Клод Моне. Тополя на Эпте. 1891

Уильям Тёрнер (1775–1851) Хайдельберг 1846. Бумага, акварель, перо, чернила. 37,4x55,3

Уильям Тёрнер — выдающийся английский мастер романтического пейзажа. Юноша стал студентом Королевской академии искусств в 1790. Практически все свои первые произведения Тёрнер выполнил в технике акварели (к ней он прибегал на протяжении всей творческой деятельности).

Излюбленным мотивом живописца являлась торжествующая стихия. Даже когда он изображает природу в состоянии покоя, полотна передают впечатление безусловной победы света (или мрака). Постепенно морские пейзажи Тёрнера становились более абстрактными, а их колористическое решение более условным. Художник фиксировал не столько конкретные виды, сколько свои ощущения. В поздний период он чаще использовал цветовые эффекты, с их помощью стремился передать эмоциональное содержание картины. Полотна, написанные до 1840-х, имеют более насыщенный колорит и «живую» фактуру. Мастер добивался яркости цвета за счет того, что отказался от традиционной практики использования темного фона. Он применял белый грунтованный холст. Таким образом, метод работы художника по созданию станкового произведения оказался схожим с акварельным письмом. Это позволило передавать едва различимые атмосферные эффекты. Нужно отметить, что картины Тёрнера маслом становились все лучше благодаря открытиям, сделанным им в многочисленных экспериментах с акварелью. Прекрасным примером сказанному может служить хранящееся в музее полотно.

Джозеф Ноэль Патон (1821–1901) Ссора Оберона и Титании 1849. Холст, масло. 99x152

Шотландский живописец Джозеф Ноэль Патон создавал произведения на религиозные, мифологические, аллегорические, исторические и литературные сюжеты. Образование он получил в Королевской академии искусств в Лондоне. Его произведения отличают точный рисунок, тщательность письма и проработка многочисленных деталей, не лишены они и некоторых интонаций сентиментализма.

Данное полотно — одно из лучших произведений мастера. Его главными героями являются король и королева фей, их образы были использованы Уильямом Шекспиром в комедии «Сон в летнюю ночь». Сцену из этой и пьесы и изобразил Патон. В лесу недалеко от Афин Оберон и его жена Титания поссорились из-за усыновленного ею дитя.

В центре композиции Патон представил царственную чету в окружении огромного числа озорных эльфов. Они веселятся, гоняясь друг за другом, беседуют, охотятся за насекомыми, поют песни. Очаровательный малыш с венком на голове прячется за тонкий и изящный стан Титании. Он лукаво смотрит на Оберона, словно дразня его.

Колорит многофигурной картины строится на большом количестве оттенков, среди которых доминируют белые, розовые, золотистые и зеленые. Именно благодаря этим красочным акцентам полотно приобретает цельность.

Эжен Делакруа (1798–1863) Арабы, играющие в шахматы 1847–1849. Холст, масло. 46x55

Француз Эжен Делакруа — представитель романтического направления в европейской живописи. Он получил образование в Школе изящных искусств, однако подлинной мастерской, в которой формировался талант будущего творца, стал Лувр. Он вдохновлялся полотнами художников эпохи Возрождения, восхищался работами великого фламандца XVII века Питера Пауля Рубенса.

Кисти Делакруа принадлежат произведения на исторические, религиозные и бытовые сюжеты, рассказывающие о современной ему жизни. Отдельная галерея — картины, созданные им во время путешествий по Алжиру, Марокко и Испании. Многие свои впечатления мастер записывал в дневник и спустя годы черпал из него сюжеты, оживляя в памяти образы Востока.

Из заметок Делакруа известно, что работать над композицией «Арабы, играющие в шахматы» он начал в июле 1847. Художник не стремился достоверно точно показать увиденных когда-то в Алжире людей, увлеченных этой древней игрой. Главным было передать атмосферу Востока, в которой живут и действуют его шахматисты. Живописец изобразил двух мужчин, расположившихся прямо на улице, чтобы предаться любимому занятию. Сосредоточившись на поединке, они не замечают проходящую мимо красивую девушку, несущую кувшин с водой. Интересна реакция одного из игроков на ход, совершаемый его противником. Этот эмоциональный момент вносит в уравновешенную композицию динамику, привлекая внимание зрителя к главным героям.

Томас Фаед (1826–1900) Бедная семья и бездомные 1856. Холст, масло. 66,7x95,6

Томас Фаед — известный шотландский художник, внесший значительный вклад в развитие национальной школы живописи. Он создавал картины, изображающие сцены из шотландской истории и современной жизни. С них довольно часто изготовлялись гравюры, что обеспечило автору популярность.

Данное полотно было написано в Лондоне, куда Фаед переехал еще в 1851. Он изобразил интерьер бедного дома. У стола, накрытого белой скатертью, глава семейства играет с маленькой девочкой, его жена подает обед. В углу комнаты, сжавшись в комок, сидит нищенка, чья дочь, положив голову ей на колени, спит. Сын женщины, стоя у хозяйского стола, молча смотрит на еду. Этот ребенок, одетый в большую по размеру одежду, — композиционный центр картины, связывающий обе ее части. В то же время он является ключом к пониманию эмоционального контекста произведения.

Уильям Белл Скотт (1811–1890) Уна и лев. Выставлена в 1860. Холст, масло. 91,5x71,2

Уильям Белл Скотт — известный шотландский живописец и гравер. В молодости он опубликовал в нескольких журналах ряд своих стихов, также занимался художественной и литературной критикой. В 1837 Скотт отправился в Лондон, где стал известным, популярным художником. Он был знаком со многими прерафаэлитами и испытывал их влияние, что можно отметить в полотне «Уна и лев».

На создание данной картины живописца вдохновила опубликованная в Англии в конце XVI века поэма Эдмунда Спенсера «Королева фей». Одна из сюжетных линий рассказывала о красавице Уне, чьи родители были захвачены и заключены в тюрьму свирепым и ужасным драконом. Отважная Уна пустилась в путь, чтобы найти и освободить их. Во время своей трудной и долгой дороги она прилегла отдохнуть на зеленой лужайке, когда из леса вышел голодный лев. Вместо того чтобы растерзать ее, зверь, пораженный красотой девушки, стал ее защитником и компаньоном.

Работа была показана в Королевской академии искусств в 1860, однако достоверно известно, что позже мастер вносил в нее некоторые изменения.

Уильям Мактаггарт (1835–1910) Весна 1864. Холст, масло. 45,1x60,4

Известный шотландский пейзажист Уильям Мактаггарт, испытывавший влияние импрессионистов, происходил из семьи фермера. В 1851 он приехал в Эдинбург, чтобы стать художником, и поступил в колледж искусств. Способный ученик, Мактаггарт был удостоен нескольких наград.

Живописец часто обращался к видам любимого им с детства моря, вдохновляясь его красотой. Он стремился уловить и передать в маринах эффекты света и отражений, ложащихся на зыбкие волны.

В ранний период творчества мастер писал жанровые сценки, героями которых довольно часто были дети. Пейзаж «Весна» пронизан солнцем. На берегу небольшого пруда отдыхают две маленькие девочки. Одна из них смотрит на воду, другая, лежа на траве, рассматривает собранные цветы. На дальнем плане едва виднеются ферма и пасущиеся овцы с ягнятами. Колорит картины построен на сочетании зеленых, голубых, белых и красноватых оттенков. Умело расставленные немногочисленные цветовые акценты придают композиции приподнятое мажорное звучание.

Уильям Фиттс Дуглас (1822–1891) Заклинание 1864. Холст, масло. 77,5x1 57

Шотландский художник Уильям Фиттс Дуглас никогда не обучался живописи. Долгие годы он работал клерком в одном из банков Эдинбурга. Дуглас с юности увлекался искусством, собирал антикварные вещи, особенно его интересовали предметы, связанные с алхимией, магией и астрономией. В 1877 Дуглас был назначен директором Галереи, а в 1882 стал президентом Королевской академии Шотландии.

Представленное в экспозиции произведение отражает личные интересы художника-самоучки. На полотне изображено просторное помещение с нишей, в которой находится стол, заставленный книгами и предметами, необходимыми магу для проведения обрядов. В небольшом окне просматривается вечерний пейзаж: в широкий простор водной глади, серебрящейся от лунного отсвета, вклинивается суша. На первом плане стоит облаченный в темные одежды чародей. В руке он держит длинную тонкую палку, которая направлена в сторону лежащего на каменном полу в меловом круге черепа. Совершая магическое действо, герой рисует мелом на стене знак. За спиной колдуна, в темном углу ниши, сидит старик, погруженный в свои мысли. Возможно, он ожидает завершения ритуала, чтобы увидеть результат. Колорит картины строится на сопоставлении теплых и светлых тонов охры, красно- и темно-коричневых оттенков.

Клод Моне (1840–1926) Морской пейзаж. Корабли в лунном свете 1864. Холст, масло. 60x73,8

Выдающийся импрессионист Клод Моне родился в Париже, но через пять лет семья переехала в Нормандию, в Гавр, где прошло становление будущего художника. Около 1844 юноша познакомился с пейзажистом Эженом Буденом, создававшим свои картины на открытом воздухе, а не в мастерской, как это было принято в то время. Вскоре, оценив достоинства работы на пленэре, Моне стал пробовать свои силы в живописи и писать ландшафты, находясь непосредственно на природе. Удачные опыты подвигли его к идее, вопреки желанию отца, стать профессиональным художником. В 1859 он поступил в Академию Сюисса в Париже. После непродолжительной службы в армии, в 1862 Моне начал учиться у известного живописца Шарля Глейера. Здесь он познакомился Пьером Огюстом Ренуаром, Альфредом Сислеем, Фредериком Базелем, которые стали не только его друзьями, но и единомышленниками.

В экспозиции Национальной галереи Шотландии находится одно из самых ранних полотен художника — «Морской пейзаж. Корабли в лунном свете». Моне изобразил здесь порт Нормандии Онфлёр. На фоне ночного неба, где темные облака скрывают луну, чей свет яркими всполохами ложится на воду, корабли и парусные лодки выглядят черными силуэтами, практически растворяясь в окружающем их пространстве. Создавая это произведение, мастер использовал не только кисти, но и мастихин — специальный нож, применяемый в масляной живописи для смешивания и нанесения красок, очистки палитры, грунтования холста и другого.

Эдгар Дега (1834–1917) Диего Мартелли 1879. Холст, масло. 110,4x99,8

Эдгар Дега — французский художник, график и скульптор, крупнейший представитель импрессионизма. Родившись в семье банкира, он получил прекрасное образование в лицее Людовика Великого, затем поступил на юридический факультет Парижского университета, однако вскоре осознал, что хочет посвятить себя искусству, и оставил юриспруденцию. Юноша стал посещать одновременно Школу изящных искусств и мастерскую Л. Ламота. В 1856 он уехал в Италию, где на протяжении двух лет изучал полотна художников Возрождения, копировал их, делал зарисовки. Особенно высоко молодой живописец ценил творчество А. Мантеньи и П. Веронезе. В этот период он начал создавать портреты, в большинстве случаев запечатлевая на холсте своих родственников. Для полотен этого жанра характерен точный и четкий рисунок, в них изысканная манера письма сочетается стойкой наблюдательностью.

Портрет своего друга Диего Мартелли Дега создал уже будучи зрелым мастером. Немолодой художник и критик сидит около стола, на котором разложены различные бумаги и рисунки. Отметим, что находящийся среди них небольшой набросок Мартелли также хранится в Национальной галерее Шотландии. Он оставил свое занятие, и, задумавшись, застыл в неудобной позе. Над диваном, покрытым синим чехлом, висит карта Парижа. Строя композицию портрета, Дега показывает модель и предметы в комнате с высокой точки зрения. Это дает ему возможность передать в полотне ощущение неуловимой динамики и сиюминутности.

Эдгар Дега (1834–1917) Вытирающаяся женщина. Около 1890–1895. Бумага, пастель. 64,4x62,3

Произведения Эдгара Дега начиная с конца 1880-х приобретают большее декоративное звучание. К этому периоду относятся работы, посвященные купальщицам, занятым приемом ванны, вытирающимся или уже одевающимся. Изображенные художником прекрасные молодые женщины не стремятся принять красивое положение, чтобы понравиться зрителю, напротив, они совершенно не заботятся о том, как выглядят со стороны. Их жесты и позы кажутся вполне оправданными в смоделированных Дега ситуациях.

Большинство произведений из этой серии выполнены пастелью. Работая в данной технике, мастер часто экспериментировал, добиваясь максимальной выразительности изображения.

Жюль Бастьен-Лепаж (1848–1884) Pas Meche (Ничего не делая) 1882. Холст, масло. 132,1x89,5

Французский художник Жюль Бастьен-Лепаж обучался живописи у Александра Кабанеля, позже поступил в Школу изящных искусств. Он принимал участие в Немецко-французской войне, в ходе которой был ранен. Бастьен-Лепаж в начале 1880-х совершил путешествие по Италии и Англии, посетил Алжир. Большую часть своего времени он проводил на севере Франции, где был широко известен. Его кисти принадлежат полотна на исторические сюжеты и портреты. Особую популярность мастеру принесли композиции, изображающие сцены из жизни крестьян. Довольно часто художник работал на пленэре, испытывал влияние Гюстава Курбе, Жана Франсуа Милле и Эдуарда Мане.

Одна из работ живописца, «Pas Meche», представлена в экспозиции Национальной галереи Шотландии. Не ней изображен нищий мальчишка лет двенадцати. Он одет в старое заношенное пальтишко, короткие залатанные брюки и стоптанные башмаки без шнурков. Герой с интересом смотрит на зрителя, в руках он держит длинный хлыст, а за его спиной можно увидеть трубу — эти детали позволяют предположить, что ребенок управлял лошадьми, которые тянули по реке баржу, и должен был оповещать о ее прибытии к месту назначения.

Данное полотно было показано на посмертной выставке художника, состоявшейся в 1885 в Париже.

Жорж Сёра (1859–1891) Этюд к картине «Купальщики в Аньёре». Около 1883. Дерево, масло. 1 5,9x25

Французский художник-постимпрессионист Жорж Сёра является одним из основателей неоимпрессионизма и нового стиля живописи — пуантилизма. Он получил образование в муниципальной школе рисунка, затем учился в Школе изящных искусств.

Одно из первых крупных произведений Сёра — многофигурная композиция «Купальщики в Аньёре» (1883–1884, Национальная галерея, Лондон). К работе над ней он приступил в начале 1880-х. Художник часто приезжал в Аньёр, на остров Гранд-Жатт. Здесь он устраивался на берегу Сены напротив моста Курбвуа. Со всего Парижа сюда стекались горожане, чтобы предаться отдыху у воды, позагорать на солнце и покататься на лодках. Сёра делал множество зарисовок и писал этюды для своего будущего произведения, тщательно выбирая наиболее выгодные ракурсы для персонажей, а также нужные детали. Многое из того, что мастер запечатлел в эскизах, не удовлетворило его. Так, например, он отказался от изображения радуги и лошадей в законченном варианте полотна. В эскизе, хранящемся в музее, Сёра представил сцену с купанием коня. Обращает на себя внимание широкая и свободная манера письма мастера и то, как художник прямо на рабочей поверхности смешивает цвета и накладывает корпусные мазки солнечных бликов.

Жорж Сёра (1859–1891) Люцерна, Сен-Дени 1885. Холст, масло. 65,3x81,3

Пуантилизм (или дивизионизм) — направление, возникшее во французском искусстве в последней четверти XIX века в живописи неоимпрессионизма. В его основе — идея письма раздельными мазками, форма которых приближена к правильной круглой (реже — квадратной) формы. На холст краски наносятся без предварительного смешивания на палитре. Чистые цвета в пуантилистических произведениях получают «сложное» звучание за счет оптического эффекта.

На полотне «Люцерна, Сен-Дени» изображен простой сельский уголок. Дома и хозяйственные постройки, виднеющиеся у горизонта, находятся за большим полем люцерны, в котором можно заметить яркие цветы маков. Эта картина (средний план) является замечательным примером использования Сёра техники пуантилизма. Однако обращает на себя внимание первый план, где краска накладывается короткими удлиненными мазками, при этом ее слои и цвета смешиваются между собой на холсте (а не оптически), что является имитацией приемов техники.

Поль Гоген (1848–1903) Мартиника. Пейзаж 1887. Холст, масло. 115x88,5

Поль Гоген был одним из четырех величайших мастеров постимпрессионизма. Наряду с Полем Сезанном, Винсентом Ван Гогом и Анри Тулуз-Лотреком он воспринял уроки импрессионизма, а потом взорвал стиль изнутри, создав свой неповторимый художественный язык.

Представленный в экспозиции Национальной галереи Шотландии пейзаж был написан на Мартинике. Он — одно из лучших произведений, созданных Гогеном на острове, где творец провел несколько месяцев в 1887. Чтобы передать экзотический характер ландшафта, живописец использовал яркие краски, которые ровными мазками нанес на холст, придав тем самым полотну структурированность.

Поль Гоген (1848–1903) Видение после проповеди 1888. Холст, масло. 72,1x91

В 1888 Поль Гоген на некоторое время поселился в Понт-Авене. Здесь он стал лидером и вдохновителем так называемой понтавенской школы, которая сыграла важную роль в формировании постимпрессионизма. Ее представители (Лаваль, Де Шамайяр, Бернар, Серюзье и другие) в своих творческих исканиях двигались параллельно с Гогеном.

Стиль, к которому он пришел в Бретани, впоследствии получил название «клуазонизм». Главным выразительным средством в нем стала пластичность линии. В подражание японскому искусству каждый изображенный элемент обводился тонкой контурной линией. Таким образом, предметы отделялись друг от друга, превращаясь в замкнутое, локально окрашенное целое. Хотя линия и контур в искусстве живописца играли значительную роль, самым важным для него всегда был цвет. Мастер практически полностью очистил свои полотна от многообразия оттенков и переходов, приведя их к чистому цвету. Он считал, что только цвет может стоять на одной ступени со светом. В искусстве художника практически нет места тени, потому что она противоречила его плоскостному пониманию формы.

Новое воплощение стиль Гогена получил в картинах, созданных в Бретани. Мастеру очень нравилась здешняя атмосфера, а сами бретонцы казались ему более целостными и близкими к природе, нежели люди его круга, ставившие на первое место исключительно материальные ценности.

Видимо, под впечатлением от этой атмосферы художник написал одну из своих самых известных картин — «Видение после проповеди». Она построена на контрасте двух сцен: реальной, где бретонские женщины слушают воскресную проповедь, и воображаемой — битвы Иакова с ангелом. Два композиционных плана четко отделены друг от друга черной полосой, являющейся границей с фантастическим миром. Несмотря на то что Гоген пытался уравновесить обе эти части при помощи цвета и ритма, целостности произведения добиться не удалось. Однако резкие контрасты в колорите позволили ему создать яркое декоративное панно.

Поль Гоген (1848–1903) Трое таитян 1899. Холст, масло. 73x94

В 1889, находясь под впечатлением от Всемирной выставки в Париже, Поль Гоген загорелся идеей посетить удивительный и загадочный остров Таити. Чтобы оплатить дальнее путешествие, он распродал все свои картины, это принесло ему более 10 000 франков.

Стремясь убежать от цивилизации, живописец купил в небольшой деревушке маленькую соломенную хижину и полностью погрузился в работу. Соприкосновение с миром фантастически прекрасной, необычной природы, наполненной поэтическими, первозданными переживаниями, привело к обновлению искусства мастера. Таким образом, его стиль, сформировавшийся еще на родине, здесь получил новую, более совершенную огранку.

На полотне «Трое таитян» изображены молодые, полные сил жители острова. Юноша, центральная фигура композиции, стоит спиной к зрителю, в то время как находящаяся рядом девушка в ярко-красной одежде с зеленым яблоком в руке оборачивается к нему. Ее полуобнаженная подруга, держащая цветы, также смотрит на мужчину. Многие картины, написанные Гогеном на Таити, довольно часто имеют аллегорический подтекст. Принимая это во внимание, можно предположить, что здесь мастер хотел показать человека, находящегося перед выбором — порок (девушка с яблоком) или добродетель (героиня с цветами). То, что юноша повернул голову в сторону юной соблазнительницы, определяет его предпочтения. Композиция холста отличается монументальностью, а стилизованный и обобщенный рисунок и яркий колорит уподобляют произведение декоративному панно.

Винсент Ван Гог (1853–1890) Оливковые деревья 1889. Холст, масло. 51x65,2

Винсент Ван Гог является, пожалуй, самым известным живописцем в истории изобразительного искусства. Его жизни и творчеству посвящено не только большое количество научных исследований и монографий, но и романы, художественные и документальные фильмы. Полотна этого мастера украшают экспозиции многих мировых музеев.

Представленный в Национальной галерее Шотландии пейзаж входит в серию, которая включает в себя более десяти работ, изображающих оливковые деревья в различных состояниях. К данной теме Ван Гог обратился, когда принял решение уехать в лечебницу для душевнобольных, находящуюся в городке Сен-Реми, рядом с Арлем. Он не бросил заниматься живописью, а много гулял в окрестностях больницы, запечатлевая на своих полотнах уголки сада, пшеничные поля, оливковые рощи и многое другое.

В работах этого времени заметно беспокойство автора, что проявляется через резкие, где-то ломаные линии рисунка. Колорит становится более холодным. Сопоставление плавных и прямых, почти пунктирных линий является главным выразительным средством картины «Оливковые деревья».

Джон Сингер Сарджент (1856–1925) Портрет леди Агней 1892. Холст, масло. 127x101

Самый выдающийся портретист второй половины XIX века Джон Сингер Сарджент родился в Италии в семье американских эмигрантов. Живописи он обучался в парижской мастерской Шарля Эмиля Дюрана и Школе изящных искусств. Сарджент много путешествовал, но большую часть своей жизни провел в Англии. В Лондон мастер переехал из-за скандала, связанного с портретом Вирджинии Готро. Это полотно было выставлено на Салоне и возмутило публику откровенностью.

В 1890-х Сарджент покорил англичан своим искусством, что принесло ему огромное количество заказов. Так, в 1892 барон Эндрю Ноэль Агней заказал художнику портрет супруги — Гертруды Вернон. Молодая женщина сидит в расслабленной позе в кресле. Она с легкой улыбкой смотрит на зрителя. Струящиеся шелковые и атласные ткани ее платья подчеркивают неофициальность произведения.

Французский скульптор Огюст Роден назвал Сарджента «ван Дейк нашего времени».

Пьер Огюст Ренуар (1841–1919) Женщина, кормящая ребенка. Около 1894. Холст, масло. 41,2x32,5

Французский живописец и график Пьер Огюст Ренуар является одним из выдающихся импрессионистов. Прежде чем посвятить себя живописи, он прошел обучение в мастерской по росписи фарфора. Скопив денег, молодой человек поступил в Школу изящных искусств, а чуть позже стал посещать мастерскую Ш. Глейра, где познакомился с К. Моне, Ф. Базилем и А. Сислеем, в это же время часто бывал в Лувре.

Творчество художника довольно разнообразно по сюжетам и жанрам. Интерес к теме материнства возник у него в 1885 после рождения первенца — Пьера. В 1894 на свет появился второй сын Жан, что, вероятнее всего, и повлияло на создание представленного полотна. На картине изображена не супруга Ренуара, а женщина, сильно напоминающая их няню Габриель, ухаживавшую за Жаном.

Композиция полотна проста, четко продумана и уравновешена. Колорит построен на сочетании оливкового, голубого, белого и розового цветов, что создает атмосферу нежности и уюта. По мнению живописца, каждая женщина, кормящая ребенка, похожа на Мадонну Рафаэля.

Джордж Генри (1858–1943) Гейша 1894. Холст, масло. 53,3x32,8

Известный шотландский художник Джордж Генри изучал живопись в Школе искусств в Глазго, посещал мастерскую Уильяма Макгрегора. В 1893–1894 он совершил путешествие в Японию, эта поездка оказала на его творчество заметное влияние. Картины Генри включают в себя яркие пейзажи, изображают героев сказок. Обращался художник и к другим жанрам, например портрету.

На полотне «Гейша» из собрания Национальной галереи Шотландии изображена прекрасная девушка. Ее черные волосы уложены в сложную прическу и украшены многочисленными заколками. Героиня облачена в традиционный костюм — кимоно, расшитое шелковыми узорами, по цвету перекликающимися с рисунком на веере у нее в руке. За спиной модели, в верхнем левом углу картины, висит гравюра с изображением горы Фудзи. Таким образом, весь холст покрывают различные орнаменты, превращая его в яркое декоративное панно, в котором главным акцентом является светлое лицо женщины.

Поль Сезанн (1839–1906) Гора Святой Виктории 1890–1895. Холст, масло. 55x65,4

Поль Сезанн — один из известнейших представителей постимпрессионизма. Он дружил со многими импрессионистами, некоторое время испытывал их влияние, но в поисках собственного стиля ушел дальше них. Живописец не ограничился изображением сиюминутного состояния природы, он стремился передать внутреннюю логику и формообразующую основу предметов.

Сезанн неоднократно писал гору Святой Виктории — достопримечательность, находящуюся поблизости от Экс-ан-Прованс. Она была одной из его любимых «моделей», он изображал ее в разных ракурсах. Силуэт горы можно увидеть в целом ряде пейзажей художника. Камни, холмы, стены жилищ, поля, деревья — все это проходит через призму аналитического видения мастера и предстает на полотне в виде обобщенных геометрических форм, от которых он отсекает все лишнее, оставляя только суть.

Пьер Пюви де Шаван. Благодетельность. 1867. Фрагмент

Следующий том

Экспозиция Пергамского музея представлена в трех отделах: Античное собрание, Переднеазиатский музей и Музей исламского искусства. Главная достопримечательность музея — Пергамский алтарь, в честь которого он и назван. Шедеврами античного искусства являются великолепные образцы древнегреческой вазописи, скульптуры и мозаики. В Переднеазиатском отделе размещены уникальные объекты шеститысячной истории древневосточных культур, впечатляющие свидетели жизни древних цивилизаций Шумера, Вавилона и Ассирии. Помимо всемирно известных монументальных ворот Иштар, здесь можно увидеть модель легендарной Вавилонской башни и копию стелы царя Хаммурапи. Изюминкой коллекции Музея исламского искусства являются вещи из Египта и Ирана; прекрасные образцы каллиграфии, миниатюра, керамика, предметы быта и религиозного культа, ковры.