ежик», «Приключения медвежонка Римтимти» «Человек с хвостом» Г. Остера, «Спичка-невеличка» Г. Стефанова, «Холодное сердце» Ю. Коринца, «Бука» М. Супонина и др.
Театр в то время работал в сложных условиях, без стационара, но тем не менее, режиссер смог в ситуации «театра на колесах» воспитать талантливых актеров — В. Матроса, В. Курдюмова, Т. Горячеву и др. Для своих постановок Черняев приглашал известных белорусских театральных художников того времени — Л. Быкова, Б. Звенигородского, А. Фомину. В 1986 году главным режиссером театра стал ведущий актер Гомельского театра кукол театра и начинающий режиссер Владимир Матрос.
Матрос Владимир Борисович (1947, Новосибирск — 06.02.2006, Гомель) — актер, режиссер, художник, драматург белорусского театра кукол. Заслуженный артист Белоруссии (1998). С 1966 г. актер, с 1984 г. — режиссер, а с 1986 г. — главный режиссер Гомельского областного театра кукол. Окончил Государственный институт культуры им. Н. Кру некой (Москва, 1985). Острохарактерный актер, талантливый импровизатор, создавший ряд ярких ролей: Мартышка — «Человек с хвостом» Г. Остера, Гном — «Кветка папарацци» Г. Каржаневской, Кот — «Запалка-невеличка», Скоморох, Чёрт, Поп — «Пушкинские сказки», Арбуз — «Полосатая история» М. Супонина, Главный буржуин — «Военная тайна» А. Гайдара и др. Многие роли Матроса отмечены театральной критикой, дипломами республиканских театральных смотров и фестивалей. Созданные режиссером Матросом спектакли «Цветок папортника» (1985) и «Пусть не смолкает жаворонок» А. Вольского (1989) отмечены на международных фестивалях театров кукол. Среди режиссерских работ Матроса «Я — цыпленок, ты — цыпленок» Г. Усача, Е. Чеповецкого (1986), «Улыбка клоуна» Е. Чеповецкого (1992), «Веселые медвежата» М. Поливановой (1993), «Ковбойское счастье» С. Макеева (1993), «Мальчик Мотл» (по мотивам ГПолом-Алейхема), «Дорога к Вифлеему» С. Ковалева (2000) и др.
Режиссерский почерк Матроса отличало стремление к созданию спектаклей на основе белорусского фольклора и драматургии, музыкальность, внимание к актерским работам, мастерству кукловождения. В. Матрос также был автором ряда пьес для театра кукол («Волшебная звездочка» (1995), «Батлейка» (1997) и др.).
С приходом В. Матроса в репертуаре театре стали доминировать спектакли на белорусском языке, поставленные по мотивам национальной драматургии: «Дар лесного царя» С. Климкович, легенда «Цветок папоротника» Г. Корженевской, «Дед и журавль» В. Вольского.
Звездной удачей режиссера стала постановка спектакля «Пусть не смолкает жаворонок» А. Вольского (1989). Успех определили как отличный актерский ансамбль, так и работа художника Ф. Розова, создавшего оригинальных кукол в традиционной белорусской технике — из соломки.
В сентябре 2002 г. Гомельский областной театр кукол получил стационарное помещение на ул. Пушкина, д. 14, а в 2004 г. после капитального ремонта здесь был открыт целый театральный комплекс со стационаром на 214 мест. В репертуарную афишу театра вошли и новые спектакли: «Сказки с ярмарки» И. Сидорука, «Чертово сокровище» В. Короткевича, «Извечная песня» Я. Купалы и мн. др.
В 2009 г. главным режиссером Гомельского театра кукол стал Г. Гольдман, приехавший сюда из Ставрополя. В 1984 г. он окончил Ленинградский государственный институт театра, музыки и кинематографии, был главным режиссером в Нижнетагильском, Тюменском, Ставропольском театрах кукол. С приходом Г. Гольдмана, который проработал в театре до 2013 г., театр обрел значительный репертуар для взрослых («Поминальная молитва» Г. Горина (2008), «Леворюционная фантазия» по пьесе Ж. Ануя «Генералы в юбках»(2010), «Собачье сердце» М. Булгакова (2011), «Тартюф» Ж.-Б. Мольера (2013)).
«Спектакль начинается с небольшой пластической интермедии, — писал о “Тартюфе” рецензент, — когда труппа бродячих актёров находит в разорённом доме шкатулку с бумагами и куклами в старинных костюмах. Перед зрителями разворачивается реконструкция давней истории <…> Спектакль театра кукол продуман и «сделан» до последних мелочей. Очень точное и подробное сценическое оформление создано московским театральным художником Ульяной Филипповой. В какой-то момент куклы настолько сливаются с артистами, что иногда невозможно разделить Тартюфа и Евгения Хромова, Органа и Юрия Лохмакова, служанку Дорину и Олесю Станишевскую, Валера и Андрея Матвиенко».
В том же году, что и в Гомеле, был воссоздан и театр кукол в Бресте — городе, где еще в 1936 г. впервые в Белоруссии появился Минитеатр палочных кукол под руководством Ядвиги и Владислава Бадовских, организованный правлением Полесского союза театров и народных хоров и просуществовавший до 1937 года.
Брестский областной театр кукол создан из любительского коллектива (1961), работавшего при брестском Доме народного творчества (первым спектаклем самодеятельного коллектива была «Красная шапочка»). Труппа театра формировалась и на основе группы профессиональных драматических актеров под руководством актрисы Брестского драматического театра А. Асториной (1963).
Асторина Александра Павловна (28.11.1900—15.7.1982, Челябинск) — белорусская актриса драматического театра, заслуженная артистка Белоруссии (1957). Окончила музыкальное училище (1917), актерскую деятельность начала в 1918 г. в Самаре. Позднее работала в дальневосточных красноармейских театрах. С 1922 г. она — актриса в театрах Москвы, Рязани, Воронежа, Оренбурга, Липецка, Орла, Костромы. С 1949 по 1973 гг. — ведущая актриса Брестского областного драматического театра. В 1963 г. создала группу кукольников, составивших основу профессионального Брестского областного театра кукол (1968).
С 1968 по 1975 гг. режиссер А. Серегин и художник В. Довбуш поставили в театре ряд традиционных спектаклей-сказок для детей дошкольного и младшего школьного возраста: «Дед и Журавль» В. Вольского (1968), «Кот Васька и его друзья» В. Лифшица (1969), «Сказка про Ивана-работника» М. Волынца, 3. Кисляковой (1970), «Али-Баба и разбойники» М. Маслова (1971), «Гасан — искатель счастья» Е. Сперанского (1973), «Потапыч» В. Лифшица (1974), «Лапоток» Н. Слепаковой (1975) и др.
С 1975 по 1981 гг. возглавивший театр режиссер А. Шкиленок вместе с художником И. Крусём продолжили репертуарную политику и стилистику своего предшественника, создавая добротные, качественные кукольные спектакли для детей: «Приключения трех поросят» Н. Матяш (1976), «Заячья школа» П. Манчева (1977), «Ловите миг удачи» К. Рыжова (1978), «Поросенок Чок» М. Туровер (1979) и др.
Творческую эстафету А. Шкиленка приняла режиссер Государственного театра кукол БССР В. Козлова, ставшая главным режиссером театра (1981–1985). Среди ее спектаклей «Мальчик из легенды» по мотивам Г. Василевской (1984), «Иностранец в Риме» по мотивам М. Зощенко и др. Режиссер стремилась выйти из круга исключительно детского репертуара и привлечь в театр взрослых зрителей.
С 1986 по 1989 гг. главный режиссер театра С. Юркевич («Кот в сапогах» Г. Владычиной (1986), «Иван-царевич и серый волк» А. Бычкова (1987), «Забыть Герострата» Г. Горина (1989)).
Коротким, но плодотворным было время, когда творческую работу театра возглавил режиссер О. Жюгжда. Этот талантливый мастер менее чем за два года создал несколько ярких, неординарных спектаклей: «Рыгорка — Ясная Звездочка» А. Вертинского (1990), «Гусенок» Н. Гернет (оба спектакля были первоначально им поставлены в Могилевском театре кукол), «Жили Мышка и Вомбат…» И. Павлычевой (1990), «Три сказки попугая» О. Жюгжды (1991), «Плот мертвецов» (1992) X. Мюллера, «Кукушка» Вл. Гревцова (1992), «Крысолов» М. Цветаевой (2002).
С 1995 г. в театре работает режиссер Д. Нуянзин, окончивший Харьковский театральный институт (отделение театра кукол). За годы работы режиссер поставил в Брестском театре кукол около двух десятков спектаклей. Всего же в творческом багаже режиссера более 90 постановок. Одной из лучших была работа «Братец Осел» по пьесе С. Ковалева, признанная лучшим спектаклем театров кукол Беларуси 1999 г., а также ряд его спектаклей для детей и взрослых: «Освободитель» И. Сидорука (1995), «Золушка» Т. Габбе (1996), «Синяя птица» М. Метерлинка (1998), «Али-Баба и сорок разбойников», «Буратино» (2009) и др. Одновременно Нуянзин успешно работает и как актер. Лучшей его ролью стал Сальери в спектакле замечательного петербургского режиссера Р. Кудашова «Луна Сальери».
Ключевую роль в формировании и развитии Брестского театра кукол сыграл известный организатор театрального дела М.А. Шавель.
Шавель Михаил Александрович (5.08.1949, с. Вильяново Пружанского района) — белорусский театральный деятель. Окончил Белорусский театрально-художественный институт (1972). Президент УНИМА Республики Беларусь (с 1996), директор международного фестиваля «Белая вежа», директор Брестского театра кукол (с 1980), а с 1995 г. и художественный руководитель этого театра. Заслуженный деятель культуры Республики Беларусь. За годы работы в театре воспитал профессиональный творческий коллектив, создал успешную материальную базу театра. Благодаря Шавелю на сцене Брестского театра кукол появились драматургические произведения таких белорусских литераторов, как Н. Мацяш, Г. Василевская, И. Сидорук, С. Ковалев, А. Вертинский и др. Основанный М. Шавелем ежегодный театральный фестиваль «Белая вежа» стал одним из самых крупных и авторитетных фестивалей Белоруссии. С именем Шавеля связаны многочисленные успешные гастроли по республике и в десятках городов мира, многочисленные турне по странам Европы и Азии.
Удачей для коллектива стало сотрудничество с петербургским режиссером Р. Кудашовым, постановщиком двух спектакле, ставших в ряд лучших спектаклей театров кукол Беларуси начала XXI в.: «Холстомер» по Л. Толстому (2005) и «Луна Сальери» (сценическая фантазия Р. Кудашова по мотивам А. Пушкина, 2007).
«Начало спектакля одновременно завораживает и шокирует, — писала о “Луне Сальери” театральный критик А. Зайцева — Перед нами разворачиваются пейзажи космического пространства: в приглушенных лучах софита виднеются очертания нескольких планет, крупным планом — бледно-желтая песчаная поверхность Луны, полукругом огибающая авансцену. На ней разбросаны поломанные инструменты: части скрипки, трубы органа, старые смычки, лунный рояль, покрытый слоем песка, словно на нем не играли вечность, и граммофон, без конца повторяющий один и тот же музыкальный отрывок Моцарта. Среди вековой лунной пыли мы не сразу замечаем неподвижную согбенную фигуру в старом кресле. Осознание, что в этом мертвом пространстве кто-то есть, приходит, когда возникает луч света и хриплый картавый голос начинает произносить пушкинский текст. Мы видим куклу с бледно-голубым оттенком лица, с опущенными веками и грустными глазами, едва ли не сливающуюся с Луной. Это Сальери (Дмитрий Нуянзин), хозяин, но не единственный обитатель сценического космоса. Помимо него и Моцарта в спектакле еще два персонажа. Как и пространство, они совсем не бытовые: Изора, или Муза, и Демон. Играются все — планшетными куклами, и только ими. Нет ни живого плана, ни масок, ни марионеток, ни петрушек, ни, соответственно, переходов от одного воплощения к другому <…> В театральном космосе каждый существует соответственно своим возможностям. Попасть на Луну — это одно дело. Другое дело — способность летать. Моцарт (Роман Пархач), раскинув руки, словно крылья, свободно парит от одной планеты к другой. Муза-Изора все время в состоянии невесомости — движения ее плавны и легки, она не ходит по лестнице, а перелетает с одной ступеньки на другую. Сальери, даже оказавшись на Луне, не в силах оторваться от ее поверхности <…> Как и вдохновение, зло в спектакле персонифицировано. У Сальери есть свой Демон, темное начало — страшная зелено-черная фигура с пустотой вместо лица, похожая на летающий балахон с огромными крыльями, как у летучей мыши <…> Наступит момент, когда Демон поглотит Сальери и обретет вместо пустоты его лицо <.. > Пространство Луны и космоса приобретает значение дурной бесконечности. Всё происходящее начинает казаться историей, снова и снова прокручивающейся в голове Сальери как наказание за однажды совершенное преступление <…> Законы мира, придуманного Кудашовым, переворачивают земные понятия. Жизнь и смерть имеют обратные причинно-следственные связи и значения. Отравленный Моцарт медленно идет по ступенькам вверх, чтобы умереть. А через мгновение его смерть оборачивается полетом <…> Режиссер угадал во второй маленькой трагедии Пушкина историю Сальери и сотворил спектакль-монолог, воспоминание. Это тонкая поэтическая драма, в которой отсутствуют время и быт. В которой смерть Моцарта — это полет с Музой в объятиях галактики, жизнь Сальери — бессмысленное однообразное мгновение и вечная тяга к звездам, и вечная тоска по полету…» .
В 2011 году спектакль триумфально был показан на крупнейшем фестивале во Франции (Шарлевиль-Мезьер). Присутствовавший на этом спектакле театральный критик Р. Должанский писал: «Моцарт и Сальери в спектакле, поставленном петербуржцем Русланом Кудашовым по маленькой трагедии Пушкина, живут на засыпанной песком земле, на которую из черного ниоткуда спускается лестница и прилетает черный же демон-искуситель. Старый Сальери отчаянно ревнует к повесе Моцарту: красавица, которая равнодушно выслушивает жалобы ищущего высшей справедливости завистника, но зато охотно улетает в небо вместе с хмельным гулякой, конечно, не очередная земная прелестница, выбравшая молодого, а само вдохновение. Вроде бы все понятно в этом спектакле — и использование музыки Моцарта, и вставные номера, словно раздвигающие текст одноактной трагедии, и принципы работы с куклами. “Луна для Сальери” покоряет не смелостью, а выдержанностью стиля и изящной ручной работой. Какая-то особая меланхолия будто “вживлена” в эти маленькие фигурки, придуманные Андреем Запорожским и Алевтиной Торик. Моцарт и Сальери, кажется, присыпаны каким-то пеплом времени — но оба они похожи и на беззащитных, осторожных зверьков. Чем меньше видны здесь люди, тем больше доверяешься происходящему. Почему-то не приходит в голову сомневаться, что в крошечный бокал, который опрокидывает Моцарт в трактире, действительно насыпан яд. И жест, которым крошечная, подрагивающая ручка отравителя Сальери машет вслед улетевшему навсегда сопернику, прочно отпечатывается в зрительской памяти. Такое может только кукольный театр» .
Спектакль Брестского театра кукол «Холстомер» по повести Л. Толстого (режиссер Р. Кудашов) также получил широкое признание — стал лауреатом многих международных фестивалей, в том числе — одним из лучших на Всемирном фестивале театров кукол в Китае (май-июнь 2012 г.). Этот театральный форум был организован в рамках XXI конгресса Международного союза деятелей театров кукол, который прошел в китайском городе Чэнду. В нем приняли участие 102 театра кукол из 46 стран со всех пяти континентов.
«Этот успех на мировом уровне, — говорил по окончании фестиваля директор и художественный руководитель театра М. Шавель, — будет золотыми буквами вписан в летопись нашего театра. Тем более что мы были первым белорусским театром кукол, который принимал участие в конгрессе UNIMA и Всемирном фестивале театров кукол».
Новой удачей театра стал спектакль «Самозванец» (по мотивам «Бориса Годунова» А. Пушкина), созданный в Брестском театре кукол режиссером А. Лелявским. «На сцене — тонкая белая конструкция, проявившая строгую геометрию в темноте, — писала о спектакле рецензент Татьяна Шеламова, — то ли плаха, то ли пустой одинокий дом. На дальнем плане — большие куклы, выполненные с какой-то невероятной достоверностью: будто живые, они демонстрируют трагедию безвременья “во весь рост". <…> Спектакль поставлен в жанре балаганного, уличного театра, где история, ушедшая в века, пересказана с гиперприемами — для внятности разговора с “площадным" зрителем. <.. > Главный герой и у Пушкина, и у Лелявского — народ безмолвный. Большие куклы ни на миг не покидают сцену, молча наблюдая за происходящим. Они всё видят: и аморфного царя Бориса, по версии Лелявского, больше похожего на уличного юродивого, и бесшабашного в наглой решительности Самозванца, и властолюбивую Марину Мнишек. Народ наблюдает… и молчит. Интересно противостояние кукол и персонажей, сыгранных актерами театра. Всё, что трагично, что всерьез, что неподдельно живое и чистое, — это куклы. А вот актерам приходится изображать марионеток, которые не могут сопротивляться высшей силе судьбы. Борис Годунов облачен в бесформенный красный мешок, из которого выглядывает растрепанная голова. Мешок мешает ему ходить, “связывает" по рукам и ногам, делает НЕ СВОБОДНЫМ. <…> Его Годунов — это недочеловек, существо не только не понимающее, чего хочет, но и не ведающее, зачем пришел на свет. Царствование для него, что ярмо на шее. Действие площадное, спектакль наполнен импровизацией. Артисты напрямую говорят с залом, ожидая ответной реакции, а значит — полноправного участия публики в действии. <… > Простор для импровизации Лелявским заложен в работе с предметами — ведь мы в театре кукол! Эпизод свидания Григория Отрепьева и Марины Мнишек уникален. На сцене появляется огромный портрет полунагой пышной дамы. Не с живым человеком, а со статичным изображением Самозванец ведет разговор. Гришка хотел говорить о любви, а получилось — о власти. Эта метаморфоза вдруг иллюстрируется визуально — да так реально, что даже человек нетеатральный легко прочитывает метафору. Вдруг в руках Отрепьева появляется маленькая куколка, которую он тоже называет Мариной. И это та самая Мнишек, которая еще минуту назад была его богиней?! Теперь он спорит с ней как с женщиной, волю которой необходимо сломить. Но Марина сильна, и маленькая куколка куда-то исчезает, и внимание публики снова приковывает огромный портрет — княгиня обретает фигуру влияния. Эта сцена дает ощущение волшебства — полного осязания перевоплощения «живых» фигур, которые на самом деле являются всего лишь статическими объектами сценического действа» .
С годами в Брестском областном театре кукол сложился яркий, успешный творчески профессиональный коллектив во главе с опытным, талантливым художественным руководителем. В его труппе работают как старые мастера сцены — Иван Герасевич, Лидия Вовченко. Руслана Соколова, Елена Поляшенко, Юрий Тесля, Тамара Тевосян, Владимир Тевосян, — так и способная творческая молодежь.
Тевосян Тамара Анатольевна (1952, Минск) — актриса Брестского театра кукол. В 1969 г. по конкурсу поступила во вспомогательный состав Государственного театра кукол БССР. В 1977 г. окончила Белорусский государственный университет по специальности «Русский язык и литература». С 1975 г. работает в Брестском областном театре кукол. В 1993 г. окончила Санкт-Петербургскую государственную театральную академию. Сыграла более 150 ролей в спектаклях, среди которых «Пилипко и ведьма» (моноспектакль), «Аистенок и Пугало», «Крысолов», «Буратино», «Золушка», «Стулья», «Синяя птица» и др. Первая из актрис театра кукол республики удостоена почетного звания Заслуженной артистки Республики Беларусь.
Герасевич Иван Прокофьевич (1943 г., с. Стриганец Бобринского района Брестской области) — белорусский актер театра кукол. Творческую деятельность начал в 1963 г. как артист кукольной группы Брестского драматического театра. С 1968 г. — артист Брестского театра кукол. Яркий, темпераментный, острохарактерный актер, прекрасно владеющий театральными куклами всех систем. За годы работы создал более 200 ролей, среди которых Иван («Иван — крестьянский сын» В. Сударушкина), Лев («Часы с кукушкой» С. Прокофьевой), Волк («Красная шапочка» С. Когана, С. Ефремова), старый гончар Хабиб («Говорящий кувшин» А. Абу-Бакара), Барон Мюнхгаузен («Приключения барона Мюнхгаузена» А. Браусевич) и др. В 2008 году награжден медалью Франциска Скорины за заслуги перед белорусским театральным искусством.
Важным этапом в истории белорусского театра кукол стало создание в 1997 г. УН ИМ А-Беларусь. Первым президентом УНИМА-Беларусь стал художественный руководитель Брестского театра кукол М.А. Шавель.
Процесс организации сети белорусских театров кукол продолжился созданием Могилевского областного театра кукол (в 1976 г.; официальное открытие театра состоялось в мае 1977 г.), основу которого составили выпускники Могилевского культпросветучилища (премьера — «Тигренок Петрик» Г. Янушевской, Я. Вильковского).
Главным режиссером театра был назначен выпускник Ленинградского института театра, музыки и кинематографии Н. Кулага, главным художником — Л. Быков. В течение 1977 г. Могилевские кукольники осуществили постановку спектаклей «Богатырь и золотое яблоко» А. Георгиевой, Н. Теофилова, «Три желания» Е. Тараховской, «Медвежонок Римцимци» Я. Вильковского.
В 1978 г. главным режиссером театра стал Ф. Шевяков, также выпускник Ленинградского института театра, музыки и кинематографии («Заколдованная мышка» А. Балинт, «Таинственный гиппопотам» В. Лившица и И. Кичановой, «Умный маленький поросенок» Ф. Шевякова).
Назначение Алексея Лелявского на должность главного режиссера Могилевского театра кукол (1982) положило начало новому периоду его истории. У молодого режиссера уже был опыт двух успешных постановок в Государственном театре кукол БССР: «Соловей» Х.К. Андерсена и «Звезда и смерть Хоакина Мурьеты» П. Неруды. «Соловей» в 1982 г. с большим успехом был показан на региональном фестивале кукольных театров республик Прибалтики и Белоруссии в Таллинне.
Картина начала его работы в Могилевском театре кукол напоминала традиционный сюжет: молодой талантливый режиссер из столицы приезжает в провинциальный театр. Но со временем всем стало очевидно, что в театр пришел настоящий лидер («Три поросенка» С. Михалкова, «Кот в сапогах» Ш. Перро, «Винни-Пух и все, все, все…» А. Милна, «Тристан и Изольда»). В театре появилась и талантливая группа выпускников актерского отделения Белорусского государственного театрально-художественного института, среди которых был и будущий известный белорусский режиссер О. Жюгжда.
Уверенные успехи молодого режиссера и театра были скоро отмечены. На Втором Республиканском фестивале театров кукол (Могилев, 1983) театр, показав спектакли «Винни-Пух» и «Тристан и Изольда», заявил о себе как о перспективном творческом коллективе Беларуси. Подлинным триумфом Могилевского театра кукол середины 1980-х гг. стала постановка А. Лелявским «Деда и журавля» В. Вольского.
Спектакль стал известен еще до того, как был принят государственной комиссией. (Точнее, когда не был ею принят, так как в то время в СССР шла очередная компания по борьбе с алкоголизмом, а кукольные Дед И Баба в этом спектакле, обнимая бутылку, распевали песню про «чарочку». Кроме того, на костюмах актеров В. Белаш и Ю. Франкова были нашиты холщовые крылья, которые в те времена расценивались как признак религиозной пропаганды.)
По мнению приемной комиссии, крылья нужно было отрезать, а заодно убрать и финальную «алкогольную» песню. Однако режиссер, проявляя присущую ему и в будущем принципиальность, доказывал, что песня — белорусский народный фольклор, а крылья — концептуальное решение спектакля. Наконец после приезда группы театральных критиков из Минска и представителя Министерства культуры СССР «Дед и журавль» получил право на жизнь, а затем и всесоюзную, и международную известность.
После перехода А. Лелявского в Государственный театр кукол БССР Могилевский театр кукол не потерял, как это часто бывает, своего художественного значения. В основном в связи с тем, что вскоре его возглавил один из лучших белорусских режиссеров Олег Жюгжда (1987).
Жюгжда Олег Олегович (13.09.1961, Вильнюс) — белорусский театральный режиссер. Театральную карьеру начинал в качестве монтировщика декораций Русского драматического театра (Вильнюс). В 1983 г. закончил Белорусский государственный театрально-художественный институт по специальности «Актер театра кукол», работал актером Могилевского театра кукол. В 1986 г. дебютировал здесь как режиссер спектаклем «Маленький принц» по А. Сент-Экзюпери, получившим приз Ленинского комсомола «За творческий дебют» на 4-м фестивале театров кукол Белоруссии. В 1990 г. закончил отделение режиссуры театра кукол в Ленинградском государственном институте театра, музыки и кинематографии им. Н. Черкасова (класс проф. Н.П. Наумова). В драматическом театре дебютировал в 1995 г. С этого времени периодически ставит спектакли и в драматических театрах, также иногда работая в качестве сценографа и драматурга. Наиболее известные его спектакли: «Трагедия о Макбете», «Сон в летнюю ночь», «Зимняя сказка» У. Шекспира; «Кошкин Дом» С. Маршака, «Красная Шапочка» (опера П. Кондрусевича), «Красавица и Чудовище» О. Жюгжды, «Королева снегов» по мотивам Х.К. Андерсена, «Золотой ключик» (мюзикл П. Кондрусевича по А. Толстому), «Морозко» М. Шуриновой, «Невероятный иллюзион» О. Жюгжды, «Волшебное кольцо» по мотивам Б. Шергина, «Поэма без слов» (по поэме Я. Купалы «Сон на кургане»), «Дорога в Вифлеем» С. Ковалева, «Подлинная история Дюймовочки» по мотивам Х.К. Андерсена, «Чай на двоих» О. Жюгжды, «Магическое зеркало пана Твардовского» С. Ковалева, «Солнышко и снежные человечки» А. Веселова, «Пиковая дама» по мотивам повести А.С. Пушкина и оперы П.И. Чайковского (в 2012 г. спектакль стал лауреатом Национальной театральной премии в четырех номинациях: «За лучший спектакль», «За лучший спектакль театров кукол», «За лучшую режиссерскую работу» и «За лучшую женскую роль» — арт. Лариса Микулич). Лауреат и участник международных театральных фестивалей и международных фестивалей театров кукол в Минске (Беларусь), Рязани, Москве, Санкт-Петербурге, Белгороде (Россия), Ужгороде, Виннице, (Украина), Каунасе, Алитусе (Литва) Вероне (Италия), Пловдиве (Болгария), Бергене (Норвегия), Торуни, Гданьске, Люблине, Ломже (Польша), Загребе (Хорватия), Пече (Венгрия), Праге, Остраве (Чехия). Спектакли, поставленные Жюгждой, стали лауреатами на международных фестивалях в Молдавии, Украине, Югославии, Эстонии, Венгрии, Германии, Италии, Хорватии, Германии, Сербии. Трижды лауреат Республиканской театральной премии им. Любови Мазалевской (1994, 2003, 2008) «За лучший спектакль для детей». Лауреат театральной премии Закарпатья (Украина) за лучшую режиссуру (1998, 2013). Лауреат национальной премии «Лучший режиссер» (2011). Трижды лауреат премии Гродненского облисполкома «Режиссер года» (2001, 2006, 2011). Лауреат премии г. Каунаса (Литва) «Фортуна» за лучший спектакль для детей (2003, 2011). Обладатель «Хрустального кубка» Пражского всемирного фестиваля кукольного искусства (2004) за лучшую режиссуру. В 2004 г. награжден дипломом Белорусского центра ЮНЕСКО «За развитие международных связей». Лауреат премии «Хрустальный ангел» Союза театральных деятелей Беларуси за вклад в развитие Белорусского театра кукол (2007).
В 2008 г. номинировался на «Золотую маску» как лучший режиссер театра кукол (спектакль «Вишневый сад», театр «Огниво», Мытищи). В 2011 г. награжден медалью Франциска Скорины за заслуги перед белорусским театральным искусством. Лауреат национальной театральной премии Беларуси «Лучшая работа режиссера».
С этим театром у О. Жюгжды связан плодотворный период творчества («Маленький принц» по А. Сент-Экзюпери, «Русалочка» по Х.К. Андерсену, «Рыгорка — Ясная Звездочка» А. Вертинского, «Дракон» Е. Шварца, «Красная Шапочка» по мотивам Ш. Перро, «Мио, мой Мио!..» по А. Линдгрен, «Макбет» и «Сон в летнюю ночь» У. Шекспира, «Пилипка и Ведьма» С. Ковалева и др.).
Ковалев Сергей (1963) — известный белорусский драматург, педагог. Творческий путь начинал как поэт и критик, опубликовал несколько книг («Мэва», «Как полюбить розу?», «Портрет стекла» и др.). Преподает в Белорусском государственном университете (Минск) и Университете им. Марии Склодовской-Кюри (Варшава), доктор филологии. Драматургией занимается с начала 1990-х гг. Дебютировал пьесой «Деревянный рыцарь», поставленной в ряде белорусских театров. Написал больше 20 пьес для драматических и кукольных театров Беларуси, России, Польши: «Безумный Альберт», «Хохлик», «Зеркало для Бландои», «Жабки и Черепашка», «Тристан и Изольда», «Утомленный дьявол» и др. Принимал участие в ряде международных театральных конференций и семинаров, сотрудничал с Российской лабораторией театров кукол. Наиболее репертуарна его пьеса для театра кукол «Братец Осел» («Дорога в Вифлеем»).
Для О. Жюгжды спектакль «Рыгорка — Ясная Звездочка» стал действительно «звездным». «Декорационная установка, — писал профессор Г. Барышев, — была создана художником В. Рачковским в форме традиционного батлеечного ящика: двухэтажные башни по бокам с подвижными дверцами, в которых появлялись персонажи-куклы. И не только “шпянёвыя”, как было принято, но и статичные, закрепленные на подставках. Но большинство кукол всё же были на палочках, имели подвижные ручки, ножки и головки. Солнце и Месяц отмечали границы “горнего мира”: сценическим днем батлеечник-Ангел зажигал свечку в солнечном круге, сценической ночью — в месячном. Интересно, что спектакль существовал как бы в двух вариантах. Один условно можно назвать детским, другой — взрослым. Во втором почти нет текстовых сокращений, и Ангел менял свет со словами Священного писания на устах — многоплановость повествования, его “любомудрый” смысл чудесным образом проступал сквозь сюжет, взятый драматургом из народных сказок. Спектакль был как бы “перевернут” относительно батлеечной традиции: каноничных персонажей батлейки играли “живым планом”, вместе с кукольным спектаклем, предлагая зрителю интермедию-пантомиму (актеры выходили в зал как колядовщики, они танцевали и пели;»[124]Барышев Г., Лашкевич Ж. Прошлое и настоящее белорусской батлейки // Театр чудес. 2001. № 1.
.
Рачковский Валерий Евгеньевич (21.04.1954, с. Гончаровка Смолевичского района — 02.01.2014, Минск) — художник театра кукол. В 1982 г. окончил Белорусский театрально-художественный институт. В 1984–1987 гг. работал в качестве художника-постановщика; в 1990–1998 гг. — главный художник Минского областного театра «Батлейка» (Молодечно). В 1998–2013 гг. — главный художник Белорусского государственного театра кукол. Как художник-постановщик поставил более 80 спектаклей для детей и взрослых в Беларуси, России, Литве, Польше, Болгарии, Сербии. Среди наиболее известных его постановок в Белорусском государственном театре кукол «Сказка о царе Салтане» А. Пушкина (1984), «Приключения оловянного солдатика, пастушки и трубочиста» О. Жюгжды (1996), «Дом, который построил Свифт» Г. Горина (2000), «С Парижем покончено!..» по пьесе А. Чехова «Вишневый сад» (2001), «История одного города» М. Салтыкова-Щедрина (2006), «Ладья Отчаяния» В. Короткевича (2012); в Могилевском областном театре кукол — «Дракон» Е. Шварца (1989), «Рыгорка — Ясная Звездочка» А. Вертинского (1990); в Брестском областном театре кукол — «Плот мертвецов» X. Мюллера (1992), «Самозванец» по «Борису Годунову» А. Пушкина (2013); в Минском областном театре кукол «Батлейка» — «Меч Ангела» И. Сидорука(1994), «Покинутый всеми» А. Лелявского (1998) идр. Рачковский много и успешно создавал спектакли и за рубежом: «Граф Глинский-Пепелинский» (1995, Торунъский театр кукол, Польша), «Непорочный марьяж» Г. Ружевича (1999, Петербургский Большой театр кукол, Россия), «Ру салочка» Х.К. Андерсена (1999, театр кукол г. Торговище, Болгария) и др. За работу в российском театре «Огниво» (Мытищи, «Вишневый сад») номинирован на Российскую национальную премию «Золотая маска».
Яркий, солнечный, жизнелюбивый спектакль «Рыгорка — Ясная Звездочка», мастерски сделанный и наполненный добрым белорусским юмором, надолго стал визитной карточкой Могилевского областного театра кукол. В 2000 г. режиссер О. Жюгжда перешел в Гродненский областной театр кукол, и Могилевские кукольники более трех лет работали с приглашенными режиссерами. В том числе и с народным артистом Украины С. Ефремовым («Дикие лебеди» Х.К. Андерсена и «Сказка о добром Чертенке» Н. Кулиша).
Ефремов Сергей Иванович (14.07.1938, г. Клин Московской области) — известный украинский режиссер, педагог, драматург театра кукол, народный артист Украины. Закончил Харьковский государственный театральный институт (1962). После окончания института работал в Донецком театре кукол (1962–1970), затем стал основателем и главным режиссером Хмельницкого театра кукол (1970–1976). С 1976 по 1978 гг. был главным режиссером Одесского театра кукол. В 1978–1983 гг. режиссер Киевского государственного театра кукол. В 1983 г. основал и возглавил Киевский городской театр кукол. Среди основных постановок Ефремова в театрах кукол Украины, Белоруссии, России, Польши, Чехии и др. стран «Сказка о жадном Сережке» С. Прокофьевой (1967), «Большой Иван» С. Преображенского, С. Образцова (1968), «Голубой щенок» (1969), «Эгле — королева ужей» С. Нерис (1972), «Добрый Хортон» Доктора Сьюза (1979), «Солнечный луч» А. Попеску (1980), «Сказка о рыбаке и рыбке» А. Пушкина (1982), «Прыгающая принцесса» Л. Дворского (1983), «Маленький принц» А. Сент-Экзюпери (1984), «Ру сская соль» Ю. Сидорова (1986) и мн. др. С 1992 по 2010 гг. президент УНИМА Украины. Автор ряда пьес для театра кукол.
Совместная работа с опытным режиссером-педагогом С. Ефремовым была полезна для труппы и позитивно повлияла на уровень актерского профессионального мастерства. Успешно было сотрудничество Могилевского театра кукол и с режиссером А. Лелявским, к тому времени ставшим уже признанным мастером («Маленький Клаус и Большой Клаус» Х.К. Андерсена). В репертуаре также появились и спектакли, поставленные ведущей актрисой театра Н. Бочкаревой («Кошкин дом» С. Маршака, «Крылья Дюймовочки» Х.К. Андерсена).
В 2003 г. главным режиссером Могилевского областного театра кукол был назначен актер и режиссер Гродненского областного театра кукол, драматург Вячеслав Корнев (главный художник — Г. Игнатьева). Ими были созданы спектакли «Приключения необычайных человечков», «Остров пополам» Л. Устинова по мотивам А. Грина, «Вий» по Н. Гоголю, а также ряд пьес самого В. Корнева — «Крылатый теремок», «Карнавал для Золушки», «Последний подвиг Кощея», «Мышонок Микки и его друзья» и др.
В 2009 г. главным режиссером Могилевского театра кукол стал режиссер И. Казаков. Его постановка спектакля Hamlet стала для театра этапной (художник А. Вахрамеев, композитор Е. Забелов — лидер группы Gurzuf). Спектакль получил гран-при VIII Международного молодежного театрального форума «Март контакт — 2013».
«Спектакль Казакова преднамеренно наивен, — писала В. Аминова. — Наивность стала и формой, и содержанием этого “Гамлета” <…> К тексту Шекспира режиссер подходит с позиции неофита. Он словно читает пьесу впервые, и делает это так, как прочитал бы ее… его собственный Гамлет. Например, сказано, что Дания — тюрьма, и все персонажи облачены в тюремные серые робы, они таскают тачки и орудуют лопатами, а в первой сцене эти лопаты и есть сами персонажи. <…> “Гамлет” — не кукольный спектакль, а спектакль с куклами. Кукол много, на некоторых героев приходится по две или три, и они меняются в зависимости от того, как складываются отношения актера с персонажем в данной сцене. Иногда это уродские куклы в человеческий рост, больше похожие не на театральных кукол, а на те чучела, на которых солдаты отрабатывают удары. Собственно, и здесь их функция такова же — их таскают, кидают, бьют. Актеры не любят этих кукол, как не любят и не оправдывают своих персонажей. В сцене объяснения Гамлета с матерью принц в ярости замахивается, хватает куклу-Гертруду и швыряет ее в зрительный зал. Только со своей собственной куклой Гамлет нянчится, как ребенок с любимой игрушкой. Иногда, забывшись, он волоком таскает ее за собой, но чаще обнимает, прижимает к себе, держит на коленях, даже слегка укачивает. Так недолюбленный, одинокий ребенок носится с одушевленной его воображением уродливой игрушкой. Иногда появляются куклы поменьше и посимпатичней, заменяя актеров, иногда сами актеры становятся куклами. <…> И все эти обезображенные, лишенные индивидуальностей куклы, куклищи и куколки — те самые жители Эльсинора, среди которых оказывается Гамлет. Но кто же такой Гамлет, по мнению Казакова? В первую очередь это ровесник режиссера — не повзрослевший тридцатилетний подросток <…> Этот Гамлет инфантилен и лишен рефлексии: в ответ на просьбу отца о мести он, не задумываясь, вскидывает вверх сжатую в кулак руку — классический жест супергероя, и вот уже “Гамлет спешит на помощь”. Мстить или не мстить — не вопрос для этого Гамлета, он, как мальчишка, всегда готов к драке, и месть его напоминает методы Карлсона: “низводить” и “курощать”. Что означает то же самое, что изводить и укрощать, только веселее. Он с удовольствием сводит с ума Клавдия и мамашу, рассекая по сцене на скейтборде и путаясь у них под ногами, а к своему супергеройству относится с серьезностью шестилетки. Его инфантильность — это бунт и способ противостоять этому миру жирных тел, пошлости и уродства взрослых людей, отношений, поступков. Но насилие над Офелией — уже не детская шалость, и ее смерть Гамлет впервые переживает как собственную взрослую вину. Монолог “Быть или не быть” режиссер преднамеренно переносит в финал спектакля, потому что только к финалу этот Гамлет взрослеет и дорастает до сомнений. А потом решительно берет страшное оружие (что-то вроде бензопилы), идет и крушит в щепки всех кукол. Производит «зачистку», освобождая мир от зла <…> Счастливого финала не получается, потому что этому Гамлету нечего противопоставить тому злу и тому миру, против которых он боролся. Сам он — пустота. И потому в спектакле Казакова не появляется Фортинбрас, не раздает всем по заслугам и не наводит порядок. Мир уродливых кукол рухнул, но ему на смену ничего не приходит, потому что ничего нет. Дальше — тишина».
Театр успешно сотрудничает и с зарубежными режиссерами. В частности, польский режиссер М. Ходачинский поставил здесь летом 2013 г. свой, пожалуй, лучший спектакль «Невозможная драма» драматурга XIX века Луи Лемерсье де Невиля (пьеса впервые была сыграна в Лионе 4 февраля 1879 г.). Французский писатель, журналист, драматург, режиссер и актер, один из создателей театра кукол «Эротикон. Театрон» Лемерсье де Невиль (1830–1891) писал и играл короткие остропародийные пьесы (преимущественно с перчаточными куклами). Читая некоторые из этих пьес, не веришь, что они созданы почти два столетия назад. Такова и его пьеса «Невозможная драма», «средневековое представление в четырех картинах» — великолепный политический фарс с кукольным авантюрным сюжетом. Здесь действуют Правитель маленького государства под названием Замок-на-Мине, его дочь Одалинда, ее возлюбленный Образцовый рыцарь, Астролог, Палач и др. В основе истории лежит не столько пародия на авантюрно-любовные романы того времени, сколько на вечные социально-политические коллизии. Причем коллизии эти, вызывавшие хохот у французских зрителей второй половины девятнадцатого века, остались вполне актуальными и сегодня:
«ПРАВИТЕЛЬ (в публику). Честь имею! А приятно, согласитесь, быть Правителем Замка-на-Мине, с солидной рентой. Приятно, право же, поохотиться, загнать оленя в собственных владеньях!.. Чувствуете, какое у меня превосходство над всеми вами? Живу себе беззаботно во мраке Средневековья и только и делаю, что охочусь. А живи я, скажем, в девятнадцатом веке, все было бы совершенно иначе; Слышите звук рога? Это делят охотничью добычу. Все мои подданные счастливы… Хотя сами они в это, конечно, не верят. Знаю, жалуются на десятичный оброк. Но ведь я беру натурой. А вот если бы я обложил их процентами, единовременными сборами, налогами прямыми и косвенными, на добавленную стоимость… которые вы платите, вот крику было бы! Плачутся, что у них нет права голоса! Но пусть хоть раз проголосуют — со смеху заплачут. Да, мои бедные, мои дорогие подданные! Обижаетесь вы на господ. Но когда сами станете господами, станете мерзкими кровопийцами! Вот увидите».
Свой спектакль режиссер построил в манере традиционного уличного театра кукол «Гиньоль», с классической «петрушечной» ширмой, перчаточными куклами и фарсовой стилистикой.
Могилевский театр кукол много и успешно гастролирует по Беларуси, Украине, Прибалтике, России, Армении, Молдавии, Польше. Он — участник и лауреат многих международных фестивалей, лауреат Национальной премии «За лучшую постановку по произведению современного белорусского автора» («Волшебная кисть» О. Сабело, И. Казаков; режиссер И. Казаков, композитор — С. Залесская-Бень, художник Т. Нерсисян).
Нерсисян Татьяна Ашотовна (23.05.1974, Минск) — художник-постановщик театра кукол. Окончила Минское художественное училище имени А.К. Глебова (1994), Белорусскую академию искусств по специальности «Художник театра кукол» (2000). С 2000 по 2002 гг. работала в творческих академических мастерских Министерства культуры Республики Беларусь. С 2000 по 2005 гг. — преподаватель по предмету «Технология кукол» Белорусской академии искусств (кафедра мастерства актера). Член Союза театральных деятелей (2001). Член Белорусского союза художников (2007). С 2008 г. работает в Белорусском государственном театре кукол художником-постановщиком. Оформила более 30 спектаклей. Среди ее постановок в Белорусском государственном театре кукол «Все мыши любят сыр» Д. Урбана (2000), «Тигренок Петрик» Г. Янушевской (2001), «Синяя птица» М. Метерлинка (2006), «Баллада про белую вишню» С. Климкович (2008), «Почему стареют люди» А. Вертинского (2009), «Драй швестерн» А. Чехова (2009), «Венчание» В. Гомбровича (2011), «Шелк» А. Барикко (2012), «Дзяды» А. Мицкевича (2012), «Малыш и Карлсон, который живет на крыше» А. Линдгрен (2013). Много и плодотворно сотрудничает также с другими театрами: в Брестском театре кукол — «Гуси-лебеди» (2001), «Сюрприз» (2002), «Лесные часы» (2007), «Царевна-лягушка» (2008), «Русалочка» (2009), «Кот Леопольд» (2010), «Любопытный слоненок» (2010), «Рыжее белое черное» (2013); в Национальном академическом драматическом театре имени М. Горького — «Каштанка» А. Чехова; в Могилевском областном театре кукол — «Белоснежка и семь гномов», «Волшебная кисть». Среди постановок за рубежом «Лир» по У. Шекспиру (Торунь, Польша, 2002), «Соловей» по Х.К. Андерсену (Польша, Ополе, Польша, 2003), «Очень маленькие трагедии» (Любляна, Словения, 2005), «Моби Дик» по Г. Мелвиллу (Магдебург, Германия, 2008), «Гулливер» (Ополе, Польша, 2009), «Али Баба» (Любляна, Словения, 2010), «Пляска смерти» А. Стриндберга (Хабаровск, Россия, 2013) и др. Участник многочисленных республиканских и международных художественных выставок и театральных фестивалей. Лауреат Национальной театральной премии Беларуси (2012).
Следующий период организации театров кукол в Беларуси начался в 1980-е годы. Вслед за созданием Гомельского, Брестского, Могилевского театров кукол 1 ноября 1980 года по решению Гродненского облисполкома был воссоздан и Гродненский областной театр кукол, ведущий свою историю с 1940 г.
Театр возглавили выпускник Ленинградского института театра, музыки и кинематографии им. Н. Черкасова режиссер Сергей Юркевич и старейший художник белорусского театра кукол Леонид Быков.
Юркевич Сергей Петрович, (21.01.1954—19.08.2002) — белорусский режиссер театра кукол, кандидат искусствознания (2000). Окончил Ленинградский институт театра, музыки и кинематографии (1980). В 1980 г. основал, а затем в качестве главного режиссера (с 1981) и возглавил Гродненский областной театр кукол. С 1987 г. — главный режиссер Брестского театра кукол. В 1990 г. основал и стал главным режиссером Минского областного театра кукол «Батлейка». С 1995 г. — научный сотрудник Белорусского государственного института проблем культуры. Среди созданных Юркевичем спектаклей ««Людвиг и Тутта» В. Богача и С. Христовского (1981), «Синдбад-мореход» Ю. Фридмана, В. Шульжика (1981), «Носорог и Жирафа» X. Гюнтера (1983), «Песня про героев» В. Корнева (1986), «Баллада о белой вишне» С. Климкович(1984), «Волшебный камень» В. Лукши (1993), «Страшный Гам» П. Васюченко (1993) и др.
Вновь созданный Гродненский театр кукол открылся 25 мая 1981 г. спектаклем «Людвиг и Тутта» В. Богача и С. Христовского (по книге Яна Экхольма). Первыми его актерами стали выпускники Гродненского культпросветучилища. Впоследствии труппа театра формировалась выпускниками Белорусского государственного театрально-художественного института и Ленинградского института театра, музыки и кинематографии им. Н. Черкасова.
Первые шесть лет театр обретал профессиональную творческую форму, осваивая традиционный для профессиональных театров кукол репертуар: «Синдбад-Мореход» Ю. Фридмана и В. Шульжика (1981), «Василиса Прекрасная» Е. Черняк (1982), «Носорог и Жирафа» X. Гюнтера (1983), «Баллада про белую вишню» С. Климкович (1984), «Золушка» Е. Шварца и многие другие. 1987 год, когда в театр пришел, а с 1988 г. и возглавил его режиссер и актер Н. Андреев, стал для коллектива временем первых творческих открытий.
Андреев Николай Николаевич (29.12.1956) — белорусский режиссер, актер, драматург, педагог театра кукол. Окончил Белорусский театрально-художественный институт (1980), Ленинградский институт театра, музыки и кинематографии (1988). В 1974–1976 гг. и 1980–1982 гг. — артист Государственного театра кукол Белоруссии. С 1988 г. — главный режиссер Гродненского областного театра кукол. С 1989 г. преподает в Гродненском училище искусств (руководитель курса актеров театра кукол). Режиссер Минского областного театра кукол «Батлейка». Среди постановок — «Волшебная дудочка» В. Вольского (1988), «Чертов скарб» В. Короткевича (1990), «Тысяча и одна ночь» (1996), «Самоубийца» М. Эрдмана (1989), «Тутэйшие» Я. Купалы (1993), «Пришелец» М. Эйроля (1997), «Чудо Святого Антония» М. Метерлинка (1998) и др.
При Н. Андрееве театр создал ряд спектаклей для детей: «Кот Васька и его друзья» В. Лифшица (1987), «Принцесса на горошине» X К. Андерсена (1988), «Храбрый портняжка» братьев Гримм (1992), «Кентервилльское привидение» по О. Уайльду (1989), «Сказки Пушкина» (1993), «Аладдин и волшебная лампа» — инсценировка Н. Андреева (1996).
Одновременно здесь ставили спектакли и приглашенные режиссеры, в частности, профессор СП ГАТИ Н. Наумов («Золушка» Е. Шварца, 1990, «Поиграем с Винни Пухом» А. Милна, 1997), И. Тимохин («Три поросенка» Ю. Буракова, 1990).
Громкой удачей Андреева стали первые спектакли театра для взрослых: «Пришелец» М. Эйроля (1997) и «Тутэйшыя» Я. Купалы (1990). «Пришелец» был создан по французской повести, по теме и сюжету напоминающей «Чудо святого Антония» М. Метерлинка. «В черном космосе сцены, — писала театральный критик Т. Ратобыльская, — вертится макет земной сферы, по линиям которой насажены маленькие церквушки. Черно-белое оформление соотносится с аллегорической образностью притчи, с контрастом жизни-смерти в сюжете произведения. Три характерных образа-маски созданы актерами в “живом плане”: хитрое, лоснящееся, жесткое лицо Ксендза (Н. Андреев) дополняется глуповато-длинным лицом простака-помощника (И. Добрук) и орлино-рецидивистским обликом слепца (В. Шалкевич). Последний потом появится в образе Незнакомца, который пришел, чтобы оживить умерших. Но никто из людей на самом деле не захотел вновь увидеть родичей. Обыватели местечка сделаны в виде картонных кукол на столе, обратная сторона которых в финале легко превращается в надмогильный памятник. Сопоставление маленьких картонных людей-теней и больших манипуляторов их душами создает эффект гротеска. Он заложен и в художественном оформлении спектакля (художник А. Суров)».
«Пришелец» стал заметным спектаклем в белорусском театральном искусстве конца XX в. и был неоднократно награжден дипломами различных театральных фестивалей. Не менее глубоким и ярким стало сценическое воплощение режиссером сатирической комедии Я. Купалы «Тутэйшыя».
«В центре сцены, — описывали спектакль А. Кулиш и А. Шепелева, — грубо сколоченная из досок рама с задергивающимися занавесками и дощатыми же калитками по бокам. На верхней перекладине примостились плоские изображения собора и городских домишек. Таков Минск 1918—1920-х годов, и его обыватели — маленькие партерные куклы: бывший коллежский регистратор, учитель, девица неизвестных занятий и прочие, прочие, прочие <…> Город попеременно оказывается в руках то красных, то немцев, то поляков, и обыватели мимикрируют, приспосабливаясь к ситуации, меняя даже язык — русский, немецкий, польский… Сменяют друг друга портреты — Ленина, Николая II, — писанные маслом, лишь черно-белые ксерокопии лика Спасителя и Богоматери постоянны и неприметны в углах. Картонный собор то обезглавливается кем-нибудь из актеров, то получает обратно свою маковку. А в краткие моменты безвластия двое выходящих из противоположных калиток ученых — западный и восточный — ведут диспут о том, какой культуре принадлежат эти тутэйшыя — без территории, без нации, без языка <… > Этот трагикомический сюжет блестяще разыгрывают и с куклами, и в живом плане четыре актера: Т. Корнева, А. Игнатенко, В. Шалкевич и Ю. Менько, вызывая то гомерический смех, то пронзительную тишину. В образной палитре спектакля, пожалуй, самым точным и безусловным является решение эпизода польской интервенции. В конфедератке и военном мундире, пританцовывая и исполняя опереточную арию, появляется персонаж с абсолютно пустыми глазами и идиотской улыбкой, а во время его вокальной партии сцена затягивается гирляндой развевающихся матерчатых красно-белых то ли фигурок, то ли флажков. И опереточный выход, и механически-кукольная пластика актера В. Шалкевича, и “обкладывание” сцены флажками — счастливо найденная метафора».
Шалкевич Виктор Антонович (9.02.1959, г. Порозово Гродненской обл.) — белорусский актер, композитор, поэт, бард. Окончил Белорусский театрально-художественный институт (1980). Работал в Гродненском областном драматическом театре (1980–1987). Преподавал режиссуру и мастерство актера в Гродненском культпросветучилище (1987–1990). В Гродненском областном театре кукол с 1990 г. Среди ролей Ученый, Пан, Немец («Тутэйшыя» Я. Купалы), Принц, Лесничий, Солдат («Золушка» Е. Шварца), Император («Принцесса на горошине» Х.К. Андерсена), пес Валет, Волк («Кот Васька и его друзья» В. Лившица), Царь, Медведь («Сказка про Емелю» Е. Тараховской) и др. Лауреат республиканских и международных конкурсов авторской песни, в том числе «Басопшча — 92», «Восенъ бардау — 93». Выступал с концертами в Беларуси, России, Польше, Литве, Франции, Германии, Чехии. Сыграл роли в фильмах «Слезы блудного сына» и «Сладкий яд любви» (студия «СпадарД.», Беларусь). Выпустил ряд альбомов с песнями: «Правтцыя» (1992), «Смутны беларускi блюз» (1996), «Балады i романсы» (1998), «Доброй ратцы» (2002) и др. Много гастролирует с концертами по Беларуси, России, Польше, Литве, Франции, Германии, Чехии и др.
В 2001 г., с приходом в театр режиссера О. Жюгжды, Гродненский областной театр кукол получил не только республиканскую, но и мировую известность. Режиссер, будучи в расцвете своего таланта, кардинально изменил лицо театра, превратив его, по существу, в авторский. Среди спектаклей, созданных здесь режиссером, — «Трагедия о Макбете», «Сон в летнюю ночь», «Зимняя сказка» У. Шекспира; «Красная Шапочка» (опера П. Кондрусевича), «Красавица и Чудовище» О. Жюгжды, «Королева снегов» (по мотивам Х.К. Андерсена), «Золотой ключик» (мюзикл П. Кондрусевича по А. Толстому), «Морозко» М. Шуриновой, «Невероятный иллюзион» О. Жюгжды, «Волшебное кольцо» (по мотивам Б. Шергина), «Поэма без слов» (по поэме Я. Купалы «Сон на кургане»), «Дорога в Вифлеем» С. Ковалева, «Подлинная история Дюймовочки» (по мотивам Х.К. Андерсена), «Чай на двоих» О. Жюгжды, «Магическое зеркало пана Твардовского» С. Ковалева, «Пиковая дама» (по мотивам повести А.С. Пушкина и оперы П.И. Чайковского) и др.
«В программке спектакля Гродненского областного театра кукол “Поэма без слов”, — писал профессор А. Кулиш, — обозначено: “пластично-зрелищный артефакт в четырех картинах”. Одно из значений термина артефакт — “интерпретативное воплощение какой-либо культурной формы”. В спектакле, созданном по драматической поэме Янки Купалы “Сон на кургане”, по сути, моделируется форма символистского театра, каким видит и ощущает его режиссер О. Жюгжда. Написанная в 1910 году поэма Я. Купалы, несомненно, создавалась под влиянием поэтики символизма. Ее герой сам стремится к лучшей доле, но постоянно терпит удары судьбы, отнимающей у него надежду, свободу, близких. И он сам, и три русалки, словно три парки, пророчащие ему жизненный путь, сродни аналогичным образам андреевской “Жизни человека”. На сцене квадратная рама с натянутыми на ней белыми ленточными лоскутами. Этот белый квадрат станет озером, из которого явятся русалки, буреломом у заброшенного замка, где Сам ищет сокровища, полем для пахаря, сугробом, скрывающим замерзшее тело жены Сама. Каждый образ, каждая деталь в “Поэме без слов” вызывает множество культурных ассоциаций, иногда вряд ли предусмотренных (к примеру, от белого квадрата сценической установки к черному К. Малевича, а от плоских фигурок гибнущих от непосильной работы мужиков — к плакатам “Окон РОСТА’). Можно посетовать на атмосферу холодности, даже мертвенности и рассудочности, царящую в спектакле, но таким ощущает режиссер театр символизма. Вероятно, можно упрекнуть автора спектакля в соединении разных персонажей Купалы (Черного и Фокусника) в одном; можно сожалеть, что принципиальная в поэме перекличка образов трех русалок в ее начале и трех (включая героя) музыкантов в финале не отражена на сцене. Можно… Но почему-то не хочется. Ибо спектакль открывает нам нового, непривычного Купалу. Купалу, увиденного и прочитанного глазами О. Жюгжды. Парадоксально, но в спектакле, в котором действительно не звучит ни одного слова, поэт и режиссер выступают на равных».
В своих концептуальных спектаклях О. Жюгжда всегда широко и свободно использует весь арсенал выразительных средств театра кукол: различные системы кукол, маски, образные детали декораций и костюмов. При необходимости включает и выразительные средства других визуальных искусств — драматическую игру, пантомиму, кино, цифровые технологии…
Показательным для его творчества стал спектакль «Пиковая дама», в котором режиссер не только максимально сохранил пушкинский текст, но и включил сюда фрагменты писем Пушкина и Чайковского (спектакль посвящен опере П.И. Чайковского). В 2012 г. этот спектакль стал лауреатом Национальной театральной премии в четырех номинациях: «За лучший спектакль», «За лучший спектакль театров кукол», «За лучшую режиссерскую работу» и «За лучшую женскую роль» (Лариса Микулич).
«Жанр спектакля, — писала А. Константинова, — близок к салонному анекдоту — рассказываемый за карточным столом, он обрастает по ходу дела фантастическими и комическими подробностями, кукольными персонажами и декорациями. “Рисованные” фасады петербургских зданий, барочный интерьер будуара, в котором обитает старуха Графиня — марионетка в пышном кринолине, не выпускающая из руки маску с точеным личиком, — возникают тут же, на зеленом сукне, среди россыпи карт, которые неизменно присутствуют в эпизодах, логично становясь сквозным сценографическим мотивом. Действие “Пиковой дамы” <…> максимально разомкнуто — анекдот обращен к публике почти в той же мере, как к партнерам по сценической карточной игре <…> Обращение с мотивами первоисточников в “Пиковой даме” — сугубо игровое, “на дружеской ноге” в самом позитивном смысле. Звучание фрагментов оперы в записи смело сочетается с вокальным исполнением вживую. Действующие лица в программке обозначены как “Пушкин, Александр Сергеевич — солнце русской поэзии; Чайковский, Петр Ильич — гений русской музыки; Фон Мекк, Надежда Филаретовна — добрый ангел Петра Ильича” и т. д. А одним из ключевых мотивов становится воображаемый конфликт авторов, основанный на различиях в сюжетах рассказа и оперы <… > Жюгжда трактует произведения Пушкина и Чайковского как гениальные мистификации, послужившие для множества самых легковерных современников и потомков поводом безрассудно ставить на тройку, семерку и туза или изливать любовную тоску непременно на берегах Зимней канавки <… > Недаром лейтмотивом в спектакле звучат предсмертные слова Графини: “Это была шутка, я пошутила! ” Историю немедленно подхватывают партнеры по игре (в программке они названы Тройка, Семерка, Туз и Дама) — артисты в стилизованных под XIX век костюмах играют картежников, рассказывающих анекдот, то становясь лицами от автора (от лица трепетно-интеллигентного Петра Ильича Чайковского, например, выступает Виталий Леонов — он же впоследствии предстанет вкрадчиво-коварным Чекалинским), то отчасти присваивая маски героев своего рассказа. Куклы, подобно картам в азартной игре, переходят из рук в руки, на зеленом сукне из карт возводят домики, они сыплются на головы кукольных персонажей или ложатся шаткими ступеньками им под ноги. Сценический сюжет живо развивается и быстро приобретает обманчивые импровизационные черты — на поверку тщательнейшим образом организованные. Здесь нельзя не принять во внимание и то, что на первом плане режиссерского замысла обеих постановок — создание действенных, органичных, наглядных композиционных связей между кукольно-предметным и живым планами. В “Пиковой даме” Томский танцует мазурку с Лизой — марионеткой в ладонь ростом; в спальню к Графине (Лариса Микулич) являются сразу три Германна (Александр Енджеевский, Дмитрий Гайдель, Виталий Леонов) и поют его оперную партию, по очереди и разом нависая над трепещущей кукольной старухой; на похоронах мы видим в отверстии белоснежного “погребального покрова”, с оборками и нашитыми сложенными ручками-аппликацией, лицо актрисы, которая издевательски подмигивает и шепчет кукольному (похожему не столько на Наполеона, сколько на Николая I) Германну: “Я пошутила! ”; затем ее “призрак” раскрывает секрет трех карт той же марионетке, трясущейся от страха под своей кукольной кроватью; бросающаяся в Зимнюю канавку Лиза (Лариса Микулич) зависает в воздухе — а милосердные руки артистов под арию из “Любовного напитка” Доницетти молниеносно извлекают из недр сцены венецианскую гондолу, в комплект к которой уже прилагается и тот самый “любезный молодой человек”, за которого ей суждено выйти замуж; сошедшего с ума Германна открытым приемом привязывают к крошечному креслу, стоящему посреди разбросанных на столе карт…»
Лариса Микулич, (1.05.1956, с. Чапунъ Гродненской обл.) — актриса театра кукол. Окончила Минский институт культуры (1981). В Гродненском областном театре кукол с 2000 г. «Трагедия о Макбете» У. Шекспира — Леди Макбет, Геката; «Сон в летнюю ночь» У. Шекспира — Титания, Ипполита; «Чай на двоих» О. Жюгжды — Она; «Поэма без слов» Я. Купалы — Черный, Фокусник; «Красавица и Чудовище» О. Жюгжды — Черная Дама; «Морозко» М. Шуриновой — Пашенька; «Красная Шапочка» П. Кондрусевича и О. Жюгжды — Клодина; «Пилипка и ведьма» С. Ковалева — Ведьма; «Волшебное кольцо» О. Жюгжды — царевна Аграфена, Тетка с аккордеоном; «Зимняя сказка» У. Шекспира — Гермиона; «Королева Снегов» О. Жюгжды — Бабушка, Ангел; «Кошкин дом» С. Маршака — Коза; «Подлинная история Дюймовочки» О. Жюгжды — Марта, Мышь, Жаба; «Охота на зубра» по Н. Гусовскому — Женщина, Камеристка, королева Бона Сфорца; «Пиковая дама» А. Пушкина, П. Чайковского — Дама, графиня Анна Федотовна С-кая, фон Мекк Надежда Филаретовна, Лизавета Ивановна и др. Награждена призом Белорусского союза театральных деятелей «Хрустальный ангел» за вклад в развитие белорусского театра кукол (2010). Лауреат многих международных фестивалей. Лауреат 2-й Национальной премии «За лучшую женскую роль» в спектакле «Пиковая дама» (2012).
Моцартовская легкость, ироничность режиссерской фантазии О. Жюгжды всегда сочетаются с его безусловным авторским мастерством и глубоким знанием предмета постановки. Все это делает его одним из выдающихся современных белорусских режиссеров. Поэтому неудивительно, что работы Гродненского театра кукол пользуются неизменной любовью зрителей и вниманием белорусских и европейских театральных критиков.
Процесс воссоздания театров кукол в республике продолжился в 1985 г., когда в рамках «Программы развития театрального дела в Белоруссии», разработанной Министерством культуры БССР, был создан Витебский областной театр кукол «Лялька». Первоначально новый театр кукол существовал при Белорусском государственном академическом драматическом театре им. Я. Коласа в качестве труппы кукольников под руководством режиссера В. Климчука.
Климчук Виктор Игнатьевич (28.10.1946, с. Симоновичи Брестской области) — белорусский режиссер, драматург театра кукол, заслуженный деятель искусств Республики Беларусь. Окончил Куйбышевский институт культуры (Россия). С 1985 г. — режиссер кукольной труппы Белорусского государственного академического драматического театра им. Я. Коласа. С 1990 г. — художественный руководитель витебского театра кукол «Лялька». Среди поставленных Климчуком спектаклей «Дед и журавль» В. Вольского (1987), «Сказ про Гаврилу из-под Полоцка» П. Синявского (1990), «Золушка» Е. Шварца (1993), «Мальчик-Звезда» О. Уайльда (1995) и мн. др. Режиссер также ставил спектакли и за рубежом: «Любопытный слоненок» по Р. Киплингу (1995, Нинбург, Германия), «Дед и журавль» В. Вольского (1996, Лимож, Франция), «Волшебное оружие Кендзо» М. Супонина (1998, Тегеран, Иран) и др.
Первым спектаклем этой кукольной труппы стал «Дед и Журавль» В. Вольского, сыгранный 20 апреля 1986 г. Через пять лет, в 1991 г., витебская «Лялька» получила и собственный дом — уютное здание на улице Пушкина, д. 2 (памятник истории и культуры города конца XIX в.). Среди первых актеров театра были В. Корзун, Ю. Семенченко, В. Бубликова, А. Маханькова и др.
В репертуаре театра спектакли «Сказки Андерсена», «Сказка про Емелю» Л. Тараховской (1990), «Терем-Теремок» С. Маршака (1992), «Космическая сказка» X. Паукша (1994), «Волшебный перстенек» В. Климчука (1995), «Бука» М. Супонина (1997), «Кукольник» М. Стивенса (1989) и др. С «Кукольника» началась плодотворная работа в театре талантливых художников Александра и Анны Сидоровых.
Сидоров Александр Сергеевич (11.01.1951) — главный художник витебского театра кукол «Лялька» (с 1991). Окончил Ленинградский институт театра, музыки и кинематографии (1977). Работал главным художником в Ивановском театре кукол (1977–1988, Россия). С 1988 г. — главный художник Брестского театра кукол («Забыть Герострата» Г. Горина (1989), «Волшебная лампа Аладдина» (1990)). Создал вместе с женой, художником-постановщиком Анной Сидоровой, лучшие спектакли этого театра: «Золушка» Е. Шварца 0991), «Загубленная душа, или Покаяние грешника» В. Гревцова по мотивам Я. Борщевского (1993, режиссер О. Жюгжда), «Еще раз про Красную Шапочку» С. Ефремова, С. Когана (1994), «Мальчик-звезда» О. Уальда (1995), «Бременские музыканты» В. Ливанова, Ю. Энтина (1998) и др. Творческие работы Сидоровых были высоко оценены на многих международных фестивалях и выставках.
В 1992 г. Александр и Анна Сидоровы превратили интерьер театра в волшебное, доброе пространство белорусской сказки, где, конечно же, нашлось место действующей народной батлейке, сделанной в Могилевской традиции. «Художники устроили здесь и небольшой музей кукол, где в одной из витрин звенит маленькими бубенцами механический театр. Здесь, совсем как на земле, тесно переплелись и органично сосуществуют легенда и реальность, добро и зло, христианство и язычество».
Это механическое кукольное чудо, созданное главным художником театра, неизменно привлекает зрителей: «Стоит только нажать кнопку — и начинается завораживающее действо. Например, оживает чудище, на голове у которого вертится карусель. А на ней двигающиеся фигурки — чертик, пират, смерть с косой… Рядом плывет на облаке ангел, качаются на лодке-месяце влюбленные <…> Но самая большая гордость художника — уникальный “Музей Ангелов”. Выполненные в технике резьбы по дереву, фигурки удивляют своим совершенством и разнообразием. “Театр — храм искусства”, — любить повторять Александр Сергеевич. И, пожалуй, поэтому решил он заселить этот храм чистой и святой силой — ангелами-хранителями, которые должны принести театру счастье. Они внимательно наблюдают за зрителями с высоты полотняных рамок. И каждый — по-своему неповторимый. Резные личики, резные крылья, а на юбочках целые резные пейзажи — виды Витебска. Города, где родился художник и куда возвратился после долгих лет расставания. Романтично-легкие, с ощущением полета, уголки старого города, гордость и символ Витебска — древняя ратуша, люди, деревья, птицы… Родной город через призму художественного мировосприятия. А если внимательно всмотреться в лица этих необычных ангелов, невольно рождается мысль, что они должны принести счастье не только театру, где живут теперь, но и всему городу, всей Беларуси».
В этом «кукольном доме художников» поставлено множество милых, обаятельных спектаклей для детей и несколько спектаклей для взрослых. Среди них и «Погубленная душа, или Наказание грешника» (режиссер О. Жюгжда, автор пьесы В. Гревцов). В основе спектакля, созданного ведущим белорусским режиссером, один из сюжетов книги классика белорусской литературы XIX века Яна Борщевского «Шляхтич Завальня, или Беларусь в фантастических рассказах». В ней автор собрал и литературно обработал белорусские легенды. Действие одной из них связано с Полоцким иезуитским коллегиумом, где учился и сам Борщевский. Режиссер построил спектакль в стилистике традиционного школьного театра XVIII–XIX вв., в представлениях которого участвовали только мужчины. О. Жюгжда, умеющий органично и точно вносить даже в самые трагические спектакли живой, легкий, искрящийся белорусский юмор, бережно сохранил и поучительную мораль, и трагический финал легенды. Спектакль долгие годы остается в репертуаре Витебского театра кукол, постоянно привлекая к себе зрителей.
Со временем театр под руководством В. Климчука постепенно наращивает свой взрослый репертуар. На его сцене появляются философская «Ладья Отчаяния» В. Короткевича, карнавальная импровизация на темы Дж. Бокаччо «Декамерон», «Записки сумасшедшего» Н. Гоголя, диалоги для взрослых «Дядя Ваня и сестры три» (автор и режиссер Ю. Пахомов) — сценическая фантазия о маленьком актёре провинциального театра, который мечтает сыграть Гамлета, Хлестакова «и даже Штирлица». Этот спектакль о нереализованной человеческой мечте играют актеры А. Маханьков и О. Маханькова; сценография А. Сидорова, куклы и костюмы — А. Сидоровой.
Тем не менее, основной репертуар витебского театра кукол «Лялька» адресован детям. Это «Забытое сокровище» В. Короткевича, «Пилипка и Ведьма» С. Ковалёва, «Золушка» по Шарлю Перро, «Волшебное оружие Кэндзо» М. Супонина, «Отважные братья» Г. Матвеева, «Аладдин» Н. Гернет, «Чёрная курица, или Подземные жители» А. Погорельского и др.
За годы работы театра его художественный руководитель В. Климчук собрал и воспитал талантливый профессиональный творческий коллектив. Одним из ведущих актеров театра «Лялька» стал артист Юрий Франков.
Франков Юрий Адамович (1.01.1955, пос. Болбасово Оршанского района) — белорусский актер театра кукол. Окончил Могилевское культпросветучилище (1974). С 1975 г. — актер Могилевского областного театра кукол. С 1987 г. — актер витебского белорусского театра «Лялька». Обладает широким актерским диапазоном, талантом импровизатора. Блестяще владеет мастерством кукловождения. Среди ролей — Тристан («Тристан и Изольда» М. Кондрусевича), Винни-Пух («Вини-Пух и все, все, все…» А. Милна), Дед («Дед и журавль» В. Вольского), Людоед («Кот в сапогах» Ш. Перро), Король («Золушка» Е. Шварца) и мн. др. Создатель спектакля для детей (вместе с Г. Степанец) «Белорусская батлейка». Неоднократно отмечен театральной критикой и жюри республиканских и международных фестивалей за лучшее исполнение ролей.
Среди многочисленных достижений театра — гран-при международного фестиваля «Белая вежа» (Брест, 1998) за спектакль «Волшебное оружие Кэндзо», гран-при на Международном фестивале в Югославии (Загреб, 1999, 2004) за спектакль «Погубленная душа., или Наказание грешника», гран-при Международного фестиваля в Виннице за спектакль «Забытое сокровище» (2005) и др. Театру присвоено звание «Заслуженный коллектив Республики Беларусь».
Одним из последних созданных в Беларуси государственных театров кукол стал Минский областной театр кукол «Батлейка», который с 1990 г. работает в одном из райцентров Минской области — городе Молодечно. Его труппу составили выпускники Молодечненского культпросветучилища и актеры-кукольники — выпускники Белорусской академии искусств.
Визитной карточкой театра действительно стал батлеечный спектакль «Меч Ангела» талантливого белорусского писателя, драматурга Игоря Сидорука. Молодой театр сразу же заявил о себе как о центре новой белорусской драматургии театра кукол. Первое время заведующим литературной частью здесь был тогда еще начинающий, а ныне широко известный белорусский драматург, филолог, историк литературы С. Ковалев. Затем на этой должности его сменил драматург П. Васюченко.
Васюченко Петр Васильевич (15.02.1959, Полоцк) — белорусский писатель, литературовед, критик, драматург, эссеист. Кандидат филологических наук (1983). Окончил факультет журналистики Белорусского государственного университета (1981), аспирантуру при Институте литературы имени Я. Ку. палы (1983). По собственному признанию, пишет в манере «полоцкого иронизма». Один из зачинателей жанра фэнтези на белорусском языке («Прыгоды паноў Кубліцкага i Заблоцкага» (1997), «Жылі-былі паны Кубліцкі ды Заблоцкі» (2003)). Автор ряда пьес для драматического и кукольного театров («Ужасный Гам», «Маленький оруженосец», «Новогодний детектив», «Фиолетовая речка», «Сага о Федоре Набилкине и его кобыле», «Тайна капитана Немо», «Чрезвычайное происшествие с майором Ковалевым и его носом» и др.). Автор более 200 научных и научно-популярных статей, рецензий, эссе. Произведения писателя переводились на английский, болгарский, немецкий, польский, русский, словацкий и чешский языки.
Тяга «Батлейки» к новой, современной драматургии во многом повлияла на репертуарную политику театра. Основу его афиши составили новые, оригинальные, не растиражированные пьесы, созданные в самом театре. Он фактически стал центральной драматургической лабораторией театров кукол Беларуси. Основу репертуара в первое десятилетие существования «Батлейки» составили спектакли по белорусским сказкам: «Хохлик», «Пилипка и ведьма», «Заяц варит пиво», «Жабки и черепашка» С. Ковалева по мотивам произведений В. Короткевича, «Ужасный Гам» П. Васюченко, «Необычные соревнования» Е. Сперанского (1993), «Меч Ангела» И. Сидорука (1994), «Снежная королева» Х.К. Андерсена (1993), «Доктор Айболит» В. Коростылева (1996). Большинство из этих спектаклей поставил на сцене театра режиссер и актер Ю. Сарычев.
Сарычев Юрий Алексеевич (28.04.1953, Минск — 20.09.1997) — актер и режиссер театра кукол. Заслуженный артист Беларуси (1990). Окончил Белорусский государственный театрально-художественный институт (1975). В 1975–1986, 1989–1992 и 1996–1997 гг. актер, в 1987–1989 режиссер Белорусского государственного тетра кукол. В 1992–1994 режиссер-постановщик Брестского областного театра кукол. В 1995–1996 главный режиссер Минского областного театра кукол «Батлейка». Для его актерского мастерства свойственна психологическая достоверность и яркая характерность сценических образов. Наиболее полно мастерство актера выявилось в спектаклях для взрослых: Гефест («Хочу быть богом, или искушение Гефеста» А. Вертинского), Медведь, Илья Муромец («До третьих петухов» В. Шукшина), Босой, Артист, Доктор, Афраний («Мастер и Маргарита» М. Булгакова), Грозное («Левша» М. Лескова), Умерший чиновник, Художник («Происшествие в городе Гога» С. Грума), Калибан («Буря» У. Шекспира), Поэт («Звезда и смерть Хоакина Муръеты» П. Неруды), Вельзевул («Чёртова мельница» Я. Дрды), ангел А («Божественная комедия» И. Штока) и др. В качестве режиссера осуществил постановки спектаклей: на сцене Белорусского государственного театра кукол — «Терем-Теремок» С. Маршака (1985), «Сказка о Мальчише-Кибальчише» А. Гайдара (1987), «Про Федота-стрельца, удалого молодца» Л. Филатова (1988), «Василиса Прекрасная» С. Прокофьевой и Г. Сатира (1990); в Брестском театре кукол — «Доктор Айболит» В. Коростылева (1992), «Янка-удалец и нечистая сила» И. Сидорука (1993); в театре «Батлейка» — «Необычные соревнования» Е. Сперанского (1993), «Меч Ангела» И. Сидорука (1994), «Снежная королева» Х.К. Андерсена (1995), «Доктор Айболит» В. Коростылева (1996).
Благодаря активной творческой позиции руководителей театра — известных белорусских театральный деятелей Сергея Юркевича, Галины Карбовничей, опыту и мастерству директора театра Аллы Поляковой (с 1992), талантливой труппе, в которой работали актёры Т. Чаевская В. Владыко, М. Асанович, Т. Павлючук, И. Бибик, В. Субач и др., с театром охотно сотрудничали как ведущие белорусские режиссеры, так и творческая молодежь.
Среди значимых спектаклей театра и созданный здесь в 1998 г. режиссером А. Лелявским спектакль «Покинутый всеми» (по мотивам сказки Х.К. Андерсена «Гадкий утенок» (художник В. Рачковский). Несмотря на то, что спектакль создавался в сложнейших условиях, когда театр был на ремонте (в связи с этим спектакль решили ставить и играть в фойе), он стал настоящим событием. Центральным сценическим образом спектакля был… шкаф. «Новым открытием стал образ стены-шкафа, — писал рецензент. — В этом огромном шкафу на разных уровнях открывались полочки и дверцы, за которыми разыгрывались различные эпизоды жизни несчастного Гадкого утенка, который так и не стал прекрасным лебедем. <…> Впечатляла финальная сцена “Лебединой песни”: прекрасный лебедь в предсмертном видении замерзающего утенка пролетал над всеми чудесами света, тонущим “Титаником”, извергающимся Везувием — всем многообразием Земли, возникшем во внезапно распахнувшихся всех дверцах роковой стены-шкафа» .
Этот камерный спектакль А. Лелявский впоследствии перенес на сцену Белорусского государственного театра (Минск), однако «пересадка» была не успешна, так как сам спектакль требовал близкого контакта со зрителями, иного, камерного сценического пространства, для которого он и был изначально создан.
Удачным стал и другой спектакль «Батлейки» — «Странное Происшествие с майором Ковалевым и его Носом» (2000), театральная фантазия П. Васюченко на темы повести Н. Гоголя «Нос» (режиссер А. Жигадло).
«Центральный персонаж представлен в двух лицах, — писала театральный критик Г. Алисейчик, — Ковалева I (майора) и Ковалева II (асессора). Многозначностью выделяется и образ самого Носа (фетиш, мундир и шинель, воплощение чиновничьих амбиций, объект культа, фаллический символ и т. д.) Особое магическое пространство спектакля (“черный кабинет”), в котором движутся актеры и плоские куклы, создано художником Феликсом Розовым. В этой среде особенно вальяжно ведет себя Нос, чью роль исполняет артистка Татьяна Чаевская. Остальные персонажи — Ковалев I (артист Владимир Владыко), Ковалев II (Михаил Асанович), Подточина (Ирина Камышева), Газетчик (Ирина Камышева), Пристав (Михаил Асанович) — пребывают в состоянии тревоги, страха, недоумения или зависти… Действие выстроено в абсурдистской атмосфере, не чуждой манере Н. Гоголя и его предшественника — Э. Т.А. Гофмана. “Такое может произойти с каждым” — одна из формул пьесы, апеллирующая и к образам Ф. Кафки (“Превращение”)».
Со временем молодечненский театр кукол стал успешно гастролировать в Беларуси, России, Сербии, Хорватии и в других странах, был отмечен на театральных фестивалях в Минске, Бресте, Эслингене (Германия), Вероне (Италия), Калеже (Польша), Кишинёве (Молдова).
Образы Франца Кафки, к которому апеллировала Г. Алисейчик, стали основой для спектаклей белорусского частного кукольного театра «Провинция», созданного группой молодых актеров гродненских театров во главе с Дмитрием Гайделем в 2009 г.
«Провинциалы» — артисты Гродненского областного театра кукол: Н. Доценко (актриса и сценарист), Д. Гайдель (актер, режиссер и продюсер), В. Леонов (актер и композитор), — стремясь «оживить провинциальную жизнь путем создания альтернативного театрального движения», в 2009 г. выпустили свой первый спектакль «Сказка о мертвой царевне и семи богатырях» А. Пушкина (режиссер О. Жюгжда), который стал событием в Беларуси и был признан лучшей театральной работой на традиционном фестивале «Московские каникулы» (2012).
Закрепил этот успех и вывел театр на орбиту значимых профессиональных творческих коллективов спектакль Die Verwandlung («Превращение») Ф.Кафки (2013, куклы В. Рачковского, музыкальное оформление на темы «Волшебной флейты» и «Реквиема» — В. Леонова). История о том, как однажды коммивояжер, продавец яда для насекомых Грегор Замза (у Кафки этот персонаж торговал сукном) вдруг понял, что из человека превращается в насекомое, многозначна и остра. К тому же она близка творческой индивидуальности, «микрокосму» режиссера, который всегда умеет в своем спектакле, даже в самых драматических ситуациях, найти повод для улыбки.
«Метаморфоза происходит не только с телом Замзы, но и с его близкими, — писала Е. Морголь. — Еще ночь назад родители и сестра по-кошачьи мурлыкали имя Грегора (“Грегоррр-гергоррр” — практически единственная реплика, которую произносят герои) и, словно маленькие кукольные птички, летали вокруг большого и сильного героя. Однако обнаружив вместо своего благодетеля (а Грегор был единственным кормильцем в семье) жука, родные тут же охладевают к нему: отец выселяет сына в пустую комнату, а сестра заходит раз в день — лишь для того, чтобы принести несчастному еду. Вскоре заканчиваются последние средства к существованию, и семейство Замза вынуждено взять квартирантов: в кукольной еврейской троице угадываются Ленин, Маркс и Энгельс. “Это наше маленькое хулиганство, — рассказывает Олег Жюгжда. — Если кто-то прочитает — хорошо, а не прочитает — ну и ладно. По сути, эта троица в произведении ничего не дает. Просто мне на ум пришла Вена, начало века, какие-то конспиративные квартиры — одно зацепилось за другое, вот так и появились эти образы”. По тексту Кафки отец Грегора в порыве брезгливого гнева начинает бросать в него яблоки из вазы. Грегор убегает, но одно из яблок с силой ударяет его по спине и застревает в теле. После полученной раны здоровье Грегора ухудшается, а потом он и вовсе умирает.
Насекомое Жюгжды заканчивает свое маленькое шестипалое существование в сердцевине зеленого яблока: картинная дева, к которой Грегор так стремился в своих снах, хладнокровно давит насекомое двумя яблочными половинками».
Замысел спектакля родился у О. Жюгжды еще в 1993 г., когда он играл свою сольную концертную программу «Чай на двоих», где был короткий номер «Превращение». В нем Мужчина ухаживает за Дамой в маске, ползает перед ней на коленях, дарит деньги и украшения. Она принимает его подарки. Когда же у Мужчины больше ничего не остается, он превращается в насекомое. Тогда Дама протягивает ему яблоко. Насекомое бросается на него, а Дама быстрым и точным движением прикалывает его своими шпильками.
«Энергичный, харизматичный, деятельный, рвущийся работать», — так охарактеризовал О.Жюгжда основателя и руководителя «Провинции» Д. Гайделя, который, будучи и прекрасным актером, и опытным экономистом, выбрал непростую стезю продюсера качественного частного театра кукол. Наверняка на ней его ждут все естественные для такого театра препоны, однако «Провинция» уже стала фактом культурной жизни республики, принося ей славу, а зрителям — радость и подлинные художественные потрясения.