Эдуар Мане

(1832–1883)

В 1870-х годах работы Мане неожиданно вошли в моду, и их стали покупать. Известный торговец картинами П. Дюран-Рюэль приобрел более двадцати его полотен, в том числе раннюю работу «Любитель абсента» и вызвавшую в свое время скандал картину «Молодой человек в костюме мачо».

Французский живописец, основоположник импрессионизма, Эдуар Мане родился в Париже, в семье судьи. Дядя Мане по материнской линии, полковник Фурье, с ранних лет прививал мальчику интерес к искусству: водил в Лувр и оплачивал учебу на факультативных занятиях в коллеже Роллен. Уже тогда у Эдуара появилось стремление к созданию портретов: вместо того чтобы выполнять копии с гравюр, Мане рисовал своих одногруппников, за что был отстранен от занятий на месяц.

Родителям не нравилось, что сын так увлекся искусством и не проявляет никакого интереса к юридическим наукам. Мане же решил стать художником, однако отец категорически запретил ему это. Не решаясь ослушаться отца, но и не желая заниматься нелюбимым делом, Эдуар решил стать моряком и предпринял попытку поступить в морское училище, но не смог удачно сдать экзамены. Несмотря на это, в 1847 году шестнадцатилетний Мане отправился в полугодовое плавание в качестве юнги, во время которого посетил Бразилию.

После возвращения в Париж юноша снова попробовал поступить в морское училище, но опять провалился на экзаменах.

Э. Мане. «Лола из Валенсии», 1862, Лувр, Париж

После этого отец Мане разрешил сыну продолжить обучение в одной из художественных мастерских. В 1850 году Эдуар поступил в мастерскую Т. Кутюра, где занимался шесть лет.

Академическая живопись, которой обучали в этой мастерской, не привлекала Мане. Его более интересовало творчество Джорджоне, Тициана, Х. Халса, Д. Веласкеса, Ф. Гойи, Э. Делакруа, О. Домье и Г. Курбе.

Именно их произведения оказали существенное влияние на формирование художественной манеры Мане. Он самостоятельно копировал их картины в Лувре, а все работы, выполненные за шесть лет обучения у Кутюра, уничтожил.

Одно из самых ранних полотен, дошедших до наших дней, было исполнено художником в возрасте 26 лет. Это «Любитель абсента» (1858–1859, Новая глиптотека Карлсберга, Копенгаген). Живописец послал эту картину на выставку в Салон, но комиссия не приняла ее.

В работах Мане, выполненных в 1860 году, заметно влияние его «луврских учителей», особенно Веласкеса. Наиболее удачными считаются «Мальчик с собакой» (собрание Гольдшмидт-Ротшильд, Париж), «Испанский певец», («Гитарреро», Метрополитен-музей, Нью-Йорк), «Портрет родителей» (Лувр, Париж), «Портрет мадам Брюне» (частное собрание, Нью-Йорк). Две из них — «Портрет родителей» и «Испанский певец» — были экспонированы в Салоне и получили положительные отзывы.

Э. Мане. «Чтение», 1868, Лувр, Париж

Мане продолжал искать свой путь, стремясь создать что-то оригинальное. В 1862 году он написал одну марину («Палуба корабля», Национальная галерея Виктории, Мельбурн), несколько натюрмортов («Гитара и шляпа», музей Кальве, Авиньон; «Устрицы», Национальная галерея, Вашингтон) и портреты («Викторина Мёран в костюме эспады», Метрополитен-музей, Нью-Йорк; «Лола из Валенсии», Лувр, Париж).

Примерно в это же время Мане создал произведение «Музыка в Тюильри» (Национальная галерея, Лондон). Это одновременно и пейзаж, и жанровая композиция, и групповой портрет, т. к. на полотне изображены многие известные люди того времени: композитор Ж. Оффенбах, поэт Ш. Бодлер, писатель и критик Т. Готье, критик З. Астрюк, живописец А. Фантен-Латур, а также брат самого Мане.

Э. Мане. «Портрет Берты Моризо с веером», 1874, Художественный институт, Чикаго

В 1863 году в жизни Мане произошло много событий. Он получил наследство, благодаря чему стал независимым в материальном отношении человеком, женился на пианистке Сюзанне Леенхоф, с которой жил уже несколько лет и которая еще в 1852 году родила ему сына Леона. В том же году прошла персональная выставка его работ в галерее Мартине и случился скандал в Салоне Отверженных, где был выставлен его знаменитый «Завтрак на траве» (1863, музей Орсе, Париж).

Кроме этой работы, в Салоне Отверженных были выставлены и другие полотна Мане: «Музыка в Тюильри», «Викторина Мёран в костюме эспады», «Молодой человек в костюме мачо». Над этими картинами насмехались, а «Музыку в Тюильри» едва удалось спасти, поскольку раздосадованные зрители хотели проткнуть полотно своими тростями и зонтиками. Что же касается «Завтрака на траве», то от него пришли в ужас не только публика, но и видавшие виды критики. Наполеон III, основавший Салон Отверженных и посетивший его, заявил, что «подобное произведение оскорбляет нравственность».

Художник разместил на полотне четыре фигуры: двух мужчин, одетых по моде, и двух обнаженных женщин; одна находится рядом с мужчинами, фигура второй видна на заднем плане. Зрителям не понравилось то, что мужчины были одеты, а женщины обнажены.

Э. Мане. «Портрет Лины Кампинеану», 1878, Галерея искусств Пельсона, Канзас-Сити

В следующем году художник отошел от создания портретов и написал несколько пейзажей и натюрмортов: «Бой „Кирседжа“ и „Алабамы“» (1864, Художественный музей, Филадельфия), «„Кирседж“ в Булони» (акварель — в Музее изящных искусств, Дижон; масло — в собрании Аделины Хэвмейер, Вашингтон), «Выход из Булонского порта» (1864, Художественный институт, Чикаго). В 1865 году Мане вынес на суд зрителей «Олимпию» (1863, музей Орсе, Париж). Наученный горьким опытом, художник не решился показать ее зрителям сразу же после завершения и выжидал два года. Но тем не менее встретили «Олимпию» ничуть не лучше, чем «Завтрак на траве»: и зрители, и пресса насмехались над творением Мане.

Вскоре после выставки живописец совершил непродолжительную поездку по Испании. В 1866 году он вернулся в Париж и продолжил прерванную работу. Первой картиной, которую художник написал после перерыва, явился «Флейтист» (Лувр, Париж), где изображена Викторина Мёран.

Э. Мане. «Портрет мадам Золя», 1879–1880, Лувр, Париж

В последующие годы Мане выполнил несколько жанровых картин и портретов своих друзей. Наиболее известной работой этого периода является «Портрет Эмиля Золя» (1868, музей Орсе, Париж). Создавая портрет этого талантливого писателя, Мане не ставил своей целью показать его сложный внутренний мир. Вместо этого художник стремился выразить умение своего героя идти к намеченной цели, его правдивость, решительность.

Достаточно подробно живописец изобразил и интерьер кабинета Золя: стол с белой фарфоровой чернильницей, множество книг в коричневых, зеленых, желтых и голубых переплетах, кресло, обитое яркой сине-розовой узорчатой тканью, японскую ширму.

На стенах кабинета висят репродукции «Олимпии» самого Мане и «Вакха» Веласкеса. Каждая деталь этой комнаты говорит об ее владельце, о его интересах, пристрастиях.

Нередко Мане слишком увлекался изображением интерьера, забывая о своей модели. Впоследствии Золя вспоминал: «Часто, когда он отрабатывал какую-нибудь второстепенную деталь, я хотел отдохнуть от позирования и подавал ему дурной совет — писать без меня. „Нет, — отвечал он мне, — я не могу ничего сделать без натуры. Я не умею выдумывать! …Если я теперь стою чего-нибудь, я обязан этим точной передаче и строгому анализу натуры“».

Э. Мане. «Девушка на скамейке», 1879, частное собрание, Нью-Йорк

Э. Мане. «Портрет Стефана Малларме», 1876, Лувр, Париж

Известно, что многие художники писали портреты, не видя перед собой натуру постоянно. Некоторые лишь делали наброски с модели, а впоследствии создавали портреты, пользуясь облаченными в необходимую одежду манекенами или просто полагаясь на свою память.

Мане писал иначе. Он должен был наблюдать натуру с первой и до последней минуты создания портрета.

Если же художника не удовлетворяли какие-либо детали, он продолжал работать, менять, дополнять что-то. Так, например, создавался «Портрет Дюре» (Пти-пале, Париж).

Мане довольно быстро написал Дюре в сером костюме, и тот полагал, что портрет уже окончен.

Живописец же продолжал работу: он поставил рядом со своей моделью табуретку с обивкой гранатового цвета, затем поместил рядом книгу в светло-зеленом переплете, графин с водой, лимон, лакированный поднос. Вот как описывает эти сеансы сам Дюре: «С удивлением наблюдая за этими постепенными дополнениями и спрашивая себя об их причине, я понял, что вижу наяву в действии его органическую, инстинктивную манеру — видеть и ощущать. Очевидно, картина с ее серым тоном и монохромностью не удовлетворяла его. Ему не хватало цвета, который насыщал бы и радовал глаз, и, не введя его в картину раньше, он все же ввел его в виде этого натюрморта».

В том же 1868 году Мане написал портрет «Чтение» (Лувр, Париж), на котором изобразил свою жену и сына Леона. Мадам Мане сидит, удобно устроившись на диване. Она является центральной фигурой композиции, художник стремится наиболее полно изобразить ее и ту спокойную домашнюю обстановку, в которой находится эта женщина. Что касается Леона, то он как будто бы случайно возник в комнате.

Зритель видит только его профиль и руки, в одной из которых он держит книгу. Но если в «Чтении» присутствие Леона имеет второстепенное значение, то в картине «Завтрак в ателье» (1868, Баварское государственное собрание, Мюнхен) сыну художника отведено центральное место.

В июле 1870 года началась франко-прусская война, и Мане поступил добровольцем в Национальную гвардию. К этому периоду относятся его произведения «Баррикада» (1871, музей изобразительных искусств, Будапешт), «Расстрел коммунаров» (1871, Музей Фолькванг, Эссен) и др.

В конце жизни художник увлекся пейзажами, стал писать марины и виды портов. Но на протяжении всего творческого пути он не оставлял работы над портретами. Мане создал цикл портретов, посвященных художнице Берте Моризо («Берта Моризо с фиалками», 1872, частное собрание, Париж; «Портрет Берты Моризо с веером», 1874, Художественный институт, Чикаго и др.). Среди множества работ, исполненных в 1870–1880-х годах, можно выделить «Портрет Стефана Малларме» (1876, Лувр, Париж), «Портрет Лины Кампинеану» (1878, Галерея искусств Пельсона, Канзас-Сити), «Девушка на скамейке» (1879, частное собрание, Нью-Йорк), «Портрет мадам Золя» (1879–1880, Лувр, Париж).

 

Джеймс Уистлер

(1834–1903)

Уистлер, часто приезжавший в Париж, был тесно связан с художниками Франции. Т. Дюре писал: «Уистлер был американцем по рождению и французом по своему художественному образованию и симпатиям, французо-американцем он остался до конца жизни, несмотря на то что долго жил в Лондоне».

Англо-американский живописец и график Джеймс Уистлер (полное имя — Джеймс Эббот Мак-Нейл) родился в Лоуэлле, штат Массачусетс. В 1842 году вместе со своими родителями Джеймс оказался в России, куда его отец был приглашен в качестве инженера на строительство железной дороги, соединившей Петербург и Москву. В Петербурге Уистлер некоторое время посещал Академию художеств. В 1849 году умер глава семьи, и мать с сыном вернулись в США.

В 1855 году Джеймс навсегда оставил родину и уехал во Францию. В течение двух лет он обучался в парижской студии Ш. Глейра, где познакомился с Г. Курбе и Э. Мане. В 1863 году в Салоне Отверженных появилась первая крупная работа молодого художника — портрет, получивший название «Симфония № 1 — девушка в белом» (1862, Национальная галерея искусства, Вашингтон). Это полотно вызвало шквал резких обвинений в адрес живописца со стороны буржуазных критиков. В конце 1850-х годов Уистлер переехал в Лондон, но продолжал часто приезжать в Париж.

Лучшие свои портреты Уистлер написал в 1860-1870-е годы. Эти реалистичные образы отмечены искренним чувством симпатии автора к своим моделям («Девочка в белом», 1864, галерея Тейт, Лондон; «Аранжировка в сером и черном № 1 — портрет матери», 1871, музей Орсе, Париж; «Композиция серого с черным», 1872, галерея, Глазго). Такие необычные названия портретов («Симфония в синем», «Аранжировка в сером и черном» или просто «ноктюрн», «симфония», «гармония») объясняются прирожденной музыкальностью Уистлера, а также его желанием обратить внимание зрителя на сложные красочные созвучия, помогающие мастеру создавать поэтичные и искренние образы.

Дж. Уистлер. «Гармония серого с зеленым — портрет мисс Сайсли Александер», 1872–1873, галерея Тейт, Лондон

Хотя в становлении Уистлера как художника большую роль сыграла французская школа, в его портретах ощущаются традиции американской реалистической живописи.

Особенно заметны они в «Портрете матери» (1871, Лувр, Париж), отличающемся ясным и уравновешенным композиционным строем. Картина восхищает своим гармоничным колоритом, выдержанным в серебристо-серых и черных тонах.

Не менее хороши и многие другие портреты, написанные Уистлером в 1870-х годах («Портрет Карлейля», 1872, Художественная галерея, Глазго; «Гармония серого с зеленым — портрет мисс Сайсли Александер», 1872–1874, галерея Тейт, Лондон).

Отличительные черты произведений, созданных мастером в 1880–1890-х годах, — изящный рисунок, тончайшие цветовые градации и расплывчатость объемов, идущая от искусства импрессионистов.

 

Эдгар Дега

(1834–1917)

Эдгар Дега большое значение уделял позам своих моделей. «Нужно делать портреты людей в непринужденных и типичных для них положениях; а главное, нужно, чтобы выражение лица соответствовало позе», — утверждал художник.

Французский художник и график Эдгар Илер Жермен Дега родился в Париже. Решив заниматься живописью, он в 1855 году поступил в Школу изящных искусств в Париже, где обучался в классе Ламота. Более всего Дега интересовало творчество Делакруа, Курбе и особенно Энгра. Как и Энгр, он придавал большое значение рисунку, линии. На формирование художественной манеры Дега, особенно концепции портрета, повлияли его поездки в Италию. Первый раз Эдгар отправился туда в 1856 году и прожил там два года, изучая творчество художников Возрождения. В особенности Дега привлекали красочные, яркие работы П. Веронезе и А. Мантеньи.

Ранние работы Дега — это автопортреты и портреты членов семьи. Наиболее удачными считаются «Автопортрет» (1854–1855, Лувр, Париж) и портрет брата Аншиля (1855, Национальная галерея, Вашингтон).

Э. Дега. «Портрет семейства Беллели», 1858–1862, Лувр, Париж

Один из исследователей творчества Дега писал: «…в основе его рисование так же классично, как Энгра, но… он создал искусство познавательное, соотносимое с Гонкуровским и могущее соперничать подчас с любой страницей Бальзака. С изумительным чутьем он следует за каждым изгибом, каждой характерной неправильностью, вычерчивая на полотне самую душу своей модели. Он пишет портреты только тех, кто хорошо ему известен, ибо часть его метода — изображать модель в привычном ей окружении. Ему не нужны театральные занавесы, балюстрады и традиционные позы. Он наблюдает модель до тех пор, пока не изучит все оттенки ее выражения и не передаст их с такой точностью и доброй проницательностью, что обнажит самое сокровенное в человеке».

Находясь в Италии, Дега также писал портреты своих родственников, которых у художника было здесь очень много. Создавая портреты, он старался наиболее верно изображать черты лица своих моделей, что ему прекрасно удавалось. С такой же точностью он передавал и состояние их души, внутренний мир, мысли и чувства. Таков портрет его деда, Рене-Илере Дега (1857, Лувр, Париж).

Дега много рисовал. Иногда рисунки служили ему набросками к картинам, но, как правило, они являлись самостоятельными произведениями («Портрет Рене Дега в десятилетнем возрасте», 1855, частное собрание, Нью-Йорк). Часто для придания рисунку большей выразительности художник проходил по нему пастелью или делал несколько мазков акварелью.

Написав множество портретов своих родственников, Дега решил увековечить их на групповом портрете. Художник сделал предварительный рисунок, который вышел весьма удачным. После этого он приступил к выполнению своей первой многофигурной композиции под названием «Портрет семейства Беллели» (1858–1862, Лувр, Париж). Сегодня эту картину называют переходной от первого (раннего) ко второму (зрелому) этапу его творчества.

Э. Дега. «Дама с хризантемами (Портрет мадам Эртель)», 1865, Метрополитен-музей, Нью-Йорк

Э. Дега. «Портрет молодой женщины», ок. 1867, Лувр, Париж

В одном из писем Дега сообщал о том, как создавал это полотно.

Первоначально он собирался написать своих родственниц по линии отца: тетю Лауру Беллели и двух ее дочерей — Джулию и Джованну: «Я начал портрет тети и моих двух маленьких кузин… Я пишу его как картину… Мои две маленькие кузины очаровательны. Старшая просто маленькая красавица, младшая умна, как бес, и добра, как ангел. Я пишу их в черных траурных платьях с белыми фартучками, что им удивительно идет… Я хотел бы соединить естественность и грацию с каким-то благородством».

Дега трудился над этой картиной, находясь в Италии, но не успел ее закончить. В 1859 году он вернулся во Францию, захватив с собой несколько рисунков и этюдов маслом, чтобы иметь возможность продолжить работу. В следующем году, вновь приехав в Италию, художник дополнил композицию портретом дяди.

В 1861 году Дега завершил огромную картину, размеры которой составляли 200 х 250 см. В левой части полотна он поместил Лауру Беллели, изобразив ее в полный рост в черном платье. Тете художника уже за сорок, у нее некрасивое лицо и широко посаженные глаза, но во всей фигуре чувствуется что-то величественное, гордое. Дядя, муж Лауры Беллели, сидит в кресле, повернувшись к зрителю спиной. Его светло-серый костюм контрастирует с темным платьем супруги. Лицо видно в профиль, его контур слегка размыт, а поза как будто бы говорит о переходе от одного состояния к другому. Джулии и Джованне было около десяти лет. Старшая дочь, Джованна, спокойно стоит рядом со своей матерью, которая обнимает ее за плечи. Младшая, Джулия, сидит на стуле, поджав под себя одну ногу. Во всей ее позе чувствуется подвижность и темперамент.

Э. Дега. «Дезире Дио с оркестром», 1868–1869, Лувр, Париж

Подробно художник изобразил и элементы интерьера той комнаты, где расположилась семья: камин с мраморной крышкой, часы, бронзовый подсвечник, подносы, зеркало, в котором отражается дверь и картина. Стены комнаты оклеены голубыми обоями с цветочками, на полу лежит ковер желто-голубоватой расцветки. В то время многие художники и писатели стремились к детальному изображению окружающей обстановки, быта, стремясь таким образом передать характеры своих персонажей. Один из друзей Дега однажды заявил: «Описывая интерьер, зачастую ведешь рассказ о частной жизни человека или семьи».

В начале 1860-х годов Дега написал несколько полотен на исторические сюжеты («Спартанские девушки вызывают на состязание юношей», 1860, институт Курто, Лондон), а затем снова вернулся к портретам. В 1865 году он создал «Даму с хризантемами», или «Портрет мадам Эртель» (Метрополитен-музей, Нью-Йорк). Художник изобразил мадам с таким огромным букетом желтых и сиреневых хризантем, что они наполовину заслонили фигуру женщины. Сама мадам, одетая в серое платье с черно-синим бантом, задумалась и смотрит в сторону, а не на зрителя. Эта работа также интересна своим непривычным композиционным решением: фигура женщины не занимает центрального положения — она немного смещена вбок.

Лучшие работы Дега были написаны им во второй половине 1860-х и в 1870-х годах, в период наибольшего творческого расцвета художника. Он выполнял портреты своих родственников, друзей, коллег. Для всех его произведений характерно то, что ни один из персонажей не подавляет других. Каждый из изображенных на портрете обладает собственной индивидуальностью, в каждом художник мог разглядеть и показать зрителю что-то характерное.

Особенно интересны двойные портреты, на которых живописец словно сравнивает двух различных людей, стремясь показать, что между ними есть общего и в чем состоит различие («Портрет Мане с женой», 1865, частное собрание, Япония; «Портрет четы Морбилли», 1867, Музей изящных искусств, Бостон). К этому же периоду относятся «Портрет молодой женщины» (ок. 1867, Лувр, Париж) и «Портрет Жюля Перро» (вторая половина 1870-х, частное собрание).

Одним из самых выдающихся произведений считается «Дезире Дио с оркестром» (1868–1869, Лувр, Париж). Эта картина небольшая — всего 56 х 46 см, но на полотне такого размера Дега смог разместить много персонажей. Он изобразил оркестровую яму с музыкантами, среди которых находится и фаготист Дезире Дио; фигуры музыкантов и танцовщиц на сцене срезаны, что усиливает достоверность изображения. Картина производит впечатление фрагмента какой-то оперы, когда каждый из участников представления занят своим делом. Среди оркестрантов — самые разнообразные люди и по комплекции, и по характеру, но при взгляде на полотно сразу становится понятно, что центральное место в композиции занимает именно Дио.

На большинстве полотен Дега изображены родственники и те, кого художник хорошо знал. Он считал, что писать посторонних людей — то же самое, что узнать неизвестную страну за короткий промежуток времени. «Мгновенное восприятие — это фотография, и ничего больше», — говорил художник. И тем не менее иногда он делал персонажами своих произведений неизвестных ему людей. Таковы работы «Мисс Лала в цирке Фернандо» (1879, Национальная галерея, Лондон) и «Гладильщицы» (ок. 1884, музей Орсе, Париж).

Э. Дега. «Портрет Жюля Перро», вторая половина 1870-х, частное собрание

Художник часто посещал танцевальные классы в Опере. Здесь он черпал идеи для своих будущих картин. Кому не известны легкие, тонкие, воздушные фигурки балерин, парящие в воздухе во время танца. Начиная с 1870-х годов балерины стали постоянными персонажами его произведений («Две танцовщицы на сцене», 1874, Галерея института Курто, Лондон; «Танцевальный класс», 1873–1875, музей Орсе, Париж; «Танцовщицы на репетиции», 1879, ГМИИ, Москва; «Танцовщица на сцене», 1878; «Голубые танцовщицы», 1890, обе — в музее Орсе, Париж).

Третий период творчества художника приходится на 1880–1890-е годы. У него начало ухудшаться зрение, но, несмотря на это, Дега не прекращал работу. Большинство портретов мастера данного периода выполнено пастелью («Портрет Габриэль Дио», 1890, местонахождение неизвестно).

 

Анри Фантен-Латур

(1836–1904)

Славу французскому живописцу Анри Фантен-Латуру принесли не только его знаменитые групповые портреты, изображавшие известных художников, критиков, поэтов, философов, но и натюрморты («Свадебный натюрморт», 1869, Музей изящных искусств, Гренобль), а также аллегорические и символические композиции («Годовщина», 1876, Музей изящных искусств, Гренобль; «Наяда», ок. 1896, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Сюжеты многих картин были навеяны музыкой Вагнера, Берлиоза, Шумана, Брамса.

Французский живописец и график Анри Фантен-Латур (полное его имя — Анри Иньяс Жан Теодор) родился в Гренобле, в семье художника Теодора Фантен-Латура, ставшего его первым учителем. Позднее юноша отправился в Париж, где начал заниматься в Школе рисунка Лекока де Буабордана.

Средства к существованию Фантен-Латур получал, делая по заказу покупателей копии с картин известных художников в Лувре и в Люксембургском дворце.

Ранние работы Фантен-Латура свидетельствуют о влиянии Г. Курбе и Э. Делакруа. В зрелых творениях ощущается неповторимая живописная манера художника. Наряду с аллегорическими и символическими картинами, значительное место в его творчестве занимают портреты («Две сестры», 1859, Королевский музей изящных искусств, Антверпен; «Эдуар Мане», 1867, Художественный институт, Чикаго; портрет четы Эдвардс, 1875, Национальная галерея, Вашингтон; портрет мадам Фантен-Латур, 1877, Музей изящных искусств, Гренобль; «Чтение», 1877, Музей изящных искусств, Лион). Особый интерес вызывают групповые портреты мастера, представляющие собой целую галерею образов художников и писателей («Слава Делакруа», 1864; «Ателье в Батиньоле», 1870).

Одна из самых значительных работ Фантен-Латура — «Слава Делакруа». По-французски ее название звучит как «Hommage a Delakroix», что можно перевести как «Слава Делакруа», «Апофеоз Делакруа», «В честь Делакруа».

На картине представлены критики и художники, собравшиеся у портрета Делакруа. Среди них: Дюранти, Легро, Шанфлери, Бодлер, Уистлер, Мане и сам Фантен-Латур. Портрет знаменитого романтика на полотне стал своеобразным символом новаторства в искусстве, а изображенные рядом люди — наследники традиций великого мастера, умершего в 1863 году.

Подобный тип портрета существовал и прежде, но он был призван славить короля или духовных лиц. Фантен-Латур отдает дань уважения личности, связанной с искусством, а не с церковной или государственной властью.

Почти с фотографической точностью художник воспроизвел своих современников, застывших в спокойных и торжественных позах.

На полотне «Ателье в Батиньоле» также изображены художники и критики. Внимание зрителя прежде всего обращается к фигуре Эдуара Мане, сидящего перед мольбертом с палитрой и кистью. Его окружили молодые живописцы: Моне, Базиль, Ренуар, Мэтр, Шольдерер, а также критики — Золя и Астрюк.

А. Фантен-Латур. «Угол стола», 1872, музей Орсе, Париж

Знаменитый художник представлен Фантен-Латуром и на «Портрете Мане» (ок. 1867, Художественный институт, Чикаго).

Всегда выглядевший элегантно, Мане предстает на полотне в высоком цилиндре и в строгом светло-сером костюме, с тростью в руках.

Создавая свои портреты, Фантен-Латур не стремился к проникновению в глубину внутреннего мира моделей. Для него было важно показать духовную близость людей, художников-единомышленников, о чем свидетельствуют его групповые портреты.

Позднее Фантен-Латур продолжал создавать групповые портреты («Угол стола», 1872; «За фортепьяно», 1885, все — в музее Орсе, Париж), но, выполненные по прежней схеме, они не внесли в портретную живопись ничего нового.

 

Ян Матейко

(1838–1893)

Матейко написал несколько портретов своей жены, но под влиянием начинающейся психической болезни она уничтожила лучшее полотно, на котором была изображена в подвенечном платье. До наших дней сохранился другой ее портрет, тоже в подвенечном платье, над которым художник трудился с 1865 по 1879 год.

Выдающийся польский живописец Ян Матейко родился в Кракове, в семье учителя музыки. В 1852–1858 годах он обучался в Школе изящных искусств. После ее окончания, будучи уже зрелым художником, он некоторое время учился в Мюнхене и Вене.

Еще в Кракове Матейко активно интересовался историей своей страны, поэтому большинство его работ написано на исторические сюжеты. Первой композицией явилась «Проповедь Скарги» (1864). Среди многочисленных картин художника можно отметить «Браторий под Псковом» (1872), «Битва под Грюнвальдом» (1878), «Вассальская присяга Пруссии» (1882), все они хранятся в Национальном музее, в Варшаве. В 1872 году Матейко исполнил произведение «Коперник», являющееся одновременно и исторической картиной, и портретом.

В 1889 году живописец начал работу над циклом «Портреты князей и королей польских», которую закончил только через год. При создании портретов он пользовался историческими документами, поэтому картины получились достоверными, хотя и слегка идеализированными.

Я. Матейко. «Портрет дочери художника Беаты», 1882, Национальный музей, Варшава

Я. Матейко. «Автопортрет художника», 1892, Национальный музей, Варшава

Более удачными считаются портреты современников художника. Большинство из них выполнено с предельной точностью и выразительностью. Матейко писал членов своей семьи («Отец художника с дочерьми», 1853–1854, дом Матейко, Краков; «Портрет дочери художника Беаты», 1882, Национальный музей, Варшава) или представителей семей Гебултовых и Серафиньских, которые тоже являлись его родственниками, друзей. Кроме того, он создал галерею портретов представителей польского аристократического общества конца XIX века. Матейко написал портреты ректоров Ягеллонского университета — Ю. Шуйского и С. Тарновского, государственных и городских сановников, например президента города Зыблиткевича (1887, Национальный музей, Краков) и наместника Галиции графа А. Потоцкого (1890, Национальный музей, Краков).

Довольно часто мастер писал и автопортреты, иногда даже придавал свои черты персонажам на исторических полотнах.

Одно из таких произведений, «Автопортрет с ринграфом», было исполнено художником в 1892 году. Матейко, одетый в темный костюм, сидит в кресле с красной обивкой. Его лицо выражает тревогу, напряжение, борьбу и сомнения, которые он так и не смог разрешить.

 

Поль Сезанн

(1839–1906)

Поль Сезанн дружил с писателем Эмилем Золя, с которым познакомился еще в детстве. Их отношения были превосходными, пока Золя не написал роман «Творчество» (произведение о художнике). Главный его герой осознавал, что у него нет таланта, и это привело его к самоубийству. Некоторые полагали, что Золя написал роман о своем друге Сезанне.

Французский художник-постимпрессионист Поль Сезанн родился в Экс-ан-Провансе. В 1856 году он поступил в Муниципальную школу рисования, где проучился четыре года. Его отец всегда высказывался против того, чтобы сын занимался живописью, но тем не менее на одном из первых портретов изображен именно он. В 1860 году Сезанн начал работу над этим полотном, закончить которое смог только через три года («Портрет Луи-Огюста Сезанна, отца художника», Национальная галерея, Лондон).

В 1861 году Сезанн переехал в Париж. В течение пяти лет он посещал академию Сюиса, где познакомился с Писсарро и Гийоменом. В свободное время он ходил в Лувр и изучал работы выдающихся художников, выставленные там.

На протяжении всей жизни направление творчества Сезанна неоднократно менялось. В его ранних работах, например в произведении «В комнатах» (1860-е, ГМИИ, Москва), присутствуют барочные традиции. Художник стремился акцентировать внимание зрителей на том, что он считал наиболее важным, используя для этого самые разнообразные средства. В конце 1860-х годов работы живописца стали более сдержанными и строгими. Таковы полотна «Девушка у пианино» (Эрмитаж, Санкт-Петербург) или «Увертюра к „Тангейзеру“» (1867–1869, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Тогда же художник обратился к автопортрету.

В 1870-х годах Сезанн писал картины в стиле импрессионизма.

П. Сезанн. «Автопортрет», ок. 1880–1882, Национальная галерея, Лондон

Представленные художником образы стали более реальными, он достиг мастерства в изображении света и пространства, стал интересоваться правилами колорита. Большинство произведений этих лет исполнены в жанре пейзажа. В 1877 году Сезанн работал в Понтуазе и Овере и обратился к натюрмортам («Букет цветов в вазе», Эрмитаж, Санкт-Петербург).

На протяжении всей жизни художник использовал различные жанры. Он писал не только пейзажи и натюрморты, но и картины на бытовые и религиозные темы («Искушение св. Антония», ок. 1869–1870, собрание Э. Г. Бюрле, Цюрих). Неоднократно обращался живописец и к жанру портрета: «Портрет Ашиля Амперера» (1866–1868, частное собрание), «Автопортрет в каскетке» (ок. 1873–1875, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Портрет Виктора Шоке» (1876–1877, частное собрание).

П. Сезанн. «Автопортрет», ок. 1880–1881, Лувр, Париж

Одной из самых интересных работ этого периода считается «Автопортрет на розовом фоне» (1873–1876, частное собрание, Париж). Вот какое впечатление он производил на тех, кто был лично знаком с художником: «В лице невероятное напряжение и в то же время оно выражает примитивнейшее безграничное удивление… Сосредоточенный взгляд немигающих глаз указывает на чисто животную внимательность бодрствующего сознания. А как величаво и как бескорыстно это созерцание, видно из того, что художник… написал свое лицо со смиренной объективностью и серьезной заинтересованностью».

Большинство портретов создано Полем Сезанном в 1880-х годах. Он исполнил еще несколько автопортретов («Автопортрет», начало 1880-х, ГМИИ, Москва; «Автопортрет с палитрой», ок. 1885–1887, собрание Э. Г. Бюрле, Цюрих). Кроме того, живописец написал портреты своей жены и сына («Жена художника, сидящая в кресле», ок. 1881–1882, собрание Э. Г. Бюрле, Цюрих; «Поль, сын художника», 1885, Национальная галерея, Вашингтон).

 

Фредерик Базиль

(1841–1870)

Жизнь Фредерика Базиля была очень короткой: призванный во время франко-прусской войны на фронт, он погиб в бою под Бон-ла-Роландом. Но творчество этого талантливого художника, автора поэтичных, полных воздуха и света пейзажей и одухотворенных портретов, оставило свой след в искусстве Франции.

Французский живописец Жан Фредерик Базиль родился в Монпелье, в семье банкира. В 1862 году он приехал в Париж и начал обучаться в студии Ш. Глейра. В столице молодой художник сблизился с П. Сезанном, А. Гийоменом, А. Сислеем, К. Моне и О. Ренуаром. С двумя последними его связывала дружба. Моне запечатлел художника на своем полотне «Завтрак на траве». Сам Моне был изображен Базилем в композиции «Импровизированный госпиталь» (1864, музей Орсе, Париж).

На формирование молодого живописца повлияли такие мастера, как Э. Делакруа, Г. Курбе, К. Коро, Э. Мане, представители барбизонской школы.

В творчестве Базиля есть множество пейзажей, показывающих красоту Нормандии, Центральной и Южной Франции. Изображения природы занимают значительное место и в портретных работах. Так, полотно «В деревне» (1868, музей Фабр, Монпелье) по своей сути является портретом молодой женщины на фоне летнего солнечного пейзажа.

Полон тонкого лиризма и поэзии изящный портрет кузины Базиля Терезы де Хор, известный под названием «Розовое платье» (1864, Лувр, Париж). Образ очаровательной девушки, одетой в розовое, гармонично вписывается в пейзаж, пронизанный теплым светом.

Живописец стремится подчеркнуть благородство облика своих моделей, их высокую духовность («Портрет О. Ренуара», 1867, Музей изящных искусств, Алжир).

В 1868 году Базиль показал в Салоне картину «Семейный портрет» (1868, музей Орсе, Париж). Художник изобразил своих родственников и самого себя (он крайний слева) на террасе в усадьбе Мерик в Южной Франции. К сожалению, здесь ему не удалось достичь гармонии при соединении пейзажа и человеческих фигур, выделенных четкими контурами. Светотеневая моделировка форм говорит о том, что полотно было написано в мастерской, а не на открытом воздухе.

Ф. Базиль. «Семейный портрет», 1868, музей Орсе, Париж

Позы и жесты, а также выражения лиц портретируемых естественны, и тем не менее в размещении фигур на картине чувствуется некоторая композиционность. Кажется, что модели смотрят в объектив невидимого нам фотоаппарата.

В «Семейном портрете» ощущается близость к живописи Мане, в частности к таким его работам, как «Завтрак на траве» и «Музыка в Тюильри». Но, в отличие от этих произведений, картина Базиля — не пейзаж и не тематическая композиция, а именно портрет.

По своей образной трактовке «Семейный портрет» напоминает групповые портреты Фантен-Латура. Как и последний, Базиль стремится передать не индивидуальность портретируемых, а их общность. Но если у Фантен-Латура эта общность состоит в духовной близости художников-единомышленников, то у Базиля ярко выраженная сдержанность в лицах и жестах моделей говорит об их принадлежности к старинному аристократическому роду, из которого вышел и сам художник.

В духе группового портрета в интерьере написана и «Мастерская на улице Ла Кондамин, 9 в Париже» (1870, музей Орсе, Париж).

 

Огюст Ренуар

(1841–1919)

Женские портреты Ренуара занимают особое место в живописи импрессионистов. Сам художник в конце жизни говорил: «…я думаю, что из моих работ останется достаточно, чтобы обеспечить мне место во французской школе — …любезной, светлой, компанейской и не очень шумной».

Выдающийся французский импрессионист Пьер Огюст Ренуар родился в Лиможе. Свою карьеру художника он начал с того, что расписывал фарфор. Переехав в Париж, он поступил в мастерскую Глейра, где познакомился с Ф. Базилем, К. Моне и А. Сислеем. В работах Ренуара раннего периода чувствуется влияние Г. Курбе; в то же время уже заметно, что картины написаны сложившимся мастером. Его полотна можно было отличить от произведений других импрессионистов по более светлой, пастельной цветовой гамме («Харчевня матушки Антони», 1866, Национальный музей, Стокгольм).

Из ранних работ наиболее удачными считаются «Портрет Базиля» (1867, Лувр, Париж) и особенно «Портрет Альфреда Сислея с женой» (1868, музей Вальраф-Рихартц, Кёльн). При взгляде на него возникает «отличное представление о внимательном и сердечном отношении Сислея к жене и ко всем женщинам вообще. Мадам Сислей не только выражением лица, но и всей своей позой лучше всяких объяснений передает счастливую доверчивость, какой она отвечает на внимание этого обходительнейшего человека».

О. Ренуар. «Портрет Анриетт Анрио», 1876, Национальная галерея, Вашингтон

О. Ренуар. «Портрет Жанны Самари», 1877, ГМИИ, Москва

Ренуар много работал на пленэре вместе с другими импрессионистами, чаще всего с Моне. Благодаря совместной работе живописец изучил технику Моне (изображение отдаленных объектов) и использовал ее при написании пейзажей с человеческими фигурами («Купание на Сене», ок. 1869, ГМИИ, Москва; «Тропинка в высокой траве», 1874, музей Орсе, Париж; «В саду», ок. 1875, ГМИИ, Москва; «Сена в Аржантее», 1876, частное собрание; «Качели», 1876, музей Орсе, Париж; «Эстак», 1882, Музей изящных искусств, Бостон). Портретов в это время Ренуар почти не писал; лишь в 1872 году он создал «Портрет Клода Моне» (частное собрание) и «Портрет Клода Моне за чтением» (музей Мармоттан, Париж).

В середине 1870-х годов художник снова вернулся к написанию портретов. Он выполнил два произведения: «Портрет Анриетт Анрио» (1876, Национальная галерея, Вашингтон) и «Портрет Жанны Самари» (1877, ГМИИ, Москва). Обе картины в числе прочих работ были показаны на выставке 1877 года. Обеих этих женщин-актрис художник писал неоднократно. Анриетт Анрио изображена на голубом фоне; контуры кажутся размытыми, но постепенно они становятся все более отчетливыми, и зритель видит лицо актрисы с карими глазами, темными бровями и рыжевато-каштановыми волосами. Картина написана четкими, но как будто бы растворяющимися друг в друге мазками, с помощью которых художнику довольно точно удалось передать форму и движение. В той же манере исполнен и портрет Жанны Самари.

В 1878 году Ренуар написал «Портрет мадам Шарпантье с дочерьми» (Метрополитен-музей, Нью-Йорк). Благодаря этой работе мастер наконец-то смог добиться официального признания.

Взглянув на полотно, зритель словно попадает в дом книготорговца и мецената Шарпантье. Художник с большой точностью изобразил богатый интерьер с преобладающими в нем красно-желтыми теплыми цветовыми сочетаниями. Мадам Шарпантье сидит на диване, одетая в темно-синее платье, рядом с ней находится и младшая дочь. Старшая дочь уселась на собаку, лежащую тут же, на ковре. Художник изобразил всех троих в естественных, непринужденных позах.

За этой работой последовали другие: «На террасе (Портрет актрисы Дардо с ребенком)» (1879, Художественный институт, Чикаго), «Девушка с веером» (ок. 1881, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Молодая женщина» (1900, частное собрание). Ренуар создал галерею женских портретов, не похожих ни на какие другие.

О. Ренуар. «Портрет Виктора Шоке», 1870-е, частное собрание, Винтертур

О. Ренуар. «На террасе», 1879, Художественный институт, Чикаго

Г. Жеффруа, восхищаясь столь оригинальными образами, писал: «Женщины Ренуара! Этот возглас всегда срывается с губ, когда стоишь перед портретами тех, кто обязан художнику своей жизнью в искусстве. У каждой в глазах и на устах трепещет нечто странное и бессознательное, как бывает, когда женщина смотрит обновленным взглядом на окружающее, когда улыбаются ее губы, жаждущие поцелуя или готовые спеть песню. Взгляд, одновременно нежный и острый, скользит между ресниц… Характерной чертой ренуаровской женщины являются маленький прелестный и упрямый лоб и несколько тяжелый, чувственный подбородок. В портретах… он находит эти нравящиеся ему детали, он видит в них живые проявления женственности».

Художник писал и мужские портреты, однако следует признать, что они во многом уступают женским. Наиболее удачным считается портрет Виктора Шоке, служащего таможенного управления. Ренуар писал его два раза. Один из портретов хранится в музее Форг, в Кембридже, США, второй — в частном собрании в Винтертуре.

В последние годы жизни художник все чаще стал работать пастелью. Тогда же он увлекся созданием детских портретов. Он писал детей с игрушками, животными или музыкальными инструментами, в домашней обстановке или на природе. С большим мастерством он изображал гладкую, фарфоровую кожу своих моделей, ясный и открытый взгляд, мягкие, шелковистые волосы, складки нарядов. Таков портрет дочери Берты Моризо «Девочка с кошкой» (1887, частное собрание, Париж) и другие произведения.

 

Вильгельм Лейбль

(1844–1900)

Прекрасный рисовальщик, Вильгельм Лейбль тем не менее никогда не делал на полотне предварительных рисунков. Свою работу над портретом он почти всегда начинал с таких деталей, как глаза и лоб. Художник смешивал краски на палитре и широкими, динамичными мазками наносил их на холст. Портретной живописи Лейбля свойственны материальная весомость и осязаемость форм, а также гармоничность цветовой гаммы.

Немецкий живописец и график Вильгельм Лейбль родился в Кёльне. Здесь в течение трех лет он обучался у художника Г. Бекера. В 1864 году юноша приехал в Мюнхен и поступил в Академию художеств, в мастерскую К. Пилоти. Посещая музеи, Вильгельм внимательно изучал работы старых мастеров.

В 1869–1870-х годах Лейбль жил в Париже. Значительное влияние на формирование его творческого метода оказал Г. Курбе и французские импрессионисты.

С 1873 по 1877 год художник работал в селах Верхней Баварии, а затем переехал в Мюнхен. В 1890-х годах вместе с живописцем Й. Шперлем Лейбль жил в Кутерлинге. В конце 1890-х годов он совершил путешествие по Голландии и Бельгии.

В раннем портретном творчестве Лейбля ощущается влияние таких знаменитых портретистов, как А. Ван Дейк, П. Рубенс, Г. Гольбейн («Критики», 1867–1868, частное собрание; «Фрау Гедон», 1868–1869, Новая пинакотека, Мюнхен; «П. Сенеи Мерше», 1869, Музей изобразительных искусств, Будапешт).

Парижские портреты Лейбля написаны в манере французских художников-реалистов. Таковы красочные полотна «Старая парижанка» (1870), «Кокотка» (1870), «Старый господин Палленберг» (1871), хранящиеся в собрании кельнского музея Валлраф-Рихартц-Людвиг. Мастер стремится показать социальное положение своих моделей и их индивидуальную неповторимость.

Необыкновенно выразительны и пластичны образы на портретах «Скульптор Шрейтмюллер» (1870-е, палаццо Ка’Пезаро, Венеция), «Художник В. Трюбнер» (1871–1872, собрание О. Рейнхарта, Винтертур), «Лина Киршдорфер» (1872, собрание О. Рейнхарта, Винтертур).

В. Лейбль. «Портрет ветеринара Рейндля», 1890, Новая пинакотека, Мюнхен

Работая в Верхней Баварии, Лейбль увлеченно пишет местных жителей, пытаясь передать типические черты своих моделей. Стремясь достоверно и точно показать выразительные народные типы, он использует традиции немецких художников прошлых эпох («Жительницы Дахау в трактире», 1874–1875, Национальная галерея Берлин-Далем; «Охотник с собакой», 1876, не сохранилась; «Охотник», 1876, Государственные музеи, Берлин; «Деревенские политики», 1876–1877, собрание О. Рейнхарта, Винтертур; «Неравная пара», 1876–1877, Штеделевский художественный институт, Франкфурт-на-Майне).

В 1880-х годах Лейбль вновь обращается к крестьянским мотивам («Три женщины в церкви», 1878–1882, Кунстхалле, Гамбург; «Браконьеры», 1882–1886, Государственные музеи, Берлин).

В произведениях 1890-х годов ощущается увлечение художника импрессионизмом. Написанные в свободной манере картины кажутся пронизанными воздухом и светом («Портрет ветеринара Рейндля», Новая пинакотека, Мюнхен; «Прядильщица», 1892, Музей изобразительных искусств, Лейпциг; «В кухне», 1898; «Девушка у окна», 1899, обе — в музее Валлраф-Рихартц-Людвиг, Кёльн).

Одна из лучших работ Лейбля — «Автопортрет» (1896, Картинная галерея, Дрезден), ставший настоящим образцом реалистической портретной живописи Германии конца XIX века.

 

Томас Икинс

(1844–1916)

Современники долго не принимали живопись Томаса Икинса, и виной тому было его неприятие мира наживы и равнодушия. Произведения мастера показывали всю неприглядную жизнь американского города. Лишь в середине XX века искусство Икинса получило достойную оценку.

Американский живописец Томас Икинс родился в Филадельфии. Художественное образование он получил в Пенсильванской академии художеств в Филадельфии, а затем в Париже, в Школе изящных искусств. Формирование молодого живописца происходило под влиянием искусства старых мастеров Испании. С их работами Икинс познакомился во время посещения Мадрида. С 1870 года художник жил в США, занимаясь творчеством и педагогической деятельностью.

В реалистичных портретах Икинса ощутимо стремление показать духовный мир модели. Так, в этюде «Маргарет в костюме для катания на коньках» (1871) за внешней некрасивостью облика скрыт сложный и глубокий человеческий характер.

Такая трактовка образа не устраивала многих заказчиков, желавших видеть себя на портрете привлекательными и нарядными.

Но Икинс не мог уподобиться модным салонным живописцам и продолжал создавать тонкие и одухотворенные портреты.

Среди главных шедевров мастера — групповой портрет «Доктор Гросс в своей клинике» (1875, Джефферсоновский медицинский колледж, Филадельфия). Зрителей, увидевших эту картину, поразил несвойственный живописи того времени натурализм в изображении хирургической операции. Портрет стал своего рода апофеозом современной медицины, гимном человеку, способному двигать вперед науку.

Мир искусства предстает перед зрителем в галерее портретов музыкантов, художников, артистов («Скульптор Раш, высекающий аллегорическую статую реки Скулкилл», 1877, Художественный музей, Филадельфия; «Патетическая песня», 1881; «Виолончелист», 1896, Пенсильванская академия художеств, Филадельфия; «Актриса», 1903, Художественный музей, Филадельфия).

Т. Икинс. «Доктор Гросс в своей клинике», 1875, Джефферсоновский медицинский колледж, Филадельфия

Икинс стремится показать способности и дарования своих моделей, их чувства и эмоции.

Портрет становится главным жанром в творчестве мастера с 1880-х годов. Образы, созданные Икинсом, полны благородства и глубокой духовности.

Среди моделей художника — его друзья, известные ученые, писатели, поэты, врачи, музыканты («Мастер каллиграфии», 1882; «Уильям Д. Маркс», 1886; «Уолт Уитмен», 1887, Пенсильванская академия художеств, Филадельфия; «Уильям Мак-Доуэлл», ок. 1891, частное собрание, США; «Джон Маклюр Гамильтон», 1895; «Чарльз Э. Дана», ок. 1902).

Очень хорош портрет Уолта Уитмена. Под маской внешней мягкости скрывается неукротимая сила духа и решимость; именно эти черты характера старого поэта ясно видит зритель на полотне Икинса.

Интересны женские портреты, в которых живописец выступает как тонкий психолог («Синьора Гомес д’Арса», 1902; «Эдит Мэхон», 1904).

 

Поль Гоген

(1848–1903)

На протяжении всего творческого пути Поль Гоген создал серию автопортретов, каждый из которых отражает внутреннее состояние живописца. На ранних работах художник выглядит уверенным в себе, целеустремленным, решительным. При взгляде на последующие работы становится понятно, что его мучают сомнения, тревоги. Но, в отличие от автопортретов Ван Гога, такие работы для Гогена — попытка говорить не с собой, а со зрителем, с окружающим миром.

Французский художник-постимпрессионист Поль Гоген родился в Париже. Долгое время он и не думал о живописи: был моряком, затем служил биржевым маклером. Только в 1870-х годах он решил посвятить свою жизнь живописи. Гоген учился в академии Коларосси и принимал участие в выставках импрессионистов. В его ранних работах, исполненных в конце 1870 — начале 1880-х годов, чувствуется влияние К. Писсарро и О. Ренуара («Зимний пейзаж», Музей изобразительных искусств, Будапешт).

Тогда же он увлекся жанром портрета и написал «Семью Гогена» (Новая глиптотека Карсберга, Копенгаген) и др. Позднее появились «Портрет старика с тростью» (1889, Пти-пале, Париж) и «Прекрасная Анжель» (1889, Лувр, Париж).

П. Гоген. «Портрет старика с тростью», 1889, Пти-пале, Париж

Гоген создал цикл автопортретов: «Автопортрет» (1888, ГМИИ, Москва), «Отверженный» (1888, музей Ван Гога, Амстердам), «Автопортрет» (1889, Национальная галерея, Вашингтон), «Автопортрет с желтым Христом» (1890, частное собрание, Париж), «Автопортрет с палитрой» (1891, частное собрание, Нью-Йорк), «Автопортрет у Голгофы» (1896, Художественный музей, Сан-Паулу). При взгляде на эти работы сразу же можно понять, что их автор — решительный, целеустремленный и уверенный в себе человек, но одновременно чувствуется и необъяснимая тоска, которая мучает художника и не дает ему смотреть на мир с надеждой. В те годы, когда создавались эти портреты, Гоген много путешествовал: побывал в Бретани, Панаме, на Мартинике, некоторое время жил в Арле и работал вместе с Ван Гогом, в 1891–1893 и 1895–1901 годах жил на Таити и на острове Доминик, куда переехал в 1901 году.

Получив от Ван Гога в подарок один из автопортретов, Гоген отправил ему свой автопортрет под названием «Отверженный» с пояснением: «На первый взгляд — голова бандита, этакий Жан Вальжан (из романа «Отверженные» В. Гюго), воплощающий образ художника-импрессиониста, презираемого и постоянно влачащего цепь пред лицом света».

П. Гоген. «Прекрасная Анжель», 1889, Лувр, Париж

Художественная манера Гогена претерпела значительные изменения на протяжении всего его творческого пути, и это можно проследить по автопортретам. Если на его ранних работах фигура словно вырастает из фона, то в более поздних — противопоставлена ему и отделена четким контуром.

Во время путешествий Гоген писал пейзажи. После того как он приехал на острова Полинезии, основным мотивом для его работ стали маори, их обычаи и образ жизни.

Художник изображал жителей Таити за их повседневными занятиями в естественных, непринужденных позах на фоне экзотических пейзажей. Таковы полотна «Под пандановыми деревьями» (1891, Институт изящных искусств, из фонда Уильяма Денвуди, Миннеаполис), «А, ты ревнуешь?» (1892, ГМИИ, Москва), «Женщина, держащая плод» (1893, Эрмитаж, Санкт-Петербург), «Чудесный источник» (1894, Эрмитаж, Санкт-Петербург) и др.

 

Эжен Каррьер

(1849–1906)

В 1890 году вместе с французским художником-символистом П. Пюви де Шаванном и скульптором О. Роденом Эжен Каррьер основал Национальное общество изящных искусств. В 1896 году по его инициативе был открыт Салон нового искусства. С 1898 года живописец возглавлял академию Каррьера, а в 1904 году стал первым президентом недавно основанного Осеннего салона.

Французский живописец и график Эжен Каррьер родился в городе Гурней. Мастерству художника он обучался в Страсбурге, затем в Сен-Кантене и, наконец, в Париже в Школе изящных искусств, где его наставником был модный живописец А. Кабанель.

Большое влияние на будущего мастера оказало творчество знаменитого английского художника Дж. М. У. Тёрнера (с его картинами Каррьер познакомился во время поездки в Англию). Первые работы в портретном жанре живописец создавал в традициях реализма. Таков «Портрет матери» (1876, частное собрание). Стремление к конкретности и фотографической точности сделало это произведение сухим и холодным. Позднее стиль художника значительно изменился. Каррьер полностью отказался от контуров. Портреты, изображающие жену и детей мастера, представляют собой темные полотна, на которых светлые пятна лиц кажутся едва обозначенными. Силуэты портретируемых нечетки, словно размыты, в формах отсутствует материальность. Изображениям женщин с детьми живописец давал название «Материнство», одинокие женские фигуры именовались «Меланхолия», «Мечтательность», «Размышление».

Первый успех к Каррьеру пришел в 1885 году, когда в Салоне были показаны его портреты «Ребенок с собакой» и «Больной ребенок». В детских портретных образах мастера, исполненных в 1880-х годах, прослеживается влияние Д. Веласкеса и голландских художников XVII века.

Особенно близок к творчеству старых мастеров портрет «Ребенок с бокалом». Свет выхватывает из мрака голову ребенка, пышный белый воротничок, блики стеклянного бокала и блеск серебряного подноса.

В композициях Каррьера нет движения, их колорит почти монохромен, цвет практически заменен коричневыми и черно-серыми валерами («Старшая сестра», музей Орсе, Париж; «Семья художника», 1893).

В 1890-х годах, кроме семейных портретов, Каррьер выполнил целый ряд изображений известных современников («Портрет Жеффруа», 1890; «Портрет Поля Верлена», 1891; «Альфонс Доде с дочерью», 1891, все — в музее Орсе, Париж; «Портрет Э. де Гонкура», ок. 1892, музей, Понтуаз). В этих произведениях так же, как и в портретах родных, ярко проявился стиль мастера. Зыбкие, призрачные формы выступают из коричнево-серого фона. В «Портрете Поля Верлена» более плотными мазками написана большая лысая голова поэта. А вот в изображениях Доде и Жеффруа Каррьер акцентирует внимание на появляющихся из мрака руках моделей с нервными длинными пальцами.

Живописец старается придерживаться внешнего сходства с оригиналом, но специфическая трактовка образов не дает возможности передать особенности характера модели.

Зритель видит перед собой одиноких мечтателей, погруженных в свои мысли. А. Орье писал, что в своих портретах Каррьер «хочет прикрыть эту отталкивающую реальность, он показывает нам ее окутанною тайной… Его интересуют только души».

Помимо портретов, живописец создавал композиции на тему Распятия и натюрморты. Есть в его творчестве и немногочисленные пейзажи.

 

Винсент Ван Гог

(1853–1890)

На протяжении своего творческого пути Винсент Ван Гог неоднократно обращался к жанру портрета. Самыми интересными работами художника являются циклы автопортретов, которые он создавал во второй половине жизни. В них Ван Гог словно беседует с самим собой.

Голландский художник-постимпрессионист Винсент Ван Гог родился в Грот-Зюндерте, неподалеку от Бреды.

В юности он работал комиссионером в художественно-торговой фирме Гупиль, некоторое время был учителем. В 1878 году Ван Гог, став проповедником, переехал в шахтерский городок Боринаж, расположенный на юге Бельгии. Там он и начал рисовать. Первые его работы были выполнены углем, моделями же служили шахтеры, их жены и дети. В 1880 году Ван Гог переехал в Брюссель, где два года учился в Академии художеств, а в середине 1880-х годов брал уроки у голландского живописца А. Мауве.

Переезжая с места на место, живя в Брюсселе, Антверпене, Гааге, своем родном поселке, он писал крестьян, ремесленников, стариков. Среди работ этого периода можно выделить картины «Крестьянка» (1885, Государственный музей Крёллер-Мюллер, Оттерло) и «Едоки картофеля» (1885, музей В. Ван Гога, Амстердам).

В. Ван Гог. «Автопортрет», 1886, Муниципальный музей, Гаага

В 1886 году Ван Гог переехал в Париж и поселился у своего брата Тео. Художник изучил последние работы импрессионистов, а вскоре познакомился с ними самими. Ван Гог прожил в столице два года. Он некоторое время посещал частную художественную школу и интересовался техникой японской гравюры. Одновременно живописец стремился сделать свою палитру более светлой, как и у большинства импрессионистов того времени. Живя в Париже, Ван Гог начал писать свои автопортреты.

Художник, как правило, создавал цикл автопортретов. Первый цикл, выполненный в 1886 году, включал шесть произведений, на которых мастер изобразил себя у мольберта, с трубкой, с затененным или, наоборот, хорошо освещенным солнечным светом лицом. Эти работы исполнены в темных красновато-коричневых тонах.

Каждая последующая картина становилась все более светлой: с помощью света художник выделял худобу лица, складку на лбу, прядь рыжих волос, бороду и усы, пристальный взгляд. Глаза он всегда стремился подчеркнуть: если они оказывались в тени, накладывал мазок белил. Еще до приезда в Париж в одном из писем живописец высказывал брату свою точку зрения: «Я предпочитаю писать глаза людей, а не их соборы… Человеческая душа… гораздо интереснее».

В. Ван Гог. «Автопортрет», 1889, Лувр, Париж

В. Ван Гог. «Портрет доктора Гаше», 1890, Лувр, Париж

В 1887–1888 годах Ван Гог создал второй цикл автопортретов. Эти работы выполнены в светлых тонах короткими, отрывистыми мазками, напоминающими запятые. Последней картиной данного цикла стал «Автопортрет с мольбертом» (1888, музей Ван Гога, Амстердам).

К парижскому периоду относятся «Мост через Сену» (1887, музей В. Ван Гога, Амстердам), «Папаша Танги» (1887, музей Родена, Париж) и др. Во многих работах чувствуется сильное влияние других импрессионистов, а иногда даже подражание их работам.

Желая найти свой путь в живописи, художник покинул Париж и переехал в Арль. Там он писал светлые, солнечные, красочные пейзажи южной природы («Жатва. Долина Ла-Кро», 1888, фонд В. Ван Гога, Амстердам; «Красные виноградники в Арле», 1888, ГМИИ, Москва); там же создал третий цикл автопортретов, включающий в себя семь работ. Наиболее известны «Поклонник Будды» (1888, музей Форг, Кембридж, США), «Автопортрет с перевязанным ухом и трубой» (1888, частное собрание, Чикаго), «Автопортрет» (1889, Лувр, Париж).

«Поклонника Будды» Ван Гог послал своему другу Гогену в обмен на его автопортрет. Вместе с картиной художник отправил письмо, в котором писал: «Утрируя свою личность, я стремился придать ей характер бонзы, простодушного почитателя вечного Будды». И действительно, Ван Гог изобразил себя бритым, со слегка раскосыми глазами, в одеянии, напоминавшем рясу буддийского монаха.

В. Ван Гог. «Портрет Пасьянса Эскалье», 1888, частное собрание, Лондон

Находясь в Арле, художник стал ощущать, что его здоровье ухудшается. Особенно плохо он себя чувствовал в те дни, когда дул сильный ветер — мистраль. Со временем у Ван Гога стали повторяться слуховые галлюцинации. Стремясь избавиться от назойливых звуков, он отрезал себе ухо.

Пробыв некоторое время в больнице, Ван Гог поправился и написал знаменитый «Автопортрет с перевязанным ухом и трубкой».

В последние годы жизни у художника нередко случались приступы, из-за которых его пришлось поместить в психиатрическую лечебницу, находящуюся в Сен-Реми. Пребывая в лечебнице, Ван Гог написал несколько пейзажей: «Дорога с кипарисами и звездами» (1890, Государственный музей Крёллер-Мюллер, Оттерло), «Пейзаж в Овере после дождя» (1890, ГМИИ, Москва). Одной из последних работ художника стал портрет его лечащего врача, Гаше (1890, Лувр, Париж). Это произведение выполнено в спокойной голубой гамме и пронизано гармонией и добротой.

 

Джон Сингер Сарджент

(1856–1925)

Расцвет творчества Джона Сарджента приходится на 1890-е годы. В дальнейшем стремление к славе и потакание вкусам избалованной буржуазной публики погубили истинный талант живописца. Так, написанный в период Первой мировой войны групповой портрет офицеров английского генерального штаба являет собой фотографически точное изображение, лишенное внутренней глубины и духовности. Вероятно, этим и объясняется пренебрежительное отношение к Сардженту со стороны американских критиков и мастеров изобразительного искусства.

Американский живописец Джон Сингер Сарджент родился во Флоренции. В 1870–1873 годах он обучался во Флорентийской академии художеств, а в 1874–1879 годах брал уроки у модного парижского портретиста Э. О. Каролюс-Дюрана. На формирование стиля молодого художника значительное влияние оказали такие знаменитые мастера, как Д. Веласкес, Г. Курбе и Э. Мане.

Завершив обучение, Сарджент начал самостоятельную работу над заказными портретами.

В 1880–1890-х годах он становится одним из самых известных и почитаемых портретистов мира. Создавая изображения представителей высших кругов, он посетил США, Англию и другие европейские государства. Грандиозный успех Сардженту принесли торжественные парадные портреты, представляющие модели в полный рост. Стремясь удовлетворить желания богатых заказчиков, художник использует эффектные жесты и позы, вносит в изображение роскошные аксессуары и декоративные детали («Портрет мадам Х (Мадам Пьер Готро)», 1884, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; «Портрет леди Энью», 1892, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург; «Лорд Риблсдейл в охотничьем костюме», 1902, галерея Тейт, Лондон). Большое внимание живописец уделяет костюмам портретируемых, одетых в элегантные и дорогие наряды.

И все же настоящее дарование мастера открылось не в этих изящных и изысканных произведениях, а в портретах детей и творческих личностей («Художник Робертсон»,1884, галерея Тейт, Лондон; «Сюзанна Пуарсон», 1884, частное собрание, Париж; «Писатель Роберт Луис Стивенсон», 1884–1887, музей Тафта, Цинциннати; «Китайские фонарики», 1887, галерея Тейт, Лондон). Эти одухотворенные портреты, раскрывающие всю глубину духовного богатства моделей, относятся к лучшим произведениям американской реалистической живописи.

Дж. Сарджент. «Портрет леди Энью», 1892, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург

Следует особо отметить портрет Стивенсона. Глядя на него, зритель понимает, насколько высок умственный потенциал и неистребима сила духа английского писателя, страдающего неизлечимой болезнью.

Среди самых удачных работ Сарджента — его живые и правдивые натурные этюды («Египетская девушка», 1891, частное собрание, США).

Помимо портретов, Сарджент создавал импрессионистские этюды, изображающие испанские танцы и концерты («Халео», 1882, Художественный институт, Чикаго). Работая в США, он написал целый ряд тонких и реалистичных жанровых композиций.

В последний период жизни Сарджент потерял интерес к портретному жанру и увлекся импрессионистскими акварельными пейзажами и монументальными росписями (Бостонская публичная библиотека, 1890–1919).

 

Андерс Цорн

(1860–1920)

Получив образование в Стокгольмской академии художеств, Андерс Цорн вскоре отошел от академических традиций. Он стремился изображать натуру такой, какой она была в реальности. Полотно «Первое купание» (1889, Атенеум, Хельсинки) положило начало большой живописной серии «Ню». «Первое купание», получившее золотую медаль на международной выставке в Париже, было подарено автором художнику А. Эдельфельту для музея в Хельсинки.

Шведский живописец, график и скульптор Андерс Цорн родился в городе Мура.

В 1875–1877 годах он обучался в художественной школе, а затем поступил в Академию художеств в Стокгольме, которую окончил в 1881 году.

В 1882–1885 годах живописец работал в Стокгольме и Англии. Он много путешествовал, побывал в Италии, Испании, Венгрии, Турции, Алжире, США. В 1897 году по приглашению С. П. Дягилева и С. И. Мамонтова посетил Россию.

В 1888–1896 годах Цорн жил и работал в Париже. Во французской столице он вместе с другими художниками, не признанными официальным искусством, показывал свои работы в выставочных залах Дюран-Рюэля. Во Франции мастер получил большую известность среди публики и художественных критиков. С 1896 года жил в Муре.

Свой путь в искусстве Цорн начал как художник-акварелист. Его ранние акварельные композиции отличаются большой конкретностью, тщательностью проработки образов и деталей композиции («Хлеб наш насущный», 1886, Национальный музей, Стокгольм).

К технике масляной живописи Цорн обратился в 1887 году. Значительное влияние на его творческий метод в этой области изобразительного искусства оказали импрессионисты, а также французский мастер Ж. Бастьен-Лепаж. Первой живописной работой Цорна стало полотно «Рыбак» (1887, Художественный музей, Люксембург), выполненное во время пребывания мастера в Англии, в рыбачьем поселке Сент-Ив на южном побережье Корнуолла, где Цорн работал вместе с американскими и финскими живописцами. Живя во Франции, художник увидел на выставке в Париже картину О. Ренуара «Купальщицы». Полотно так захватило воображение мастера, что вскоре он написал серию «Ню» с изображениями обнаженных моделей («Купальщица», 1897, ГМИИ, Москва).

А. Цорн. «Автопортрет в волчьей шубе», 1915, музей Цорна, Мура

Парижские мотивы отразились в картинах Цорна, созданных по возвращении на родину («В омнибусе», 1890-е, музей Цорна, Мура; «Вальс», частное собрание; «Ночной эффект», 1895, Кунстхалле, Гамбург).

Цорн был талантливым портретистом, создавшим множество изображений известных личностей и самых обыкновенных людей (портрет французского артиста Коклена, 1889, собрание Торстена Лаурина, Стокгольм; портрет С. И. Сасонтова, 1896, ГМИИ, Москва). Свое внимание художник концентрирует на руках и лицах моделей, переданных убедительно и реалистично.

Работы мастера, в которых человек показан в интерьере, напоминают портретные композиции Э. Дега и Э. Мане («А. Пруст», 1888, частное собрание; «Ж. Б. Форе», 1891, Художественная галерея, Карлштадт; «М. Либерман», 1891, музей Цорна, Мура).

Полны динамики и жизненной энергии образы шведской крестьянки («Мона», 1898, музей Цорна, Мура), молоденькой девушки с рыжими волосами («Магрит», 1898, музей Цорна, Мура), музыканта-виолончелиста («Хинс Андерс», 1904, Национальный музей, Стокгольм).

Портреты, написанные Цорном в конце 1890–1900-х годах, отличаются изысканностью колорита, эффектностью жестов и поз моделей, чем напоминают произведения Дж. Сарджента. Увлечение европейской салонной живописью конца XIX столетия выразилось в слегка удлиненных пропорциях человеческих фигур («Миссис Вальтер Бэкон», 1897, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; «И. Стюарт-Гарднер», 1894; «Марта Дана», 1899, оба — в Музее изящных искусств, Бостон). Некоторые портреты Цорна свидетельствуют о его интересе к творчеству старых мастеров, в частности Д. Веласкеса, Ф. Халса, Рембрандта («Автопортрет в волчьей шубе», 1915, музей Цорна, Мура).

 

Анри Тулуз-Лотрек

(1864–1901)

В своих работах Анри Тулуз-Лотрек показал парижанина, зависимого от окружающей среды и подверженного ее влиянию. Каждый день, соприкасаясь с этой богемной, но развращающей средой, лотрековский парижанин или парижанка, не в силах противостоять ей, как будто бы становится ее частью, теряет индивидуальность, и в результате Париж просто поглощает свою жертву.

Французский художник-постимпрессионист, рисовальщик Анри Мари Раймон де Тулуз-Лотрек родился в замке Мальроме. В 1883 году он брал уроки у Л. Бонна, в 1884–1885 годах учился у Ф. Кормона, интересовался произведениями Э. Дега и японской гравюрой. Портреты художник начал писать на самом раннем этапе творчества («Графиня Тулуз-Лотрек за завтраком в Мальроме», 1883; «Графиня Адель де Тулуз-Лотрек», 1887, обе — в музее Тулуз-Лотрека, Альби). Живя в Париже, Тулуз-Лотрек часто посещал кафе, ресторанчики и кабаре, делая жанровые зарисовки и создавая портреты завсегдатаев тех мест и танцовщиц. Ему довольно точно удавалось передать индивидуальные черты каждого человека: он подмечал его манеру держаться, характерные жесты, выражение лица и с большим мастерством воспроизводил все это на полотне. Работы Тулуз-Лотрека интересны еще и тем, что он всегда изображал людей в типичной для них обстановке («Молодая женщина, сидящая за столом», 1889, собрание Ван Гога, Ларен; «Прачка», 1889, собрание Дортю, Париж).

Художник создавал и групповые портреты, но, в отличие от Дега, с которым его часто сравнивают, он стремился не противопоставить своих персонажей друг другу, а показать то, что роднит их и заставляет собираться вместе, общаться, дружить. Таковы работы «В кафе» (1891, Музей изящных искусств, Бостон), «Ла Гулю, входящая в Мулен-Руж» (1891–1892, Музей современного искусства, Нью-Йорк).

А. Тулуз-Лотрек. «Портрет Оскара Уайльда», 1895, частное собрание, США

Особое место занимают рисунки и картины, посвященные варьете Мулен-Руж, где художник часто бывал. Он писал и портреты танцовщиц, и жанровые, несколько сатирические картины, например «Танец в Мулен-Руж» (1890, частное собрание), «Занятия Валентена с новыми девушками в Мулен-Руж» (1889–1890, Художественный музей, Филадельфия).

Все портреты Тулуз-Лотрека можно условно разделить на две большие группы. К первой относят произведения, в которых художник словно противопоставлял модель зрителю. Человек, изображенный на полотне, смотрит прямо на зрителя и, возможно, даже провоцирует его, бросает вызов. Таковы произведения «Жюстин Дьель» (1889, музей Орсе, Париж), «Портрет месье Буало» (ок. 1893, Кливлендский музей искусств, Кливленд).

А. Тулуз-Лотрек. «Портрет кузена Тапье де Селейрана», 1894, музей Тулуз-Лотрека, Альби

В другую группу исследователи творчества Тулуз-Лотрека объединяют его картины, изображающие людей в привычной для них обстановке, занимающихся своими повседневными делами («Гостиная в Шато де Мальроме», 1886–1887, «Дезире Дио», или «Чтение газеты в саду», 1890, обе — в музее Тулуз-Лотрека, Альби; «Портрет Мадам де Гортцикофф», 1893, частная коллекция). Для того чтобы привлечь внимание зрителей, он делал фон абстрактным, а контуры фигур несколько расплывчатыми.

Тулуз-Лотрек был известным в Париже художником, но его работы воспринимались неоднозначно. Многие видели в них лишь восхваление порока, поскольку художник часто изображал представителей парижского «дна» — проституток и сутенеров. Но в действительности его интересовали характеры и жизнь этих людей.

А. Тулуз-Лотрек. Афиша с портретом Брюана, 1894, литография

А. Тулуз-Лотрек. «Портрет Луи Паскаля», 1893, музей Тулуз-Лотрека, Альби

Один из современников Тулуз-Лотрека, глядя на его работы, говорил: «Озлобленность людей, загадочная холодность взглядов, позы и замашки, выдающие порок, вот они! И все это поразительно современно, обыденно, живо, наблюдено и изучено».

Другие видели в произведениях Тулуз-Лотрека прежде всего мастерство изображения и тонкое понимание натуры, независимо от того, кого он изображал — прачку, танцовщицу или проститутку. Они представали на его картинах и рисунках как живые, даже если рисунок был выполнен всего двумя-тремя линиями. Художник создал немало мужских портретов. Как правило, он изображал мужчин в полный рост, сочетая фигуру в строгом костюме с геометрическим интерьером — подрамником, окном или дверью.

Часто он писал портреты своих друзей: Франсуа Гози (1888, Музей августинцев, Тулуза), Анри Буржуа (1891, институт Карнеги, Питсбург), Луи Паскаля (1893, музей Тулуз-Лотрека, Альби).

 

Кес ван Донген

(1877–1968)

Появившись в Париже, голландец Кес ван Донген поразил пресыщенную парижскую публику своими картинами. Он размещал фигуры на полотне, как считал нужным, не обращая внимания на композиционные каноны; для усиления впечатления использовал яркие цвета и не сочетающиеся друг с другом оттенки.

Французский художник голландского происхождения Кес ван Донген (настоящее имя Кес Корнель Теодор Мари) родился в Делфсхавене близ Роттердама. В 1894 году ван Донген поступил в Академию художеств в Роттердаме, где проучился всего год, после чего отправился в Париж и вскоре сошелся с А. Дереном, М. Вламинком и с живописцами, составлявшими окружение П. Пикассо. В 1905–1907 годах ван Донген общался с фовистами. Первые работы ван Донгена исполнены в яркой, сочной, кричащей колористической гамме и отличаются неординарными композиционными построениями («Анита», 1905–1906, частное собрание; «Клоун», 1906, частное собрание; «Красная танцовщица», ок. 1907, Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Обнаженная», 1907–1908, музей фон дер Хейдта, Вупперталь; «Дама в черной шляпке», ок. 1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

К. ван Донген. «Портрет испанки», ГМИИ, Москва

В 1910-х годах работы художника стали покупать. Он достиг вершины славы, ему стали заказывать портреты политики, аристократы и представители богемы. Основу его портретов составляли подробные рисунки, свидетельствующие о мастерстве и прекрасном понимании натуры («Женщины на балюстраде», 1911, музей, Сен-Тропез; «Портрет испанки», ГМИИ, Москва).

Во второй половине жизни ван Донген не прекращал писать портреты, но заинтересовался жанром пейзажа, создавал многофигурные композиции.

 

Амедео Модильяни

(1884–1920)

Встретив Жанну Эбютерн, художник почувствовал необыкновенный прилив творческих сил: он неоднократно писал свою подругу в разных одеяниях и позах и создал ее лирический образ, считающийся одним из самых поэтичных во французской живописи начала XX столетия.

Французский живописец итальянского происхождения Амедео Модильяни родился в Ливорно. С 1899 по 1901 год он учился в художественной школе у Г. Микеле, затем переехал во Флоренцию и в течение года посещал Школу изящных искусств. Еще год он провел в Венеции. В 1906 году Модильяни переехал в Париж.

Среди ранних работ наиболее удачными считаются «Еврейка» (1908, частное собрание, Париж) и «Виолончелист» (1909, частное собрание, Париж). В них можно заметить влияние художников-постимпрессионистов Сезанна, Тулуз-Лотрека и фовистов.

В 1910-х годах Модильяни увлекся жанром портрета. В короткий период с 1914 по 1916 год он успел создать целую галерею портретов представителей богемы, людей искусства и просто парижан. Таковы произведения «Диего Ривера» (1914, Художественный музей, Сан-Паулу), «Пабло Пикассо» (1915, частное собрание, Женева), «Госпожа Помпадур» (1915, Художественный институт, Чикаго), «Фрэнк Бюрти Эвилэнд» (собрание Дж. Маттиоли, Милан). Писал он и двойные портреты («Супружеская пара», 1915–1916, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Тогда же работы художника стали приобретать характерные черты, благодаря которым появился термин «модильяниевский портрет». Модильяни начал увлекаться линейной стилизацией, стал изображать фигуры вытянутыми и оконтуренными.

Изменился и колорит его произведений: он стал более сдержанным, спокойным, с преобладанием серых, черных и охристых сочетаний и добавлением зеленого и голубого цвета. В этой манере исполнены произведения «Жак Липшиц и его жена» (1916–1917, Художественный институт, Чикаго), «Жак Кокто» (1917, частное собрание), «Хайм Сутин» (1917, Национальная галерея, Вашингтон).

А. Модильяни. «Девочка в голубом», 1918, частное собрание, Париж

Картины Модильяни было легко узнать по манере писать глаза своих моделей: он придавал им миндалевидную форму и выделял голубым или черным цветом, отчего взгляд получался серьезным, глубоким и в то же время неуловимым. Таковы картины конца 1910-х годов: «Дама с черным галстуком» (1917, частное собрание, Париж), «Женский портрет» (ок. 1918, Городской музей современного искусства, Париж), «Молодая служанка» (ок. 1919, Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало).

Как правило, Модильяни писал женские и детские портреты («Девочка с косичками», 1917, галерея Перлз, Нью-Йорк; «Девочка в голубом», 1918, частное собрание, Париж). Мужских портретов им было создано значительно меньше. Среди них наиболее выразителен портрет доктора Зборовского (1919, частное собрание, Париж).

В 1917 году художник познакомился с Жанной Эбютерн, студенткой Школы декоративных искусств. Эта встреча изменила многое не только в его профессиональной, но и в личной жизни: через некоторое время Жанна стала его женой. Он много работал над портретами Эбютерн, изображая ее в различных позах и одеяниях («Желтый свитер», ок. 1919, музей Соломона Гуггенхейма, Нью-Йорк; «Жанна Эбютерн в рубашке», 1919, Метрополитен-музей, Нью-Йорк), оттачивая до совершенства свой принцип линейной стилизации.

Некоторое время Модильяни интересовался иконописью византийского и древнерусского периодов, также искусством итальянских художников Ренессанса. Это увлечение отразилось и в его работах («Жанна Эбютерн в шляпке», 1917–1918, частное собрание, Париж).

В 1918–1919 годах художник жил в Ницце и Каннах. Находясь под впечатлением от красоты природы юга, он увлекся творчеством Сезанна. Под влиянием работ последнего были выполнены полотна Модильяни «Маленький крестьянин» (1918, галерея Тейт, Лондон) и «Южный пейзаж» (1918, частное собрание, Париж).