Ловис Коринт. Портрет Альфреда Куна. 1923

Альбин Эггер-Линц (1868–1926) Обед (Суп, версия II) 1910. Холст, масло. 91x141

Альбин Эггер-Линц учился в Мюнхенской академии художеств, где на его становление оказали влияние один из родоначальников барбизонской школы Жан Франсуа Милле (1814–1875) и австрийский мастер жанровой и исторической живописи Франц фон Дефреггер (1835–1921).

С 1894 по 1899 Эггер-Линц работал в Мюнхене, потом, перебравшись в Вену, вошел в число основателей «Hagenbund», третьего по значимости после Сецессиона и Дома искусств художественного объединения. В нем, просуществовавшем вплоть до 1930, развивались такие новаторские направления, как кубизм и «Новая вещественность». С 1909 по 1916 Эггер-Линц являлся членом Венского сецессиона, что помешало ему стать профессором Венской академии изобразительных искусств. Тем не менее восторженные отзывы о живописи Эггер-Линца в своей публицистике оставили теоретик марксизма Лев Троцкий (1879–1940), впечатленный трактовкой крестьянской темы в творчестве мастера, а также итальянский художник и график, представитель школ футуризма и метафизической живописи Карло Карра (1881–1966).

Наряду со знаменитой серией экспрессивных картин об ужасах войны, прославивших имя Эггер-Линца в Европе, автор отдал дань крестьянской теме. Он, как и большая часть его современников, был под большим впечатлением от барбизонской школы. Осваивая очередные художественные открытия французов, часть своего творчества мастер посвятил изображению быта простых людей. К такого рода произведениям относится его картина «Обед». В комнате, залитой теплым дневным светом, персонажи, объединенные за столом, накрытым белой скатертью, совершают повседневную трапезу. Однако спокойный ритм крепких мужских фигур, обилие белого цвета их одежд, сложно разработанного в рефлексах, наполняют бытовую композицию особой торжественностью и значимостью.

Альбин Эггер-Линц (1868–1926) Мальчик у источника (Источник) 1923. Холст, масло. 125x84,5

Несмотря на неудачу с профессорством, Эггер-Линц стал преподавателем, но в Колледже Веймара (1912), а затем, в 1913, — в школе в Клаусене (Италия).

С 1914 по 1917 художник был призван в армию — шла Первая мировая война. Свое отношение к ее ужасам он выразил в таких антимилитаристских произведениях, как «Безымянные» (1914, Музей военной истории, Вена), «Финал» (1918, музей Леопольда, Вена). Особым сочувствием к женщинам, чьи мужья и сыновья ушли на фронт, пропитаны картины «Женщины войны» (1918, замок Брук, Лиенц), «Матери» (1922, Тирольский государственный музей, Инсбрук), «Пьета» (1926, музей Леопольда, Вена).

Развитие творческого метода Эггер-Линца происходило в несколько этапов. К монументальному экспрессионизму антивоенных полотен он придет сложным путем через реализм («Обед (Суп, версия II)») и символизм югендстиля. Ярким примером символизма в творчестве художника является одно из его ключевых монументальных полотен — «Пляска смерти девятого года» (1906, галерея Бельведер, Вена).

В полотне «Мальчик у источника» автор вновь обращается к сельской теме. Но мотив прильнувшего к источнику паренька, измученного жаждой, лишь повод для раскрытия живописно-пластической задачи автора. Он стремится изобразить состояние природы с высушенными беспощадным солнцем, вспухшими пластами земли под синей полосой яркого летнего неба.

В 1918 Эггер-Линц наконец вступил в должность профессора Венской академии изобразительных искусств, а в последние годы жизни его провозгласили почетным доктором Инсбрукского университета.

Эрнст Людвиг Кирхнер (1880–1938) Ню в студии 1912. Холст, масло. 80,7x70,7

Эрнст Людвиг Кирхнер — график, скульптор, живописец-станковист и монументалист. В 1906 им была сформулирована программа группы «Мост», в которую вошли, помимо него самого, такие основоположники немецкого экспрессионизма, как Фриц Блейль (1880–1966), Эрих Хеккель (1883–1970) и Карл Шмидт-Роттлуфф (1884–1976).

Художник очень рано начал работать не с натуры, а по памяти об увиденном, отбрасывая таким образом все ненужные детали. Будучи сложившимся мастером, в 1920-е он произнесет: «Неправильно судить о моих картинах масштабом верности природе, ибо они не есть отражение верности природе, ибо они не есть отображение определенных вещей или существ, но самостоятельные организмы из линий, плоскостей и красок, сохраняющие естественные формы лишь постольку, поскольку это необходимо для их уразумения. Мои картины — это притчи, а не изображения».

В возрасте восьми лет Кирхнер был поражен произведениями Альбрехта Дюрера (1471–1528), которые вдохновляли его всю оставшуюся жизнь. Знакомство с работами Дюрера пробудит в живописце безусловный интерес к немецкой средневековой художественной школе во всем ее многообразии, немецкому Возрождению. Он был вскормлен искусством позднего немецкого Средневековья и Средневекового Ренессанса и в отличие от своих друзей по «Мосту» не был ни во Франции, ни в Италии, ни в Англии.

Желание стать художником сложилось у Кирхнера к 18 годам. Тем не менее он окончил Дрезденскую высшую техническую школу (1901–1905) и получил диплом архитектора. Тогда же в этнографическом музее молодой человек открыл для себя искусство примитива, наложившее особый отпечаток на его творчество. В 1903–1904 Кирхнер учился в Мюнхенской художественной школе, познакомился с югендстилем, ходил по городским музеям, выставкам. Вернувшись в Дрезден, он обзавелся мастерской, в которой работал вместе с Блейлем. Эта мастерская притягивала к себе живописцев, искавших новые пути в искусстве. В творчестве художников «Моста» очень большое место заняла обрезная гравюра на дереве. Ее первооткрывателем внутри группы стал Кирхнер.

Основным мотивом для творчества живописца явилась обнаженная женская натура. Он наделял ее анатомическими неточностями, то неоправданно удлиняя фигуру, то слишком утоньшая талию или расширяя слишком низкие бедра, то укорачивая руки.

В 1937 произведения Кирхнера были признаны нацистами выродившимися, и 639 его работ изъяли из немецких музеев. Художник так никогда и не оправился от этого удара. Он все чаще прибегал к наркотикам, чтобы приглушить боль. Перебравшись в Швейцарию и уничтожив часть своих творений, 15 июня 1938 мастер покончил с собой.

Антон Файстауэр (1887–1930) Натюрморт с кофейными чашками 1912. Холст, масло. 71,5x74,5

Начиная с эпохи голландских мастеров (XVII век) жанр натюрморта становится творческой лабораторией многих живописцев. Зрительные впечатления от будничных предметов, внимательно, неторопливо рассмотренных мастером, позволяли ему плодотворно сосредоточиться непосредственно на самой живописи, поставив перед собой любой сложности художническую задачу. Скромный, второстепенный для большинства авторов жанр после опытов Сезанна по выявлению структуры изображаемого стал полноправным выражением художественного видения многих крупнейших мастеров XX века. Среди них был и Файстауэр, увлеченно следивший за новыми открытиями великого французского мастера.

«Натюрморт с кофейными чашками» Файстауэра — один из примеров того, как посредством сложной колористической разработки произведения на полотне строятся формы разнообразных предметов. Крепкий прямоугольник столешницы красного дерева, в плоскости которой отражается расставленный на нем кофейный сервиз, служит надежным основанием всей композиции. Свободными мазками автор по всей поверхности холста определяет фарфоровым чашкам, кофейнику, соуснику, фруктам — каждому цветовому пятну — свое место в гармонии изображаемого. Содержанием живописи становится выявление в разнообразных соотношениях и ритмах возникающей структуры формообразований, сохраняющих при этом реальный облик.

Антон Файстауэр (1887–1930) Дорога, ведущая в Дюрнштайн 1913. Холст, масло. 67,7x82,4

Пейзаж, занимавший в искусстве XIX века одно из ведущих положений, к XX веку уступил лидирующее положение. Файстауэр, находящийся под сильным впечатлением от живописи Сезанна, используя его новые открытия, написал картину «Дорога, ведущая в Дюрнштайн». Мощная охристая глыба дороги вздымается к изображенному вдали собору, яркому синему небу. Тщательно уравновешенный пейзаж безлюден. Неподвижными зелеными кулисами по краям дороги выстроились деревья и кусты. Сухой прозрачный воздух, резкие границы света и тени выявляют пластику предметов, делают ясными их очертания. Яркое солнце четко обрисовывает форму, выделяет существенное, уничтожая все эфемерное, неустойчивое.

Подобно Сезанну, художник не копирует окружающий мир, но черпает из природы формы, преобразуя натуру в художественный образ, проникая в глубинную суть ее пластического многообразия.

Антон Файстауэр (1887–1930) Женщина в черной шляпе 1917. Холст, масло. 66,2x50,2

Антон Файстауэр является одним из значимых представителей модернизма в австрийской живописи. Его образование началось в частной художественной школе в Вене (1904-1906), после которой молодой человек поступил в Венскую академию изобразительных искусств. Из нее он вышел в 1909, недоучившись. Вместе с Антоном Колигом (1886–1950), Робином Кристианом Андерсеном (1890–1969), Францем Вигеле (1887–1944) и Эгоном Шиле Файстауэр в знак протеста против академизма основал «Новую художественную группу». Тем не менее окончательного разрыва с традициями западноевропейского искусства в его творчестве не произошло, как было в случае экспрессионистов Шиле, Оскара Кокошки (1886–1980).

В погрудном портрете своей современницы автор увлечен не столько характеристиками модели — эстетическими, социальными, психологическими, — сколько стремлением найти сложные живописно-пластические решения полотна. Например, художник интересно справляется с письмом «черного на черном». Это всегда была сложная задача для живописцев, стремившихся зачастую просто избегать ее. Файстауэр насыщает черный цвет платья мазками и прописями смешанных синих, бордовых, коричневых тонов, создавая зрительный эффект переливающейся ткани. Плотный черный цвет шляпы подчеркнут ее светлым подбоем, обрамляющим лицо женщины. Пространство картины ограничивается плоскостью стены, увешанной картинами в тяжелых рамах за спиной модели. Задний фон написан свободными небрежными росчерками кисти неярких серо-бордовых тонов.

В годы Первой мировой войны живописец, как и многие его ровесники, был вынужден пройти службу в армии. Уволившись в запас по состоянию здоровья, он вместе с Шиле начал устраивать выставки, объединявшие произведения на военную тему.

Файстауэр сформировался как художник благодаря влиянию на него французского искусства. В своей живописи он отказался от декоративности сецессиона и следовал по пути, проторенному Полем Сезанном (1839–1906). Мастера интересовало раскрытие устойчивости сочетаний цветов и форм в природе. В этом он видел качественно новый этап развития старого европейского искусства. Творчество художника было признано при его жизни — он много выставлялся, его работами интересовались коллекционеры.

Макс Оппенгеймер (1885–1954) Портрет Тиллы Дюрье 1912. Холст, масло. 95,5x78,9

Макс Оппенгеймер, решивший стать художником довольно рано, поступил в Венскую академию изобразительных искусств в возрасте 15 лет. Свое образование он продолжил в 1903 в Академии искусств в Праге. В 1906 Оппенгеймер присоединился к кубистам «OSMA» («Восемь») — одной из первых художественных групп Чехии. Кроме того, в это время он испытывал интерес к импрессионизму и особенно к живописи немецкого мастера Макса Либермана (1847–1935). Переехав в 1908 в Вену, Оппенгеймер примкнул к экспрессионистическому кругу Шиле и Кокошки. Своим психологизмом последний оказал особое влияние на художника в его портретной живописи. Вдохновленность творчеством Кокошки была столь велика, что некоторые критики обвиняли Оппенгеймера в плагиате.

В 1930-е искусство Оппенгеймера подверглось гонениям со стороны нацистов. Имея все основания опасаться за свою жизнь — художник имел еврейские корни, — в 1939 он эмигрировал в Америку, где проводил эксперименты в области живописи до последних дней.

Среди произведений мастера, находящихся в коллекции Леопольда, имеется портрет знаменитой австрийской актрисы и писательницы Тиллы Дюрье (1880–1971). Она вдохновляла многих художников. Ее в разных образах запечатлели на своих полотнах такие живописцы, как Огюст Ренуар (1841–1919), Франц фон Штук (1863–1928). Трактуя образ Дюрье вслед за ними, будучи под впечатлением от произведений одного из основоположников орфизма, Робера Делоне (1885–1941), Оппенгеймер продемонстрировал результат синтеза кубизма и экспрессионизма. В этом портрете пространство передано абстрактно. Художник окружил фигуру актрисы ореолом света. Выразительность портрету добавляет жест, в который сложены руки Дюрье. Он создает впечатление, что модель танцует.

Альфонс Вальде (1891–1958) Альмен в марте (Лыжник). Около 1937. Холст, масло. 47x53,8

Архитектор, живописец и график Альфонс Вальде, чьи произведения вошли в золотой фонд тирольского искусства первой половины XX века, начал делать первые рисунки еще в школьные годы. С 1910 по 1914 он изучал архитектуру в Венском техническом университете и одновременно занимался живописью. Войдя в артистические круги Вены, познакомившись с Шиле, Климтом молодой мастер начал испытывать влияние творчества Фердинанда Ходлера (1853–1918). С 1911 Вальде демонстрирует свои работы на выставках, важнейшей из которых для того периода была выставка Венского сецессиона (1913). С 1914 по 1917 обучение живописца прерывается — он поступает в полк Императорских тирольских стрелков и участвует в сражениях.

Творчество Вальде неразрывно связано с тирольским городом Китцбюэлем. Здесь он выработал свой собственный изобразительный язык, создавая зимние горные пейзажи, портреты местных жителей. Основными характеристиками живописи художника являются пастозность и светоносность. Главный источник света для Вальде — солнце, заливающее почти все уголки его холстов. Мастер был в числе первых, кто ввел в мир изобразительного искусства образы спортсменов. Одним из его излюбленных по понятным причинам мотивов — Вальде жил в Альпах — являлся лыжный спорт.

Антон Колиг (1886–1950) В поисках солнца 1947. Холст, масло. 78,2x96

Антон Колиг — важнейшая фигура экспрессионизма Каринтии, одной из федеральных земель Австрии. В 1904-1907 он занимался живописью в Венской школе искусств и ремесел вместе с Кокошкой, затем перешел в венскую Академию, там учился у Генриха Лефлера (1863–1919), Рудольфа Бахера (1862–1945), Алоиза Делуга (1859–1930). В 1916 Колиг участвовал в Первой мировой войне, став полевым художником. Живописец получил несколько профессиональных наград, среди которых Золотая медаль за участие в выставке «Немецкое искусство», проходившей в Дюссельдорфе в 1928, а также Австрийская Государственная премия (1936). В 1930-е Колиг подвергся гонениям со стороны нацистов.

Главным мотивом творчества художника является обнаженная мужская натура. Его произведения, изображающие молодых людей, наполнены смутным желанием, силой и в то же время нежностью. Ню и автопортреты Колига являют собой психологические исследования, трактующие различные эмоциональные состояния.

В картине «В поисках солнца» из собрания музея Леопольда читается интерес мастера к творчеству лидера течения фовистов Анри Матисса (1869–1954): композиционное и колористическое решение работы отсылает зрителя к полотну этого французского художника под названием «Танец» (1909, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург).

А. Вальде. Крестьянская мать. 1930. Фрагмент

Следующий том

Коллекция кливлендского Музея искусства (США) насчитывает более 65 000 произведений со всего мира — предметы восточного и египетского искусства, выдающиеся живописные полотна Сандро Боттичелли, Микеланджело Меризи да Караваджо, Эль Греко, Питера Пауля Рубенса, Франса Халса, Герарда Давида, Джозеф Мэллорда Уильяма Тернера, Сальвадора Дали, Пьера Огюста Ренуара, Поля Гогена, Камиля Коро, Клода Моне, Винсента Ван Гога, Пабло Пикассо, Анри Матисса и других мастеров. Активен музей и в приобретении искусства второй половины XX века, в свое собрание он добавил несколько важных работ художников Энди Уорхола, Джексона Поллока, Христо Явашева, Франческо Клементе, Роберта Мангольда, Марка Танси.