Гюстав Доре. Сиеста. Воспоминание об Испании. Около 1868
Эжен Делакруа (1798–1863) Обучение Девы Марии 1852. Холст, масло. 46x55,5
Эжен Делакруа — знаменитый французский живописец и график, представитель романтизма. Он учился в мастерской П.-Н. Герена, однако через семь лет покинул ее, не окончив образование. Эстетическими идеалами Делакруа были произведения художников Возрождения и Античности. Ведущей темой его раннего творчества стали композиции на исторические сюжеты. Так, в 1824 мастер представил на суд публики картину «Резня на Хиосе» (1824, Лувр, Париж), повествующую о борьбе греков с турками. В 1830 он написал одно из своих лучших полотен — «Свобода, ведущая народ» (Лувр, Париж).
В 1831 художник совершил путешествие в Африку: посетил Танжер, Мекнес, Оран и Алжир. Восток заворожил мастера красочностью, стремительным течением жизни и надолго занял место в его творчестве.
В своих поздних произведениях Делакруа много внимания уделял характеристике персонажей, пытался показать суть изображаемого события. Он продолжал работать в историческом жанре, писал картины на религиозные сюжеты. К данному периоду относится представленное в экспозиции музея полотно «Обучение Девы Марии». Оно является уменьшенной копией более раннего одноименного произведения, созданного еще в 1842. В этом году мастер нанес визит Жорж Санд, выполнил первый вариант работы, моделями выступили писательница и ее дочь Соланж.
На полотне изображена поляна в парке, на первом плане расположились святая Анна и Дева Мария, которая обучается чтению. Рядом с Богоматерью — инструменты для работы в саду, корзина с уже срезанными цветами. Все это указывает на занятия, оставленные ею, чтобы уделить время образованию. Около ног Анны лежит черно-белый пес, внимательно наблюдающий за происходящим (в первом варианте его не было). В этом полотне художник большее внимание уделил пейзажу, сделал колорит насыщеннее.
Оноре Домье (1808–1879) Театральная публика. Около 1856–1860. Дерево, масло. 23,6x32,7
Французский живописец, график и скульптор Оноре Домье являлся одним из крупнейших мастеров карикатуры XIX века. Довольно рано он освоил литографию и работал в этой технике, оформляя рекламные издания. В начале 1830-х художник начал творить в жанре политической карикатуры, сотрудничал со многими французскими сатирическими журналами. В 1835 произведения, высмеивающие власть имущих, были запрещены, и Домье обратился к бытовой сатире. Для его работ характерна несколько грубоватая и сухая манера исполнения, при этом изображаемые мастером типажи, отличающиеся утрированностью, правдивы и жизненны. Художник мог несколькими чертами передать нрав персонажа, отбросив все несущественные детали, сосредоточиться на главном в его характере.
Одним из увлечений Домье являлся театр. Он создал графические и живописные произведения, посвященные этой теме, показав сцены из жизни закулисья и публики. В период с 1852 по 1864 мастер выполнил ряд литографий, запечатлевших респектабельных зрителей, наблюдающих за ходом представления. Ему было интересно передавать эмоции, которые отражаются на лицах в момент просмотра спектакля. Эта же идея — в данной картине. В ней художник отказывается от передачи мимики и настроения персонажей. Он решает фигуры в контражуре, противопоставив их освещенному залу. Силуэты сидящих в ложе людей занимают практически все произведение, ритмически организуя его. Впоследствии подобным приемом уплощения пространства, кадрирования композиции активно будут пользоваться импрессионисты и постимпрессионисты.
Анри Фантен-Латур (1836–1904) Натюрморт с графином, цветами и фруктами 1865. Холст, масло. 59,1x51,5
Анри Фантен-Латур — известный французский живописец и график. Первые уроки он получил у отца — Жана-Теодора Фантен-Латура, художника-портретиста. В 1851 молодой человек вместе с семьей переехал в Париж, где с 1854 учился в Школе изящных искусств, работал с Г. Курбе. В числе его друзей были К. Моне, О. Ренуар, Э. Мане, Ф. Базиль и другие импрессионисты. Однако сам мастер не принадлежал к новому направлению живописи, предпочитая создавать реалистические произведения.
Наибольшую известность Фантен-Латуру принесли натюрморты, которые он писал на протяжении всей жизни. Данное полотно относится к раннему периоду его творчества. На небольшом круглом столике, покрытом белоснежной скатертью, расставлены графин с вином, ваза с осенними цветами, тарелка с разрезанной тыквой и персики — все они очень материальны. Художник подчеркивает фактуру изображенных предметов и фруктов, кажется, что каждый из них излучает мягкий свет. Для представленного натюрморта, как и для многих других работ живописца этого жанра, характерны темный нейтральный фон и статическая уравновешенность композиции.
Анри Фантен-Латур (1836–1904) Искушение святого Антония. Без даты. Холст, масло. 63,5x83,5
Творчество Фантен-Латура можно разделить на три жанра — натюрморты, портреты и аллегорические композиции с прекрасными нимфами. Последние полотна, напоминающие сны или фантастические видения, были навеяны музыкой Р. Вагнера, Р. Шумана и других композиторов. В коллекции музея находится полотно «Искушение святого Антония», являющееся прекрасным образцом искусства мастера. В центре многофигурной картины — отшельник, стоящий на коленях перед раскрытым Писанием. Вокруг него в шумном хороводе кружат полуобнаженные молодые ведьмы. Дева, облаченная в длинное платье, преподносит святому бокал вина, пытаясь соблазнить его. Обнаженная красавица, изображенная в правом нижнем углу, обольщает Антония своим безупречным телом. Ее подруга, опершись локтем на святую книгу, пытается разобрать написанные в ней слова. Однако ни вино, ни звонкие песни, ни танцы девушек, ни они сами не прельщают святого. Лишь на мгновение он отвлекается от молитвы, чтобы отогнать их и вновь вернуться к своему занятию.
Создавая данное произведение, Фантен-Латур хлестко наносил красочный слой на холст, не делая четких линий и границ. Благодаря этому образы не приобретают материальную осязаемость и кажутся чем-то воздушным и сиюминутным, появившимся из простого колыхания воздуха. Золотистые, охристые, голубые, розово-фиолетовые, зеленые, красно-коричневые тона создают праздничное, легкое, мажорное настроение.
Жан-Франсуа Милле (1814–1875) Весна (Дафнис и Хлоя) 1865. Холст, масло. 235,5x134,5
Французский художник Жан-Франсуа Милле прославился полотнами, написанными на бытовые сюжеты и изображающими жизнь простых крестьян с их заботами и тяготами. В разное время он учился у портретиста дю Мушеля, баталиста Жан-Шарля Ланглуа и известного исторического живописца Поля Делароша.
Данное произведение создано в период, когда мастер обрел широкую популярность и признание. В апреле 1864 он получил заказ на исполнение серии работ, посвященной временам года. В основу картины «Весна» был положен сюжет древнегреческого пасторального романа «Дафнис и Хлоя» о любви двух молодых людей. Милле изобразил влюбленных на лесной поляне, расположившихся около статуи Пана, украшенной цветами. Юноша держит в руках гнездо с птенцами, а Хлоя пытается накормить их размоченным мякишем. У ее ног лежит котомка с хлебом и кубышка с водой. За спиной девушки к дереву привязана коза, кормящая козленка. Животные — символический знак, указывающий на то, что Дафниса и Хлою еще младенцами нашли пастухи, мальчик был вскормлен козой, девочка — овцой. Полотно решено в светлой колористической гамме, что практически несвойственно работам мастера.
Данте Габриэль Россетти (1828–1882) Чаша любви 1867. Дерево, масло. 66x45,7
Английский художник Данте Габриэль Россетти помимо живописи выполнял иллюстрации, занимался переводами, сочинял стихи, осуществлял преподавательскую деятельность. Он вместе с У. X. Хантом и Дж. Э. Милле является основателем «Братства прерафаэлитов». Название нового объединения указывает на художественные и эстетические ориентиры входивших в него членов — искусство поздней готики и раннего Ренессанса, — стремившихся возродить в своем творчестве глубину религиозного чувства и непосредственное восприятие природы.
Мастер создавал живописные полотна на сюжеты, заимствованные из произведений У. Шекспира, Данте, кельтских легенд и Библии. Главным выразительным средством его работ стала линия, текучая и плавная, она придавала силуэтам героев Россетти элегантность и изящество. Он включал в картины множество деталей, наделяя их особым смыслом. Красавицы полны задумчивости и печали, в то время как в их глазах горит сдерживаемая страсть. Для многих полотен художника позировали его рано умершая жена Элизабет Сиддал и Джейн Бёрден, супруга Уильяма Морриса. Для картины «Чаша любви» — Алекса Уайлдинг, пожалуй, самая любимая модель Россетти.
Жан-Батист Камиль Коро (1796–1875) Воспоминание о пляже Неаполя 1870–1872. Холст, масло. 175x84
Француз Жан-Батист Камиль Коро — один из известнейших пейзажистов. Он получил хорошее академическое образование, несколько лет провел в Италии, совершенствуя свое мастерство. Помимо ландшафтов художник писал портреты, занимался созданием офортов и литографий, был хорошим рисовальщиком. В собрании токийского Национального музея западного искусства хранится более десяти его зарисовок, но украшением коллекции является полотно «Воспоминание о пляже Неаполя». В начале 1870-х живопись Коро становится более легкой и изысканной, в ней появляется большое количество оттенков, а формы «утопают», «растворяясь» в серебристом свете. Здесь художник представляет лесную тропинку, идущую от Неаполитанского залива, который служит фоном для изображенных на среднем плане женских фигур. Взявшись за руки и пританцовывая в тени деревьев, девушки двигаются к зрителю. Легкий, воздушный колорит произведения прекрасно передает свежесть природы, жизнерадостность и темперамент местных жителей.
Альфред Сислей (1839–1899) Пейзаж в Лувесьенне 1873. Холст, масло. 54x73
Французский художник-пейзажист, представитель импрессионизма Альфред Сислей родился в семье английского предпринимателя Уильяма Сислея. Первоначально он получил образование в области коммерции, однако, решив посвятить себя живописи, поступил в мастерскую Шарля Глейра.
Данное произведение было создано художником в небольшой деревушке Лувесьенн, расположенной в тридцати километрах от Парижа, где он поселился в 1871 и практически безвыездно (за исключением поездки в Англию) прожил до конца 1874. За это время Сислей написал большое количество картин, запечатлевших виды в окрестностях Лувесьенна. Так, вместе с К. Моне и П. О. Ренуаром он изображал Сену, леса Марли.
На данном полотне по неширокой дороге, идущей вдоль зеленого поля, прогуливаются двое людей. Благодаря этим фигурам, привлекающим внимание зрителя, мастер подчеркивает пространство. Колорит работы, написанной в несколько приглушенной цветовой гамме, отличается прозрачностью и свежестью, прекрасно передавая атмосферу поздней осени.
Гюстав Моро (1826–1898) Пьета. Около 1876. Дерево, масло. 23x16
Творчество Гюстава Моро поражает зрелищностью и красочностью. Этот французский художник-символист начал заниматься живописью с самого детства. У Ф. Э. Пико он изучал основы мастерства, чтобы в дальнейшем поступить в парижскую Школу изящных искусств, где проучился с 1846 по 1849. Осенью 1857 Моро посетил Италию с целью увидеть работы художников Возрождения. Для своих полотен он использовал библейские и мифологические сюжеты, при этом в них довольно часто появлялись образы, навеянные восточными преданиями и созданные фантазией живописца. Его герои почти всегда статичны, порой кажется, что они находятся в другой, безмолвной Вселенной, ландшафты которой отличаются декоративностью и орнаментальностью.
Моро написал произведение на одну из самых популярных в изобразительном искусстве тем — оплакивание Христа (Пьета). Мария склонилась над телом своего Сына. Она не проливает слез, не стенает, а смотрит на бледное лицо Иисуса, пораженная Его смертью. Над ней, чуть в стороне, озаренный божественным сиянием, находится Святой Дух. В центре композиции, за спиной Богоматери, художник представил нескольких ангелов. Их лица еле различимы на фоне скалы, а вот синие крылья, напротив, читаются отчетливо и имеют такой же оттенок, как нижняя часть одеяния Мадонны. Благодаря общности цветового решения этих элементов они воспринимаются символическими крыльями Христа. При всей однозначности сюжета мастер трактует его так, что ощущаются какая-то тайна, недосказанность.
Вильям Адольф Бугро (1825–1905) Маленькая девочка 1878. Холст, масло. 45,5x38
Вильям Адольф Бугро — один из крупнейших представителей салонного академизма. Он получил образование в Королевской школе изящных искусств, после окончания которой был удостоен поездки в Рим. Творчество мастера отличалось большим разнообразием: художник создавал картины на исторические, мифологические, аллегорические, религиозные сюжеты, а также портреты, занимался монументальной живописью. Все работы были четко выстроены композиционно и скрупулезно выписаны вплоть до самых незначительных деталей. Как правило, образы, изображенные Бугро, отличаются миловидностью; например, на полотне «Маленькая девочка» из коллекции музея представлен красивый ребенок в ночной сорочке, молитвенно сложивший руки на груди. Картины мастера пользовались огромной популярностью у зрителей и, несмотря на высокую цену, очень хорошо продавались.
Эдуард Мане (1832–1883) Портрет господина Бруна 1879. Холст, масло. 194,3x126
Эдуард Мане — один из наиболее значимых живописцев Франции. С его именем связано появление нового направления в искусстве — импрессионизма. Образование художник получил в Школе изящных искусств, у Т. Кутюра, где осознал, что средства академизма не могут отразить его понимание и видение мира. Поэтому Мане очень много времени проводил в Лувре, тщательно изучая произведения старых мастеров. С этой же целью в 1860-х он совершил ряд поездок по Европе, посетив музеи Англии, Испании, Италии и Голландии.
Творчество живописца отличается большим разнообразием — портреты, натюрморты, жанровые сцены, исторические полотна. Для его картин свойственны уравновешенная композиция, некоторое упрощение мотивов, отсутствие лишних деталей. «Портрет господина Бруна» Мане создал в Бельвю, под Парижем, где проходил лечение. Своего друга Армана он изобразил в тени деревьев на садовой дорожке. Герой предстает перед зрителем в высоком цилиндре, поза и костюм характеризуют его как человека состоятельного и следящего за модой. Данная работа, как и многие другие произведения мастера, написана без использования подмалевка, он наносил красочный слой непосредственно на загрунтованный холст, отчего колорит кажется более ярким и свежим.
Пьер Пюви де Шаванн (1824–1898) Бедный рыбак. Без даты. Холст, масло. 105,8x68,6
Французский художник Пьер Пюви де Шаванн был одним из представителей символизма. Он обучался живописи у А. Шеффера, Э. Делакруа, Т. Кутюра, Т. Шассерио. Мастер создавал жанровые композиции, некоторые из которых навеяны искусством Античности и Возрождения. В его полотнах герои и пейзаж играют одинаково значимую роль, дополняя друг друга. Человеческие фигуры практически всегда статичны и погружены в собственные мысли. Миры, созданные Пюви де Шаванном, не терпят насилия, суеты и шума.
В 1881 художник написал одно из самых спорных полотен — «Бедный рыбак», которое сейчас находится в музее д'Орсе в Париже. В токийском Национальном музее западного искусства хранится вариант этого произведения. В центре композиции, в лодке, изображен рыбак, погруженный в свои мысли. Позади, на подстилке из соломы, спит его маленькая дочка. Одиночеством и безмерной печалью овеян пейзаж в холодной серебристой гамме. С помощью ландшафта мастер раскрывает душевное состояние человека, передает его тягостные думы.
Пьер Огюст Ренуар (1841–1919) В лесу. Около 1880. Холст, масло. 55,8x46,3
Пьер Огюст Ренуар — французский живописец, график и скульптор, один из известнейших импрессионистов. Он увлекся творчеством довольно рано, сначала занимался в мастерской по росписи фарфора, параллельно посещая Школу рисунка и прикладного искусства, через восемь лет поступил в Школу изящных искусств, а еще позже учился у Ш. Глейра. Главной темой творчества Ренуара был человек, при этом художник виртуозно использовал рефлексы, цветные тени, решал проблему включения фигуры в окружающую среду.
В отличие от своих друзей-импрессионистов К. Моне, А. Сислея, К. Писсарро он очень редко обращался к жанру пейзажа, полотно «В лесу» является исключением. На нем мастер изобразил простой мотив — уходящую вдаль дорожку, по обе стороны которой находятся деревья. Ренуар мелкими мазками накладывает яркие пятна краски на холст, из-за чего при близком рассмотрении картина напоминает мозаику. Так же множеством мазков он умело передает ощущение влажности воздуха, атмосферу осеннего пасмурного дня.
Пьер Огюст Ренуар (1841–1919) Женщина в шляпе 1891. Холст, масло. 56x46,5
В 1880-х Пьер Огюст Ренуар приобрел известность не только на родине, но и за ее пределами. К этому времени признанный мастер импрессионизма начал разочаровываться в разработанной им самим манере. Пытаясь привнести новую струю в свое творчество, он искал вдохновение в полотнах Жана Огюста Доминика Энгра. В 1880-1890-х художник продолжал создавать женские образы, часто писал обнаженную натуру.
Картина «Женщина в шляпе» является образцом нового стиля Ренуара, получившего название «перламутровый». Его характерной чертой стала некоторая общая разбеленность колорита, с помощью нее живописец старался добиться переливающейся фактуры своих полотен.
Камиль Писсарро (1830–1903) Жатва 1882. Холст, масло. 70,3x126
Французский художник, представитель импрессионизма Камиль Писсарро родился на острове Святого Фомы (Сент-Томас). В 1855 в Париже он поступил в Школу изящных искусств и Академию Сюиса, брал уроки у известных пейзажистов — Камиля Коро, Гюстава Курбе, Шарля-Франсуа Добиньи.
С 1870 по 1871 мастер жил в Лондоне, где вместе с К. Моне создал серию пейзажей. После возвращения во Францию он поселился в деревне Понтуаз, где пробыл до 1884. Здесь Писсарро написал большое количество сельских видов, к которым относится и находящееся в коллекции музея полотно «Жатва» (оно было представлено на седьмой выставке импрессионистов).
На этом холсте изображено поле во время сбора урожая. Пшеница уже скошена, и люди складывают ее в снопы, составляют стога из них. Отличительной чертой данного произведения стали фигуры молодых женщин на первом плане, играющие важную роль в построении композиции. В более ранних полотнах люди выполняли стаффажную функцию и не являлись полноправными героями картины. При помощи цвета мастер стремился передать не только форму, но и материальность предметов. Для создания неповторимого очарования природы он нанес на холст раздельные резкие мазки ярких цветов, которые, взаимодействуя, придают изображению легкую вибрацию. Колорит произведения строится на сочетании желтых, охристых, белых, зеленых и голубых тонов, дополненном оттенками розового и красного.
Джованни Сегантини (1858–1899) Стрижка овец 1883–1884. Холст, масло. 117x216,5
Джованни Сегантини — известный итальянский художник второй половины XIX века. Все свое детство он жил в крайней нищете, бродяжничал. Джованни был найден полицией на одной из улиц Милана и помещен в приют, где его талант заметили. В 1873 Сегантини вместе со своим сводным братом изучал искусство фотографии в Трентино, а живописи обучался в вечерней школе при миланской Академии Брера.
С 1885 мастер жил и работал в Швейцарии. Из-за отсутствия гражданства он с семьей постоянно переезжал с места на место, по этой же причине не мог вступить в официальный брак со своей любимой женщиной, которая родила ему четырех детей, а также принимать участие в международных выставках. Произведения художника пользовались большой популярностью, за право иметь их в своих коллекциях соперничали ведущие европейские музеи.
В разные периоды творчества Сегантини работал в таких стилях, как реализм, символизм, применил технику дивизионизма (то же, что и пуантилизм). Эта живописная система была разработана Ж. Сёра и П. Синьяком и основывается на использовании чистых цветов, наложенных на холст раздельными мазками из расчета на то, что при созерцании полотна визуально они будут смешиваться в сложные оттенки. Мастер испытывал влияние Ж. Ф. Милле, югендштиля. Его кисти принадлежат величественные альпийские пейзажи и жанровые работы, представляющие бытовые сцены из жизни крестьян, пастухов. Взаимодействие природы и человека является основной темой творчества Сегантини. Помимо живописи он занимался самообразованием: научился хорошо читать и писать, был автором статей для итальянских журналов, изучал философию, это нашло отражение в его поздних полотнах.
Данная картина относится к раннему этапу творчества мастера. Под большим навесом дети фермера увлеченно стригут овец. За изгородью на среднем плане находится уже практически полностью остриженная отара. У самого забора — несколько особей, с любопытством наблюдающих за манипуляциями, которые люди проделывают с их собратьями. Композиция произведения, строящаяся на пересечении горизонталей и вертикалей, в сочетании с золотисто-перламутровым колоритом создает ощущение упорядоченности бытия.
Поль Сезанн (1839–1906) Голые деревья в Жа де Буффан 1885–1886. Холст, масло. 60,3x73
Поль Сезанн — один из самых известных представителей французского постимпрессионизма. Он родился в зажиточной семье, получил хорошее образование. Во время обучения в колледже Бурбон в Эксе молодой человек подружился с Эмилем Золя, в период с 1859 по 1861 занимался в Университете Экса на юридическом факультете, после окончания которого около года проработал в банке отца. Параллельно Сезанн посещал муниципальную художественную школу под руководством Ж. Жибера.
В 1862 творец оставил размеренную жизнь в Эксе, полностью посвятив себя живописи, поступил в студию Сюиса. Воспринимая мир во всей его сложности, в своих произведениях он стремился к тому, чтобы зритель с первого взгляда на полотно увидел то, что автор считает важным. Стоит отметить, что в разные периоды Сезанн использовал различные художественные приемы, менялась и колористическая гамма.
Пейзаж «Голые деревья в Жа де Буффан» был создан во время наивысшего расцвета его творчества. В 1859 мастер приобрел большой особняк Жа де Буффан в окрестностях Экс-ан-Прованса, местечка, где родился. Наиболее часто он посещал свое имение в начале 1880-х. В это время на полотнах Сезанна появляются виды, окружающие усадьбу. На данном холсте, на среднем плане, написаны ее задние ворота. За ними — вид на поля и голубые горы. Пасмурное небо подчеркивает атмосферу поздней осени. Работая над этим произведением, художник наносил краску широкими мазками, что придало картине большую трепетность и выразительность.
Поль Гоген (1848–1903) Две бретонские девочки на берегу моря 1889. Холст, масло. 92,5x73,6
Поль Гоген — известный французский живописец, график и скульптор, один из представителей постимпрессионизма. В детстве он мечтал о путешествиях, хотел стать моряком. В период с 1865 по 1871 юноша плавал на судах, осуществлявших рейсы из Европы в Южную Америку и обратно. Позже молодой человек женился, некоторое время работал в банке, тогда же начал коллекционировать картины и попробовал заняться живописью. В 1883, добившись успехов и получив положительные отклики критики на свое творчество, Гоген оставил службу и посвятил себя искусству.
Осенью 1889 мастер жил и работал в Бретани, где и было создано представленное в музее полотно «Две бретонские девочки на берегу моря». Оно является одним из лучших, написанных в данный период. Гоген изобразил детей, облаченных в традиционные одежды этого региона Франции. Их фигуры он представил на первом плане, сместив их в левый угол. Такой композиционный прием позволяет живописцу показать склон, у подножия которого плещется море. Колорит данного произведения декоративен, он строится на сочетании ярких цветов — синего, зеленого, оранжевого, белого, охристого и коричневого, подчеркнутых небольшими вкраплениями черного. Стоит отметить, что в 1891 творец отправился на Таити, где его работы приобрели еще большую яркость.
Джон Эверетт Миллес (1829–1896) Утята 1889. Холст, масло. 121,7x76
Джон Эверетт Миллес — известный английский художник, один из основателей «Братства прерафаэлитов». Он очень рано начал обучаться живописи. В 1839 родители определили юношу в Академию Сааса в Блумсберри, а через два года перевели в Королевскую академию искусств. Молодой человек показал себя талантливейшим студентом и был удостоен всех наград, которые присуждались в этом учебном заведении.
Творческая деятельность Миллеса была очень разнообразна. Он писал полотна на бытовые сюжеты, портреты, пейзажи, делал иллюстрации к литературным произведениям. На большинстве портретов мастера запечатлены дети. В год создания картина «Утята» была выставлена в галерее Томаса Маклина. На ней изображена маленькая девочка, стоящая на берегу, рядом в воде — утка с выводком. Таким образом ребенок зрительно включается в птичью семью. В 1869 на английском языке была издана сказка Ганса Христиана Андерсена «Гадкий утенок». Возможно, построение композиции говорит об аллегорической трактовке сюжета датского писателя.
Винсент Ван Гог (1853–1890) Розы 1889. Холст, масло. 33x41,3
Винсент Ван Гог — голландский живописец, рисовальщик, литограф, офортист, представитель постимпрессионизма. Художественным творчеством он увлекся только в 1880-х, до этого был служащим фирмы «Гупель»: покупал и продавал произведения искусства, являлся проповедником в шахтерском поселке Боринаже на юге Бельгии.
Деятельность мастера — около десяти лет непрерывной работы. Ван Гог обостренно чувствовал красоту, которую видел в простых, непритязательных на первый взгляд мотивах: виноградниках, кипарисах, подсолнухах и другом. Природа в его картинах полна эмоциональности и движения, одухотворена.
Холст «Розы» был создан, вероятнее всего, в мае, когда художник поступил в больницу в Сен-Реми. В этот тяжелый период жизни Ван Гога врачи локализовали его занятия живописью, ограничив пределами учреждения, поэтому внимание мастера фокусировалось на видах запущенного сада и портретах. Об этом он писал брату Тео, указывая, что в лечебнице для него было много интересного: дикие травы, смешанные с сорняками, кусты роз и так далее. Практически через год после окончания работы над этим полотном Ван Гог скончался, выстрелив в себя из револьвера.
Поль Синьяк (1863–1935) Порт Сен-Тропе 1901–1902. Холст, масло. 131x161,5
Поль Синьяк — французский живописец, график и теоретик искусства, один из основоположников неоимпрессионизма. Он родился в состоятельной семье, в детстве мечтал стать архитектором, но, посетив выставку К. Моне, поменял свое решение и начал заниматься живописью. После знакомства с Ж. Сёра и под его влиянием Синьяк стал активно экспериментировать в области техники письма, которая строилась на принципе сопоставления раздельных мелких мазков (точек) чистого цвета с учетом того, что при рассмотрении полотна они зрительно смешиваются в более сложные оттенки. Эта живописная манера получила название пуантилизм (от французского point — «точка»).
Мастер любил изображать морские виды, практически каждое лето он проводил на юге страны в Сен-Тропе, где купил дом. Художнику очень нравился парусный спорт, в 1892 он приобрел небольшую лодку, объехал на ней большинство портов на Средиземном море. Из этих путешествий творец привозил эскизы, написанные маслом и акварелью, которые уже в мастерской перерабатывал в самостоятельные произведения. Одной из монументальных работ, созданных им в этот период, является «Порт Сен-Тропе».
Клод Моне (1840–1926) Тополя на солнце 1891. Холст, масло. 93x73,5
Клод Моне — французский живописец, один из основоположников импрессионизма. Он очень рано начал рисовать, много занимался самостоятельно, посещал мастерскую Э. Будена. После службы в армии художник поступил в студию Сюиса, некоторое время учился у М. Плейера, в этот период сблизился с П. О. Ренуаром, К. Писсарро, П. Сезанном, Э. Дега, А. Сислеем, которые, как и Моне, вели активные поиски новых путей развития искусства. В результате их дружбы появилась новая живописная система, получившая название импрессионизм. Ее особенность заключалась в том, что мастера работали на открытом воздухе, где создавали не только этюды, но уже законченные картины, которые отличались особой светоностностью, имели множество рефлексов, цветные тени и другое.
Творчество Моне разнообразно: он писал жанровые композиции, натюрморты, портреты, особое предпочтение отдавал пейзажу. Нередко он изображал один и тот же вид несколько раз, запечатлевая его в разное время суток, создавая, таким образом, серию работ. Одна из этих серий была написана у реки Эпт, недалеко от Живерни, и представляет тополя, растущие на берегах. Отличительной особенностью полотна, хранящегося в токийском музее, являются три дерева, показанные на переднем плане, в то время как остальные плавной линией обозначают русло реки. Белые облака, солнечный свет, пронизывающий листву, сочная трава передают атмосферу теплого летнего дня и в то же время привносят в произведение некоторую степень декоративности.
Клод Моне (1840–1926) Кувшинки 1916. Холст, масло. 200,5x201
Представленное в экспозиции музея полотно «Кувшинки» входит в серию картин Клода Моне, изображающих водяные лилии (ненюфары), росшие на пруду его сада. После того как в 1893 мастер сначала снял дом в Живерни, а затем приобрел участок по соседству, он организовал сад с прудом и переброшенным через него изящным деревянным мостом, выполненным в японском стиле. В своем водоеме живописец посадил кувшинки, а на берегах — ивы и многочисленные цветы, при этом было учтено время цветения, таким образом, растения с самой ранней весны и до поздней осени радовали его своей красотой. На долгие годы сад стал для художника источником вдохновения.
Он писал водяные лилии в разное время суток, выбирал различные по формату полотна. Композиция некоторых холстов помимо самих цветов включает изображение деревьев, мостика, неба. Однако на большинстве из них представлены исключительно кувшинки, мирно покоящиеся на воде. На данном произведении крупным планом показан небольшой участок пруда, на водяной глади которого живописно разбросаны листья и цветы, отражаются ветви ив. Композиционное и колористическое построение, некоторая уплощенность придают работе декоративное звучание.
Жан Эдуар Вюйар (1868–1940) Мадам Вюйар за шитьем 1920. Холст, масло. 33,7x35,8
Жан Эдуар Вюйар — французский художник, представитель символизма и модерна. Он получил образование в Школе изящных искусств и парижской Академии Р. Жюльена. Мастер был одним из основателей группы «Наби», образованной в 1890 (помимо него туда входили П. Боннар, М. Дени, П. Серюзье и другие).
Члены этой группы под влиянием понт-авенской школы и П. Гогена создали новый художественный язык, своеобразный вариант стиля модерн. Для их картин характерны интенсивное декоративное звучание, плавные ритмы, плоскостность, стилизованные мотивы народного искусства разных стран.
На большей части работ Вюйара изображен интерьер, в котором обязательно присутствует женская фигура, хотя он также писал городские пейзажи и портреты. При этом практически все они выполнены в мягких, несколько размытых тонах.
На полотне «Мадам Вюйар за шитьем» запечатлена мать художника. С ней он жил на протяжении всей жизни, женщина довольно часто позировала сыну. Героиня сидит около стола, на котором стоят букет цветов и шкатулка. Все пространство холста заполнено разными узорами, из-за чего фигура словно растворяется в залитой светом комнате. Эта небольшая по размеру картина является прекрасным образцом творчества живописца.
Эдмон Франсуа Аман-Жан (1858–1936) Портрет японки (Госпожа Куроки) 1922. Холст, масло. 185x62
Эдмон Франсуа Аман-Жан — французский художник-символист и график. Он учился в парижской Школе изящных искусств, позднее — у Пьера Пюви-де-Шавана. Наибольшую известность живописец получил как портретист, хотя создавал также жанровые полотна и натюрморты. Он испытывал влияние прерафаэлитов и японского искусства.
Моделью для «Портрета японки» послужила Такеко Мацуката. Она вышла замуж за Куроки Санджи, старшего сына Куроки Тамэмото — японского адмирала, в ходе русско-японской войны командовавшего Первой армией. Супруги на протяжении трех лет жили в Париже, там они познакомились с Клодом Моне и Аман-Жаном.
На полотне молодая женщина изображена в национальном, а не в европейском костюме, который она носила во время своего пребывания во Франции. Такеко дана в полный рост на фоне стен, оклеенных зелеными обоями, и охристой занавеси. Ее простая поза с опущенными руками выражает скромность и в то же время достоинство. Колорит работы очень гармоничен и строится на сочетании нескольких цветов: зеленого, синего, охры и белого, яркие акценты красного, черного и темносинего оживляют его, заставляя звучать изысканно.
Когда Такеко и Санджи вернулись на родину, они привезли с собой множество произведений искусства, но этого портрета среди них не оказалось. К их отъезду он не был закончен, в Японию его привезли только в 1959.
Леон Августин Лермитт (1844–1925) Сборщицы колосьев 1920. Холст, масло. 65,4x81,2
Французский живописец и график Леон Августин Лермитт родился в Мон-Сен-Пер, на северо-востоке Франции. Он учился в Школе изящных искусств, признание соотечественников получил в 1864, после того как представил свои произведения на парижском Салоне. Большой популярностью пользовались и графические работы мастера, которые он также показывал на различных выставках. С 1869 Лермитт неоднократно совершал поездки в Лондон. В 1884 он получил орден Почетного легиона, а через пять лет — Гран-при на Всемирной вставке.
Большинство произведений художника посвящено деревенской жизни. Он показывал не только труд крестьян в поле, за что автора стали называть «Певец пшеницы», но и сцены их быта. Другими любимыми темами Лермитта стали взаимоотношения матери и дитя, а также заботы крестьянских женщин. Во всех картинах он много внимания уделял проработке деталей, придающих особое натуралистичное звучание. Начиная с 1900, под влиянием импрессионистов, в полотнах мастера начинает доминировать пейзаж. Фигуры героев, которые в ранний период занимали практически все пространство холста, теперь органично вписываются в ландшафт. При этом их облик становится более обобщенным. Характерным примером позднего творчества Лермитта является картина «Сборщицы колосьев».
Р. Гюбер. Воображаемый вид Рима с церковью. 1786. Фрагмент
Следующим том
Постоянная экспозиция Музея изобразительных искусств Хьюстона содержит более 63 тысяч экспонатов. Здесь представлены коллекция живописи XV–XXI столетий — полотна Рогира ван дер Вейдена, Рембрандта, Сандро Боттичелли, Каналетто, Огюста Ренуара, Винсента Ван Гога, Клода Моне и других мастеров; произведения народов Океании и Азии, декоративно-прикладное искусство Европы и Америки: мебель, ткани, утварь, ритуальные объекты; индонезийское золото, внушительное собрание африканского искусства, шедевры скульптуры.