1.1. Дизайн как вид деятельности

Можно ли стать дизайнером, не имея специального образования? Ведь дизайн – дело сложное, требующее особых знаний и опыта. Не стоит исключать такую возможность – все зависит от способностей и желания.

До сих пор существует несколько точек зрения на определение сущности понятия «дизайн». Не вдаваясь в подробности профессиональных разногласий, рассмотрим наиболее типичные и существенные для нас определения.

Слово «дизайн» для отечественного словаря уже не является новым, тем не менее в обиходе, особенно в педагогической практике, оно не получило пока широкого использования. Разработанное учебное пособие построено именно с учетом специфики дизайнерской деятельности, поэтому имеет смысл рассмотреть ее более подробно.

Термин «дизайн» придуман довольно давно – в конце XVI века. В Оксфордском словаре издания 1588 года дается следующее его толкование: «задуманный человеком план или схема чего-то, что будет реализовано, первый набросок будущего произведения искусства».

Словарь иностранных слов определяет дизайн как: а) художественное конструирование предметов; б) проектирование эстетического облика промышленных изделий (Словарь иностранных слов. – М., «Русский язык», 1989). В «Популярной художественной энциклопедии» (М., «Советская энциклопедия», 1986) дается такое определение дизайна: «термин, обозначающий разновидность художественно-проектной деятельности, охватывающей создание промышленных изделий и рациональное формирование предметной среды». Возможно, дополнительную ясность внесет этимологическая справка: английское слово design означает в одном случае «замышлять, проектировать, конструировать», в другом – «замысел, проект, конструкция, чертеж».

Л. Н. Конышева пишет: «Исходя из этого, мы можем определить дизайн как вид деятельности, направленной на создание комфортной и эстетически выразительной предметной среды, наиболее полно удовлетворяющей запросы и предпочтение человека» [14].

Основываясь на анализе различных толкований понятия дизайна, его адаптированное и, главное, удобное для школы, колледжа и училища, народных художественных промыслов определение дала Л.П. Малиновская: «Дизайн – это придумывание и создание человеком красивых, удобных вещей и всего окружения, например, удобной и красивой комнаты; удобного и красивого класса. Дизайнер – это человек, который придумывает и создает красивое и удобное жилье, одежду, машины, даже целые города» [45]. К выше сказанному хотелось бы добавить, например, красивой статуэтки из кости, глины или камня; красивого ювелирного украшения; инкрустации по дереву; насечки по металлу и т. д.

Дизайн – это деятельность, синтез проектного мышления и творчества, целью которой является определение формальных качеств промышленных изделий (промышленный дизайн). Эти качества включают и внешние черты изделия, но главным образом те структурные и функциональные взаимосвязи, которые превращают изделие в единое целое как с точки зрение потребителя, так и с точки зрения изготовителя. Дизайн – синтез наук, технологий, эстетики. Искусствоведы выделяют средовой дизайн, графический, ландшафтный, промышленный. В. Глазычев в своих очерках по теории и практике дизайна пишет: «Хотя частных историй-определений дизайна можно сопоставить не меньше десятка, мы остановимся лишь на трех наиболее популярных описаниях рождения дизайна, тем более, что остальные являются промежуточными по отношению к этим основным.

В первом случае (при расширительной трактовке дизайна) утверждается, что дизайн – явление, имеющее длительную историю, измеряемую тысячелетиями, а «современный дизайн» – это не более чем количественный скачок. Он выражается в резком увеличении количества вещей, в создании которых участвует художник, и соответственно в самоопределении дизайна как самостоятельной деятельности за счет его выделения из искусства и инженерии. Сущность деятельности дизайнера при этом существенно не меняется» [80].

Мы расскажем о возникновении и использовании понятий «техническая эстетика» и «дизайн», а также близкого к ним понятия «художественное конструирование», которое встречается в искусствоведческой литературе и художественной критике.

За последние 50 лет все мы были не раз свидетелями довольно острых дискуссий о соотношении красоты и пользы, эстетических и внехудожественных факторов, влияющих на смену форм предметной среды. В этих дискуссиях обращается внимание на то, что «вторая природа», созданная людьми, – здания, средства связи, транспорт, бытовые вещи, визуальная информация и т. д. – не только утилитарна, функциональна по своей основе, но и непосредственно воплощает в себе состояние культуры общества, отвечает эстетическим нормам и сложившимся вкусам народа. По ним определяется эпоха, тенденции и предпочтения людей того или иного поколения, выявляются географические и этнические особенности их бытия.

Еще в середине XIX века выдающийся немецкий теоретик архитектуры и промышленного искусства Готфрид Земпер (1803–1879) сформулировал проблему связи эстетики и техники. Он показал, что наука, технический прогресс предоставляют в распоряжение художественной практики такие материалы и способы их обработки, которые «еще не освоены эстетически». Он полагал, что временные сроки, необходимые для эстетического освоения нововведений будут постоянно сокращаться из-за все больших разрешающих возможностей техники и все большего художественного опыта накапливаемого с развитием искусств. Однако за полтора века ситуация не изменилась. Темпы роста промышленного производства связанные с освоением новых технологий и материалов значительно опережают сроки их эстетического освоения. Противоречия между красотой и функциональностью продолжают углубляться, особенно в области экологии. Все это происходит по той причине, что до настоящего времени промышленный дизайн не имеет стройной теории эстетики промышленных материалов и технологий, что, в свою очередь, затрудняет подготовку специалистов в области промышленного дизайна.

«За годы развития дизайна как самостоятельного вида творческой деятельности накопилось множество доводов, рассуждений, взглядов на его природу и основные цели, методы творчества. Схожие между собой в главном, они отличаются значительным многообразием трактовок, в которых нашли отражение особенности зарождения дизайна в определенное время, в определенных социально-экономических условиях, культуре. В частности, до сих пор нет единого мнения по поводу причин и даже точного времени формирования дизайна как профессии. Самую старую дату – в 140 лет – определяют по английскому движению «за связь искусств и ремесел», крупнейшей фигурой которого был теоретик искусства, общественный деятель и художник-практик У. Моррис. Именно тогда, в 70–80-е годы XIX века, в рамках этого движения были сформулированы главные положения теории и творческие принципы дизайна, концепции предметной среды. Моррис выступил против издержек новой, машинной цивилизации, придав своей критике значительный социальный пафос. Но в то же время он был убежден, что каждая историческая эпоха, каждое поколение людей имеют равные художественные возможности. Важно лишь понять, как распределяется способность народа к творчеству. Так, по мнению Морриса, в период Возрождения на первый план вышли изобразительные искусства. Усилия профессиональных художников были сосредоточены на очень узком участке культуры, а производство повседневного предметно-пространственного окружения перестало считаться творчеством. Во всяком случае оно лишилось ореола высокого искусства. По мнению У. Морриса, такое разделение стало особенно заметным с развитием буржуазного общества. Отсюда и возникла задача – снова возбудить интерес к творческому труду среди самых широких масс населения. Так художник пришел к теоретическому переосмыслению «малых искусств», обратился к трудовому началу в самой художественной деятельности, поставил вопросы демократизации среды средствами искусства» [15].

Согласно другой сложившиеся традиции, дату возникновения профессии дизайнера переносят на начало XX века, когда художники заняли ведущие посты в некоторых сферах современного индустриального производства, например, на заводах, выпускающих электротехнические приборы, автомобили. В результате возник симбиоз художественных предвидений предметной среды будущего и новых технических форм, которые, попадая в стихийно развивающееся предметное окружение, приобретают качества художественных, стилевых форм.

Началом истории дизайна считается 1907 год, когда художник, архитектор, дизайнер Петер Беренс начал работу в компании «Allgemeine Elektrizitat Gesellschaft». При такой постановке вопроса предыдущие десятилетия (Рескин, Моррис) являются всего лишь только временем теоретической подготовки будущего практического дизайна.

Наконец, началом дизайна считают годы кризиса 1929 года, когда Раймонд Лоуи, Уолтер Дорвин Тииг, Генри Дрейфус и ряд других художников начали работу в американской промышленности и на американских промышленников, испытывающих трудности со сбытом продукции.

В Советской России было создано объединение под названием «Производственное искусство », художественное течение в искусстве 1920-х годов. Программа производственного искусства призывала художника к работе в промышленности и активному участию в строительстве новой жизни. Группа теоретиков производственного искусства (Н. М. Тарабукин, О. М. Брик, Б. И. Арватов и др.) высказывали свои идеи на страницах журнала «ЛЕФ». Первоначально движение находило поддержку у руководства страны, с ним связывали надежду на восстановление промышленности. Идеи производственного искусства нашли своё воплощение в работах крупных современных художников, основоположников советского дизайна (Л. С. Попова, В. Ф. Степанова, А. М. Родченко и др.). Попова эскизы тканей решала одновременно с проектом костюма, учитывая проблему соотношения ткани, костюма с фигурой человека. Степанова разрабатывала модели «прозодежды» и «спортодежды», в которых воплотились принципы конструктивизма – максимальная простота кроя, соответствие костюма функции, яркие цветовые акценты. Во многом принципам производственного искусства следовали Н. П. Ламанова, А. А. Экстер, В. И. Мухина: в созданных ими эскизах костюмов отражены задачи удобства, возможности их выпуска массовым производством.

Идеи производственного искусства были близки В. Е. Татлину. Его интересует проблема стандартных форм, он разрабатывает модели «нормаль-одежды», «нормаль-печи», «нормаль-цвета». Примером новой разработки предметно-пространственной среды стал «Рабочий клуб» А. М. Родченко (1925). Основные черты конструктивизма в мебели воплотились в «клубной мебели нового образца», которая отличалась экономичностью, многофункциональностью, удобством, возможностью трансформации. Идеи производственного искусства получили своё развитие во Вхутемасе.

«Существует мнение, что о дизайне как профессии можно говорить только с того момента, когда были выпущены первые дипломированные специалисты, то есть когда сложились школы, методика преподавания, представляющие собой сумму упорядоченных знаний, когда появились преподаватели, способные гуманитарно очертить границы своей профессии. В таком случае дизайн как профессия сформировался в 20-е годы XX веке, когда в Советской России начали работать Высшие художественно-технические мастерские (ВХУТЕМАС), которые готовили «художников-мастеров высшей квалификации для промышленности, а также инструкторов и руководителей для профессионально-технического образования» [15], первым руководителем был скульптор, академик И. Г. Гинцбург.

В Германии открылась школа под названием «Баухауз», выпускавшая специалистов в области предметно-пространственных искусств.

Вальтер Гропиус был автором многочисленных статей и книг, но для него главным делом жизни (наряду с архитектурной практикой) было создание учебного заведения нового типа, которое получило название «Государственный Баухауз». Гропиус был директором Баухауза с 1919 по 1928 год, а потом его сменили швейцарский архитектор Ганнес Майер и известный впоследствии своими небоскребами архитектор Людвиг Мис ван дер Роэ. После прихода к власти фашистов Баухауз был закрыт.

«Пришедшие к власти фашисты закрыли не только Баухауз, но и целый ряд других художественных и архитектурных школ. Одновременно были распущены и творческие объединения художников типа Веркбунда» [15, 77].

История Немецкого Веркбунда (сокращенно НВБ) – неотъемлемая составная часть истории искусства XX века. Она неразрывно связана со многими другими явлениями искусства Германии и других стран прошлого столетия.

История НВБ рассматривается нами как своеобразное и самостоятельное проявление грандиозного общего движения.

Вопросы развития прикладного, промышленного искусства и дизайна исключительно актуальны. В связи с этим изучение деятельности НВБ приобретает в наше время, на наш взгляд, помимо теоретического, чисто практическое значение.

Упадок в архитектуре и прикладном искусстве середины XIX века (с которым в Англии пытались бороться Готфрид Земпер, Джон Раскин, Уильям Моррис, а во Франции – Леон де Лаборд, Виолле-ле-Дюк, Сезар Дали, Анри Лабруст и др.) перешел в 90-х годах в глубокий кризис всего художественного производства.

Центром обновления архитектуры, ремесла и промышленной продукции в это время становится Германия, быстрое техническое развитие которой дало необычайный стимул развитию самосознания ведущих буржуазных слоев и способствовало консолидации общественности страны. Освобождение от чуждого времени балласта в архитектуре и оформлении продукции, развитие художественных идей, переход к новым, соответствующим веку формам с нетерпением ожидались не только художниками, но и широкой общественностью [81]. В 1896 году архитектор Г. Мутезиус был послан в качестве атташе в Лондон для изучения английского художественного производства и архитектуры, а в Германию были приглашены Йозеф Мария Ольбрих и Анри ван де Вельде.

Демонстрация новых идей стали выставки художественных ремесел. После выставки в Дармштадте в 1897 году вся художественная промышленность так резко перестроилась на искусство модерна, что Анри ван де Вельде назвал Германию «американейшей страной, в которой все возможно».

Модерн, поднявший вопрос о едином формообразовании, пытался решить его путем объединения разрозненных по своей природе форм с помощью текучего, обволакивающего орнамента, путем внешнего воздействия на техническую форму. Но само появление такой «технической формы» было началом решения проблемы: фабричное изделие перестало быть копией изделия ручного производства – продукция промышленного производства обособилась и получила признание. Чувственно-романтическое отношение к вещи было потеснено началами рационализма, простоты.

Однако практика модерна показала и то, недостаточно развивать новую систему форм лишь деятельностью профессиональных художников, так как промышленность взяла ее результаты и тотчас наводнила рынок соответствующими «новшествами», но при этом были искажены художественные принципы модерна с его отрицанием неорганизованного украшательства. Поэтому воцарилось удивительно единое мнение, что поворот можно совершить лишь путем сознательного тесного сотрудничества художников и промышленников, и уже в 1900 году более 16 тысяч человек входили в объединения художественно-ремесленной промышленности [82].

Околдованные невидимыми возможностями индустриализации, художники агитировали за всеобщее сотрудничество ради решения назревшей всеобщей задачи непосредственно осуществлять в продукции новые духовные проявления. Объединил все направления усиленный интерес к естественной красоте материала и его подчеркнуто эстетическому использованию.

«Новые тенденции после долгого периода подражательства и излишеств продемонстрировала, – по словам Артура Веезе, и выставка 1897 года в Мюнхенском Glaspalast, руководящим принципом которой была функциональность» [83]. А уже выставка 1901 года «Немецкое искусство» в Дармштадте ознаменовала отказ от модерна и поворот к более «деловому» оформлению с некоторым оттенком «люкса», вызвавшим много споров.

«Программным представлением «пуристичекой тенденции» стала III Всеобщая выставка немецкого прикладного искусства, открывшаяся в 1906 году в Дрездене, где принципиально новым было разделение прикладного искусства и промышленного дизайна. Выставка имела большой успех, и под ее влиянием произошло объединение мастерских Дрездена и Мюнхена в единые Немецкие мастерские прикладных искусств и ремесел. Основной целью Мастерских было создание конструктивной и функциональной продукции, выразительной прежде всего своей формой» [81].

Готфрид Земпер писал в те годы: «Деловой мир, если он только осознает свои выгоды, найдет и привлечет на свою сторону лучших людей, показав тем самым, что он является еще более рачительным покровителем и охранителем искусств и самих художников, чем некогда Меценат и Медичи» [84].

Итак, 7 октября в Мюнхене состоялось заседание, объявившее об образовании Немецкого Веркбунда (Deutscher Werkbund).

Объединение было создано Инициативным комитетом из двенадцати художников, выпускавших в основном художественную продукцию.

«Проект программы объединения гласил:

– способствовать плодотворному сотрудничеству искусства, ремесла и промышленности и повышению качества изделий;

– сплотиться во всех вопросах, волнующих художников и ремесленников;

– обязать самих членов союза к достижению высоких результатов в работе;

– проводить мероприятия по подъему представлений о хорошем качестве продукции;

– влиять на торговлю, систему финансирования и ведение дел;

– влиять на воспитание молодежи, прежде всего – ремесленных сил» [85].

До 1918 года Немецким Веркбундом практически руководили три его создателя: Герман Мутезиус, Карл Шмидт и Фридрих Науман, и их ближайшие друзья – Рихард Римершмид и Фриц Шумахер.

Наиболее значительными центрами производства Веркбунда были знаменитые Объединенные немецкие мастерские прикладных искусств и ремесел с центром в Хеллерау, имевшие рабочие мастерские и выставочные залы в двадцати городах страны.

В Хагене был открыт Новый немецкий музей искусства в ремесле и торговле. Этот музей был задуман как опорный центр: от него по всей Германии должны были циркулировать выставки.

Кроме того, НВБ развернул бурную деятельность по пропаганде своих идей в самых широких слоях общества. Им выпускалась масса общеобразовательной литературы, публиковались выступления по актуальным художественным проблемам, читались программные доклады. Объединение было активным участником всех дискуссий и выставок, посвященных темам круга «ремесло – прикладное искусство – промышленность», а со временем стало организатором регулярных собственных выставок. Выставки, пропагандистские издания Веркбунда, благодаря строго целенаправленному отбору экспонатов, производили сильное впечатление.

В 1910 году оформились Австрийский Веркбунд и Шведский Веркбунд в 1917 году, в 1913 году были основаны Швейцарский и Венгерский Веркбунды, а в 1915 году – тоже по образцу НВБ – в Англии была основана Design and Industries Association.

Проблема стандартизации художественных форм стала предметом ожесточенных споров на заседании НВБ в 1914 году. Анри ван де Вейде, возмущенный мыслью о возможности канона, дисциплины, «стерилизации» искусства, возглавил оппозицию Мутезиусу. В своих «Антитезисах» он проповедовал творческую свободу художников.

Столкновение группировок внутри Веркбунда было столь серьезным, что, возможно, лишь начало войны уберегло Немецкий Векбунд от полного распада. Однако кризис в теоретической области не помешал НВБ организовать в том же 1914 году выставку в Кёльне, ставшую его новым триумфом. Расположенная за городом выставка занимала огромную территорию и представляла вниманию публики разнообразные павильоны (которые были одновременно и помещением для экспонирования, и экспонатом) и архитектурные комплексы.

Послевоенное время принесло в корне новое отношение к вопросам культуры. Побежденная Германия оказалась в экономически сложных условиях. В связи с трудностями сбыта продукции многие мастерские закрывались. Сказалось это и на положении НВБ. В 1919 году Вальтер Гропиус объединил Великогерцогскую высшую школу изящных искусств в Веймаре и Великогерцогскую школу художественных ремесел в Государственный Баухауз – школу архитектуры, изобразительного и прикладного искусства (см. выше), оказавшую исключительно большое влияние на дальнейшее развитие европейского искусства.

Занятия в классах и мастерских Баухауза вели Ханнес Майер, Марсель Брейер, Йозеф Альберс, Лайонел Файнингер, Василий Кандинский, Пауль Клее, Ласло Мохоль-Надь.

Школой проводились и научные исследования. Так, Баухауз занимался изучением проблем света, цвета, пространства, вопроса о соотношении изобразительного материала и выразительных средств.

И все же главным в деятельности Баухауза была разнообразная практическая подготовка учащихся в мастерских школы – столярной, гончарной, ткацкой, фотографической, типографской, в мастерских по оформлению интерьеров, по театрально-декорационной живописи, по обработке металла и камня, по агитационной графике… В ходе обучения проводились разнообразные эксперименты, разрабатывались методы изготовления массовой продукции, создавались новые типовые образцы.

Параллельно с работой Баухауза по эстетическому образованию продолжалась и педагогическая деятельность НВБ. В 1920-х годах в журнале «Die Form» проводились художественно-педагогические обсуждения, касавшиеся работы в художественно-промышленных школах, и главным образом – воспитание воспитателей. Веркбунд принимал в них активное участие, а в 1932 году выпустил брошюру по школьной художественной педагогике. В этом же году при участии Гропиуса была подготовлена выставка общественных помещений высотного дома в Париже.

Немецкий Веркбунд был тогда одним из крупнейших объединений представителей военного поколения, своей деятельностью они способствовали в эти годы становлению функционализма, широкому и быстрому признанию продукции массового промышленного производства, прогрессу художественных ремесел.

Этот художественно-радикальный и демократический НВБ был закрыт национал-социалистами в 1933 году.

Сразу после окончания второй мировой войны началось возрождение Немецкого Веркбунда на западе Германии, с центром в Дюссельдофе. В 1950 году по его инициативе был основан Дом промышленной вещи в Эссене для организации постоянно действующих выставок лучших промышленных изделий западногерманского производства. До 1960-х годов развитие дизайна в ФРГ продолжало идти под влиянием НВБ, в соответствии с теорией Веркбунда и в предложенных им формах объединения дизайнеров (так называемые «центры формы»).

В 1971 году по инициативе округа Берлин и Совета Веркбунда был создан Архив Веркбунда – специальная организация, изучающая историю создания, деятельности и тематики Немецкого Веркбунда, его взаимосвязь с другими явлениями в истории развития дизайна и его влияние на художественные процессы.

«Роль Немецкого Веркбунда в истории искусства и промышленности новейшего времени очень велика. Немецкий Веркбунд открыл принципиально новый этап развития немецкого искусства. Да и не только немецкого. НВБ действительно впервые предложил поставить на место «одинокого творца» активное сотрудничество промышленников, художников-специалистов, техников и клиентуры – базу современного производства; при этом он вышел далеко за рамки обычных в то время художественных группировок и союзов художников с ремесленными мастерскими. Своей деятельностью объединение стремилось изменить консервативные представления об искусстве, облагородить ремесленное и промышленное производство. И его практика «узаконила» следствия «машинизации» – серийное производство и полезное сотрудничество людей с техникой» [82].

«Объединение было создано художниками, сознававшими свою ответственность перед обществом, и не случайно так близки были его идеи основным положениям теории «производственного искусства», развивавшегося в 1920-х годах в Советской России: «общественная полезность», «сознательная связь искусства с повседневной жизнью», трактовка искусства как «одного из видов квалифицированного труда» (система ЦИТа – примечание Е.М.), утверждение «практически целесообразного, конструктивного характера художественного творчества, нераздельно слитого с социальной практикой» [86].

В послевоенные годы дизайн стал полноценным видом художественного творчества. Во многих странах мира сложилась развитая система дизайнерских служб – от инженерно-конструкторских подразделений на предприятиях, в составе которых работают художники и где уделяется специальное внимание проработке внешнего вида изделий, до самостоятельных художественно-конструкторских бюро, разрабатывающих серии однотипных изделий, проектирующих стиль целой отрасли производства. Широта охвата предметной среды отразилась в дискуссиях о границах и основных методах деятельности дизайнеров. Не раз высказывались пожелания дать общее определение дизайна как профессии, которое могло бы стать международным.

Первые такие определения появились в 50-е годы и формировались в основном теоретиками искусства. Главной задачей дизайна стала считаться выработка рекомендаций представителям промышленности по ассортименту выпускаемой продукции и ее внешнему виду (например, в определениях дизайна, данных английским теоретиком искусства М. Влеком). При этом художник мог сосредоточить свое умение не на всех аспектах производства, а на тех, от которых непосредственно зависит конечный облик продукта. Такой художник может по мере необходимости проникать в инженерную сферу, требовать серьезных изменений, но чаще всего он ограничивается выявлением уже имеющихся, скрытых возможностей производства.

Согласно этому же определению художник считается дизайнером, если занимается только рекламой, оформляет упаковку и организует продажу изделий, влияя тем самым на вкусы и запросы потребителей. Дизайнерские бюро берут на себя разработку торговой политики, создают фирменные стили и тесно связаны с рекламной графикой, кино, телевидением. Дизайнер может работать и в сфере художественной промышленности, где обработка изделий ведется полумеханическим способом, – в стекольном, камнегранильном, ювелирной и художественной обработке металлов и других производствах; на выпуске уникальных изделий из фарфора и фаянса; при мебельных фабриках и в художественных мастерских резьбе по дереву; в косторезных мастерских; в художественных мастерских, занятых реквизитом для театральных постановок; для телестудий и киностудий и т. д. Но он считается дизайнером только в том случае, если созданные по его эскизам или моделям-эталонам вещи выпускаются сериями, поступают в массовую продажу и изготовляются коллективами рабочих, наладчиков, отделочников и т. д.

В такой трактовке отразились давние связи дизайна с декоративно-прикладным искусством, которое воспринималось как более широкое поле, из которого вышел дизайн, ориентируясь на машинное производство. В творческом же плане между ними традиционно сохраняется много общего и произведения дизайна вполне естественно должны соседствовать на художественных выставках рядом с декоративно-прикладным искусством, как его разновидность и дополнение.

Позднее, в 60-е годы прошлого века подобная трактовка стала казаться слишком профессионально суженной, она дополнилась целым рядом показателей, отражающих связи дизайна с общественным производством и потреблением. Одна из формулировок была принята в качестве рабочего определения дизайна Международным советом обществ по художественному конструированию (ИКСИД), в состав которого входит 67 профессиональных организаций из 37 стран мира, представляющих различные континенты и государства с различными политическими системами. Согласно этой формулировке «дизайн является творческой деятельностью, цель которой – определение формальных качеств предметов, производимых промышленностью. Эти качества формы относятся не только к внешнему виду, но главным образом к структурным и функциональным связям, которые превращают систему в целостное единство, с точки зрения как изготовителя, так и потребителя. Дизайн стремится охватить все стороны окружающей человека среды, на формирование которых оказывает влияние промышленное производство».

В 70-х годах XX века в профессиональном лексиконе для обозначения формообразования в условиях индустриального производства употреблялось понятие «индустриальный дизайн». Тем самым подчеркивалась его неразрывная связь с промышленным производством и конкретизировалась многозначность термина «дизайн». И многие трактаты по истории дизайна того времени в заголовках содержали уточнение «индустриальный дизайн». Затем в конце XX века проектно-художественную деятельность в области индустриального формообразования стали называть более кратко – «дизайн». Отчасти это связано и с тем, что общество вступило в фазу постиндустриального развития, произошли значительные перемены в целеустановках «индустриального дизайна».

«В октябре 1983 года в Италии (Милан) состоялся очередной, XIII конгресс ИКСИД. На нем обсуждались многообразные отношения человека и городской среды. Конгресс проходил под названием «От ложки к городу», что символизировало широту и взаимопроникновение дизайнерского и архитектурного типа мышления. Оба они одинаково заняты оформлением городского пространства – от микромасштаба непосредственно человеческого окружения, какими являются предметы первой необходимости, до макромасштаба целых урбанополисов, которые могут тянуться на целые десятки километров» [15].

«В апреле-мае 1985 года в Москве на территории ВДНХ прошла международная выставка «Дизайн-85» под девизом «Дизайн – социалистическому обществу». Выставка была организована ВНИИТЭ. В экспозиции приняли участие пять стран: СССР, Болгария, Венгрия, ГДР, Польша. Основной идеей экспозиции было показать реально существующие, выпускаемые промышленные изделия, формирующие наше предметное окружение. Устроители выставки стремились отразить процессы интеграции, происходящие в современной предметной среде» [77].

Наряду с экспонатами, включенными в международные экспозиции, каждая страна демонстрировала и собственные достижения в области дизайна. Специальный раздел был посвящен вопросам дизайнерского образования.

Современное представление о дизайне в цивилизованном мире рассматривается гораздо шире, чем промышленное проектирование. Известный американский дизайнер в области рекламы Максиме Виньелли (Massimo Vignelli) воскликнул: «Дизайн всеобщ!» И действительно, в любой области созидательной деятельности человека, будь то искусство, строительство или политика мы сталкиваемся с понятием дизайна.

Мы видим, что во всех определениях отражена, во-первых, активная, преобразующая, творческая сущность «дизайна» и, во-вторых, обращается внимание на то, что эта деятельность направлена на разработку и создание гармоничной окружающей среды. Гармоничной, то есть комфортной, функциональной, надежной и красивой, что действительно позволяет наиболее полно удовлетворять эстетические, социальные, психологические и другие предпочтения человека. Все это убеждает нас в том, что дизайн является комплексной деятельностью, неразрывно соединяющий в себе интеллектуальное, логическое, рассудочное начало и художественное, эмоционально-эстетическое.

Художников, пришедших работать в сферу промышленности, обратившихся к функционально-эстетическим проблемам предметной среды, называют дизайнерами. В 60-70-е годы прошлого века термины «дизайнер» и «дизайн» стали употребимы практически во всех странах мира. Для уточнения профессии дизайнера, сложившейся в промышленно развитых странах в первой четверти XX века, о чем подробнее будет рассказано ниже, используются также понятия «индустриальный дизайнер» (художник, занятый проектированием промышленных изделий и производственной среды), «дизайнер-график» (художник, работающий в сфере полиграфии, визуальных коммуникаций, рекламы), «интерьер-дизайнер» (художник, проектирующий предметно-пространственную среду жилища, офисов, магазинов, общественных центров и т. д.), «ландшафтный дизайнер» (художник, проектирующий парки, парковую скульптуру, фонтаны и т. д.). В нашей литературе более употребимы общие понятия «дизайнер», «художник-конструктор», «художник-оформитель».

Дизайн – неоднородное явление не только по объекту приложения сил художников. Он объединяет несколько типов профессиональной проектной деятельности – от конкретного конструирования новых элементов формы технически мало отличающихся друг от друга изделий (например, серии керамических изделий одного и того же вида) до проектирования моды, стиля в самом широком смысле. Дизайн – комплексный вид творчества, он тесно взаимосвязан с развитием искусства и различными типами культуры, внутри которой он распространяется как метод художественного предвидения и проектирования предметной среды в условиях НТР.

Учитывая данное обстоятельство, можно утверждать, что поиски приемлемых путей внедрения дизайнерского образования по декоративно-прикладному искусству, особенно в практику художественной обработки металла в СПТУ, колледжа, университета сегодня особенно актуальны – эта деятельность учит и мыслить, и чувствовать прекрасное.

«Несмотря на то, что дизайн как профессия, сформировавшаяся благодаря интеграции многих социально-исторически обусловленных достижений научно-технического прогресса и художественной культуры в сфере предметного творчества, успешно функционирует в мире с начала XX века (в том числе в нашей стране с середины прошлого века), вопросы повышения профессионализма дизайнеров и максимальной профессионализации самого процесса внедрения достижений дизайна во все сферы жизнедеятельности общества не утратили своей актуальности и сегодня» [81].

«Профессионализм дизайна базируется на решении трех основных взаимосвязанных проблем. Первая из них – это выявление научных предпосылок дизайнерского творчества, раскрытие природы и специфики многогранной дизайнерской деятельности на основе всестороннего системного анализа взаимосвязей дизайна с архитектурой, техникой и искусством путем рассмотрения феномена дизайна в системе культуры с ее подсистемами – сферами духовной, материальной и художественной культуры» [15].

«Вторая проблема – рассмотрение методических основ процесса, способов и средств проектной практики, разработки объектов дизайна» [19]. И третья проблема – формирование творческого кредо профессии, основы мировоззрения, осознание своей роли в обществе и подготовка с этих позиций кадров будущих профессионалов дизайна.

Задача подготовки дизайнерских кадров, знакомство учащихся СПТУ и студентов колледжей с основами дизайна может успешно решаться лишь при условии серьезной научной разработки теоретических и общеметодологических вопросов профессионального художественно-конструкторского образования. Указанные здесь базовые проблемы профессионализма не могут быть отделены от проблемы терминологии в рассматриваемой области теории и практики. Ясность, четкость и непротиворечивость понятийно-терминологического аппарата любой области научного знания зависят от уровня развития самой науки и особенно степени сформированности ее теории и собственной методологии.

Отмеченная закономерность развития науки и формирования терминологического аппарата имеет прямое отношение к далеко еще не завершенной в своей целостности и непротиворечивости теории дизайна (называвшейся в нашей стране «технической эстетикой»).

«С началом плохо продуманных, без прогноза последствий проводившихся реформ 90-х годов XX века в России, одним из многих отрицательных результатов которых явилось разрушение целостной системы многопрофильного межотраслевого дизайна (во главе с ВНИИ технической эстетики) и отраслевого специализированного дизайна в стране, теоретические работы в области технической эстетики были свернуты и практически прекращены вместе с профессиональной пропагандой идей, концепций и достижений отечественного и зарубежного дизайна в периодической печати, на радио и телевидении.

Это не замедлило сказаться на снижении уровня профессионализма многих российских дизайнеров, пытавшихся как-то приспособиться к нашей нецивилизованной рыночной экономике, обусловившей пренебрежение духовными ценностями и гуманистической ориентацией дизайна, социальной ответственностью представителей этой профессии» [88].

Все более размываются представления о границах дизайна, его специфике, искажаются критерии оценки результатов дизайнерского творчества, снижается требовательность самих дизайнеров к своим разработкам, происходит падение общей культуры и художественного вкуса в стремлении угодить нередко низкопробным запросам заказчиков или не отличающихся высоким уровнем культуры определенных контингентов потенциальных потребителей.

Вместо одухотворенного искусства дизайна, ориентированного на решение социально значимых задач в целях повышения качества жизни людей и совершенствования социально-культурных отношений в обществе, все больше распространяются ремесленничество, заимствования, подражание тому, что считается на Западе модным и престижным, бездушное формотворчество, лишенное глубинной мотивации, содержательности, однако внешне эффектное, привлекающее внимание потребителей необычностью модных приемов компоновки, декора, отделки и обеспечивающих формальную новизну оригинальных сочетаний материалов и применяемых технологий.

«Дизайнер из творца гармоничного предметного мира и его компонентов – вещей разного вида, а в идеале – всей прекрасно-целесообразной и комфортной «второй природы», создаваемой им вместе с другими специалистами предметного художественного творчества (как прогнозировалось будущее этой профессии в России 20-х годах XX века идеологами «жизнестроения»), в существующих условиях превращается в модного стилиста, обслуживающего в основном элиту общества, а также систему разных бизнес-проектов, бизнес-стратегий с их шоу-презентациями и рекламой, одновременно становясь выразителем индивидуальных амбиций ради личного самоутверждения и преуспевания» [88].

Безусловно, все сказанное относится не только к дизайнерам, но и к значительному числу современных литераторов, деятелей театра, кино, телевидения, певцов, танцоров и музыкантов (особенно в области эстрады), художников изобразительных и прикладных искусств, а также представителей многих других коммерциализованных видов и форм творчества.

Здесь многое, конечно, зависит не только от довлеющей идеологии рыночной экономики, девальвировавшей ценности гуманизма как главного и всеобщего критерия оценки уровня развития культуры, но в немалой степени и от жизненной позиции представителя той или иной творческой профессии, его кредо (символа веры), убеждений.

Известно, что осознание огромного социально-культурного, гуманистического потенциала дизайна, разработка его концепций и научных основ творчества (в том числе подхода к осмыслению ключевых понятий дизайна, характеризующих сущность этой профессии) были впервые осуществлены выдающимися архитекторами и дизайнерами Европы и Америки, при всем том, что они жили и работали в условиях рыночной экономики с ее жесткой конкуренцией и коммерческой идеологией.

Это – Шарль ле Корбюзье, Вальтер Гропиус (создатель Баухауза) [91], Анри ван де Вельде, Алвар Аалто, Герберт Рид, Джон Глоаг, Джио Понти, Джордж Нельсон [90], Генри Дрейфус, Раймонд Лоуи, Томас Мальдонадо [89, 95] и другие яркие личности.

Прекрасно осознавая тот факт, что большинство промышленных, торговых и рекламных фирм привлекают дизайнеров для достижения коммерческого успеха своей деятельности и получения высокой прибыли, многие дизайнеры (как и архитекторы), исповедуя принцип социальной ответственности и отдавая себе отчет в большой культурной значимости своей профессии, стремились и стремятся к максимально возможной реализации ее гуманистического потенциала в интересах всего общества.

В нашей стране теоретические разработки в области дизайна стали проводиться лишь с начала 60-х годах XX века, со времени создания государственной системы дизайна в стране, возглавляемой ВНИИТЭ.

Среди тех немногих отечественных специалистов (архитекторов, скульпторов, дизайнеров, философов, искусствоведов), кто внес свой вклад в разработку основ теории, методологии и методики дизайна в 60–80-е годы, можно назвать В.Р. Аронова, Л.Н. Безмоздина, В.Л. Глазычева, А. В. Иконникова, К.М. Кантора, М.А. Коськова, Е.Н. Лазарева, Г.Б. Минервина, Л.И. Новикову, В. Ф. Сидоренко, Ю.С. Сомова, М.В. Федорова.

Составной частью многих взаимосвязанных направлений научно-методических исследований была работа над проблемой упорядочения понятийно-терминологического аппарата теории дизайна – технической эстетики.

«В 1975 году во ВНИИТЭ был издан Краткий словарь терминов дизайна, содержавший 263 термина на русском языке и их эквиваленты на восьми языках, включая японский. В 1978 году там же был составлен, но, к сожалению, не издан Краткий словарь основных терминов методики дизайна, а в 1980 году был издан Краткий словарь терминов эргономики» [88, 95].

«С 1978 года работа по терминологии дизайна во ВНИИТЭ приняла систематический характер с привлечением ведущих теоретиков и практиков дизайна как нашей страны, так и специалистов Болгарии, ГДР, Польши и Чехословакии в целях создания общей методики проведения терминологических исследований в этой области, составления подробной картотеки терминов дизайна с краткими дефинициями как основы для создания толкового словаря терминов дизайна и статейного словарного справочника по дизайну энциклопедического характера» [95].

«В 1988 году такой краткий справочник-словарь «Основные термины дизайна» был издан ВНИИТЭ» [94].

Помимо статей, поясняющих отобранные составителями справочника термины дизайна, это издание включает русско-иноязычный словарь отобранных терминов, дающий их параллельный перевод на болгарский, чешский, немецкий, английский, французский, венгерский и польский языки, а также англо-русский, болгарско-русский, венгерско-русский, немецко-русский, польско-русский, французско-русский и чешско-русский словари основных терминов дизайна.

Это издание было последней публикацией результатов терминологических исследований в области дизайна, проводившихся в нашей стране до начала реформ.

При всех своих достоинствах справочник-словарь не лишен недостатков. Создатели справочника, к сожалению, не взяли на себя труд разработки строгих, точных и, по возможности, кратких дефиниций отобранных ими терминов, оправдываясь существовавшей (и все еще существующей) неоднозначностью их толкования и отказавшись от более подробного разъяснения смысла многих важных терминируемых понятий. Целый ряд дефиниций в этом справочнике представляется спорным и недостаточно раскрытым. Из-за трактовки составителями справочника-словаря некоторых терминов не как основных, а как подчиненных, то есть «подтерминов», их определения получились недостаточно полными, точными, а иногда и спорными. Это относится, например, к определениям понятий композиционного формообразования, типологии в дизайне, стиля в дизайне, эстетической ценности произведений дизайна.

«Недостаточно полно и убедительно трактованы здесь само определение дизайна, его цель, задачи, объекты, предмет дизайн-деятельности, а также функции дизайна (последнее понятие подменено функциями вещи)» [88].

Кроме того, следует отметить, что при всей серьезности подхода к составлению анализируемого справочника-словаря, базирующегося на научных принципах терминирования понятий, на специально разработанной методике упорядочения терминологии дизайна, на многоаспектном анализе данной проблемы, структура этого справочника не отражает столь важного для методологии терминирования принципа системности.

«Алфавитный принцип расположения отобранных терминов и их определений удобен для поиска необходимого термина, но при этом разрушает понятийно-смысловые связи многих групп терминов, образующих в теории и практике дизайна взаимосвязанные системы и подсистемы понятий. Видимо, целесообразно было бы в таком издании дополнить бесспорно удобный алфавитный принцип расположения терминов и определений принципом системной группировки взаимосвязанных понятий» [82].

В данном учебном пособии по художественной обработке металла не ставилась цель продолжения работы в этом направлении для создания более совершенного справочника-словаря по терминологии дизайна.

В предлагаемом автором пособии в I разделе дан краткий результат исследования, анализа содержания и систематизации основополагающих понятий теории дизайна как научной дисциплины, изучающей закономерности определенного вида творческой деятельности. Система этих понятий определяет основные положения дизайнерской деятельности, ее смысл и сущность, взаимосвязь с родственными видами творчества и отличие от них, свою специфику. Специально рассматриваются этимология понятия «дизайн», его определения, дается логически обоснованное, уточненное определение этого термина.

В систему ключевых, основополагающих понятий дизайна с их дефинициями помимо определения термина «дизайн» входят: предмет и объекты дизайна, основной метод дизайна, основные рабочие категории дизайна; типология дизайн-деятельности по нескольким основаниям; цель, функции и задачи дизайна; основополагающие принципы и закономерности дизайна. Анализируется также сущность понятия композиционное формообразование в дизайне, посредством которого реализуется художественно-образное моделирование как основной метод дизайна. В заключение дизайн рассматривается в системе предметного художественного творчества и во взаимосвязи с другими видами архитектонических искусств.

Учебное пособие призвано помочь студентам, изучающим основы теории и истории дизайн-проектирования, в усвоении материала соответствующего раздела «Основы дизайна», должно способствовать формированию у будущих дизайнеров разных специализаций профессионального мышления, расширению их кругозора, углублению эрудиции, развитию общей культуры. Это позволит понять и глубже постичь сущность выбранной профессии и осознать социальную ответственность дизайна в решении обусловленных его сущностью общественно значимых задач, ориентированных на достижение наиболее полного соответствия гармонизируемых методами и средствами дизайна объектов и предметной среды в целом многообразным развивающимся потребностям человека и общества.

Сегодня дизайн существует одновременно в двух измерениях, двух мирах – в области чистого искусства и в области техники. Соответственно, и язык специальных понятий делится на две группы. Первую можно обозначить как «художественную», которая пришла из первоисточников – «старших» видов искусства – живописи, скульптуры, архитектуры. Это понятия общие, фундаментальные для всех искусств: стиль и стилизация, пространство и среда, композиция, пропорции, пластика, ритм, объем, цвет, свет, контраст и нюанс, поверхность и фактура.

Вторая группа понятий пришла в дизайн из области техники, конструирования и строительства, поэтому можно назвать ее «технической». К техническим понятиям имеет смысл отнести: реконструкцию, перепланировку, кубатуру, перспективу, зонирование, масштаб, эскиз, проект, чертеж, выкраску, инсоляцию, декорирование, модуль, план.

Осваивать «дизайн» человек начал еще на этапе превращения камня в примитивное орудие труда или охоты. Он просто пытался обустроить, например, пещеру под собственный образ жизни. Так что на первых порах дизайн был жизненной необходимостью. Сейчас нельзя сказать однозначно – это необходимость или искусство. Скорее всего, ни то ни другое в чистом виде. Некоторые авторы учебников по дизайну предлагают метафору – «язык для общения человека и вещи, им созданной».

«Приглядимся внимательнее к предметам, сопровождающим наше бытие. Вещественное окружение человека – мебель, посуда, хозяйственный инвентарь – представляет собой хранилище информации, передаваемой через тысячелетия. Причем эта информация может быть сосредоточена на площади и в 30, и в 200 м2. Когда человек садится за стол, вряд ли ему приходит в голову, что форма и назначение этого предмета мало изменилась со времен Древнего Египта или Греции. Во все эпохи человек стремился к оптимальной среде обитания. И руководствовался в своем стремлении не только личным вкусом и модой, но и современным ему требованиями комфорта» [87].

Внешнее великолепие отличает и дворцы египетской знати. Поражали сказочные росписи дворца в Ахетатоне, созданные безымянным живописцем 3500 лет назад. На полу дворца изображен бассейн с лотосами, нильские заросли, плавающие рыбы. Мастер прекрасно передает свежесть раннего утра, радость пробуждения природы.

В решении египетских интерьеров широко использовались камень, золото, серебро, бронзовая инкрустация. Фаянсовыми плитками устилался пол, резьба и темперная роспись покрывали стены. Синие плафоны и изображения звезд напоминали небо. Орнаментом украшались панели стен, для облицовки использовалось дерево ценных пород, при этом умело варьировался цвет.

Невиданных для того времени достигает зодчество во многих странах. В Древней Греции, например, для поселений выбирались живописные уголки вдоль извилистой береговой полосы Эгейского моря. Здесь строятся совершенные по красоте сооружения. Создается архитектурный ордер – строгий, художественно осмысленный порядок расположения частей сооружения.

«В отделке внутренних пространств применяются штукатурка, мрамор, дерево для стен, мозаичные полы. Для общественных сооружений используется позолота, порфир, инкрустация из глазури и золота на мраморе, пластины из чеканной меди. Изящные вазы, амфоры, кувшины из керамики, на которых изображены различные сцены из жизни, украшают интерьеры древних греков. На улицах древних городов было большое количество статуй из мрамора и бронзы» [87].

Учитывая данное обстоятельство, можно утверждать, что поиски приемлемых путей внедрения дизайнерского образования по декоративно-прикладному искусству в практику школы, СПТУ, колледжа, университета сегодня особенно актуальны: эта деятельность учит и мыслить, и чувствовать прекрасное.

 

1.2. Художественные и технические приемы дизайна

Прежде чем приступить к практике дизайна, необходимо обозначить ее основные этапы.

Широко известна лаконичная формула дизайна: «красота + польза», с учетом которой разрабатываются наиболее совершенные вещи. Иногда приходится встречать в дополнение к ней и еще одно понятие – прочность (получается: «красота, польза и прочность»). Н.М. Конышева пишет: «Думается, что это добавление необязательно: оно включается в понятие «польза», под которой подразумевается удобство изделия, его максимальное соответствие своей функции, а значит и прочность» [14].

В исследованиях по дизайну убедительно доказывается, что наиболее гармоничные вещи лучше выполняют и свою утилитарную функцию. Можно сказать и наоборот: те предметы, которые лучше продуманы с точки зрения выполнения своей основной функции, являются и более совершенными и красивыми внешне. Многочисленные наблюдения подводят к выводу, что красота всегда целесообразна. Это относится как к объектам природы, так и к продуктам человеческой деятельности. Об этом можно найти много интересных высказываний у художников, философов, представителей различных наук, конструкторов и т. д. при проектировании изделий декоративно-прикладного направления на уроках и особенно в процессе анализа образцовых вещей, выполненных мастерами народных промыслов, всегда есть возможность остановиться на данном правиле дизайна, чтобы учащиеся и студенты как следует освоили его. Для этого преподаватель и учитель могут использовать как хорошо известные, утвердившиеся в школьной и студенческой практике примеры, так и менее известные.

В частности, эталоном гармоничной формы являются вазы Древней Греции, древнегреческие храмы. Наиболее известные разновидности древнегреческих сосудов своей внешней формой максимально точно отражают исполняемую функцию. Храмы древних греков удивительно соразмерны с пропорциями человека и потому при всем величии и монументальности не вызывают ощущения подавленности, а, наоборот, возвышают и возвеличивают дух человека. Это хрестоматийные примеры. Но скажем, простой славянский сосуд – горшок является не менее удивительным примером гармоничной конструкции, прекрасная форма которой идеально отвечает своей функции.

Основной принцип дизайна в процессе разработки конкретных вещей реализуется через совершенно определенные правила или требования.

1) Очень важным требованием к разрабатываемой вещи или системе вещей является композиционная целостность, то есть соответствие отдельных частей друг другу и соответствие части целому. Эта комплексная характеристика включает в себя целый ряд более частных качеств, каждое из которых можно рассматривать и по отдельности. Среди них обычно выделяют: соподчиненность, пропорциональность и другие. В любом случае данное требование означает согласованность и соразмерность частей в составе целого, их уравновешенность, т. е. единство. Прежде всего речь идет о единстве стиля, что обеспечивается единством форм, размеров, материала, технологий и т. д.

Пропорциональные изделия воспринимаются глазом как гармоничные, совершенные. Видимо, в природе человека изначально заложены определенные эталоны, которые позволяют нам оценивать одни формы как соразмерные, а другие – как несоразмерные, дисгармоничные.

Обычно пропорциональные предметы имеют гармоничную линию контура и, возможно, поэтому при визуальном восприятии их форма легче прослеживается и кажется более приятной. К сожалению, не всегда окружающие вещи являются образцом художественности: и бытовые предметы, и декоративные изделия могут не отвечать высоким требованиям гармонии.

Уравновешенность, единство, или композиционную целостность, можно рассматривать как внешнее выражение внутренней конструкции вещи, как ее организованность, упорядоченность. Они складываются из целого ряда более конкретных параметров или средств, наиболее существенными из которых являются симметрия и ритм элементов. Каждый из этих параметров можно включить в учебные задания, поскольку они универсальны и должны быть усвоены студентами и учащимися. Очень важно, чтобы дизайнерское требование соответствия формы и всех деталей изделия его назначению систематически ставилось преподавателями на лекциях и в практической работе в учебных мастерских пред студентами. Очень полезны сравнения конкретных вещей, имеющих сходную, но в чем-то различную функцию, чтобы наглядно показать, как даже незначительные функциональные различия могут влиять на изменение формы, конструкции, пропорции изделия.

2) Не менее важное требование дизайна – максимальное выявление в изделии всех возможностей материала, из которого оно сделано. Талантливый исследователь декоративно-прикладного искусства А. Б. Салтыков писал о том, что «хороший вкус любит подлинное, поэтому подделка одного материала под другой возможна и уместна лишь в тех случаях, когда их внешние свойства похожи (матовые или блестящие, гладкие или шероховатые, твердые или мягкие и пр.). если эти свойства сильно различаются, подделки лишены художественной выразительности» [31].

Так, например, возможна имитация золота в изделиях из серебра или других металлов, и изделия могут быть при этом высоко художественными. Но вот попытки расписать фаянсовое или фарфоровое изделие «под дерево» едва ли могут увенчаться успехом, ведь качества этих двух материалов слишком различны.

«Нужно стремиться «подать» материал, обыграть его качества в изделии наиболее выразительно, а не подделывать, скажем, дешевое под дорогое. Каждый материал обладает своими собственными достоинствами, которые нужно уметь выявить использовать» [87]. Мастеру производственного обучения следует иметь в виду, что любой, даже самый простой и привычный для нас, материал, например алюминиевая фольга, обладает неисчерпаемым количеством совершенно определенных свойств, которые так или иначе следует учитывать при изготовлении изделий. Мы знаем, что фольгу можно резать ножницами и ножом, рвать, мять, изгибать, сгибать, прокалывать шилом, дыроколом, иглой, сшивать, склеивать, окрашивать и т. д. При этом по-разному будет вести себя фольга различной толщины. Далее, каждая из этих операций имеет ряд разновидностей; скажем, необходимо изготовить снежинку: можно фольгу разрезать, вырезать в ней отверстие, сделать прорезь внутри плоскости, надрезать с краю; аналогично можно оторвать, прорвать, надорвать. Операции можно сочетать между собой и таким образом получать бесчисленное количество новых художественных и конструктивных эффектов: надрезать и отогнуть, прорезать и надорвать от прорези и т. д.

Отсюда следует очень важный вывод: поскольку свойства любого материала бесконечно разнообразны, а их учет и выбор соответствующих приемов обработки и инструментов зависят от стоящей задачи, то едва ли возможно изучить все мыслимые свойства и их изменения заранее, отдельно от практической работы. Все необходимые знания и умения лучше всего приобретаются именно в творческой деятельности.

3) Следующее требование дизайна – учет декоративных, психологических, физиологических и прочих возможностей цвета при разработке изделия.

Хорошо известно, что различные цвета, а также их сочетания оказывают на человека определенное психофизиологическое воздействие; на этом основано эмоциональное переживание цвета и эстетическое отношение к нему. В одной цветовой среде человек будет чувствовать себя комфортно и оптимистично, другая может вызвать чувство страха или состояние агрессии, раздражения и пр. При этом в каких-то случаях воздействие и восприятие цвета будут одинаковыми или похожими для многих людей, а в других – избирательными и субъективными. На знании этих законов основаны некоторые психодиагностические методики. Современные дизайнерские разработки, естественно, не могут обойтись без учета такого важного фактора, как цвет, при проектировании отдельных предметов и среды в целом. В художественных конструкциях, в декоративных вещах чаще всего уместны условные тона, но именно их использование вызывает у студентов и учащихся значительные трудности.

4) Наконец, отметим еще одно важное дизайнерское требование – уместность украшений на предмете. Украшения на вещах не всегда имели чисто декоративный смысл. Изучая историю предметного мира, ученые пришли к выводу, что большинство бытовых предметов наряду с обычной утилитарной функцией выполняли и магическую функцию, а украшения были символическими и усиливали магию вещей.

«Современный дизайн практически не учитывает эту историческую особенность предметного мира, и украшения в нем рассматриваются с сугубо декоративных позиций, но это не упрощает предъявляемых к ним требований. В частности, любая отделка никогда не должна мешать человеческому глазу наслаждаться формой предмета. Наоборот, она должна подчеркивать строение формы и составлять с ней целое. Украшение никогда не должно казаться попавшим случайно на предмет. Оно должно быть так тесно связано с ним, чтобы без него вещь казалась хуже, была бы не так выразительна. Украшение должно соответствовать форме и поверхности предмета, быть соразмерным с ним» [87].

Подводя итог краткой характеристики основных правил дизайна, следует еще раз подчеркнуть, что они все вместе обеспечивают оптимальную функциональность вещи (или целостной среды): форма, цвет, материал и декор разрабатываются в соответствии с основными функциями изделия. Если такого соответствия нет или оно как-то нарушено, вещь утрачивает свою гармоничность. Скажем, поиски внешней красоты в изделии никогда не должны мешать его назначению, препятствовать употреблению. Вещи не должны быть бессмысленными, бесполезными, нелепыми.

Разумеется, и чисто внешнего соответствия формы предмета тоже недостаточно, во всяком случае, оно не должно пониматься поверхностно. Всякий горшок, чайник и т. п. имеют формы, отвечающие назначению, но от этого далеко не каждый из них становится гармоничной художественной вещью. Не решается проблема и простым украшением поверхности предмета; скажем, если тот же чайник имеет плохо продуманную, невыразительную форму, не спасет положения и цветочная роспись или другая отделка.

Техническая эстетика в системе эстетического знания. Понятие «техническая эстетика» стало употребляться в советской научной литературе на рубеже 50–60-х годов прошлого века. Оно пришло к нам из Чехословакии, где его ввел видный художник и публицист П. Тучны, назвав технической эстетикой теорию художественного конструирования орудий труда и средств производства. Правда, сам Тучны трактовал техническую эстетику довольно узко, ограничивая ее вопросами улучшения качества и внешнего вида ручных инструментов и органов управления станков и приборов на основе анализа производимых с ними операций, антропометрических, физиологических и психологических факторов труда. Тучны и другой чешский дизайнер, 3. Коварж, создали тогда множество рукояток, рычагов, кнопок, разработали новые формы молотков, пил, ножниц. Их эксперименты имели важное значение: они способствовали совершенствованию орудий труда, но в очень локальной области.

«Когда статьи самого Тучны и публикации о чешских экспериментах стали печататься в советских журналах, термин «техническая эстетика» был расширен до общей теории промышленного искусства (в высших и средних учебных заведениях, готовящих художников для работы в сфере промышленности, до сих пор сохраняется название специальности – «промышленное искусство») [15].

В 80-х годах прошлого века термин «техническая эстетика» широко стал употребляться в Советском Союзе. Появился Всесоюзный научно-исследовательский институт технической эстетики (головной институт был расположен в Москве, а его филиалы – в Баку, Вильнюсе, Ереване, Киеве, Ленинграде, Минске, Свердловске, Тбилиси, Хабаровске, Харькове). В Москве и Риге работали информационные Центры технической эстетики, целью которых являлось пропоганда достижений и требований технической эстетики на современном этапе. Стал выходить ежемесячный теоретический, научно-практический и методический журнал «Техническая эстетика» Государственного комитета по науке и технике, было опубликовано более 40 выпусков «Трудов ВНИИТЭ» серии «Техническая эстетика», в которых рассматривались прикладные и общетехнические вопросы предметного художественного творчества [73].

За рубежом, в англоязычных странах, нет особого понятия «техническая эстетика», ее проблемами занимается теория дизайна; в немецком языке под технической эстетикой подразумевают теорию индустриального формообразования; во французском языке одно время в 80-х годах прошлого века было употребимо понятие «индустриальная эстетика»; в Болгарии мы встречаемся с понятием «промышленная эстетика» все они выступают, в общем, как синонимы, отражая развитие дизайна и его теории в разных странах.

 

1.3. Творческая переработка форм природы в формы декоративные

Поскольку предметная среда создается человеком и существует внутри мира природы, все проблемы дизайнерской деятельности так или иначе должны решаться с учетом этого обстоятельства. Гармоничная рукотворная среда не может не быть в гармонии с природой. Таким образом, мы получаем возможность использовать в системе дизайнерского образования по декоративно-прикладному искусству огромное воспитательное воздействие природы.

Декоративно-прикладное искусство направлено на создание художественных произведений, предназначенных для быта: мебели, одежды, украшений и пр. Работая с каким-то определенным материалом, создавая из него изделия, сувениры, необходимо стремиться привнести в него художественную ценность. Особенность декоративного искусства в том, что оно, по выражению А. Б. Салтыкова, «входит в жизнь создавать новую материальную среду, заменять новыми и красивыми вещами старые» [31].

В своем творчестве художник перерабатывает и видоизменяет окружающую действительность по законам, отличным от законов изобразительного искусства. Букет цветов, изображенный на холсте художником-живописцем, будет передавать расположение цветов и листьев буквально так, как они есть в натуре. В декоративном предмете, например из дерева или металла, такой же букет изображается иначе: цветы и листья располагаются в определенном ритме, чередуясь между собой.

Изобразительный рисунок теряет свое самостоятельное значение, входит в общий строй предмета, становится более декоративным, принимая характер украшения. Поэтому в декоративной композиции допускается условная трактовка рисунка, иногда сознательно легким намеком, иногда утрировано.

Это обусловлено объективными причинами: свойствами материала, местом использования композиции, характером исполнения.

В декоративном изделии все должно быть согласовано: форма и ее назначение, конструкция и материал, цвет и украшения.

Универсальные конструктивные и художественные идеи природы. В народном искусстве растения, фигуры животного и человека трактуются с большей или меньшей степенью упрощения, но всякий раз сохраняют свою образность. В русском народном искусстве кроме кружевной резьбы наличников и фронтонов на фасадах домов использовали и объемный элемент оформления постройки – охлупень, толстое бревно на крыше сруба, которому придавали облик утицы, коня, оленя. Со временем, потеряв свой ритуальный смысл, эти скульптуры использовались как обязательное украшение и необходимая деталь для всего дома. И где бы они не выполнялись – на севере или в средней полосе России, – их неизменно сближают черты, присущие всей русской скульптуре: предельная выразительность образа, условность и обобщенность формы.

Однако, как показывает практика, поиск решения образной формы художником-дизайнером иногда приводит к ее упрощению до такой степени, что она становится неузнаваемой, деформируется и даже исчезает вовсе, уступая место аляповатым надуманным элементам. Таких работ, разумеется, не должно быть.

Среди предметов искусства можно найти множество примеров, как воплощался один и тот же образ животного в разных материалах: металле, мраморе, гипсе, кости и т. д. Но во всем необходимо чувство меры, нужна грань реального и абстрактного, организация композиции происходит в процессе самого творчества, максимально подчиненного порывам творческой фантазии. В лучших работах всегда ощущается импровизация, в них нет копирования формы, они сохраняют свежесть и непосредственность авторского замысла. Предельная геометричность в них воспринимается с интересом, и многие работы завоевывают симпатии зрителей.

Вольная игра с материалом доставляет мастеру истинное творческое удовольствие. Обобщенные цельные формы при таком методе работы исключают точный повтор, копию, обеспечивают уникальность каждого предмета.

Деятельность настоящих мастеров направлена на постоянный поиск художественных средств, на расширение границ ремесла. Стремящийся постичь основы ремесла должен чаще задавать вопрос: как это сделано? Ответом будут уникальные работы специалистов с их секретами мастерства, их тайнами и гордостью.

Понимание природы материала – одно из условий успеха в создании обобщенных и выразительных художественных образов.

«В лаконичной форме произведений народных мастеров ощущается большая сила и ясность. Они стремились добиться выразительности силуэта, гармонии линий, излюбленной игры орнаментальных мотивов: в Древнем Египте – папирус, в Прибалтике – белые барашки – волны, ветки ели; у народов Средней Азии – юрты, овцы. Реальные формы перерабатываются, обобщаются в зависимости от мыслей, чувств, настроения художника, сказываясь на характере стилизации рисунка. Изображение тонконого коня, удлиненной фигуры человека в древнерусском искусстве говорит о величественности, статности, даже романтичности» [87].

Декоративно-прикладное искусство, как и другие виды искусств, стремиться к художественно-образному содержанию, передаче определенного настроения и переживания.

Одна из особенностей декоративного искусства – создание обобщенного образа с приданием ему более широкого смысла. Это расширение может выйти за пределы того круга явлений, непосредственным отражением которого становится образ. Тогда образ превращается в эмблему.

Традиции искусства эмблематики в настоящее время получили свое развитие в промышленной графике. Дизайнеры для многих предприятий разрабатывают фирменный (или товарный) знак. По отдельной, довольно простой, но характерной детали можно получить представление о профиле отрасли целой организации, предприятия. Например, часть ствола дерева с тремя распущенными листочками и дятел – эмблема деревообрабатывающего предприятия.

В каждом случае выбор изобразительных элементов и графическое построение композиции определяются содержанием знака, способом нанесения его на поверхность: трафаретная и штемпельная печать, штамповка, гравирование, фотоспособ и др.

Композиционная завершенность имитирует трафаретную технику выполнения или электронное изображение на световом табло. Лаконичность, предельная простота в обобщении формы, запоминаемость – результат творческой переработки изобразительных форм в декоративные, пригодные к тиражированию различными технологическими способами.

Творческий процесс создания стилизованного рисунка требует высокой культуры, художественного вкуса, специальной дизайнерской подготовки, обширных знаний.

Все эти перечисленные выше факторы в сочетании с умением найти типичное, характерное в форме живой природы способствуют созданию гармоничного изделия.

 

1.4. О декоративности в дизайнерском искусстве

Декоративность – это стремление связать произведение искусства с его окружением, без стремления буквально отобразить действительность.

Как и всякое искусство, декоративно-прикладное также развивается по определенным правилам и имеет свои принципы построения художественного образа. Эти принципы вырабатывались тысячелетиями, так как декоративно-прикладное искусство одно из самых древних; возникновение его относится к эпохе верхнего палеолита, к 40–20 тыс. до нашей эры.

Каковы же эти принципы?

Первый – принцип целесообразности или утилитарности.

Перед художником-прикладником стоит задача создавать предметы, которыми было бы удобно пользоваться. Поясним эту мысль примером.

Чашка должна быть такой формы, чтобы из нее было удобно пить. Ее можно сделать цилиндрической или чуть расширяющейся вверху – пить из такой чашки легко. Удобно, когда у чашки есть ручка, тогда вы не обожжете руки, если в ней очень горячий чай.

Однако не все бытовые предметы могут быть отнесены к области искусства.

Второй важный принцип декоративно-прикладного искусства – в красоте вещи, в ее художественности. Только художественно выполненная мебель, утварь, одежда может быть отнесена к области искусства.

Что значит художественно выполненная?

Многие скажут: «Очень просто: если на чашке многоцветная роспись и золотые полоски, шкаф украшен замысловатой резьбой, а ткань – пышным орнаментом, следовательно, эти вещи художественны и вписываются в современный интерьер; если же нет никаких украшений, как например, на кухонной кастрюле, то это обычный бытовой предмет».

Не совсем так.

Нередко вещи, украшенные орнаментом, могут оказаться антихудожественными, а простой формы предметы из недорогого материала, например, глины, будут названы высокохудожественными произведениями искусства.

Итак, нам необходимо знать, что признаком искусства в бытовом предмете является соединение целесообразности и красоты. Это союз – и в форме предмета, и в правильно выбранном для него материале. Художники прикладного искусства всегда ценили материал, старались показать его декоративные возможности, никогда не подделывали его под драгоценный камень или золото.

Но это еще не все.

Декоративно-прикладное искусство является еще и средством эстетического выражения социальных отношений того или иного класса. Богатая история этого вида искусства дает возможность проследить его историю.

Изучение интерьеров прошлого – занятие захватывающее. Ведь дом предназначен для жизни, следовательно, вполне утилитарен. Исследуя его обстановку, мы мысленно примеряем ее на себя. Кроме того, изучение истории вопроса – святая обязанность каждого, кто решил обратиться к практике (в данном случае – к практическому дизайну и декоративно-прикладному искусству).

Теоретик декоративного искусства А. Б. Салтыков, сопоставляя декоративность с требованиями изобразительного искусства в классическом и современном интерьере, формулировал такие характерные признаки декоративности:

– множественность места;

– множественность перспективы;

– плоскостность, локальность цвета, отсутствие или условность освещения;

– множественность времени;

– множественность действия;

– эмблематичность, подписи, контурность, жест.

Значение этих положений для декоративного искусства, бесспорно, велико. Используя эти законы в своем творчестве, художники создали выразительные монументальные произведения, отвечающие характеру современного искусства.

Пример тому – витраж «Берегите мир» Б. Тальберта в Музее Комсомольской Славы имени А. Матросова в Великих Луках выполнен в технике росписи по стеклу, имитирующей черно-белую гравюру. Сочетание черного и белого трогает своей искренностью и строгой торжественностью. В мозаике запечатлены сюжеты, взятые из реальной жизни и рожденные фантазией автора, тепло и поэтично переданы юность, материнство.

Отдельные сцены объединены композиционным построением в цельный рассказ о мире, красоте жизни и счастье.

В технике выколотки (дифовки) выполнена скульптурная композиция «Рабочий и колхозница» из нержавеющей стали В. Мухиной в Москве.

Творчество многих художников отличается умением найти гармоничное образное и композиционное решение, создать эстетически организованную среду.

Таким образом, в поисках дизайнерских наиболее выразительных декоративных решений мастера современных народных промыслов стремятся преодолеть привычную специфику обработки материала посредством использования излюбленного технического приема контрастности фактуры, подчиняя ее смыслу, логике и выразительности самого материала.

Поиски декоративности в дизайне заключены в самом методе использования материала и в новых технических приемах его обработки. Одни из них являются общим достоянием, другие используются отдельными предприятиями, мастерскими, в интерьерах офисных зданий, квартирах, на дачах, третьи – секреты самих мастеров.

Язык и приемы декоративного искусства при точном и лаконичном их использовании усиливают идейно-образную выразительность. Четкая ритмичность, обобщенность фигур, ясность и плавность силуэтов, многообразие колорита, монументальность образов, празднично-нарядные сюжетные рисунки в народном искусстве, определенным образом организованные на плоскости, делают народное искусство неисчерпаемым.

Художники-дизайнеры упорно ищут лаконичного графического языка, разнообразия, специфической условности, остроты и выразительности цвета, содержательных решений.

 

1.5. Виды искусства

В процессе исторического развития искусства сложились различные его виды. Эпохи наивысшего расцвета искусства свидетельствуют о том, что полнота отображения мира достигается одновременным расцветом всех искусств. Как известно. Виды искусства можно объединить в следующие группы: временные, пластические и синтетические (пластическо-временные).

К временным искусствам относят музыку и литературу, так как для исполнения музыкального произведения и чтения книги требуется определенное время.

Пластические искусства – это искусства, произведения которых имеют предметный характер, создаются путем обработки материала и существуют в реальном пространстве. Пластические искусства с XVIII века называют прекрасными, изящными.

К пластическим искусствам относятся изобразительное искусство (графика, живопись, скульптура), архитектура, декоративное и прикладное искусство, дизайн, а также произведения народного искусства изобразительного и прикладного характера.

Произведения пластических искусств воспринимаются зрительно. А иногда и осязательно (скульптура, декоративное и прикладное искусство). Этим они отличаются от произведений временных видов искусства (музыкальные произведения воспринимаются на слух. Стихи и прозу можно также воспринимать с помощью слуха).

Пластические искусства тяготеют к синтезу различных видов (слияние и взаимодействие архитектуры с монументальной живописью, скульптурой и декоративно-прикладным искусством; живописи – в рельефах; живописи с декоративно-прикладном искусством – в керамических изделиях, вазах и т. д.).

В пластических искусствах пластика объемов, форм, линий имеет определенное значение, с этим связано и их название. Окружающая действительность фиксируется художником в пластических образах. Основная их особенность заключается в том, что, материализуясь на плоской или иной поверхности, а также в объеме, они, как правило, становятся знаками реально существующих предметов. Художественность пластического изображения раскрывается в отборе тех качеств предметно-пространственного мира, которые дают возможность передать характерную выразительность и выделить эстетически ценное.

Архитектура (от. лат. architectura, от греч. architekton – строитель), зодчество, искусство строительства зданий и сооружений; один из видов пространственных искусств. Формирует пространственную среду для жизни и деятельности людей. Имеет первостепенное значение в синтезе искусств (живописи, скульптуры, декоративно-прикладного творчества), объединяя их в художественный ансамбль. Архитектурные сооружения являются, с одной стороны, памятниками материальной культуры (свидетельствуют о технических достижениях, связаны с практическими нуждами людей); с другой стороны, произведениями искусства, с помощью специфического языка раскрывающими мироощущение своей эпохи. Вероятно, поэтому говорят, что архитектура – это застывшая музыка в дереве, в бетоне, стали, алюминии и стекле.

Архитектура возникла и существует вследствие общественной потребности в ней. В начальный период истории человеческого общества различные трудовые и бытовые процессы протекали в естественном, природном пространстве, то есть под открытым небом, в примитивных шалашах или в естественных убежищах (пещерах). Со временем научились возводить постройки и даже свайные на озерах и реках. Сооружая здания, люди создают так называемое архитектурное пространство, которое не просто ограничено стенами и крышей, но и организовано, то есть имеет заданную, нужную форму. Первостепенной задачей архитектуры является организация пространства для процессов человеческой жизнедеятельности. Это пространство люди для своего удобства оборудуют различными предметами и таким образом в дополнение к естественной, природной среде создают для себя искусственную среду.

Различают три основные виды архитектуры: объемные сооружения (культовые, общественные, промышленные, жилые и другие здания); ландшафтная архитектура (беседки, мостики, фонтаны и лестницы для скверов, бульваров, парков); градостроительство – создание новых городов и реконструкция старых. Своей художественно-образной стороной архитектура отличается от простого строительства. Комплексы построек и открытых пространств составляют архитектурные ансамбли. Эстетические, функциональные и конструктивные качества в архитектуре взаимосвязаны.

Связанная в своем развитии с постоянно меняющимися материальными потребностями человека, с достижениями науки и техники, архитектура является одной из форм материальной культуры.

Основные выразительные средства, применяемые в архитектуре, – пластика объемов, масштабность, ритм, пропорциональность, а также фактура и цвет поверхностей. Архитектурные сооружения отражают художественный стиль эпохи, как и произведения любого другого вида искусства. Всемирно известные архитектурные сооружения и ансамбли запоминаются как символы стран и городов (пирамиды Египта, Акрополь в Афинах. Колизей в Риме, Эйфелева башня в Париже, небоскребы в Чикаго, Кремль и Красная площадь в Москве и др.).

Архитектура воздействует своими монументальными формами на сознание людей. В художественных образах архитектуры отражаются и строй общественной жизни, и уровень духовного развития общества, и его эстетические идеалы. Архитектурный замысел раскрывается в группировке архитектурных масс, организации пространства интерьера, пропорциональных отношениях частей и целого, ритмическом строе. Соотношение интерьера и объема здания характеризует своеобразие художественного языка архитектуры. Большое значение имеет художественное решение наружного облика зданий.

Архитекторы создают для человеческой жизнедеятельности художественно организованное пространство, которое является гармоничной средой для синтеза искусства.

Знание истории архитектуры расширяет кругозор, обогащает интеллект приобщения к этой замечательной области человеческого творчества. Дает возможность видеть историю зодчества как закономерный процесс его развития. И укрепляет веру в прогресс, силу разума и творческого гения человечества.

 

1.6. Художественные стили и направления

Стиль – это художественное выражение восприятия мира, свойственного людям той или иной эпохи. В нем получают свое воплощение историческое и национальное своеобразие художественной культуры. Стиль проявляется и на уровне индивидуального творчества художника.

Изучение стилей – главный вопрос искусствознания. При этом широко используется метод сравнительного анализа, позволяющий точнее установить, где, когда и кем было создано произведение.

Каждый исторический стиль возникает закономерно. Развиваясь из предыдущих стилей. Четких границ между ними может и не быть, главное – чтобы осуществлялось непрерывное развитие художественного мышления в исторических категориях стиля. Важнейшие этапы истории изобразительного искусства и зодчества неповторимы, и лучшее из достигнутого в каждую эпоху входит в совокупный опыт национального и мирового искусства.

Хорошо известно, что в одну историческую эпоху могут сосуществовать художественные стили, идейные установки которые прямо противоположны. Например, классицизм и барокко в XVII веке, романтизм и реализм – в XIX веке и др.

Наименование региональных художественных стилей складывались по именам правителей (стиль Людовика XIV), по национальным признакам (итальянский маньеризм, русский ампир, немецкое барокко), по географическим названиям (помпейский стиль росписи, московский стиль живописи, петербургский стиль графики), по месту и материалу производства художественных изделий (китайский фарфор, египетское стекло) и др.

Следует понятие стиля как исторически возникшей художественной категории (готика, барокко, рококо, классицизм и др.) от употребления этого слова для обозначения манеры, почерка художника. Замысел художника, выраженный в стиле его работы, зависит от личности творца и от времени и места создания произведения. При рассмотрении индивидуальных особенностей изобразительного языка художника надо обращать внимание на то, какие средства художественной выразительности он выбирает, какими композиционными приемами пользуется, как передает характер движения, что предпочитает, моделируя форму, – линию, пятно, силует, свет или цвет.

Для художника стиль эпохи не только достоверное изображение архитектуры, предметов быта, одежды, вооружения, присущих данному времени, но и само понимание основных изобразительных закономерностей, свойственных этому времени.

Стиль – единство содержательных и изобразительных элементов, с помощью которых непосредственно создается художественное произведение. Итак, в изобразительном искусстве под стилем может пониматься способ, который определяет выбор и сочетание сюжетов и образные характеристики персонажей, структуру композиции, приемы передачи пространства, использование светотени и колорита в каждом конкретном произведении, например, художником-дизайнером при оформлении интерьера.

Стиль в интерьере.

Прежде чем приступить к конкретным действиям по оформлению дома, коттеджа или квартиры, необходимо ознакомится с некоторыми стилями.

С веками меняется представление человека о красоте, но важным принципом было и остается гармоничное сочетание всего окружающего. Смена эпох вносила свои поправки в сферу обитания, ускоряя уход старой и приход новой, качественно отличной от предыдущей.

Так, с уходом ценностей египетской цивилизации на первый план вышли эллинские, которые затем сменились римскими; кануло в лету строгое средневековье, а на его место пришел кардинально противоположный стиль – барокко; затем – классицизм, сменившийся в свое время модерном.

В зависимости от стиля жизни менялось и жилище человека, где он мог отдыхать от суеты жизненного водоворота событий, куда он мог приглашать друзей, где он мог работать. Интерьер всегда соответствовал его образу мысли. С течением времени менялся сам и менял все вокруг себя. Старые ценности возвращались, а только что существовавшие уходили в далекое прошлое.

Порой только один предмет мебели: покрывало на диване, стилизованный светильник или небольшая статуэтка, но на видном месте способны совершенно изменить стиль обстановки.

В истории интерьера мы можем заметить одну интересную особенность. То, что традиции античности тесно вплелись в культуру Запада – неудивительно. Однако интересно, что современный дизайн интерьера до сих пор черпает идеи в другой древней цивилизации – восточной – в культуре устройства жилища Древнего Египта.

Стиль Древнего Египта.

Обаяние атмосферы Древнего Египта и сейчас продолжают волновать умы многих дизайнеров интерьера. Это по праву первый из стилей мировой культуры.

Если «все дороги ведут в Рим», то начинаются они для западной цивилизации однозначно с Египта. Одна из первых высокоразвитых культур мира – египетская – позволяет нам впервые говорить о каком-то развитом стиле. Египетский стиль к тому же и прародитель почти всех последующих европейских.

Древний Египет – первое в мире государство, где были созданы древнейшие в истории памятники архитектуры, – возникло искусство декора, а быт стал предметом внимания и украшения.

Уже с самой глубокой древности в Египте стали разрабатывать медные рудники, производить сложные изделия: иголки, проволоку, украшения, посуду. Здесь создавались сложные оросительные системы, достигло совершенства строительство из кирпича-сырца: египтяне первыми научились возводить кирпичный свод, изобрели водопровод и даже создали систему обогрева полов в виде керамических труб, в который подавался теплый воздух от горящего во дворе дома костра. Посуду производили из глины особого состава – египетского фаянса. В Египте же изобрели папирус. В отделке украшений впервые в Египте стали использовать природные камни – бирюзу и малахит с Синайского полуострова, лазурит, поставлявшийся посредством обмена с азиатскими племенами. Ювелирное производство, огранка ценных камней также возникли в Древнем Египте. В домашнем обиходе древних египтян были широко распространены изделия из слоновой кости.

Раскопки английского ученого Г. Картера в Долине царей в Египте в 1922 г. дали много интересных материалов о быте и искусстве Египта XIV века до н. э. Ученый обнаружил гробницу фараона Тутанхамона, относящуюся к 1350 г. до н. э., почти не расхищенную древними грабителями и сохранившуюся в первоначальном виде. Картер считал, что воры унесли около шестидесяти процентов хранившихся в сокровищнице драгоценностей. Раскопки продолжались десять лет. Как пишет доктор исторических наук И. Кацнельсон: «Здесь нет никакой возможности не то что описать, даже перечислить сотни и сотни предметов, обнаруженных в гробнице. Многие из них никогда не попадались археологам и были известны лишь по изображениям на фресках или на рельефах. Достаточно сказать, что под экспозицию предметов из гробницы Тутанхамона в Каирском музее отведено тринадцать залов. Примечателен кинжал, клинок которого сделан из железа: это был один из наиболее древних железных предметов, обнаруженных в Египте. Ценность его доказывается хотя бы тем, что кинжал положили в гроб фараона. Академик Б. Б. Пиотровский, который изучал орнаментальные украшения рукоятки и ножен, предложил не без оснований гипотезу: кинжал изготовили малоазийские или сирийские мастера, которые жили в долине Нила» [42].

Гробница, состоявшая из нескольких помещений, украшалась росписями со сценами из жизни фараона, в нее помешали множество бытовых предметов, созданных руками египетских ремесленников.

Экспедиция Картера обнаружила изделия из золота, кости, стекла, украшенные драгоценными камнями и отличающиеся высокими художественными достоинствами. На большинстве предметов изображен Тутанхамон. Интересен характер изображений: почти всю плоскость занимает фигура фараона, а по сторонам в несколько ярусов помещены небольшие фигурки воинов и рабов. Этим художники подчеркивали превосходство фараона над окружающими.

Среди найденных здесь предметов есть стул фараона, верхняя часть спинки которого украшена накладкой из золотого крылатого солнца – знака бога Ра. Интересен также и двойной деревянный ковчег для хранения культовых реликвий. Весь вызолоченный и покрытый росписью, ковчег имеет четырехугольную форму, он укреплен на полозьях. По сторонам стоят на страже четыре вырезанные из дерева обнаженные фигуры богинь. Верхняя часть ковчега украшена богатым карнизом из ряда священных змей со знаками бога Ра над головами. Кроме мебели, в гробнице Тутанхамона найдено также большое количество деревянных культовых колесниц, очень интересных по конструкции и исполнению. На плечи и лицо мумии была надета маска из кованого золота, инкрустированная лазуритом, сердоликом, цветным стеклом. Тутанхамон изображен в облике владыки подземного царства – бога Осириса. Черты молодого фараона, несмотря на некоторую идеализацию, переданы с необыкновенным реализмом.

Поразительно, сколько великолепных произведений успели создать древние мастера за девять лет правления молодого царя. Произведения безвестных резчиков, скульпторов, живописцев и ювелиров дошли до нас через тридцать три века и ныне в XXI веке доставляют нам подлинное эстетическое наслаждение.

В оформлении убранства домов знати широко использовалось золото, из него изготовлялись обшивки, скульптура, украшения, посуда, золото применяли и в инкрустации. С серебром египтяне обходились бережно. Так же довольно рано здесь появились меха и шерсть, привозимые из североэфиопских экспедиций. С усовершенствованием ткацкого станка, что позволило делать плотно тоньше и значительно шире, в убранстве жилищ появились драпировки. А с появлением бронзы интерьер стали украшать коваными изделиями.

В столярном производстве, которое в Древнем Египте было очень развито, использовалось черное эфиопское дерево. Древнейшие из известных нам образцов египетской мебели были найдены в царских погребениях. Это ларцы и шкатулки черного дерева, инкрустированные слоновой костью, зеленым и синим малахитом, бирюзой и лазуритом, табуреты с ножками в виде копыт животных, вырезанных из целых слоновьих клыков.

Рубанка у египетских мастеров еще не было, и токарного дела они не знали. Поэтому дефекты сборки скрывались под толстым слоем краски-замазки, на которую уже сверху наносились расцветки «повеселее». Египтяне знали уже технику фанерования, когда дешевую древесину облицовывают пластинками из более благородных пород (правда, не такими тонкими, как фанера). Особенно богатую мебель украшали слоновой костью, перламутром и даже золотыми накладками. Мебель разрисовывалась обычно цветным орнаментом, иероглифическим письмом и символическими элементами (солнечный диск, священный жук скарабей, коршун, пальма, папирус и др.). Краски были яркими, но с ограниченной гаммой цветов, которые никогда не смешивались.

Несмотря на обычай сидеть на земле, именно египтяне первыми создали мебель для сиденья. В основном это низкие скамеечки и стулья. Здесь возник и прототип первого складного стула.

Благоразумные египтяне также одними из первых отказались спать на холодном грязном полу и создали ложе.

Итак, огромное место в интерьере древнего египтянина занимала мебель. Среди древнеегипетских богатых «гарнитуров» известны древние кровати, стулья с ножками, изображающими львиные лапы или копыта быков, причем передние и задние ножки мебели были сделаны соответственно в форме передних и задних ног животного. Богато украшенные кресла и троны мастера Древнего Египта снабжали подлокотниками в виде идущих львов, а их спинки покрывали резьбой, накладками из золота и эмалью.

Мебель, ларцы, сундуки в большинстве окрашивались белой краской, служившей фоном для дальнейших украшений.

В строгий симметричный интерьер древнеегипетского дома гармонично вписывались изящные статуэтки божественных животных, хотя их назначение было не эстетическое, а культовое. Чаще всего это были статуэтки бога Анубиса в виде лежащего шакала или черной собаки, богини Бает – кошки и бога Бэса, напоминающие маленького карлика с львиной гривой.

В настоящее время египетские мотивы используются в современных декоративных тканях, обоях, керамической плитке, посуде. Неотъемлемой частью украшения древнеегипетского интерьера можно назвать всевозможные плетенки и циновки из трав, стеблей папируса и тростника. Если обзавестись такими предметами и несколькими соответствующими деталями (статуэтками или вазами), этот стиль вполне можно передать в современном интерьере.

Знаете ли вы, что…

Чтобы привлечь посетителей на выставку сокровищ из гробницы Тутанхамона, которая проводилась в 1983 году в канадском городе Торонто, устроители выставки решили установить у входа две трехметровые копии знаменитой золотой маски фараона. Их сделали, не прикасаясь к оригиналу, методом фотограмметрии, который широко применяется в картографии.

Маску сфотографировали с двух позиций и по изученным стереоснимкам построили ее рельеф с точностью до миллиметра. Увеличив этот рельеф, его вырезали из пенопласта и получившуюся форму использовали для изготовления двух отливок из пластмассы, упроченной стекловолокном.

Можно воспользоваться и этим рецептом для украшения интерьера или экстерьера.

Стиль Древней Греции.

Культура Древней Греции стала отправным пунктом всей европейской цивилизации. Созданный греками ордер «подпирает» всю последующую архитектуру Европы. Средневековье, отрицая языческую культуру, все же многое позаимствовала у нее.

Как на острове Крит, так и в материковой Греции, начиная уже с III тысячелетия до н. э. дома простых людей строились из сырцового (высушенного на солнце) кирпича, часто на каменном фундаменте.

Древний грек был, прежде всего, существом общественным (полисным). Поэтому долгое время роскошью в Греции могли отличаться только общественные здания (в первую очередь храмы). Частные жилища даже у богачей были лишены элементарных удобств. В суровой Спарте запрещалось даже использовать рубанок, чтобы спартанские воины не изнежились на удобной мебели.

Лишь после войн с персами запросы греков начинают расти, и появляются красивые богатые дома. Только теперь (наконец-то обнесенный каменным забором!) дом мог считаться «своей крепостью». Окна же, выходящие на улицу, появились довольно поздно.

Дом, в отличие от дворика, был темным. В жилые помещения свет проникал только сквозь небольшие окошки, размещенные под потолком, а вечером всегда зажигалось большое количество масляных светильников. Чаще всего светильники изготовлялись из глины, реже из бронзы или другого металла.

Форма светильника была проста: небольшая плошка с ручкой, но и сейчас она все еще популярна. Для освещения дворика в вечернее время чаще всего использовались масляные факелы.

Оштукатуривая стены, а затем расписывая их разноцветными узорами, мы, сами того не зная, соблюдаем древнегреческую традицию фресковой живописи. Предпочтение древние греки всегда отдавали орнаменту в виде изломанной линии, геометрическим фигурам, переплетениям ветвей и трав.

Гармоничность убранства комнаты, как правило, воплощалась в рациональности, простоте и естественности. Стилизация, прежде всего, касалась цветового решения, которая максимально соответствовала краскам природы.

Для эллинской культуры было характерно преобладание желтого, красного и черного цветов. Для стен всегда выбиралось желтое убранство – цвет глины, которая в разных местностях имела свой оттенок.

Полы во всех, даже в жилых, комнатах украшались мозаикой из ракушек, мелких керамических плиток или гальки. Наверняка и использование мозаики в быту пошло именно отсюда. Основная палитра красок всегда оставалась естественной, приближенной к природе.

А теперь поговорим о предметном наполнении античного дома. Немногочисленная мебель отличалась выветренностью пропорций и элегантностью исполнения. То, как она выглядела, мы можем представить себе по изображениям на греческих расписных вазах. Грекам хорошо была известна слоновая кость. Этот ценный материал применялся для украшения мебели и других предметов домашней утвари: ларцов, шкатулок и т. д.

Мебель в Греции делали из дерева, бронзы и мрамора. Подлинных образцов деревянной мебели не сохранилось. Правда, мебели даже в богатых домах было немного. Наиболее разнообразна была мебель для сиденья. Из Египта «приходит» складной табурет на Х-образной опоре.

В V веке до н. э., считающемся золотым веком всех искусств Греции, в формах мебели произошли некоторые изменения в сторону их улучшения и придания им большего изящества. У греков-столяров наконец-то появляется в обиходе рубанок и токарный станок, что тут же отразилось на качестве деревообработки. Греки, судя по всему, освоили и гнутье древесины с помощью пара – способ, переоткрытый европейцами вновь только в XIX веке! Реализм и простота греков в сочетании с развитым художественным вкусом привела к появлению элегантной и комфортной мебели.

Вообще на стульях и тронах греки находились не столь часто, как мы. Есть, читать, писать они предпочитали в полулежащем состоянии на специальных ложах (клине), которые покрывали яркими пушистыми тканями с изысканными узорами.

А вот комодов или платяных шкафов греки не знали. Поэтому наиболее употребительным и важнейшим типом домашней мебели был ларь – особого вида ящик для хранения различных вещей. Стенки таких ларей (и саркофагов) покрыта росписью разных цветов. По яркому синему фону изображаются меандры, пальметты и другие мотивы греческого орнамента. Кроме ларей, в обиходе древних греков были также «писты» – большие, цилиндрической формы банки, делавшиеся из бронзы. Из бронзы же делались курительницы – «трилигатерии», канделябры и треножники.

Большинство мебели было цветной. Для орнамента, кроме растительных мотивов, наиболее характерен широко всем известный меандр: ряд линий ломаных под прямым углом. Орнаментика всегда была для греков чисто декоративной и не имела такого символического культового значения, как у тех же египтян.

Греки различали покрывала для мебели и настенные драпировки. Узорчатые ткани могли висеть вдоль стен свободно или в складку. Иногда их вешали в несколько слоев, каждый из которых имел свой цвет. Для драпировок в Древней Греции применяли шерсть и сукно, обычно ярких цветов, предпочтение отдавалось зеленому, шафрановому, золотому, оттенкам фиолетового. Величественное, спокойное, строгое и при этом никак не скучное, и скорее смелое сочетание цветов, – готовый рецепт цветового решения современного интерьера (но для непрозрачных материалов, какие и использовались в ту далекую эпоху).

Узоры на тканях были обычно вытканы, но присутствовала и вышивка. Мотивы орнамента имели природное происхождение и перекликались с теми, что украшали капители, карнизы и вазы: листья аканфа, меандр, пальметты. Это создавало целостность всего предметного наполнения (или, говоря современным языком, дизайна) античного дома, о какой в наши дни остается лишь мечтать.

Высокого расцвета в Греции достигла керамика. Вазы были разнообразны по форме и покрывались художественной росписью, использовались для хранения вина и масла, благовоний, воды. Роспись ваз выполнялась в сложной технике в виде орнаментов, мифологических сюжетов, бытовых сцен. Вазы делались и из серебра, украшались рельефными изображениями.

Из Древней Греции ведут свое происхождение смеющиеся маски, современные дверные ручки в виде головы животного с кольцом в пасти. Но их использование отнюдь не ограничивалось декоративными функциями – люди верили в то, что они охраняют дом от злых духов и помогают справиться с болезнями.

Стиль Древнего Рима.

Стремление к пышности и парадности было присуще и архитектуре, и скульптуре, и обустройству богатого дома в эпоху Древнего Рима.

При этом все было направлено на то, чтобы сделать дом максимально удобным и красивым. Он всегда огораживал древнего римлянина от вторжений в его частную жизнь. Поэтому стены, выходящие наружу, преимущественно были глухими, без единого окна. Зато внутри римляне давали свободу своей фантазии. Здесь в изобилии присутствовала настенная фресковая роспись.

В Древнем Риме архитектура была ведущим видом искусства. В отличие от Греции, где главным был храм, в римской архитектуре основное место занимали сооружения, воплощавшие идеи могущества римского государства, а в последствии и императора: форумы, триумфальные арки, амфитеатры. Римский театр, в отличие от греческого, – это отдельное здание, впервые в нем строится сцена. Одной из вершин римской архитектуры является амфитеатр Колизей, вмещавший 50000 зрителей, предназначался он для гладиаторских боев. Римские императоры строили дома в соответствии с личными вкусами и капризами. Например, Нерон построил «Золотой дом» – огромный дворцовый комплекс в центре Рима, внутреннее убранство которого было отделано золотом, перламутром, драгоценными камнями, потолки были обшиты слоновой костью и могли вращаться, при этом с них сыпались живые цветы.

Конечно, дома римских патрициев (родовой знати) выглядели не столь помпезно, как у императора, однако были значительно более представительными (репрезентативными), чем греческие. Ибо здесь хозяин принимал своих клиентов и не хотел «ударить в грязь лицом». Дом украшали скульптура (бюсты, статуи, гермы с портретами философов), фонтаны, цветники, мозаика на стенах или полах.

Дом переходил от хозяина к хозяину, оставаясь неизменным в течение многих лет. Единственное, что постоянно менялось в атриуме, – это количество бюстов предков, которые ставились в специально сделанную для этого нишу в стене.

Как и у греков, у римлян были популярны настенные росписи, которые создавали иллюзию расширения внутреннего пространства для тесных комнат. Археологи, делавшие раскопки, даже стали называть здания по сюжету фресок, связанному с личностью владельца. Конечно, мы не призываем расписывать стены картинами из профессиональной деятельности хозяев. Но, может быть, стоит поискать в своей жизни какую-нибудь тему или идею и воплотить ее в стиле дома.

Технология римской настенной живописи была довольно сложной и состояла из многих этапов. Предполагается, что после нанесения многослойной грунтовки, заключающей в себе истолченный в порошок мрамор, роспись делали с помощью комбинирования пигментов, приготовленных на воске и яйце. Затем шла полировка шерстью, после чего шелковой кистью наносился расплавленный с растительным маслом пунический воск. Вслед за этим к стенам подносили раскаленные угли из чернильного ореха и снова разглаживали и полировали поверхность чистым полотном.

Однако римляне покрывали стены своих домов не только росписью. Их облицовывали мрамором, иногда гранитом. В I веке н. э. особенно популярным стал такой вид декора, как мозаика. Она могла украшать и пол, и потолок, и даже колонны. Существовал также особый жанр мозаики, называемый эмблемата. Это были изделия особенной красоты и тщательности исполнения, предназначенные для неспешного разглядывания. Часто они покупались как станковые произведения и включались в разнообразные декоративные схемы.

Наиболее впечатляющий предмет такого рода – мозаика, изображающая битву Александра Македонского с царем Дарием, – был найден в Помпеях в доме «Фавна».

Виллы римлян отличались роскошным убранством, применением мрамора и ценных пород дерева. Стены украшались сложной живописью, имитирующей колонны – так называемый архитектурный стиль. Культура завоеванных народов влияет и на римскую орнаментику. Кроме традиционных симметричных комбинаций цветов и листьев, используются символические фигуры орлов, львов, сфинксов. Правда, они не носили столь серьезного (как у народов Востока) содержания, и именно у римлян мы впервые в истории сталкиваемся с осознанной стилизацией.

На образование стиля древнеримской мебели также большое влияние оказали Греция, Египет и страны Востока, присоединенные завоевателями к Римской империи.

Древние римляне, кроме мебели из дерева, бронзы и мрамора, делали еще и мебель, плетеную из ивовых прутьев. Деревянных образцов до нас не дошло, но декоративных мраморных предметов осталось очень много; сохранились также и предметы обстановки, сделанные из бронзы. Общие формы древнеримской мебели изящны и изысканны, но страдают излишеством украшений. Кресла, например, делались с подлокотниками в виде грифонов, сфинксов, львов. Ножкам придавали форму львиных лап с крыльями, оканчивающихся вверху головой зверя. Деревянная мебель украшалась резьбой, позолотой, инкрустацией из дерева других цветов, эмали, кусочков фаянса, золота и серебра. Существовала также мебель декоративная, неподвижная, делавшаяся из белого или цветного мрамора с мозаичными досками на столах.

Кровати в Древнем Риме были очень похожи на греческие. Остов кровати по большой части делался из дерева и инкрустацией из черепахи, слоновой кости, цветного стекла, а также бронзовыми деталями (головами львов, лошадей). Между стенками остова помещалась решетка из бронзовых прутьев, на которую клался матрац. Ложе имело точеные ножки прямоугольной или изогнутой формы, или в виде лап животных. У ложа простирался «ковер» из кубиков мозаики. Когда в конце республики в моду стали входить круглые столы, ложа стали делать полукруглой формы, и они получили название «сигма».

Столовая доска иногда делалась гладкой, иногда украшалось мозаикой или каменной инкрустацией. Наиболее драгоценными считались столовые доски, сделанные из туи, росшей в Африке, где ствол ее достигал 1,50 м в диаметре; у древних римлян это дерево называлось «цитрус». Известны, например, баснословные суммы, уплаченные Цицероном за доску из такого дерева. Верхние доски, в зависимости от рисунка древесины, разделялись на волнистые, крапчатые, тигровые, с павлиньим пером и т. д. менее состоятельные люди довольствовались фанерованными столовыми досками.

Мебель для сиденья похожа на греческие формы. Особенно распространенными в Римской империи были складной курульный (парадный) стул и удобная, хотя и громоздкая, кафедра – кресло для знати, созданное на основе греческого клисмоса.

Шкафы в жилище были не популярны, ими обставлялись в основном лавки. Вещи хранились в сундуках. Наиболее солидный из них назывался арка. Он был полностью обит железом, никогда не передвигался и служил для хранения особо ценных вещей (такой вот «сейф» античности).

Вся древнеримская мебель может быть разбита на две большие группы: а) мебель деревянная, украшенная резьбой, позолотой, инкрустацией из дерева других цветов, эмали, кусочков фаянса, золота и серебра, и б) мебель декоративная, неподвижная, делавшаяся из белого или цветного мрамора с мозаичными досками на столах. Кроме этих двух типов, существовала еще бронзовая мебель, стоявшая ближе к первой группе. Все эти группы мебели имеют общие пропорции и орнаментальные украшения. Формы древнеримской мебели вдохновляли художников позднейших эпох и особенно начала XIX века, когда на почве ее изучения возник стиль ампир.

Прикладное искусство достигло в Древнем Риме высокого уровня развития: резные и чеканные золотые и серебряные чаши, сосуды из стекла, оправленного в золото, прекрасные ткани украшали интерьеры домов в Риме.

Римляне славились выделкой меха и кожи, используемых в интерьере. Шелковые ткани ввозились из Китая.

В качестве небольшого ковра римляне использовали шкуры животных, а также кожу. Это не только утепляло полы, но и придавало интерьеру изысканность и величественность. Шкуры и кожи не только стелили на пол, ими иногда обивали стены, – последнее обстоятельство можно учесть при воссоздании духа римского жилья.

Ярким декоративным акцентом в доме были произведения из мозаичного стекла (римляне применяли технику инкрустации разными цветными кусочками). Эффектно смотрелись и сосуды из синеватого или зеленоватого стекла – чаши, кубки, вазы в форме виноградной кисти, человеческих фигур, птиц, рыб, животных. Особым изяществом отличались стеклянные объемы, вдуваемые в стеклянные или серебряные ажурные футляры (так называемое кельнское стекло). Все эти изделия украшались гравировкой, золочением или росписью, имитирующей «двухслойное стекло» и придающей предметам сходство со знаменитыми римскими камеями (резными камнями).

Римским искусством завершилось искусство античности. Но его достижения воскреснут впоследствии в романском стиле, эпоха классицизма возьмет их за образец, а «наполеоновский» стиль ампир вообще будет нарочитой копией римского стиля.

Рассматривая достижения древних цивилизаций, мы можем только удивляться и восхищаться находчивостью наших далеких предков: столь современным кажутся сегодня их быт и культура. И думается, что европейцы не так уж много изобрели кардинально нового с той поры в сфере дизайна интерьера.

Средневековье.

Интерьер этого времени на первый взгляд может показаться довольно мрачным и угрюмым.

Сквозь маленькие окна в комнаты проникали скудные лучи дневного света. Поэтому для освещения приходилось использовать множество светильников и больших факелов.

Все же ярким примером может служить декоративно-прикладное искусство периода разложения феодализма и образования абсолютистских государств. Дворянству и церкви было необходимо искусство, которое могло бы убедить подданных в богатстве и могуществе короля. В это время строятся пышные королевские резиденции. В убранстве их принимают участие крупнейшие художники. Так, период становления абсолютизма во Франции в XVII веке связан со строительством Версаля.

Весь интерьер – декоративная резьба на мебели, ткани, драпировки – чаще всего украшался растительным орнаментом. Переплетенные ветви винограда, листья дуба, цветы лилий, части чертополоха, шиповника, остролиста, гороха, табака и хмеля наносятся везде: на стены, потолок, на мебель, на различные украшения и статуэтки.

Цвету обстановки уделялось очень большое внимание. Это и многочисленные витражи, обилие цветного орнамента, мозаичное покрытие полов, мелкая пластика. Яркие цвета, игра красок во многом преображают интерьер средневекового замка, делают его динамичным.

Ткани, привозимые из восточных стран, и шпалеры (тканые ковры, рисунок которых представляет собой органическое сочетание с фоном) закрывали мрачные стены и скрашивали их облик, не только украшая, но и утепляя холодные комнаты. Вешали такие шпалеры не только на стены, но и на окна в виде портьер.

Новая конструкция построения дома – каркасная, – состоящая из двух пересекающихся арок, позволила наполнить естественным светом все пространство дома. Большие окна, которые украшаются своеобразным растительным орнаментом, становились более изящными и привлекательными. Впервые появляются специальные столы-конторки, которые делаются наподобие ларей. Верхняя крышка имитирует пюпитр и украшается резным неглубоким рельефом.

Стулья, кресла и табуреты шлифовались и украшались всевозможной резьбой. Чаще всего здесь использовался орнамент в виде трилистника. Кровать состояла из большого массивного основания, которое устанавливалось на четыре ножки, продолжающиеся в стойки. На эти стойки крепился полог из тяжелых плотных тканей. Немного позже кровати стали делать со спинкой, которая украшалась резьбой.

Стиль эпохи Возрождения.

В эпоху Возрождения человечество снова обратилось к утерянным идеалам античности. Это проявилось, прежде всего, в стремлении к простоте, ясности, жизненности как в архитектуре, скульптуре, живописи, так и в обустройстве собственного жилища.

Растительным или геометрическим орнаментом, стилизованным под античный период, украшались околопотолочная часть стены, сами потолки, а иногда и стены. Из античных стилей была взята и стукковая лепная декорация, которая могла быстро принимать нужную форму, а в застывшем виде напоминала мрамор.

Для декорирования стен чаще всего использовались бархат, парча и тисненая кожа. В таких нишах устанавливали бронзовые статуэтки.

Ножки сундуков для одежды, поставцов, столов, кресел, стульев чаще всего делались в виде лап хищных и диковинных животных. Неотъемлемым атрибутом такой мебели было наличие колонн с античными ордерами.

В отличие от средневековья предметы мебели в эпоху Ренессанса становятся разнообразнее. Так, в моду вошли легкие кресла (которые больше напоминают стулья с подлокотниками); складные стулья, спинки которых украшены мозаикой; и большие тяжелые стулья, сиденья и спинки которых обиваются кожей или яркой парчой.

Стиль барокко.

После простоты в убранстве комнат человечество опять возвращается к изысканности и роскоши. Пластичные формы украшений, витиеватые и сложно переплетенные орнаменты создавали возвышенность и объемность. Этому способствовала и фресковая роспись, обильно украшающая своды потолков и стен.

Достаточно часто для убранства стен используются большие, спускающиеся до пола тканые ковры, на стены вешаются таких же размеров зеркала, украшенные массивной лепниной и позолотой. Орнамент состоит из различных переплетающихся ветвей, больших листьев, крупных цветов. Переплетения становятся все более витиеватыми, замысловатыми, все более сложными. Здесь уже почти не встречаются прямые линии.

Небольшие панно в то далекое время украшали пространство над дверью. Это так называемые десюдепорты, которые представляли собой горизонтально расположенные сюжетные картинки.

Для украшения мебели достаточно часто применяется резьба по дереву.

Изменения коснулись и самих столов. Кроме больших, трапезных, появляются и специальные консольные столы, которые устанавливаются у стен. Чаще всего они предназначены для часов, шкатулок, канделябров и прочей мелочи, которая украшает интерьер.

Не менее изящными были шкафы на шарообразных ножках, с мощными карнизами и картушами, множеством всевозможных ящиков и ящичков. Их уникальность достигалась за счет множественных украшений в виде рельефа из бронзовых фигурок, масок и пальметок, которые в основном располагаются в определенной геометрической последовательности.

Барокко характеризуется четким разграничением стилистики комнат. Для каждой из них специально подбирается мебель, каждая из них выполняет определенную функцию. Так, например, в интерьере кабинета обязательно должны присутствовать письменный стол, шкафы для книг и бюро. Иногда такой интерьер украшается большим глобусом или развешанными на стенах картами.

Спальня, кроме своей функции опочивальни, выполняет также роль гостиной. Здесь зачастую принимают гостей. Характерно наличие балдахина над кроватью, но более изысканной формы, чем в предыдущую эпоху.

Стиль рококо.

Помещения не всегда выдерживались в одной цветовой гамме и обустраивались с учетом наклонностей хозяина и его рода занятий. Порой возникает некоторое противоречие в интерьере целого дома, но именно смена декораций позволяет настроится на работу, на отдых и на развлечения. Внутри дом всегда украшается настенной живописью, достаточно часто встречается и роспись потолков, продолжающая сюжетную линию стен. Конусообразный или овальный свод отделяется орнаментом, однако более легким, чем в барокко.

Стены помещений украшаются не фресками, а шпалерами с диковинными узорами – безворсовыми коврами, вытканными шелком или шерстью.

Особой популярностью пользуются светлые тона, приглушенные и забеленные красками, полутона. Множество зеркал, встроенных в стену, развешанных над каминами или над столиками, обрамляются легкими овальными рамами из гипса или фарфора. Для этого периода характерно увлечение зеркалами и портретами.

Мебель всегда знает свое место в интерьере и полностью ему подчинена. Для рококо характерной становится округленная, изысканная и обильно украшенная мебель. Здесь присутствует целая смесь характерных для других стилей черт: богатая резьба барокко и раскраска пастельными тонами отдельных деталей мебели, простота конструкций средневековья, отделка ножек в виде лап животных и золотая отделка в духе римского стиля.

Для освещения комнат используется множество настенных канделябров для свечей в виде статуэток и небольших сюжетных композиций. В большинстве случаев, чтобы усилить освещение комнаты, светильники размещаются либо напротив зеркал, либо рядом с ними. Они изготавливаются из фарфора, стукко, металла или фаянса, которые после отделки становятся блестящими и сами отражают колеблющееся пламя свечи.

Композиция из множества свеч в металлических или фарфоровых подсвечниках, расположенных поблизости от зеркала, даже если оно старовато и потемнело, внесет в интерьер колорит рококо.

Посуда тоже становится тонкой и изящной. Да и стекло здесь немного облагораживается. Статуэтки и сюжетные миниатюры из стекла, которые устанавливаются на консольные столы, украшают интерьер. Структура стекла позволяет не только играть бликами свечного пламени, но и заставляет статуэтку оживать, «двигаться» в отблесках пламени.

Более чем в другие времена ценится хрусталь. Из серебряной посуды остаются только дутые чайники и вытянутые кофейники с ребристой поверхностью.

Стиль используется дизайнерами в коттеджах, архитектура которых обычно соответствует такому интерьеру.

Стиль классицизма.

Классицизм, пришедший на смену барокко и рококо, опять выдвигает на первый план традиции античности, идеалы простоты и рациональности.

Большинство деталей, заимствованных из античности, скорее играли чисто декоративную роль, а не эстетическую, как раньше. Среди «возрожденных» большое место занимают ордера, декоративный орнамент и скульптурные композиции. Стены, потолки и полы не так изобилуют орнаментальными деталями, которые присутствуют в отделке мебели и украшений интерьера. Мебель становится менее массивной, более изящной, предпочтение отдается тем же прямолинейным и симметричным линиям, которые присутствуют в интерьере. Легкость мебели подчеркивается и небольшими вставками из фарфора и позолоты. Нередко все это украшается изящной утонченной резьбой и эмалевой росписью.

Достаточно легкими были не только стулья, но и комоды, секретеры, туалетные столики, которые дополнялись большими зеркалами. Ножки различных кушеток, диванов, столиков для цветов и игры в карты становятся более изящными, чуть изогнутых форм. Искусство интерьера в основном опиралось на использование каких-то отдельных деталей, например на роспись и форму посуды и украшений.

Фаянс занимал главенствующее место. Из других материалов популярными были богемское стекло, фарфор, полудрагоценные камни, из которых делаются вазы, имитирующие греческие амфоры или стеклянные сосуды в ажурных чехлах.

В России особой роскошью отличался быт русского двора в период царствования Елизаветы Петровны и Екатерины II. Загородные резиденции – Царское Село и Петергоф – поражают пышностью и великолепием убранства и являются подлинными сокровищницами декоративно-прикладного искусства.

Дворцы эти представляют собой синтез архитектуры, изобразительного и декоративно-прикладного искусства. В парадных помещениях нет случайных вещей. Резьба и роспись плафонов, мозаика паркета, картины, скульптура и мебель связаны не только содержанием, но и единым стилевым решением. Названия отдельных помещений Екатерининского дворца в Царском Селе яркое тому свидетельство – Зеленая столовая, Китайская голубая гостиная, Янтарная комната. Обязательно обратите внимание на Парадную лестницу и Большой зал дворца.

Парадная лестница, благодаря темно-красным коврам и такого же цвета драпировкам на окнах, резным золоченым украшениям на белых стенах и нарядным фарфоровым вазам, выглядит пышной и торжественной. По ней входили во дворец иностранные послы и гости. Далее они попадали в анфиладу (длинный сквозной ряд комнат в общественных зданиях, дворцах). Сквозь раскрытые двери анфилады видна великолепная резная золоченая мебель, украшения на стенах и потолке, паркеты из дорогих пород дерева. Обивку мебели повторяют затянутые шелком стены. Вазы (малахитовые, янтарные, фарфоровые) украшают залы. Великолепные хрустальные люстры и жирондоли переливаются всеми цветами радуги, отражая солнечный свет, обильно вливающийся в залы сквозь высокие окна.

Через анфиладу гости попадали в Большой зал – главное парадное помещение дворца. Это самый огромный по размеру зал дворца, достигающий восьмидесяти метров в длину. С двух сторон он освещается двадцатью двухъярусными окнами. В простенках помещены зеркала в резных золоченых рамах.

Множество золоченой резьбы и скульптуры, расписной плафон, зеркала, в которых отражалось более шестисот свечей, создавали грандиозное и почти фантастическое зрелище, произведя на представителей других держав ошеломляющее впечатление. Слава о русском дворе как самом богатом и могущественном разносилась иностранными послами по всему свету.

Создателями этого великолепия были замечательные русские мастера Петербурга, Москвы и других городов России, работавшие по эскизам лучших архитекторов, скульпторов, живописцев. Содружество художников разных профилей и мастеров-исполнителей было плодотворным для русского декоративно-прикладного искусства XVIII и первой половины XIX века. В это время были созданы наиболее интересные памятники, в которых со всей полнотой проявился синтез архитектуры, изобразительного и декоративно-прикладного искусства. В последствии такого идейного и стилистического единства русское искусство достигнуть уже не могло. Это было время наивысшего расцвета всех видов прикладного искусства.

Желание подражать приводит буржуа к необходимости пышно обставить свой дом внутри. В особняк попадают самые дорогие и уникальные вещи, но они не составляют ансамбля, потому что нарушен принцип красоты и целесообразности. Глядя на этот интерьер, невольно вспоминаешь, что говорили в таких случаях древние греки: «Он сделал богато, так как не смог сделать красиво».

Безвкусица, проникшая в богатые особняки буржуа, распространилась повсеместно.

Стремление к созданию внешнего великолепия приводит к подделке. В этот период перестают ценить материал. Если раньше при создании произведения декоративно-прикладного искусства стремились как возможно полнее и всесторонне показать красоту и декоративные возможности материала, то в XIX веке делают подделку – фарфора под малахит, обыкновенного металла под золото, стекла под драгоценные камни.

Ампир.

Ампир (от французского empire – империя), стиль империи Наполеона Бонапарта, сформировался в период его триумфа и победоносных сражений.

Стиль ампир особенно ярко воплотился в архитектуре, изобразительном и декоративно-прикладном искусстве первой трети XIX века, завершивший развитие классицизма. Ампир с его стремлением к величию и грандиозности, героике и торжественности наиболее ярко выразил себя в основном в архитектуре и скульптуре. Скульптура ампира представлена именами итальянца А. Кановы и датчанина Б. Торвальдсена.

В отличие от Франции, где стиль воплотился в основном в украшении дворцовых интерьеров и декоративно-прикладном искусстве, в России на первый план вышли градостроительные задачи, которые решались с небывалым размахом и масштабностью; возводились прежде всего общественные здания. Грандиозные ансамбли, созданные в Санкт-Петербурге, одухотворены патриотическим пафосом, охватившим русское общество после победы в Отечественной войне 1812 года. Для них характерны незыблемая мощь и величие, предельный лаконизм и строгость, тяжеловесная торжественность форм. Архитектурный ансамбль центральной части Санкт-Петербурга, окончательно сложившийся в эпоху ампира, включен в список Памятников Всемирного наследия ЮНЕСКО.

В эпоху ампира переживает расцвет монументальная скульптура. Большие плоскости гладких стен создавали эффектный фон для скульптурного декора (статуарные группы перед портиком Горного института в Санкт-Петербурге: «Геракл и Антей» С. С. Пименова, «Похищение Прозерпины» В. И. Демут-Малиновского, обе – 1809–11 гг.; памятники М. И. Кутузову и М. Б. Барклаю-де-Толли Б. И. Орловского перед Казанским собором) и т. д.

Ампирные мотивы получили широкое распространение в декоративно-прикладном искусстве. В орнаментах особенно часто используется римская символика и военные атрибуты: венки, факелы, доспехи, жертвенники в виде треножников.

Среди драгоценностей тех лет особенно эффектны были диадемы. Прекрасны были бриллиантовые диадемы, но не менее хороши и более скромные украшения, оформленные в виде золотых лавровых венков либо венков из колосьев или дубовых листьев.

Торжество ампира было непродолжительным, практически оно закончилось вместе с падением империи Наполеона. После 1815 года в общественной жизни Европы появились новые идеалы и новые настроения, которые стали основой для развития в искусстве и литературе мощного художественного направления – романтизма.

Романтизм и историзм.

Крушение могущественной империи Наполеона вызвало в Европе небывалый подъем общественного самосознания, обостривший стремление к личной и гражданской свободе и подтолкнувший к поискам новых идеалов. На этой волне к 30-м годам XIX века в европейской культуре сформировалось новое направление, которое получило название романтизм.

По мнению некоторых специалистов, первоначально романтизм был ориентирован на идеализацию искусства Древнего Рима, что и определило его название.

После наполеоновских войн волна романтических настроений прокатилась по всей Европе, и на этом фоне сформировался первый из неостилей XIX века – неоготика. Вслед за неоготикой, а порою и одновременно с ней, образцом для подражания становилось искусство других исторических эпох. Это увлечение породило целую череду неостилей – неорококо (или второе рококо), второй ампир, неоренессанс, необарокко, третье рококо, неоклассицизм. Увлечения тем или иным стилем возникали и сменяли друг друга так быстро, что зачастую неостили смешивались и, приобретя новые качества, лишь отдаленно напоминали свой первоисточник. Не удивительно, что картина стилистики произведений ювелиров и художественного литья того времени была на редкость разнообразна и живописна.

Время возникновения и периоды расцвета тех или других неостилей в разных странах Европы порою не совпадали, так же как и названия неостилей. К примеру, во Франции неорококо 1830–1840-х годов именуют «стилем Луи-Филиппа», а в Англии – «ранним викторианским стилем» и т. д. В России для обозначения искусства середины и второй половины XIX века было введено общее понятие – историзм, поскольку определяющие его стили сориентированы на исторические прототипы и интерпретацию искусства прошлого.

В ювелирных украшениях нашли отражения все неостили эпохи историзма. Неоготический стиль способствовал появлению множества имитаций старинных изделий эпохи Средневековья и вызвал интерес к украшениям из чугуна (цепочки, браслеты, медальоны). Мода на них, как и сам стиль, пришла в континентальную Европу из Англии, где в это время романтика Средневековья владела умами писателей, художников, архитекторов.

Распространение в середине века стиля неоренессанс, основоположником которого считается друг Виктора Гюго, известный парижский ювелир Франсуа-Дезире Фроман-Мёрис, способствовало популярности украшений с объемными деталями в виде сфинксов на концах браслетов, миниатюрных фигурок-статуй на булавках для пик туков и других изделий с рельефными деталями, типа тех, что изготавливали ювелиры в XV–XVI веках, и ферроньерок – налобных украшений, подобных тем, которые носили итальянки во времена Леонардо да Винчи, а также привело к широкому использованию эмалей.

Неогреческий стиль, сформировавшийся в конце 1860-х годов, привнес в ювелирное искусство мотивы и орнаментику греческих и этрусских украшений. Камеи, мозаики, гравированный меандр, акант, пальметты – все эти и другие приметы античного искусства, а затем и стиля классицизм, вновь появились в кольцах, ожерельях, браслетах, брошах.

С большим мастерством ювелиры создавали драгоценные украшения с изображениями лебедей, орлов, ящериц, всевозможных насекомых. При воспроизведении природных мотивов они стремились быть предельно точными в передаче натуры, умело подбирая колорит камней и не допуская вольностей в рисунке. Тема «драгоценной флористики и анималистики», впервые так ярко и выразительно прозвучавшая в искусстве второй половины XIX века, сохранила свою актуальность и в последующее время, вплоть до наших дней.

Нельзя не отметить и «русский стиль», сложившийся в эту эпоху в России и существовавший одновременно с неостилями, пришедшими из Западной Европы. Ранний этап его развития принято определять как «русско-византийский», поздний – как «неорусский».

В основе стиля лежало романтическое стремление возродить исконно русскую культуру, которое в значительной мере определило развитие архитектуры, живописи, прикладного искусства, музыки того времени. В ювелирном деле обращение к историческим корням – к древнерусскому искусству XVII века – порою выливалось в стилизацию старинных форм и декора. Однако ряду ювелирных фирм удалось создать выразительные произведения, вполне отвечавшие патриотическим настроениям своего времени и пользовавшиеся неизменным успехом на международных выставках. Их техническое исполнение до сих пор вызывает восхищение. В XIX веке «русский стиль» в большей степени отразился на развитии таких видов ювелирного искусства, как предметы православного культа, интерьерные декоративные композиции и предметы сервировки стола, а на художественное решение ювелирных украшений он оказал значительно меньшее влияние. Тем не менее присущие этому стилю черты можно увидеть в украшениях конца XX столетия, когда в России начался процесс возрождения традиций русского ювелирного искусства.

Довольно часто в произведениях эпохи историзма, которую некоторые исследователи пренебрежительно окрестили периодом эклектики, усматривают только искаженные черты «чистых» стилей предыдущих эпох. Но при всей справедливости подобных воззрений нельзя не отметить, что художники и ювелиры того времени создали обширный арсенал форм, видов декора и технических приемов, оказавшийся востребованным и спустя многие десятилетия и в значительной степени определивший творчество мастеров всех последующих поколений.

Особенно впечатляют технические достижения в художественном литье и ювелирном деле второй половины XIX века. К их числу можно отнести создание новых сплавов металлов и способов огранки камней, использование гальванического золочения и серебрения, применение платины и полихромного золота, возрождение и совершенствование разнообразных технологий ювелирной эмали. Наконец, не следует забывать о механизации изготовления изделий, позволившей ускорить и удешевить производство.

Эпоха историзма оставила в истории русского ювелирного искусства много замечательных имен. Особенно яркий след в искусстве создания украшений оставили ювелиры семьи Болин, Леопольд Зефтиген и классик историзма в ювелирном творчестве, несравненный Карл Фаберже.

Однако метод создания новых произведений путем заимствования и смешения элементов разных стилей, использовавшийся в искусстве эпохи историзма, должен был рано или поздно себя исчерпать. Уже в 1880-е годы этот метод стал подвергаться критике в среде художественной интеллигенции и начали формироваться общества, ратовавшие за движение к новому искусству. Интенсивные поиски оригинальных выразительных средств увенчались успехом, и в конце 1880-х годов развитие искусства пошло по новому пути, который определялся новым художественным стилем – модерном.

Модерн.

Модерн (франц. moderne – новейший, современный), принятое в России название стилевого направления в европейском и американском искусстве конца XIX – начало XX века (во Франции – «ар нуво», в Германии – «югендстиль», в Италии – «либерти» и др.). Модерн был тесно связан с поэтикой символизма. Стиль проявился прежде всего в зодчестве, художественном литье и прикладных видах искусства (мебель, ткани, ювелирные изделия, посуда и т. д.).

Ища вдохновения в мире чудес и сказочных фантазий, мастера модерна направили творческую энергию в те сферы, которые раньше не были затронуты высоким искусством, и прежде всего в создание самых будничных, повседневных предметов обихода. Для них не существовало мелочей; предметы быта перестали восприниматься только как утилитарные, превратившись в такой же объект эстетического восприятия, как картины и скульптуры. Художники стремились пересоздать по законам красоты всю жизненную среду человека: от ложки, пуговицы, дверной ручки до интерьера и архитектурного облика здания в целом. Поэтому, несмотря на свою недолговечность (всего 15–20 лет), модерн стал целой эпохой в истории культуры, внедрившись в быт не только элиты, но и широких слоев общества.

Теоретический фундамент модерна был заложен в Англии трудами Дж. Рёскина и У. Морриса, выдвинувшими утопическую идею преобразования жизни по законам красоты. Эта идея была с воодушевлением воспринята деятелями культуры разных стран (О. Редон, М. Дени, М. Клингер, Ф. Ходлер, М.А. Врубель, В.Э. Борисов-Мусатов, художники объединения «Мир искусства». Созданная У. Моррисом фирма «Моррис и Ко» (1861 г.), а затем мастерские «искусств и ремёсел» начали производить предметы в стиле модерн. Выполненные вручную выдающимися художниками уникальные изделия должны были противостоять обезличенной массовой фабричной продукции. Модерн претендовал на роль наследника всех художественных традиций прошлых эпох, не только Европы, но и Древнего Востока, Африки, Японии.

Однако, в отличие от представителей эклектики, мастера модерна не копировали образцы искусства прошлого, а черпали в них мотивы и художественные приемы, которые подвергались свободной интерпретации и становились органичным элементом современного искусства. Синтез всего предшествующего эстетического опыта значительно обогатил художественный язык модерна.

Для модерна характерно обилие и разнообразие орнаментов и стремление превратить природные формы в узор. Любимыми орнаментальными мотивами были волна, цветок, узор павлиньего хвоста, изгиб лебединой шеи и т. и. В России были также популярны изображения обитателей Севера: оленей, белых медведей, тюленей (панно К. А. Коровина для выставочных павильонов в Нижнем Новгороде, 1886 г., и Париже, 1900 г.). Фигуры и предметы уподоблялись гибким растениям. Длинная, упруго изгибающаяся, охватывающая все изображение неотрывная линия (т. н. «удар бича») стала отличительным признаком произведений в стиле модерн. О. Рёскин утверждал, что подобные линии ассоциируются «с жизнью и организмом», так как они подобны биологическим формам без сочленений и разрывов.

В скульптуре образы становятся более условными и отвлеченными. Пристрастие модерна к живым органическим формам выразилось в стремлении создать ощущение текучей пластической массы, словно находящейся в процессе становления и обретающей законченную форму на глазах у зрителя (О. Роден, А. Майоль, А. Бурдель, А. С. Голубкина). Значительно чаще стали использовать дерево и керамику («Лесная серия» С. Т. Конёнкова, 1907 г.). Мастера модерна часто прибегали к окраске скульптуры. Получила развитие пластика малых форм, предназначенная для украшения интерьера (статуэтки А. Майоля, О. Родена, майоликовые изделия Врубеля и фарфоровые статуэтки К. А. Сомова).

Новый стиль окончательно оформился к началу 90-х годов XIX века. Его появление было встречено с необычайным энтузиазмом. Архитекторы, художники, графики и мастера прикладного искусства сразу увидели его креативные возможности и устремленность в будущее.

Однако претензии основоположников модерна на абсолютную новизну и полное забвение искусства прошлого несколько преувеличены. Новый стиль возник не в одночасье и не на пустом месте. Он складывался из множества тенденций и направлений, среди которых не последнее место занимало и обращение к историческим стилям. На начальном этапе формирования модерна особенно ощутимо влияние готики.

Творчество художников модерна не избежало и влияния искусства других эпох – крито-микенской культуры, своеобразной пластики этрусков, красоты форм и орнаментики кельтских вещей, итальянского маньеризма конца XVI века. Однако в эпоху модерна обращение к искусству прошлого носило принципиально иной характер, чем в предшествовавший период. Оно заключалось не в заимствовании элементов каких-то определенных стилей и воспроизведении исторических образцов, а в синтезе разных культур, обобщении художественного опыта предыдущих поколений.

Заметное влияние на стиль модерн оказало также знакомство Европы со Страной восходящего солнца, которая долгое время была закрыта для европейцев. Утонченное мировосприятие японцев, культ природы, изысканная декоративность костюма и окружающих их вещей, завораживали художников и не могли не овладеть их воображением. Привлекало и умение японцев видеть и ценить красоту, казалось бы, самых простых материалов. Созвучными представлениям того времени о красоте оказались и излюбленные мотивы японского искусства – изображения хризантем и орхидей, волн и скал, обитателей морских глубин и снежных вершин. Интерпретация всех этих мотивов органично вошла в образную систему модерна.

В орнаментальном декоре флорального направления в ювелирном искусстве модерна нашел отражение волшебный и поэтичный мир растений и животных: изумрудные ящерицы и змеи, пестрокрылые стрекозы и бабочки, величавые подсолнухи и камыши, роскошные орхидеи, элегантные ирисы, нежные ландыши, эффектные цикламены и особенно много любимых поэтами «серебряного века» лилий.

Работы ювелиров модерна были столь прекрасны, что, возможно, впервые публика увидела в украшениях не просто драгоценный аксессуар костюма, а подлинное произведение искусства. В 1890-е годы во Франции даже амбициозные представители «высокого искусства» изменили свое отношение к творчеству ювелиров: их произведения начали допускать на выставки Национального общества изящных искусств, в Обществе французских художников открылась секция прикладного искусства, устраивались персональные выставки художников-ювелиров, их изделия стали публиковаться в журналах, закупаться музеями. Искусство ювелиров модерна получило всеобщее признание на Всемирной выставке, проходившей в Париже в 1900 году.

Лучшим среди ювелиров уже в то время был признан французский художник Рене Лалик, которого считают одним из создателей стиля модерн. Лалик виртуозно владел разнообразными приемами художественной обработки металлов, и в частности техниками эмали. Не случайно современники называли его «ювелиром-поэтом» и «парижским Челлини». Не меньшую славу снискал Рене Лалик как художник по стеклу, которым он увлекся в конце 1900-х годов.

К началу XX века флоральное течение модерна достигло апогея своего развития. И хотя отдельные проявления этого стиля встречались вплоть до 1914 года, формы изделий стали менее изощренными, а волнистые линии заменил геометризированный декор. В архитектуре и произведениях декоративно-прикладного искусства позднего модерна уже прослеживались черты конструктивизма.

Эпоха в конце XIX века привела архитектуру к потере национального, к эклектике, заимствованию чужих форм. Эти черты отразились и в русском прикладном искусстве и, в частности, в каслинском литье. Например, столовые кандерябры выполняются то в виде стилизованных в духе рококо стеблей и листьев, то подражают старинным французским стенникам из золоченой бронзы. Одновременное ними отливались в Каслях «ампирные» канделябры. Черты высокого классицизма видны и в стенном канделябре в форме колонки с узорами на кронштейне. Значительная часть мелкого художественного литья, выпускаемого в Каслях в 1900-е годы, Б. В. Павловский пишет: «… испытывает на себе влияние упаднического направления в искусстве – модерна» [98].

В начале XIX века применение механических методов для массового производства металлической утвари для домашнего обихода привело к быстрому упадку ремесленного мастерства. Новая эстетика дизайна машинной продукции еще не была сформулирована; поэтому вместе с возрождением в XIX веке интереса к различным историческим стилям промышленные изделия имитировали произведения художественного ремесла прошлых эпох. Позднее в Англии Уильям Моррис стал инициатором движения «искусства и ремесла», которое отстаивало возврат к рукодельному творчеству, однако оно оказало лишь незначительное влияние на дизайн. На рубеже XIX–XX веков в стиле модерн, использовавшем элементы различных исторических стилей, создавались металлические изделия элегантных и утонченных форм, напоминающих живое растение.

Распространению модерна способствовало проведение Всемирных выставок, на которых демонстрировались достижения современных технологий и прикладного искусства. Наибольшую известность стиль модерн получил на Всемирной выставке 1900 года в Париже (см. ниже Каслинский чугунный павильон). После этих лет значение модерна стало угасать.

Л. Тиффани в США был главным представителем модерна в области художественного металла и стекла. Архитектор Л. Салливен создавал детали архитектурного декора сложных и богатых форм в технике литья из железа. Баухауз, школа дизайна в Германии 1920-х годах, оказал наиболее сильное влияние на формирование новой эстетики механизированного производства; согласно этой концепции, внешний вид предметов из металла или других материалов должен выявлять материал и назначение изделия. Дизайн немецких и шведских изделий из серебра, нержавеющей стали и сплавов олова особенно наглядно демонстрирует пластическую красоту и функциональную выразительность этого нового направления в искусстве.

Екатерина Паникаровская пишет: «Черты искателя непроторенных путей, увлеченного романтикой, проявились в творчестве одного из самых загадочных художников XX века – Эрте». Роман Петрович Тыртов, Ромен де Тиртоф (псевдоним – Эрте; годы жизни: 1892–1990 гг.), работал в стиле модерн.

Хронологические рамки эпохи модерна очень узки, немногим более двух десятилетий, но значение этого стиля для развития чугунного художественного литья и ювелирного искусства необычайно велико. Соединив традиции Запада и Востока, античности и средневековья, аристократического и фольклорного искусства, обобщив опыт всего предыдущего художественного развития, художники эпохи модерна создали яркое самобытное искусство.

Ар Деко.

Ар деко – фр. «Art Deco» – сокращение от названия выставки «L’Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Indu-striels Modernes» – это «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств», которая состоялась в 1925 году в Париже.

Данный стиль получил распространение в 1918–1939 гг. во Франции, Западной Европе и Америке. Стимулом к стремительному развитию послужила парижская выставка 1925 г., где демонстрировались последние достижения дизайна в области архитектуры, проектирования интерьера, мебели, изделий из металла, стекла и керамики. В целом ар деко можно рассматривать как переходный момент от модерна к послевоенному функционализму. Для него характерно сочетание монументальных утяжеленных форм с изощренным украшательством, союз элементов модерна, кубизма и экспрессионизма, а также выразительные особенности технического дизайна. В искусстве сохраняются мотивы Ар Нуво, – извилистые линии, изображение фантастических существ, формы волны, раковины, драконов и павлинов, лебединых шей и томных бледных женщин с распущенными волосами, а также сочетание дорогих и экзотических материалов (слоновая кость, черное – эбеновое дерево, перламутр, бриллианты, шагреневая кожа, «шкурки ящериц» и кожа крокодила). Во всем присутствует устремленность к использованию геометрических форм: прямых углов и линий, окружностей и широких плоскостей чистого цвета.

Интерьеры, оформленные в стиле ар деко, производят впечатление суммы отдельных компонентов – мебели, тканей, изделий из бронзы, стекла, керамики, – нежели единой композиции. Многие из таких интерьеров назывались «павильон коллекционера», «ателье художника». Создавались они с шиком и использовались в украшении фешенебельных отелей, дорогих ресторанов и салонов, поэтому иногда стиль называют «стилем Риц» (англ. Ritz Style).

После открытия в 1922 году гробницы Тутанхамона и последовавшего за этим событием всплеска интереса к Египту ювелирная фирма Дома Картье начала производить красочные украшения, выполненные в «египетском стиле». Среди них – эффектные подвески из пластин нефрита, декорированные алмазами и рубинами, и знаменитая брошь-скарабей из дымчатого кварца с крыльями из голубого фаянса, украшенными бриллиантами. Особенно часто ювелиры стали создавать яркие декоративные изделия после кризиса 1929 года: так они пытались, привлекая внимание покупателей, выстоять в это трудное время.

Таким образом, история Дома Картье наглядно иллюстрирует процесс становления стиля ар деко. Окончательно он сформировался к началу 1920-х годов, а своего апогея достиг к середине десятилетия. Временем его триумфа стала Выставка декоративных искусств и современной промышленности, проходившая в 1925 году в Париже. Собственно, именно на этой выставке стиль получил окончательное признание, а позднее ее сокращенное название – «Ар деко» – стало названием стиля. Успех ювелиров, работавших в стиле ар деко, был феноменальным. Формальным признанием нового стиля можно считать то, что высшую награду выставки – Золотую медаль – получил за украшения в стиле ар деко парижский ювелир Жорж Мобуссен.

В поздних формах ар деко приближается к геометрическому конструктивизму. В Италии и Германии элементы стиля, соединяясь с формами неоклассицизма, перерастали в архитектуру нового ампира – фашистского стиля третьего Рейха. Ар деко называют последним из художественных стилей, который соединял абсолютно не совместимые элементы. Вероятно, именно этим он и оказал значительное влияние на дальнейшее развитие многих видов искусства.

Но развитие стиля не стояло на месте. Он родился в век науки и техники и в значительной мере испытал влияние его достижений. Один из ювелиров, участников выставки, писал, что «полированная сталь, тусклый никель, тень и свет, механика и геометрия – все это предметы нашего времени. Мы видим их и живем с ними каждый день. Мы люди своей эпохи, и это основа всех наших настоящих и будущих творений…» Не удивительно, что ради достижения художественной выразительности ювелиры прилагали немало усилий в поисках новых материалов и разрабатывали новые технологические приемы [96].

Принято считать, что стиль ар деко господствовал в мире искусства немногим более двух десятилетий, от конца Первой мировой войны и до начала Второй. Однако образный строй и приемы, разработанные мастерами ар деко, оказались настолько жизнеспособны и универсальны, что его влияние ощущали ювелиры всех последующих поколений. И в этом кроется удивительный феномен ар деко.

В то время как развитие ювелирного искусства в первой половине XX века удерживалось практически в рамках двух стилей – вначале ар нуво (модерна), а затем ар деко, в так называемом «высоком искусстве» происходили бурные процессы: рождались многочисленные и зачастую весьма противоречивые эстетические воззрения, возникали новые стили и стилевые направления. Это было частью тех быстро сменяющих друг друга событий, которые в то время происходили в науке, технике, да и в целом в обществе.

Чипаруса Дмитрия (1886–1947), можно назвать выдающимся мастером XX века декоративной скульптуры из бронзы и слоновой кости в стиле ар деко. Его произведения служат образцом исключительного уровня исполнительского мастерства и художественного вкуса.

Произведения скульптуры 1920–1940-х годов представляют собой уникальный материал для изучения эпохи ар деко в целом. Декоративная скульптура воссоздает перед нами образ жизни и общество того времени.

В 1930–1950-х годах отмечают проявление «советского ар деко». В качестве характерных примеров приводятся работы скульпторов Н. Данько, И. Ефимова, В. Мухиной – произведения из фарфора, металла, стекла с необычной для того времени обобщенностью и геометризацией формы. Кроме того, присутствует пышная, вызывающая декоративность набивных ситцевых тканей, украшенных советской агитационной атрибутикой. В конце XX века смелые контрасты обобщенной, геометризованной формы и яркого цвета, открытые стилем ар деко, возрождаются в дизайне и моде: оформлении интерьеров, ювелирных украшениях, одежде, рекламной графике. Течением в архитектуре ар деко в России так и не стал, но все же некоторые образцы позднего его проявления имеются – многие станции метро в Москве и Санкт-Петербурге выполнены именно в данном стиле.

Знаменательно, что в последнее десятилетие XX века ювелиры в дизайне все чаще стали придавать своим произведениям некий философский смысл, обращаясь к идеям вербально насыщенного концептуального искусства, выражающего глубинную сущность явлений. Одним из первых и наиболее выдающихся мастеров этого направления был замечательный итальянский скульптор, ювелир и психолог Бруно Мартинацци. Начиная со своих первых ювелирных работ 1960-х годов, он, отталкиваясь от концепций поп-арта и от классической мифологии, сумел передать ощущение гармонии и одновременно напряжения современного мира (золотые броши и браслеты «Золотые пальцы», «Губы», «Хаос» и другие) [96].

Для художественного литья советского периода характерны механизация литейного производства, освоение новой техники, внедрение новейших технологий литья, таких, как кокильное, оболочковое, центробежное и др. Кроме того, на новой основе развивались и старые способы литья. Например, статуарное литье по восковой модели, в котором сложные составы формовочных смесей из органических компонентов (опилки, конский навоз, коровья шерсть и т. п.) заменяются неорганическими материалами, позволяющими отливать монументальные фигуры не только бронзовые, чугунные, но и титановые с высокой степенью точности.

Стиль ар деко воспринимается как ретро стиль, стиль роскоши и достатка. Интерьеры, выполненные в этом стиле, как правило, не отличаются функциональностью, а служат скорее для украшения жизни. Он стремится к удовлетворению индивидуальных вкусов заказчика и разнообразию – свободно оперируя историческими знаками и символами, ар деко обращается к новым материалам, цвету, световым эффектам и этим отличается от исторических предшественников.

М. О. Окроян создал двухтомный каталог, составленный на русском и английском языках, представляет собой энциклопедическую монографию о декоративной скульптуре стиля Ар Деко.

«На страницах двухтомного альбома воспроизведено более 700 скульптур авторов французской, немецкой и австрийской скульптуры, издание дополнено рядом великолепных живописных работ как русских художников начала XX века, так и представителей западноевропейских течений модернизма – экспрессионизма, фовизма, сюрреализма» [38].

Стиль кантри.

Изначально стиль кантри возник в Англии в XIX веке. Его родоначальник Уильям Моррис отстаивал традиционные формы и возрождал ремесла, которые стали постепенно забываться с развитием фабричного производства (см. выше).

Одна из особенностей этого стиля состоит в том, что каждый представляет его по-своему. Это может быть и русский народный стиль с матрешками и деревянными ложками, и американский с лоскутными одеялами – пэчворк, и средиземноморский с яркими цветами с преобладанием синего и белого. Общий его принцип – естественный, незамысловатый уют любого деревенского дома, независимо от того, где этот дом находится. Поэтому кантри так полюбился владельцам современных загородных домов.

Полоски на тканях, из которых шьются занавески и подушки, на чехлах и ковриках, простая, нарочито грубая керамика, старая мебель, чей возраст не скрывается, а подчеркивается, – так называемый «псевдоантиквариат», уже упомянутый пэчворк, все, что связано, вышито, украшено своими руками, – все эти особенности присущи стилю кантри.

Со словом «кантри» связано еще одно очень популярное во всем мире слово – бунгало. Бунгало – это не вилла, не основательный загородный дом, но тем не менее это строение, в которое можно приехать отдохнуть на пару дней в любое время года. У нас это иногда называют дачей. В прочем дело не терминологии. У классического бунгало первый этаж полностью застеклен. В отечественных условиях это не всегда возможно. Для интерьера бунгало больше всего подходит стиль кантри, причем часто его смешивают с любыми другими современными стилями. Самая подходящая мебель в данном случае – плетеная. Сегодня благодаря наличию в продаже искусственного и натурального ротангового полотна (ротанг – лиана, которую называют еще ротанговой пальмой; ее используют для изготовления плетеной мебели). Пол бунгало, как правило, делается «холодным», то есть из керамики или камня, и покрывается ковриками. К этой обстановке прекрасно подойдут ручные гобелены и изделия, выполненные в технике макраме.

Вытеснив ручное производство, промышленность не смогла дать взамен подлинно красивых вещей, и в конце XIX века декоративно-прикладное искусство Западной Европы и России находилось в состоянии глубокого кризиса. Рынок был наводнен огромным числом предметов, рассчитанных на самый низкий вкус. Характер промышленного производства предметов быта, мебели, одежды требовал творческой мысли художников, способных создать подлинные произведения декоративно-прикладного искусства в единичных экземплярах и при большом тиражировании вещей. Эту задачу предстояло решать художникам нового времени.

Этностиль.

Существует масса разновидностей этностиля: японский, китайский, английский, африканский, французский. Этностиль формируется под воздействием географических и культурных традиций, климата, человеческого темперамента.

Одно из главных достоинств этностиля – использование экологически чистых материалов, которые, как принято считать, снимают напряжение, вызванное современным ритмом жизни. Насыщенные цвета, изогнутые формы, необычная фактура создают ощущение реальности, обладающей магическими свойствами.

Наиболее распространенным является африканский стиль, который считается самым экзотическим.

Африканские маски, деревянные блюда для фруктов, стилизованные фонарики, покрывала, расписанные вручную специальной краской, придают жилищу нужный для этностиля колорит. Мебель должна быть деревянной, украшенной резьбой, кованной из железа или плетеной из ротанга или ивы.

Цвета Африки – очень теплые и приятные, блестящие ткани из хлопка, льна и вискозы в красках заморских пряностей и экзотических фруктов.

Рустикальный стиль.

Этот стиль – один из вариантов кантри. Характерная черта – имитация поверхности природного материала, для которого характерны естественные неоднородные краски, будь то камень, дерево, штукатурка или ткань. Стиль характеризуют как деревенский, простой, зачастую даже грубоватый, однако в простом деревянном доме он так же уместен, как кантри. Особую выразительность ему придадут элементы мебели из натуральных ошкуренных бревен и жердей, ткани грубой фактуры, печь из неокрашенного кирпича ит.д.

Стиль применим и в коттеджах, но эффектнее выглядит в простых деревянных домах.

Стиль Хай-тэк.

1. Стиль Хай-тэк часто называют интерьером высоких технологий. По-сути дела, этот стиль прямо противоположен экологическому, восточному. Основной его принцип – формирование окружающей среды из сборных технических деталей, а также стекла, металла и бетона.

Интерьеры в стиле хай-тэк – это гармоничное сочетание пространства и света, формы предметов и их цвета плюс идеальные пропорции. В цвете и материале никаких особых предпочтений у такого стиля нет. Можно применять все что угодно: краску, которая дает гладкую, блестящую поверхность, штукатурку, жидкие или объемные обои с интересным рельефом, керамическую плитку или натуральный камень, ламинированное дерево, линолеум.

Мебель должна быть похожа на офисную. Для изготовления применяются современные материалы из пластика, кожзаменителя, полированного металла.

1. Интерьеры этого стиля отличают четкость и конкретность, деловитость. Рисунков нет, декоративных элементов тоже. Поверхности стен, потолка и пола должны быть идеально гладкими и чистыми, и, соответственно, мебель, ткани, посуда также должны быть гладкими и блестящими.

Свет в стиле Хай-тэк также важен, как и фактура. Кроме общего света, который дает основной источник, используются всевозможные светильники, вмонтированные в мебель. Светильники могут быть на кронштейнах, подставках. Зеркала в таком интерьере могут быть вообще без рам.

Он в той или иной форме оказывал влияние на творчество ювелиров, мастеров художественного литья, мыслящих современными категориями века «боингов» и «феррари». Возможно, не без влияния этого дизайна в ювелирном искусстве последних двух десятилетий XX века ощущалось увлечение украшениями минималистских форм, для выполнения которых использовались новейшие способы выражения, приемы и материалы.

Хай-тэк пробудил у дизайнеров вкус к использованию суперсовременных материалов в 90-х годах прошлого века. Сегодня отмечается новый всплеск интереса к технологическим достижениям. Лазерная обработка текстильных изделий, использование металлических нитей превращают ткань в произведение искусства. Это может быть текстиль прозрачный, бронзового, золотого, стального тонов. Говоря о материалах рассматриваемого стиля, нельзя не упомянуть пластик – один из любимых помощников для дизайнера. В Голландии выпустили стулья с использованием плетеного волокна карбона и армида – получилось своеобразное хайтэковское макраме. К числу новейших отделочных материалов относятся и акриловые натяжные потолки – это тоже элемент хай-тэка.

2. Мебель. Формы и пропорции мебели тщательно продуманы, она похожа на офисную: кожзаменитель, пластик, полированный металл. Удачно подобранные стулья, кресла или диван из хромированного металла и кожзаменителя смотрятся очень стильно, и что не маловажно – практичны и удобны. Вместо шкафа, стенки и горки лучше поместить стеллажные модули с закрытыми и открытыми секциями. Они могут быть из любого материала, например, пластиковые, стеклянные или деревянные полки, укрепленные на металлическом каркасе из полированных труб. Еще один нюанс: все поверхности мебели должны быть ровными и гладкими, а металлические элементы и фурнитура должны быть серебристые, блестящие.

3. Свет здесь также важен, как и фактура. Кроме общего света, который дает основной источник, используются всевозможные виды освещения. Гармонично здесь будут смотреться современные светильники на кронштейнах, подставках, а также вмонтированные в мебель. Вообще светильники – благодатная почва для техногенной эстетики, царства металла и пластики, простых форм и линий, эргономики и безупречной функциональности. Жесткие композиции создают системы токовых шин. Очень красиво в этой обстановке смотрятся стеклянные плафоны из молочного или цветного матового стекла простой формы, которые гармонируют с декоративными стеклянными или металлическими элементами – вазами, посудой, статуэтками.

4. Цвет. Особенностью современных интерьеров в стиле хай-тэк является то, что они строятся больше на пространства и света, чем на сочетании цвета и рисунка. Идея диктует и соответствующее колористическое решение. Цвета в таком интерьере должны быть чистыми и конкретными, без всяких полутонов: черный, белый и серый в основе, а красный, синий, зеленый и желтый – как дополнение. Рисунков нет, декоративных элементов тоже, расцветки минималистические (стиль минимализма: выкидывается все лишнее, оставляется минимум, только самое необходимое) – если не однотонная ткань, то в крайнем случае, двухцветная. Этот стиль не терпит небрежности, вычурности и излишества – все должно быть ровным и гладким: бескомпромиссно чистые, чаще блестящие поверхности стен, потолка, пола, оконных рам, дверных коробок. И естественно, минимализм – интерьеры этого стиля отличает четкость и конкретность, можно даже сказать – деловитость.

5. Декор. Создавая интерьер в стиле хай-тэк, нужно помнить, что при всей кажущейся простоте он требует качественного продумывания и отбора всех элементов. Любой чужеродный стакан или картина испортят впечатление. Мебель, ткани, посуда также должны быть гладкими и блестящими. Блеск как бы увеличивает пространство, добавляет света, создает ощущение стерильности. Тот же блеск создают и зеркала. Они могут быть вообще без рам, но обязательно следует хорошо продумать, куда их повесить. Стандартные занавески будут в такой обстановке немного неуместны. А вот жалюзи, абсолютно любые, как никогда кстати. Естественно, что фарфор и хрусталь в такой обстановке будут неуместными. Фаворит стиля – посуда «техно» из матового цветного стекла или глазурованного фаянса, одноцветная, без орнамента и рисунков, четкой геометрической формы в виде шара, цилиндра, конуса, призмы.

Китч в интерьере.

Определение «китч-интерьер» появилось относительно недавно и означает оно новомодную категорию интерьеров. Основной идеей китча является насмешка над историей и художественными традициями, вкусами и стилями. Это своего рода нигилизм в архитектуре, отрицающий все ее предыдущие достижения. Это когда откровенная безвкусица становится принципом выбора, а бьющая в глаза несочетаемость цветов и предметов интерьера – его основной отличительной чертой. Например, позолоченная лепнина по карнизу, на ярко-синем потолке – крупные блестящие звезды, у стен симметрично стоят кадки с пальмами, а пол выложен керамической плиткой с восточными мотивами.

Вещи в стиле китч входят в моду, когда старые образцы хорошего тона приедаются и вызывают тоску, а новая эстетика еще не сформировалась. Исторически это обычно совпадает с какими-то кризисами: социальными или экономическими, когда обстановка становится нестабильной, а общество ждет перемен. И по этому мода на вещи в таком стиле достаточно кратковременна.

Но всегда существует определенное количество людей, в характере которых присутствует некий нигилизм от природы, им нравится ставить окружающих в недоумение, опровергать авторитеты. Такие люди в любую эпоху экстравагантно одеваются и столь же оригинально обставляют свое жилье. Так что китч как стиль присутствует постоянно. Как правило, китч рождается от чрезмерного богатства и пресыщенности или, наоборот, от вопиющей, бросающей вызов, бедности. Но в любом случае – это стремление эпатировать, таким образом, проявив свою неординарность.

Как правило, излюбленной темой стиля китч являются псевдоисторическая архитектура и интерьеры. Остроконечные башни и башенки загородных коттеджей, в обилии «украшающих» такие произведения, узкие готические окна-витражи в сочетании с современными жалюзи и рулонными ставнями и соответствующее внутреннее убранство: огромную «рыцарскую» гостиную украшает электрический камин. Все это типичный китч, но не ироничный, а серьезный. Когда хозяин не то, что не замечает подделок, он уверен, что они производят впечатление подлинников.

И тогда бархат заменяют на плюш, позолоченные багеты – на толстые лепные рамы, покрытые бронзовой краской «под золото», а «картины» заказывают у базарного мастера, с непременным сохранением сюжета. Мраморные барельефы стен и колонн можно нарисовать, чем тратиться на настоящий благородный камень. А вот проделав все это, можно наслаждаться скопированной красотой и кичиться собственным «богатством». Так что русский аналог слова китч существовал давно и, что самое интересное, довольно точно отражал смысл понятия.

Помимо китча, возникающего как подделка под «благородство» на полном серьезе, есть, как мы уже говорили, китч как стиль в искусстве.

В странах Запада, где изысканными и стильными интерьерами никого не удивишь, существовали одно время даже рекомендации в журналах по дизайну, как можно оформить самому жилище, превратив его в произведение искусства в стиле китч: оборвать обои с части стены и по трафарету закрасить образовавшиеся отверстия. Можно также для превращения вашего шкафа в дизайнерский шедевр обмотать его ножки серебристой изолентой.

Это как раз то, когда руководствуются даже известные мэтры-дизайнеры, с юмором создавая иногда шедевры-пародии.

Так, на Миланской мебельной выставке 2002 года, как писалось в репортажах, «было много мебели в стиле неукрощенного, бьющего через край роскошного китча». Например, «дворцовые» кровати и затейливые диваны с атласной обивкой и золочеными ножками. А известный дизайнер Филипп Старк однажды удивил всех, уродливыми (но достаточно смешными) гномиками, выполненными в базарно-лубочном стиле и использованными в виде ножки стола. А потом он создал и люстру в виде стеклянных полок, на которых стоят хрустальные вазы-плафоны, и назвал этот светильник «Шрамы роскоши». Этот остроумный предмет – добрая ирония старого мэтра над теми, кто любит демонстрировать свое богатство.

Но бывает и китч-интерьер от бедности, у него другой облик. В таких интерьерах основными материалами являются полиэтиленовые занавески, самодельные перегородки, настенная живопись из аэрозольных баллончиков с ярко-кислотными красками и мебель, найденная на свалке. Такой интерьер менее подражателен, чем его богатый родственник, а ирония в нем уступает место агрессии. Жить в таком интерьере можно только с определенным состоянием души.

Вывод

Рассматривая достижения древних цивилизаций и средневековых мастеров, мы можем только удивляться и восхищаться находчивостью наших далеких предков: столь современным кажутся сегодня их быт и культура. И думается, что более поздние мастера не так уж много изобрели кардинально нового с той поры в сфере художественной обработке металлов и в дизайне.

Особо стоит отметить, что с тех пор и по сегодняшний день, художественная обработка металла остается уникальной и самобытной сферой деятельности. Но именно по этой причине, желая выделить свой дом из ряда подобных, владельцы особняков, коттеджей и загородных домов стремятся украсить дом декорированными коваными и литыми изделиями из металла.

На сегодняшний день художественная обработка металла переживает своего рода Эпоху Возрождения. Все более возрастающий интерес к этой сфере декоративных работ определяет моду на изделия из металла. Более того, художественная обработка металла в наши дни получила статус элитарного мастерства.

Язык металла разнообразен, время от времени мы сознательно используем его как графическое средство, соразмерное человеческому масштабу и не обязательно созвучное общему архитектурному стилю. Прихотливая линия металла, вступая в противодействие с крупными геометрическими объемами, «силится разрушить монолит здания, извиваясь и цепляясь за фасад, как дикий плющ».

На каком-то этапе металл становится неотъемлемой частью архитектурного образа. Необузданность и спонтанность металла, с одной стороны, подчеркивает незыблемость архитектурных форм, а с другой – привносит природную живость в сонное царство камня. Но, безусловно, усилий дизайнера, работающего с металлом, здесь мало, необходимо изначальное, еще на стадии проектирования, понимание роли металла как в возможной конструктивной части здания, так и в его декоре.

В настоящее время наше государство стало заботиться о развитии художественных промыслов, об удовлетворении культурных запросов народа. На многих заводах и в мастерских развивается искусство художественного литья, ковки, чеканки и т. д. Сейчас создаются условия для научно-технического и художественно-технического творчества старшего поколения и молодежи. Молодые мастера – воспитанники средних профессионально-технических училищ и колледжей, наследники прекрасного мастерства старшего поколения – успешно осваивают его опыт и продолжают лучшие традиции в производстве художественного металла с применением новейших нанотехнологий.

Итак, может ли каждый стать «сам себе дизайнером»? Все зависит от ваших собственных способностей, полета мысли и желаний. В книге найдете теорию и практические советы по художественной обработке металла, полезные для начинающего дизайнера в области декоративно-прикладного искусства. Многое можно сделать своими руками, а сделать что-то самому – это всегда интересно!

 

2.1. Общие сведения

Все основные способы обработки металлов известны с глубокой древности. Пройден долгий путь, накоплен огромный багаж практических знаний и умений. Ушли в прошлое целые улицы городских ремесленников, откуда с раннего утра доносились звон металла и стук инструментов. Все больше и больше в процесс включалась техника, и все реже на изделиях встречались личные клейма мастеров. С уходом мастеров были утеряны многие секреты. Но то, что удалось сохранить или разгадать при помощи современной науки, не потеряло своего значения и по сей день. Некоторые ремесленные технологии обросли усовершенствованиями, другие и сейчас сохраняются и поддерживаются в первозданном виде.

После того как человечество научилось выплавлять металл, стало развиваться литейное искусство. Его сущность заключается в том, что расплавленный металл заливают в специальную литейную форму, в которой, остывая, он затвердевает, сохраняя очертания этой формы. Деталь или изделие, полученное таким образом, называется отливкой. С помощи литья изготовляют отливки из чугуна, стали, алюминия, бронзы, латуни и других металлов и сплавов.

История литейного дела насчитывает более пяти тысячелетий. В каменных, глиняных и песчаных формах древние мастера отливали орудия труда, хозяйственную утварь и украшения. Вероятнее всего древние отливки были сделаны в Древнем Египте. Но раскопки показали, что и на территории Кавказа уже в III тыс. до новой эры тоже применялись совершенные методы плавки и литья металла. Литье было наиболее легким видом обработки металла, и люди использовали это. Нужным в обиходе металлическим вещам они придавали художественную форму.

Применяя способ литья по восковым моделям, античные художники добивались виртуозной техники микролитья.

Литейное дело на Руси известно уже несколько тысячелетий. В те далекие времена, когда литейное производство только-только появилось, литейщики использовали глиняные формы, причем модель делали из воска.

На Руси художественным литьем занимались вначале исключительно женщины. Они сплетали из нитей, пропитанные воском, ажурные украшения, похожие на филигрань, и, обмазав глиной, давали просохнуть. Потом форму прокаливали и заливали металлом. Остывшую форму разрушали так, чтобы не портилась отливка. Были формы и постоянные – вырезали их из мягкого камня. В такие формы можно было отливать неоднократно.

При проведении раскопок в Суздале, который является одним из крупнейших памятников археологии, в усадьбе богатого горожанина была обнаружена литейная форма XI века с вырезанными изображениями крупных женских привесок. «… Самой интересной находкой оказалась каменная литейная форма для отливок различных изделий. Еще в древности она раскололась, но ею продолжали пользоваться. Видимо камень (мягкий известняк), выбранный для формы, очень подходил мастеру – форма давала хорошие отливки, и мастер не хотел с ней расставаться…». Подробнее можно прочитать: «Новое о древнем Суздале» // «Наука и жизнь», № 9, 1983.

Пик развития литейного ремесла в Древней Руси приходится на ХII-ХIII века. В это время появляются уже двусторонние формы с разветвленными литниковыми системами, с помощью которых изготавливали самые разнообразные изделия: посуду, металлические украшения, наконечники для стрел и копий. Уже к XIV веку на Руси овладели техникой литья бронзовых пушек – что являлось немаловажным событием в истории молодого государства.

В XV веке для литья труб, колоколов и гирь стали использовать чугун, а в XVI веке наряду с бронзой и чугуном применяют также и смесь из сырого кварцевого песка, глины и овечьей шерсти для изготовления опок.

Замечательные образцы литейного искусства показали русские мастера, когда отлили большие колокола для Троице-Сергиевой лавры. Еще в 1594 году ими был изготовлен колокол весом 625 пудов – это более 10 тонн! Шесть лет спустя Борис Годунов подарил лавре колокол весом около 2000 пудов, а в 1684 году на лаврской колокольне появился колокол несколько меньший – 1275 пудов. Наконец, 1748 году в лавре был отлит самый большой из висевших на колокольне колоколов – он весил 4000 пудов, то есть 64 тонны. Его называли Парь-колокол, так же, как и его кремлевского тезку. Звонили в него лишь по большим праздникам, потому что дело это было нелегкое: его девяностопудовый язык пятерым дюжим звонарям приходилось раскачивать добрый десяток минут. Была у этого Паря-колокола особенность: когда в него звонили, то в городе его звон, как ни парадоксально, не был слышен, он тонул в звуках города – слышался лишь щелчок от удара языка по внутреннему ободу колокола. И только по удалении от города на семь-восемь километров можно было услышать его мягкий приятный звон. Колокол не сохранился, но ученый рассчитали его тон, который составлял всего 100 герц. Звуки такой частоты для человеческого уха менее ощутимы, чем обладающие малые колокола частотой в несколько тысяч герц. Поэтому в городе звон колокола-гиганта заглушался высокочастотными городскими шумами. Однако на достаточном удалении от города он брал верх над ними: распространяясь в атмосфере, низкочастотные звуки менее теряют в силе, чем высокочастотные.

С течением времени постепенно все более развивалось литейное и производство. Со второй половины XIX века появляется сталь. В связи с тем, что растут потребности населения в изделиях из металла, литейное производство значительно совершенствуется, осложняется. В это время появляются даже научные труды по технологии отлива из металла. В России родоначальниками науки о литье традиционно принято считать ученых-металлургов: П. П. Аносова, Д. К. Чернова и А. С. Лаврова.

На Урале вместе с возникновением чугунолитейного производства зародилось художественное литье. Своеобразие быта уральцев определило появление металлической посуды: чугунков, сковородок, кружек. Чаще всего ее делали сами рабочие заводов – для себя.

Однажды управляющий кыштымскими заводами явился на собрание промышленников в Петербурге и удивил присутствующих тем, что вместо золотой цепочки украсил жилет шелковым шнурком. Над ним стали подшучивать, но управляющий не смутился, а попросил всех приглядеться к «шнурку». Им оказалась чугунная цепочка. За такое чудо уральцу предлагали миллионы, но он не согласился – славу своих мастеров берег. Действительно, мастерство неподражаемое.

Очевидцы рассказывают удивительную историю. Однажды в Ленинград приехал пожилой знатный англичанин. Отдохнув после дальней дороги, он приказал сопровождающим отвезти его к чугунной решетке Летнего сада. Усевшись на раскидной стульчик, он впился глазами в легкие переплетения и попросил оставить его одного. Так неподвижно и просидел до утра, любуясь, как меняется решетка в призрачном свете белой ночи… Когда за ним пришли, старый лорд произнес:

– Больше я ничего не хочу видеть. Везите меня обратно в Лондон. Теперь я могу спокойно умереть. Я видел чудо. Я видел совершенство красоты и гармонии.

Мосты повисли над водами… Ни в одном произведении искусства, где говорится о С.-Петербурге, – будь то роман, стихи, кинофильм, картина, художественная фотография, – не обходится без того, чтобы не показать еще и еще раз кружевной капризный изгиб над Крюковым каналом, мечтательный Верхнее-Лебяжий мост или легкую решетку Банковского моста.

Многие почитатели чугунных кружев нашей «северной Венеции» и не догадываются, какая романтическая история у изящного, легкого, простого рисунка решеток на набережной канала Грибоедова или у маленьких набалдашников на поручнях при спуске на Фонтанку, и какие мастера создали это чудо. Так, например, Демидов мост через канал Грибоедова построен в 1834 году по проекту инженера Б. Адама. Решетка Летнего сада построена в 1784 году. Авторство спорно. Наиболее распространенная точка зрения, что автор решетки – Ю. Фельтен. Можно обратить внимание у спуска к Неве, напротив здания Академии художеств отлит чугунный грифон. Спуск был сделан в 1834 году по проекту архитектора К. Тона. Подробнее можно ознакомиться, прочитав статью: «Твоих оград узор чугунный» // «Наука и жизнь», № 4, 1967.

Пусть не о Москве писал великий поэт, когда воспевал «оград узор чугунный»; конечно же, литые московские старинные решетки скромнее и «камернее» петербургских, но зато они выглядят гораздо интимней, соразмерней, человечней «на московских изогнутых улицах». Выполненные по рисункам таких прославленных архитекторов, как О. Бове, А. Воронихин, Д. Жилярди, отлитые безвестными русскими мастерами и отчеканенные безымянными кузнецами, они возникают вдруг перед глазами пешехода, отделяя от улицы пространства дворцов, садов, усадеб… На мгновение завораживают взор классические линии чугунных столбов с горящими светильниками наверху, растительная пышность кованых барочных оград, изысканная причудливость декадентских решеток. Фантазия художника превращает тяжелую металлическую плоть в невесомое кружево, в полет, в застывшую ажурную мечту…

И кто знает, сколько людских поколений вот так, почти незаметно, буквально на ходу учились красоте, доброте, заботе о человеке, непреходящей ценности талантливо прожитой жизни. Подробнее можно ознакомиться, прочитав статью: Р. Щербаков: «Через узор решетки тонкой» // «Наука и жизнь», № 9, 1989.

В настоящее время литейное производство, является, пожалуй, одним из самых развитых в нашей стране.

Мы, конечно, не будем отливать из чугуна и других металлов большие и тяжелые решетки, а подробнее ознакомимся с технологическим процессом художественного литья более легких и тоже изящных изделий.

 

2.2. Каслинское литье

Производство художественных изделий из чугуна – садовой мебели, решеток, надгробий, скульптуры, бытовых предметов производилось на чугунолитейном заводе в городе Касли. При их изготовлении используются сложные технологии формовки и отливки изделий с их ручной последующей чеканкой.

История завода. Завод был заложен в 1747 году Яковом Коробковым, а уже в 1752 г. перекуплен Н. Н. Демидовым. Завод, войдя в Кыштымский горный округ, специализировался на выплавке чугуна и производстве полосного железа.

В начале XIX века чугунолитейное производство в Каслях было приобретено купцом 1-й гильдии Л. Расторгуевым, и с этого времени здесь начинается производство художественных изделий. Уже в 1830-е гг. Касли становятся известны как центр отливки высокохудожественных решеток, оград, половых плит с орнаментальными рельефами, а также надгробных памятников.

В 1845 на заводе было организовано производство садово-парковой мебели и декоративных предметов интерьера – ажурных тарелок и подсвечников. В это же время появляются первые образцы скульптуры малых форм, как правило небольших фигурок, укрепленных на пресс-папье. В 1850-1860-е гг. количество художественных изделий и их доля в ассортименте каслинского завода неуклонно увеличивается. Качество изделий резко возросло после перевода в конце 1850-х годов, с Кушвинского завода опытных чеканщиков и формовщиков. Качество отливок каслинского завода не уступало уже в это время аналогичным изделиям из бронзы, что заслуженно отмечалось золотыми медалями Всероссийских, а впоследствии и Всемирных выставок.

Важная роль в формировании образа каслинского художественного литья принадлежит скульпторам, выпускникам Петербургской Академии художеств – М. Д. Канаеву и Н.Р. Баху. В 1876 году Канаев создал при заводе художественную школу, где обучали рисунку, лепке, формовке и чеканке чугунного литья. По его предложению ассортимент каслинских изделий обогатился отливками в чугуне произведений известнейших русских скульпторов: П. К. Клодта, И. П. Витали, Е. А. Лансере, А. Л. Обера, Н. И. Либериха. В 1880-е гг. на заводе начинают работать скульпторы – выпускники художественной школы заводской: В. Ф. Торокин, Д. И. Широков, К. Д. Тарасов и др.

Чугунный павильон. В 1900 году в Каслях создают чугунный павильон для Всемирной парижской выставки. Выполненный по проекту архитектора Е. Е. Баумгартена, павильон представлял собой ажурную чугунную комнату, в которой были выставлены около 1,5 тысяч лучших образцов «кабинетных» вещей каслинского литья – скульптура, подсвечники, ажурные вазы и тарелки, шкатулки, письменные приборы. Эти изделия были удостоены золотой медали и «Гран-при» выставки.

В 1914 году, в связи с переходом завода на выпуск военной продукции, литье художественных изделий в Каслях прекращается.

Важная роль в возрождении художественного литья принадлежит скульптору К. А. Клодту, внуку П.К. Клодта. Он вновь открыл заводскую школу, в которую принимались дети рабочих.

Только в 1934 году на заводе организуется регулярный выпуск художественного литья. В первую очередь это мелкая пластика и барельефы – произведения революционной тематики, созданные по моделям скульпторов Н. Горского, Н. А. Андреева, Н.В. Томского, И. Рабиновича. В это же время увеличивается выпуск архитектурного литья, которое было использовано при строительстве набережных и мостов, в оформлении общественных зданий и Московского метрополитена.

В 1941 году выпуск художественных изделий на заводе был прерван, но уже в 1944 году восстановлен. Ассортимент каслинских изделий в эти годы расширяется темой Отечественной войны. В 1950–1970-е годы на каслинском заводе работают известные скульпторы П. А. Баландин, М. Г. Манизер, Е. А. Янсон-Манизер. На заводе появляется большая группа скульпторов-заводчан – П. С. Аникин, А. В. Чиркин, А. С. Гилев, В.П. Игнатьев и др., чьи произведения органично вошли в традиционное русло каслинского литья. В конце 1980-х годов ассортимент каслинского завода включал 130 произведений, среди которых работы, выполненные по моделям XIX в. и современных скульпторов.

Каслинское литье – это целый мир разнообразных тем и сюжетов. Мастера литейщики сумели передать в тяжелом чугуне и орнаментальный узор, и фигурки зверей, и образы людей – от крестьянина до Венеры Милосской (см. рис. 2.1–2.3).

Слава каслинских мастеров не померкла и в наши дни. Их изделия украшают многие музеи, улицы городов, станции метро. Фантазия и мастерство художников настолько пластичны, что, глядя на готовые работы, трудно догадаться, что является определяющим – замысел или сила материала, хотя во многих случаях связь с конкретными образцами прослеживается достаточно четко.

Рис. 2.1. П. Забело. «Ермак». Каслинское литье. 1948 г.

Рис. 2.2. Чернильница «Голова идальго». Каслинское литье. Начало XX в.

Рис. 2.3. На снимке – каслинское литье: «Блюдо» (первая половина XIX века), хранится в стальной комнате Политехнического музея в Москве.

 

2.3. Нижнетагильское медное и бронзовое литье

Федор Звездин, один из выдающихся уральских литейщиков. Его работы часто экспонировались на выставках в России, и время, к счастью, не уничтожило их. Они сохранились и демонстрируются в различных музеях страны.

Федор Звездин, обладавший талантом подлинного художника, закончил Выйское училище (г. Нижний Тагил), и затем стажировался 7 лет во Франции. В 1830 году он вернулся в Нижний Тагил и создал на Выйском заводе первую на Урале бронзолитейную мастерскую. В коллекции нижнетагильского музея сохранились его работы «Девочка в молитвенной позе», и «Мальчик, вынимающий занозу» (копия знаменитой греческой скульптуры V века), см. рис. 2.4. Одна из лучших звездинских работ – «Бык» хранится в Эрмитаже. Принимал мастер также участие в отливке церковных колоколов и памятника управляющему нижнетагильскими заводами Андрею Николаевичу Карамзину (1814–1854), установленному в Нижнем Тагиле в 1855 году, который был разрушен в 1930-х годах.

Небольшая коллекция медных и бронзовых изделий художественного литья имеется в музее г. Нижнего Тагила, выполненная другими мастерами (см. рис. 2.5).

Истоки русской школы художественного литья, продолжающего развиваться и поныне, следует искать в Литейном доме, открытом при Академии художеств в Петербурге в конце XVIII века, на уральских металлургических заводах в городах Касли и Кусе.

Политехнический музей в Москве показывает не только работы каслинских и кусинских мастеров художественного литья, но и фотографии, и технологию изготовления литых изделий (рис. 2.6).

Теперь ознакомимся с более легкоплавким металлом, который тоже знаменит и широко применим в художественном литье – это олово.

Рис. 2.4. Ф. Ф. Звездин. Мальчик вынимающий занозу. Бронза, литье. Первая половина XIX века. Музей горнозаводского дела. Нижний Тагил.

Рис. 2.5. Коллекция медных и бронзовых изделий. XIX век. Музей горнозаводского дела. Нижний Тагил.

Рис. 2.6. Скульптура «Лавретки». Кусинское литье, чугун. Конец XIX в. Политехнический музей. Москва. Фото В. В. Дорощук.

 

2.4. Оловянное литье. Технико-технологические сведения

Литье из олова известно человечеству с древнейших времен. Еще за шесть тысяч лет до нашей эры в Египте лили из олова украшения. Упоминания об этом металле встречается в древнеиндийской, греческой, римской литературах. В античные времена в ходу были монеты и сосуды из олова.

Занимались литьем из олова и на Руси. До нас дошли утварь, украшения, предметы культа времен Киевской Руси. В XIII–XV веках ремесло это достигло большого развития на Украине, в городах Холм, Володимир, Перемышль, Луцк. В XV веке в Киеве был основан литейный цех, вырабатывавший оловянные изделия.

Художественное литье из олова достигло своего наивысшего расцвета в эпоху господства стиля барокко, относящегося к концу XVI, XVII и большей частью XVIII века (см. рис. 2.7, 2.8).

Мастера-литейщики объединялись в союзы-дворы. На Украине и в Польше они получили название цехов. Нередко этот союз объединял ювелиров, живописцев и литейщиков из олова. Такой союз способствовал высокому художественному уровню ремесла. С середины XVI столетия изделия из олова обязаны были иметь «тавро» – клеймо. А в 1576 году стало обязательным ставить пробу на изделиях и слитках олова. Качество продукции контролировала городская и королевская власть. Было постановлено, например, отливать посуду – миски и фляги из чистого пищевого олова, а ларцы – из сплава четвертной пробы (3/4 свинца и 1/4 олова). Впоследствии количество проб увеличилось, появились третья, четвертая, шестая, двенадцатая и шестнадцатая пробы в зависимости от количества олова в сплавах со свинцом. Третья проба дожила до наших дней под названием припоя-третника, этот сплав и сейчас довольно часто применяют в художественном литье.

Наибольший интерес из изделий того времени представляют собой кубки и фляги. На них изображались эмблемы, списки «братиев-литейщиков», святые покровители, гербы. Известна фляга, посланная в 1656 году Богданом Хмельницким шведскому послу Гильдебранду. Изделия этого периода отличаются высокими художественными достоинствами. Фляги имели четырех-шестигранную форму, снабжались завинчивающейся крышкой с ручкой наверху. Фляги были украшены гравированным растительным орнаментом с листьями и пышными цветами. Нередко среди растений встречались изображения животных – собаки, олени (см. рис. 2.9).

Рис. 2.7. Блюдо с гербовой орнаментикой, Франция XVII в.

Рис. 2.8. Кружка с гравированным орнаментом, Саксония, предположительно около 1600 года.

Рис. 2.9. Фляга оловянная. Украина, 1717 г.

Рис. 2.10. Литая оловянная игрушечная посуда. Москва, конец XIX в.

Другим распространенным видом оловянной посуды были разных размеров кварты – четверти. Чаще всего их гладкие бока ничем не украшали, вся красота заключалась в пропорциях формы. Для бытовых нужд вырабатывалось много различной посуды и предметов домашнего обихода: жбанов, мисок, тарелок, блюд, ваз и вазочек, гребней, ложек, пуговиц, ларцов для документов, братин, ендов и прочее.

В XVII веке в художественном оформлении продукции литейщики стали ориентироваться на аналогичные изделия чеканной работы. И хотя эстетические возможности оловянного литья значительно уже, чем у ювелирной чеканки, в литых изделиях мы видим хорошо найденную форму, богатую орнаментику, разнообразие изображений, позволяющие конкурировать с чеканкой.

Наиболее украшенными были предметы церковного назначения: дарохранительницы, кресты, блюда, подсвечники и оклады икон, органные трубы, фонари ажурного литья, детали внутренней отделки зданий, дверей и иконостасов. Фигурные изображения, как гравированные, так и рельефные, своим стилем были целиком родственны тогдашней живописи, графике и скульптуре.

Оловянное литье широко распространилось при Петре I. В те времена в быту пользовались оловянными пуговицами, кубками, посудой, встречались и медали из олова (см. главу «Гравирование», параграф граверно-медальерное искусство). Тончайшим узором скрепляли слюдяные пластинки в фонарях-светильниках.

Оловянное литье стало приходить в упадок в конце XVIII века. Художники-литейщики очень редко стали применять олово в художественном литье. Из изделий XIX века можно найти в музеях оловянных солдатиков и игрушечную посуду (рис. 2.10).

Появление в 30-х годах XVIII века модных напитков – чая и кофе – дало развитие медеплавильным и медеобрабатывающим заводам. Давленые медные, бронзовые и серебряные изделия (например, самовары) вытеснили оловянные ендовы, братины, четверти, и фляги – посуду допетровского периода. К этому же времени относится бурное развитие в России фарфоровых заводов. Оловянные изделия не могли конкурировать с давленной и чеканной медью, тем более что олово как металл имеет один существенный дефект: при длительном охлаждении ниже – 18° оно заболевает «оловянной чумой», превращаясь в серую рыхлую массу, – вот почему до нас дошло очень мало старинных оловянных вещей. Из истории известно, что зимой 1812 года у отступающих французов стали разваливаться форменные пуговицы, изготовленные из олова. В одну из зим мороз уничтожил все оловянные ложки и миски, которыми пользовались каторжане, работающие на руднике в Нерчинске (Сибирь). По вине олова произошли и трагические события с одной из экспедиций к Южному полюсу, когда стали разрушаться жестяные банки с запасами керосина, швы которых были пропаяны оловянным припоем с небольшим содержанием свинца. Чтобы уберечь изделия от «оловянной чумы», к чистому олову добавляют цинк, висмут, сурьму.

«Природное олово существует в двух модификациях: серебристый металл с плотностью 7,3 г/см3 – это белое олово и серое олово – материал со свойствами полупроводника и плотностью 5,8 г/ см3 при охлаждении белое олово переходит в серое, резко увеличивается удельный объем, металл рассыпается в серый порошок. Такое превращение быстрее всего происходит при температуре -33 °C, а если есть контакт белого олова с серым, то «оловянная чума» быстро распространяется от одного предмета к другому. Считается, что оловянные предметы надо хранить в теплом помещении». И. Л. Аптекарь, А.Д. Стыркина. Реферат. «Заражение при оловянной чуме» // «Доклады АН СССР», т. 265, № 5, 1982. Также прочитайте статью: «Художественное литье», художника И. Малаховского // «Наука и жизнь», № 10, 1979.

В 80-х годах прошлого века к орнаментальному ажурному оловянному литью вновь обратились чешские мастера бижутерии из города Яблонец. Они и сейчас умело сочетают оловянный литой ажур со стеклом, штампованным в виде граненых драгоценных камней, и гальваническими покрытиями, имитируя золотые изделия псевдобарочного периода. Современные чешские мастера-литейщики выполняют ажурное литье орнаментально-растительного характера в виде звеньев, из которых в дальнейшем собираются браслеты, броши, ожерелья. В их работах старинное ремесло обрело новую жизнь. Славятся своим оловянным литейным мастерством дизайнеры России, Англии и Италии.

Для художников-любителей, дизайнеров, желающих попробовать свои силы в литье, олово представляет собой благодатный материал. Оно привлекает прежде всего своим красивым цветом, сходным с цветом серебра, своей технологичностью – низкой температурой плавления, легкостью тонирования, пластичностью, позволяющей легко гравировать, чеканить, «лепить» паяльником, добавляя или отнимая металл.

В умелых руках с помощью несложного оборудования серебристые слитки из олова превращаются в выразительные, прекрасно передающие пластику миниатюры: скульптуры, медали, броши, браслеты, запонки, булавки для галстуков, в оригинальные рельефные или ажурные пуговицы и тому подобное. Ажурными или рельефными пластинами более крупного размера можно украсить шкатулки, декорировать дверные ручки, петли, замочные скважины. Пластины, наложенные на фон из дерева или камня, могут служить самостоятельными настенными украшениями. Наконец из сборных деталей изготовляют достаточно крупные вещи; фонарики, бра, подсвечники, ларцы, шкатулки.

Нередко изделие декорируют вставками перламутра, бисера, янтаря, цветного стекла, камня, керамики. С той же целью применяют холодную эмаль – эпоксидный клей, смешанный с пигментами или художественными масляными красками.

Помимо функции чисто художественной, ювелиры и скульпторы – миниатюристы используют оловянное литье как промежуточный этап для перевода оловянной модели в более твердый металл – серебро, бронзу, чугун, мельхиор, нержавеющую сталь. Олово дает возможность более четко проработать мельчайшие детали, что недоступно моделям из пластилина или воска. Навыки работы с оловом позволяют в дальнейшем перейти к литью из более тугоплавких металлов, например алюминию и его сплавам.

Сегодня мы расскажем об этом древнем ремесле. Современные художники прикладного искусства и ювелиры теперь уже все более охотно применяют технику художественного литья в своей творческой работе. Оно поможет вам в изготовлении различных декоративных изделий, которые можно с успехом применить в дизайнере оформления помещений, а также при изготовлении деталей для ваших моделей.

 

2.5 Основные разновидности художественного литья

Существуют различные виды литья: в песчано-глинистые и металлические (кокильное литье) формы, под давлением, центробежное, по выплавляемым моделям и др.

Литье в песчано-глинистые формы. Получение отливок в песчано-глинистых формах – сложный и трудоемкий процесс. Ему предшествуют такие подготовительные операции, как изготовление модельных комплексов (моделей, отливок и стержней), приготовление формовочных и стержневых смесей, подготовка литейных опок и других приспособлений.

Модели выполняют из древесины (сосна, дуб, ольха, береза, липа и др.) или из металлов (обычно из сплавов алюминия с медью). При определении размеров модели учитывают припуски на усадку отливки при ее затвердевании и на последующую механическую обработку для получения готовой детали или изделия. Усадка отливок из различных металлов и сплавов составляет 1–2,5 %. Припуск на механическую обработку зависит от размеров отливки и видов последующей обработки. Для чугунных отливок он обычно составляет 2–20 мм, для стальных 4–28 мм.

Используя модель из древесины, можно получить несколько десятков отливок. Модели покрывают специальным модельным лаком, чтобы защитить от влаги и сделать их поверхность более гладкой (предохранить от прилипания формовочной смеси). Деревянные модели применяют в одиночном и мелкосерийном производстве, например в художественном литье. В крупносерийном и массовом производстве используют металлические модели.

Модели бывают разъемные и неразъемные первые состоят из двух, трех и более частей. Их используют там, где по условиям формовки нельзя применять цельные модели.

Стержни при отливке образуют полости, сквозные отверстия или углубления в отливках. Изготовляют их в деревянных или металлических стержневых ящиках из специальных стержневых смесей (песок со связывающими материалами).

Опоки представляют собой чугунные, стальные или алюминиевые (из алюминиевых сплавов) ящики без дна. По форме они могут быть прямоугольными, круглыми или фасонными в зависимости от очертания отливки.

Песчано-глинистые формы изготовляют из формовочных смесей (песок, глина и другие вещества). Процентное соотношение и качество используемых компонентов зависит от вида литья (отливки из чугуна, стали или сплавов цветных металлов).

По назначению формовочные смеси подразделяют на облицовочные и наполнительные. Облицовочные формовочные смеси соприкасаются с жидким металлом и работают в наиболее тяжелых условиях. Их приготовляют из кварцевого песка и глины. Для заполнения объема опоки используют отработанную формовочную смесь (наполнитель).

Изготовление песчано-глинистых форм вручную – процесс малопроизводительный и трудоемкий. Поэтому в современном производстве для выполнения формовочных работ применяются формовочные машины. Они повышают производительность труда рабочих-формовщиков в 10–20 раз.

Литье в металлические формы (кокильное литье). По сравнению с получением отливок в песчано-глинистых формах эта операция более простая и производительная. Металлическая, обычно стальная форма (кокиль) выдерживает тысячи отливок из различных цветных металлов и сплавов. Она имеет внутреннюю полость, соответствующую очертаниям отливки. В домашних условиях или в учебных мастерских кокильные формы можно изготовить из гипса, абразивных камней или из кирпича (см. ниже).

Перед заливкой жидкого металла форму подогревают (до температуры около 80 °C), а стенки внутренней полости смазывают смесью мела, графита и жидкого стекла с водой (для получения более чистой поверхности отливки). Затем в форму заливают жидкий металл. После затвердевания металла форму вскрывают и извлекают из нее отливку.

Литье под давлением. Этот вид литья осуществляют также в металлических формах. Давление на жидкий металл при заполнении формы позволяет отливке воспринять тончайшие очертания формы, уменьшает пористость металла. Заготовки деталей, полученные с помощью литья под давлением, имеют поверхность малой шероховатости и точные (до 0,1 мм) размеры, вследствие чего последующая механическая обработка их или очень незначительна, или совсем не нужна. Металл этих деталей имеет мелкозернистую структуру (результат быстрого охлаждения в форме) и высокую плотность, что повышает прочность деталей.

Литье под давлением позволяет получить детали и изделия сложной конфигурации с отверстиями, резьбой, выступами и т. д. из алюминиевых, медных, цинковых, сплава свинца с оловом и других сплавов.

Центробежное литье. Заливая металл во вращающуюся форму, осуществляют центробежное литье. Под действием возникающих при вращении сил металл прижимается к стенкам формы и, застывая, приобретает конфигурацию, точно соответствующую внутренним ее очертаниям (см. ниже). При этом структура металла получается уплотненной, так как всевозможные металлические включения и газы, образующиеся в процессе заливки жидкого металла, вытесняются ближе к центру вращения. Небольшой слой пористого металла, образующийся на внутренних поверхностях отливки, затем удаляется с помощью механической обработки. Центробежное литье применяют главным образом для получения отливок, имеющих форму тел вращения, например втулок, труб в промышленном производстве и художественного литья: перстней, колье и пр.

Литье по выплавляемым моделям. Вначале изготовляют металлическую модель (эталон) детали из стали или медных сплавов, по которой делают прессформу из легкоплавкого сплава. Затем в полученной прессформе отливают из воска модель будущей детали. Восковую модель и литниковую систему (также из воска) окрашивают погружением в специальную эмульсию.

Для лучшего контакта с формовочным материалом окрашенную поверхность модели припыливают прокаленным при температуре 400–500 °C тонким порошком корунда или кварца и подвергают сушке в течение 4–5 ч при температуре 20 °C, после чего модель с литниковой системой заформовывают в опоке с применением специальной формовочной смеси.

Изготовленная форма сушится при температуре 20 °C в течение 3–4 ч. Далее восковую модель выплавляют в печах при температуре 150 °C с выдержкой в течение 1,5–2 ч и последующим прокаливанием при температуре 800–850 °C. И только после такой длительной подготовки формы в нее заливают жидкий металл, который, затвердевая, образует отливку.

Литье по выплавляемым моделям позволяет получать мелкие детали в изделии сложной конфигурации с высокой точностью размеров (смотри, например, «Каслинское литье»).

 

2.6. Рабочее место. Основные инструменты

Оборудовать литейную мастерскую в домашних условиях крайне сложно. Правила безопасности запрещают делать ее в квартире многоэтажного дома. Получение отливок из бронзы, латуни, алюминия и даже цинка требует довольно высоких температур и подготовительной работы, для которой площади одной комнаты не всегда достаточно.

Еще одна причина, по которой не стоит проводить плавку металлов дома, – необходимость хранения большого количества горючих материалов. Обычная плавильная печь, работающая на угле, потребляет его столько, что придется отгораживать угол комнаты, а в случае пожара потушить его крайне сложно.

Многие литейщики-любители и профессионалы используют в качестве топлива пропан, хранящийся в баллонах. Он не выделяет побочных продуктов горения, прост в эксплуатации и обладает массой других достоинств. Но этот газ крайне взрывоопасен, поэтому хранить баллоны лучше в сарае в металлическом ящике, а рабочее место устроить так, чтобы они располагались в другом помещении, подальше от открытого огня.

Лучше всего устроить литейную мастерскую в отдельном строении на даче или в деревне. При этом подготовительные работы, то есть формовку небольших моделей, вполне можно производить дома. В профессиональных училищах, колледжах и университетах создают специальные литейные учебные мастерские.

Для формовки, собственно литья и хранения топлива должны быть предусмотрены отдельные помещения. Они должны хорошо сообщаться между собой, что облегчает переноску тяжелых форм от одного участка к другому.

Самое просторное помещение отводится для литейной. В центре или подальше от стен ставится печь (о том, какие бывают печи и как они работают можно почитать ниже). Пол вокруг делается земляным или выкладывается кирпичом.

В стороне невысокий верстак для литейной формы. Уровень расположения литейной чаши не должен быть выше уровня верхней части печи, чтобы при работе ковш не приходилось поднимать.

Следует сказать несколько слов об одежде литейщика. Ее следует делать из прочного материала, хорошо защищающего от тепла. Высокие ботинки на толстой подошве предохраняют ноги во время работы около печи. На руках обязательно должны быть перчатки, а при заливке – рукавицы из двухслойного брезента. Комната для формовки должна иметь не только хорошее дневное, но и искусственное освещение. Литниковые системы собираются на широком верстаке, за которым должно быть одинаково удобно и сидеть, и стоять. Большие формы заполняются и собираются прямо на полу.

Стол должен иметь жесткую крышку и прочно стоять на ножках, поскольку масса некоторых заполненных форм довольно велика. Вокруг него располагают ящики с инструментами, необходимыми при формовке, и съемными частями литниковых форм.

Многоразовые опоки средних размеров, очищенные от остатков формовочного материала, хранятся в специальном шкафу. Песок и глину держат в больших стационарных ящиках.

Обычно начинающему литейщику доступны два легкоплавких материала – свинец и олово. Пользоваться первым не рекомендуется, несмотря на всю простоту его обработки. Во-первых свинец ядовит, а дышать его парами еще более опасно. Во-вторых, от неосторожных опытов могут пострадать другие учащиеся и студенты.

Другой металл – олово (см. выше) – издавна использовался для отливки небольших предметов быта, а также игрушек. Помните сказку Г.-X. Андерсена «Стойкий оловянный солдатик»? Чтобы сделать фигурку из олова, понадобится большой опыт формовки, но сам металл крайне прост в обращении. Рабочее место оборудуется крайне просто. Прежде всего, необходим просторный стол, за которым можно было бы стоя собирать литейные формы и производить засыпку формовочной смеси. Место должно быть хорошо освещено, поскольку формы для микролитья (именно так называется отливка небольших изделий) по сложности не отличаются от обычных, а вот размеры их гораздо меньше.

Литье – сложный технологический процесс, требующий большого терпения. Для литья различных изделий необходимы специально изготовленные формы-опоки, модели, стержневые ящики для изготовления стержней и разнообразные инструменты, о которых мы поговорим ниже. Наряду с данными приспособлениями могут потребоваться также шаблоны (формовочные, скребковые, контрольные) и кондукторы для зачистки стержней.

Все перечисленные выше приспособления и будут являться для литейщика своеобразными инструментами, с помощью которых можно создать самые разнообразные художественные изделия из металлов.

Служебные инструменты. Помимо литейных форм, стержней и модельного комплекта, для ручного литья необходим и другой инвентарь, который условно можно разделить на несколько групп.

1. Инструменты, предназначенные для заполнения опоки формовочной смесью: прямоугольные или круглые сита с металлической сеткой, плоские или совковые лопаты.

2. В опоке смесь утрамбовывают с помощью ручных трамбовок, которые в зависимости от назначения могут быть различными: короткими – для уплотнения смеси в опоках с низкими стенками, или длинными – для уплотнения смеси в крупных опоках, с острыми или тупыми концами – для уплотнения смеси соответственно в объеме опоки или у ее поверхности.

3. Для контроля поверхностного слоя засыпанной и утрамбованной смеси используют уровень, или ватерпас.

4. Ровную гладкую поверхность можно создать с помощью гладилки или ланцета.

5. Упавшие внутрь формы формовочной смеси можно удалить с помощью крючка.

6. Выправлять углы лучше всего угловыми гладилками.

7. Для того чтобы избежать разрушения во время извлечения модели из формы, смесь необходимо увлажнить с помощью кисти.

8. Литниковые каналы лучше всего проделывать специальными ножами, сверлами или спицами из стальной проволоки.

9. Сгребать формовочную смесь в сито удобнее с помощью скребков и совков.

10. Для выравнивания поверхности литниковых ходов часто фигурные ложки.

11. Вентиляционные каналы можно проделать с помощью стальных игл разных диаметров: от 3 до 5 мм – при изготовлении небольших форм, от 7 до 10 мм – для крупных отливок.

12. Приготовленные модели расталкивают, используя специальные молоточки-киянки.

13. Лишними здесь не окажутся и щетки, которыми можно сметать остатки и лишние комочки формовочной смеси.

14. Для уплотнения формовочной смеси при изготовлении достаточно больших по размеру и массе форм рекомендуют использовать пневматическую трамбовку.

15. Часто внутри форм, на крестовинах, закрепляют крючки из изогнутой низкоуглеродистой стальной проволоки, которые служат опорой для формовочной смеси. Эти крючки для лучшего сцепления со смесью можно обмазать жидкой формовочной глиной.

16. Для того лучше зафиксировать формовочную смесь в верхней опоке, в ней устанавливают деревянные колышки.

17. Такие места в форме, как выступающие части, углы, болваны и переходы от тонких к толстым, закрепляют с помощью литейных гвоздей, или шпилек.

18. Проволочные или литые каркасы используют в литье в качестве «скелета» стержней. При этом в небольшие по размерам стержни вставляют в каркасы из тонкой проволоки, в более крупных стержнях устанавливают каркасы либо из проволоки диаметром до 9 мм, либо литые из чугуна.

19. Каждому литейщику необходимо всегда иметь под рукой пульверизатор (для нанесения краски на детали) и пневматические сопла (для обдува готовых форм перед сборкой их частей).

 

2.7. Материалы и печи для литья

 

Формовочные материалы. В зависимости от их применения формовочные материалы подразделяются на исходные материалы и смеси, а исходные в свою очередь – на основные и вспомогательные. Они имеют также рабочие свойства: природные и технологические. Природные свойства характерны для исходных формовочных материалов – песков и глин. Относятся к ним морфологический, зерновой и химический составы материалов. Рассмотрим это подробнее.

Морфологический состав. При разрушении горных пород образуются размельченные частицы, которые являются основой формовочных смесей. Они переносятся силами природы на большие расстояния и образуют залежи.

Зерновой состав – это размер и форма зерен формовочного материала, соотношение их между разными размерами. Он влияет на свойства формовочных песков. Размер зерен песка влияет на качество поверхности отливки. Более чистая поверхность получается при применении мелкого песка.

Химический состав. Зная химический состав формовочного материала, наличие в нем вредных и полезных примесей, можно определить возможность применения его для приготовления формовочных смесей со свойствами, обеспечивающими получение отливок хорошего качества.

К основным формовочным материалам относятся пески, глины и связующие.

Формовочные пески. Это осадочные горные породы, основную часть которых составляет кварц. Кварцевые пески имеют белый цвет. Различные оттенки формовочному песку придают примеси. Чем их меньше, тем песок светлее и огнеупорнее. Формовочные пески кроме зерен кварца содержат глину. В зависимости от содержания глинистой составляющей, кремнезема и вредных примесей кварцевые пески делятся на три класса: Об1 К, Об2 К, Об3 К (обогащенные). По содержанию кремнезема – на четыре класса: 1 К, 2 К, 3 К, 4 К и глинистые пески по содержанию глины на четыре класса: Т – тощий, П – полужирный, Ж – жирный, ОЖ – очень жирный.

Формовочные глины . Формовочные глины – это горная порода, которая после смачивания становится очень пластичной. Поэтому их применяют в качестве связующего частиц наполнителя при изготовлении прочных формовочных смесей.

Формовочные глины в зависимости от минерального состава делятся на виды, по пределу прочности при сжатии во влажном состоянии – на группы, а в сухом состоянии – на подгруппы.

Связующие. Это вещества, скрепляющие зерна песка в формовочной смеси. Самой распространенной является глина. Но ее применение имеет много недостатков. Она увеличивает пригар формовочной смеси на стенках отливок, уменьшает податливость, газопроницаемость, текучесть смеси.

Для того чтобы этого избежать применяют в качестве связующих особые материалы – крепители. Их вяжущая способность характеризуется удельной прочностью, под которой понимается прочность сухого образца, приготовленного из смеси с испытуемым крепителем, приходящаяся на 1 % содержания его в смеси.

Лучшими крепителями для стержней считаются растительные масла (льняное, конопляное), а также приготовленные из них олифы. Стержни, приготовленные из таких смесей, обладают высокой прочностью (в сухом виде), хорошо выбиваются из отливки, что очень важно при художественном литье.

В связи с тем, что масляные крепители дорого стоят, применение их ограничено. Большое распространение получили крепители П, сульфитно-спиртовая барда СП и СБ, декстрин, жидкое стекло.

Вспомогательные формовочные материалы . Стенки формы прогреваются до очень высокой температуры (1400 °C), вследствие чего происходит быстрое испарение влаги, содержащейся в формовочной смеси, и выгорание связующих материалов с образованием паров и газов при заливке расплавленного металла. Он может просачиваться в поры формы между зернами песка, часто сплавляя их. Все это отрицательно сказывается на качестве отливаемого изделия. Например, продолжительный нагрев стенки формы может привести к образованию в ней трещин и появлению их отпечатков на поверхности отливок; пары и газы могут проникнуть и остаться в металле, образуя в стенке отливки газовые раковины.

Образование шероховатостей поверхности отливки происходит из-за просачивания металла и вследствие этого пригара песка к ее стенкам. Пригар песка иногда приводит к неисправимому браку.

Для предупреждения подобных явлений применяются вспомогательные формовочные материалы. К ним относятся различного рода добавки, припылы, краски, натирки, формовочные клеи, разделительный песок и пр.

Добавки . Добавки – это опилки, молотый каменный и древесный уголь, конский волос, чугунная дробь. Их используют при изготовлении крупных форм и стержней, подвергающихся сушке перед заливкой металла. Для уменьшения пригара смеси к стенкам отливки добавляют от 3 до 6 % каменноугольной пыли. В производстве крупных архитектурных отливок во избежание образования трещин, которые появляются при сушке, в формовочную смесь добавляют конский волос. Для быстрого охлаждения массивных частей отливки применяют чугунную дробь, которую добавляют в формовочную смесь.

Припылы . Припылы – это порошки, наносимые на внутреннюю поверхность сырой формы. Это делается для того, чтобы расплавленный металл не смачивал стенки формы. Также предупреждается образование пригара на отливке.

В зависимости от размера изделия и толщины его стенок в качестве припыла применяют древесноугольный порошок, серебристый или черный графит, цемент и маршаллит.

Другие вспомогательные материалы. В сухих формах защитную пленку путем окрашивания стенок и стержней специальными формовочными красками. В их состав входят растворитель (вода или спирт), наполнитель (основной огнеупорный материал) и связующее вещество. Когда нужно получить особо чистую поверхность отливки, стержень натирают защитной пастой.

Для разделения одной части формы от другой применяют разделительный песок. Он не должен содержать глину, так как она обладает клеящим свойством. Используют обычно кварцевый песок. При изготовлении небольших форм применяют древесноугольный порошок, используемый для припыла. Стержневой клей используют для склеивания попарно частей больших и сложных частей. Иногда их склеивают раствором белой глины.

Формовочные смеси и их свойства . Если мы хотим получить отливку со сложным рисунком и тонкими стенками, то нужно обратить внимание на качество формовочной смеси при приготовлении литейной формы. Ее свойствами является прочность, пластичность, газопроницаемость, огнеупорность, податливость, состав зерен, теплопроводность. Коротко характеризуем каждое из них.

Прочность. Зависит от количества в ней глины и влаги, от формы и поверхности зерен песка смеси и степени уплотнения ее в форме. Чем больше глины и чем шероховатее поверхность зерен, тем лучше склеивание между собой и тем прочнее формовочная смесь.

Пластичность формовочной смеси зависит от размера зерен песка, количества содержащейся в ней глины, влаги и способа приготовления смеси.

Газопроницаемость. При заливке формы образуется большое количество паров и газов. Они препятствуют нормальному заполнению металлом полости формы. При повышенном давлении газ может проникать в металл, образуя газовые раковины в отливках. Способность формовочной смеси пропускать через стенки формы пары и газы, образующиеся при заливке, называют газопроницаемостью.

Огнеупорностью называют свойство смеси сопротивляться оплавлению под действием температуры заливаемого металла. Она зависит от размеров зерен песка и его химического состава. Чем крупнее зерна, тем труднее металлу оплавлять их, тем меньше пригорит смесь к стенкам отливки. Чем меньше в смеси легкоплавких составляющих, тем выше ее огнеупорность.

Залитый в форму металл при кристаллизации и охлаждении уменьшается в объеме, и готовая отливка будет иметь несколько меньшие размеры, чем полость формы. Такое явление называют усадкой отливки.

Литейная форма не должна сопротивляться усадке металла. Иначе в стенках отливки могут образоваться трещины из-за напряжений, возникающих в металле.

Свойство формовочной смеси, характеризующее сопротивление усадке отливки в форме, называется податливостью.

Разновидности формовочных смесей. При получении художественных отливок мы применяем формовочные смеси, которые делятся на несколько видов:

1. По типу использования – облицовочные, наполнительные, единые;

2. В зависимости от применяемых при приготовлении смеси песков – природные, или естественные, и искусственные, или синтетические;

3. По роду применяемого для отливки металла – для чугунного литья и для цветного;

4. По состоянию формы перед заливкой – для форм, заливаемых в сыром виде, и для заливания после сушки;

5. Специальные формовочные смеси.

Облицовочной смесью называют такую смесь, которую используют для изготовления рабочего слоя формы, соприкасающегося с моделью. Она первой принимает на себя температурные воздействия и должна обладать хорошей прочностью, пластичностью, огнеупорностью и газопроницаемостью.

Наполнительная – это такая смесь, которой заполняется форма после нанесения облицовочной.

Единые смеси применяются при машинной формовке. При изготовлении цветных отливок и тонкостенных ажурных и чугунных применяют природные формовочные смеси.

Искусственные, или синтетические, смеси представляют собой смесь песка или нескольких видов песка и глины с отработанным составом.

Для форм чугунных отливок используется смесь, обладающая хорошей огнеупорностью и газопроницаемостью, из-за высокой температуры чугуна, заливаемого в форму.

При производстве литейных форм для отливок из цветных металлов и сплавов (алюминиевые сплавы, бронза, латунь) применяют мелкозернистые формовочные смеси.

В формах, заливаемых по-сырому, применяются смеси крупных песков. Отработанную смесь используют при заливке форм после сушки. Освежается она за счет облицовочной смеси. В процессе художественного литья бывают моменты, когда применяют специальные формовочные смеси. Они бывают жидкими и песчано-смоляными.

Материалы для отливок. При художественном литье металлы в чистом виде практически никогда не применяют, так как их свойства не соответствуют требованиям, предъявляемым к отливкам. При соединении двух и более элементов в определенных пропорциях получаются сплавы. Они бывают нескольких разновидностей: цветные (медь, олово, алюминий, свинец, цинк, магний и т. д.), черные сплавы (чугун и сталь). Наибольшее распространение получили медные сплавы в производстве монументальных отливок, а серый литейный чугун – при отливке малых форм.

У всех металлов и сплавов имеются определенные механические, технологические и физические свойства. Немного подробнее о каждом из них.

Механические свойства – это прочность сплава, твердость, пластичность, вязкость, упругость.

К технологическим относятся литейные свойства сплавов, их свариваемость и способность к обработке резанием.

Физическими свойствами являются температура плавления сплава, цвет, плотность, расширение при нагревании, магнитные свойства, электро– и теплопроводность.

Также у сплавов есть литейные свойства. К ним относятся такие, как: жидкотекучесть, ликвация и усадка. Ниже приводятся объяснения по каждому свойству.

Жидкотекучесть – качество заполнения металлом литейной формы. Когда мы изготовляем ажурную художественную отливку со сложной поверхностью, хорошая жидкотекучесть просто необходима. Химический состав сплава и температура заливки – показатели жидкотекучести. У чугуна она увеличивается при повышении содержания кремния, фосфора и углерода, а сера и марганец понижают жидкотекучесть. Существует специальная литейная форма со спиралевидным каналом, при помощи которой и определяют жидкотекучесть.

Залитый в форму сплав при охлаждении теряет объем. Это называется усадкой, которая бывает объемной и линейной. Если в отливках возникает внутренние напряжения, вызывающие трещины, пористость, усадочные раковины, то причиной этому стала усадка.

Она также негативно влияет на объем и размеры изготовляемых отливок.

При кристаллизации сплава возникает неоднородность химического состава – это ликвация, которая наиболее выражена в массивных сечениях изделия.

Употребляемые литейные сплавы. Теперь нам необходимо подробнее остановиться на рассмотрении сплавов, применяемых при художественном литье. Как уже говорилось выше, их несколько.

Медные сплавы . Современные исследования историков и археологов свидетельствуют о том, что медь, вероятнее всего, была первым металлом, которым овладел человек, научившись выплавлять его из руд. Произошло это, судя по возрасту найденных в последнее время археологами древнейших изделий из меди, почти 10 тысяч лет назад.

С открытием металлургии медь и ее сплавы на много веков стали материальной основой техники. Затем люди научились выплавлять железо, и медь на целые тысячелетия утратила свое первостепенное значение в производстве орудий труда. Со временем наука и техника подготовили новые сферы использования меди. Медь стала одним из самых важных и широко распространенных легирующих элементов в десятках новых сплавов. Да и в электротехнике медь всегда являлась материалом номер один.

Если изделие будет работать в условиях повышенного трения, во влажной среде (морская вода), то такие детали необходимо изготавливать из медных сплавов. Также они имеют хорошие литейные свойства и их используют в художественном литье. Существуют два вида медных сплавов – бронза и латунь. Расскажем немного о каждом. Олово, свинец (см. описание выше), марганец, алюминий, добавленные к меди, – это и есть бронза. В свою очередь и бронза бывает двух видов – оловянная и безоловянная. Оловянные бронзы имеют как достоинства (высокое сопротивление износу и действию воды, хорошая жидкотекучесть), так и недостатки (высокая стоимость, низкая прочность при повышенной температуре, склонность к образованию усадочной пористости). Безоловянные бронзы обладают хорошей коррозийной прочностью и стойкостью, недороги, но в то же время отливки из них получаются с усадочными раковинами, не очень плотными.

Латунь – это сплав меди с цинком (см. применение цинка ниже). Иногда при плавке латуни добавляют и другие химические элементы. Эти сплавы чаще всего используют при изготовлении отливок со сложной поверхностью, потому что они имеют более плотную структуру и малую газовую пористость.

Алюминиевые сплавы. Бокситы – главная руда алюминия. Своим названием этот вид минерального сырья обязан местности Ле-Бо на юге Франции, XIX веке впервые были обнаружены его крупные залежи. Однако знакомство человека с этой рудой произошло гораздо раньше – в самом начале нашей эры. Сохранилось письменное свидетельство Плиния Старшего о том, как безыменный мастер изготовил для императора Тиберия серебристый сосуд из «глины». Император, отличавшийся недоверчивостью, подозрительностью и вероломством, приказал казнить мастера, так как побоялся, что доступное «глиняное серебро» обесценит его серебряные сокровища. Загадочная глина осталась безвестной еще на восемнадцать столетий.

XIX век, прославившийся крупными научными открытиями, дал путевку в жизнь многим химическим элементам, полезным ископаемым, металлам. Промышленная революция требовала новых материалов – прочных, легких, красивых. Но, как это нередко случается, путь нового материала от лаборатории до промышленного производства занимает десятилетия. Так было и с алюминием. От удачного эксперимента датского физика Ханса Кристиана Эрстеда, которому удалось получить чистый алюминий в виде тонкого порошка в 1825 году, а через 20 лет удалось получить новый металл в виде мелких зерен, до электролитического способа получения алюминия из глинозема прошел 61 год! В 1886 году в США студент Холл и во Франции химик Эру независимо друг от друга запатентовали этот способ, заложивший фундамент бокситодобывающей и алюминиевой промышленности.

В те годы выдающемуся русскому ученому Д. И. Менделееву на юбилей преподнесли брошку в виде маленькой ящерицы. Этот подарок считался сенсацией, так как ящерица была выполнена из совершенно нового, чрезвычайно редкого и дорого материала – алюминия.

В основном этот новый металл – алюминий, получали в небольших количествах химическими методами, и стоил он ненамного дешевле золота. Наряду с золотом и серебром алюминий шел на изготовление ювелирных изделий. Так, в 50-х годах XIX века из алюминия и золота сделали погремушку для сына французского императора Наполеона III (рис. 2.11).

Центральный шар погремушки и корона на нем сделаны из золота, а ангелочки и ручка в виде ангела – из алюминия. Погремушка украшена драгоценными камнями. (Коллекция сведений не слишком известных // Наука и жизнь. № 2, 1979).

А в 1884 году из алюминия сделали верхушку памятника Вашингтону в столице США. Пирамидка весом около 25 кг перед установкой на вершине обелиска была выставлена в витрине крупного ювелирного магазина в Нью-Йорке на удивление прохожим, никогда в жизни не видевших таких количеств драгоценного металла. Собственно, по своим качествам алюминий и сейчас заслуживает этого звания – необычайная легкость, красивый блеск после шлифовки и благородная матовость в окисленном виде, устойчивость к химикатам и легкость обработки делают его хорошим материалом для ювелирных и чеканных изделий. Но распространенность алюминия в горных породах и легкость получения в больших количествах почти совершенно лишили его этой роли. Зато в технике и строительстве алюминий – поистине драгоценный металл.

Из года в год стоимость алюминия снижается, а сфера применения расширяется. Почему? Этот металл имеет ряд уникальных свойств – он устойчив к коррозии, легок, весьма просто обрабатывается. Алюминий и его сплавы можно резать, штамповать и даже прессовать через специальные фильеры, выдавливая словно крем. Все эти свойства привлекают внимание инженеров, дизайнеров к широкому применению металла и его сплавов в строительстве, художественном литье и т. д.

Алюминиевые сплавы делятся на группы и марки, обладают хорошими литейными свойствами, великолепно обрабатываются, имеют малую плотность и довольно прочны. Наибольшее применение имеет группа сплавов кремния с алюминием. Их называют силуминами.

Серый чугун. Если учесть дефицитность и высокую стоимость медных сплавов, то лучшей замены им, чем серый чугун, не найти. Он обладает хорошими технологическими свойствами, высокой коррозийной стойкостью и низкой стоимостью. Поэтому широко применяется при изготовлении малых форм.

 

2.7.1. Плавильные печи

Чтобы приготовить металл для заливки в форму, существуют плавильные печи, в которых он расплавляется. Есть несколько разновидностей печей – это дуговые и индукционные электрические, пламенные и тигельные, вагранки, электрические печи сопротивления. Они должны обеспечивать: низкий расход топлива и хорошую производительность, небольшой угар расплава и минимальное насыщение его ненужными примесями, выход расплава заданной температуры, жидкотекучести и химического состава. Совсем немного поясним вопрос по поводу этих печей.

Рис. 2.11. Погремушка из алюминия, золота и драгоценных камней.

Если нам нужно иметь значительное количество металла с постоянным химическим составом, то более всего подходит для этого вагранка. Это печь непрерывного действия, и потому у нее такая высокая производительность. Она представляет собой шахтную плавильную печь, которая внутри выложена огнеупорным кирпичом.

Снаружи она облицована металлическим кожухом, сварным или клепаным.

При всех достоинствах этой печи у нее имеется очень существенный недостаток – в составе расплава увеличивается содержание серы (она переходит в чугун).

Пламенная печь используется при изготовлении цветных сплавов и плавке чугуна. Она представляет собой камеру, кожух которой собран из литых чугунных плит. Ее также изнутри облицовывают огнеупорным кирпичом.

Такие печи могут быть стационарными и поворотными. Они имеют большое преимущество, заключающееся в возможности получения чугуна с меньшим содержанием вредных примесей. Но по сравнению с вагранками пламенные печи менее удобны в работе и неэкономичны.

По типу энергии, применяемой для плавки, например тигельные печи (рис. 2.12) подразделяются на электрические и коксовые. Могут быть поворотными и стационарными и используются для плавки бронз и латуни. Преимущество плавки в таких печах – получение расплава с малым содержанием серы. Недостаток – большой расход кокса и малая производительность.

Электрические плавильные печи делятся на дуговые, индукционные и печи сопротивления. Чаще всего их применяют для плавки бронзы и латуни, но редко – чугуна. Дуговая электрическая печь – это стальной сварной барабан с графитовыми электродами, между которыми возникает дуга, являющаяся источником теплоты.

Индукционные печи относятся к агрегатам непрерывного действия, они очень экономичны и производительны. Достоинствами этих печей являются небольшой угар элементов, постоянный химический состав металла и отсутствие вредных выделений.

Мы же на первых порах будем использовать при литье малых форм небольшие электрические муфельные печи с температурой нагрева до 950-1200 °C.

Рис. 2.12. Стационарная тигельная печь.

 

2.8. Микролитье небольших изделий

Как овладеть технологией микролитья? Главное – тщательно продуманная подготовка и подробные записи о выполняемой работе. Это поможет учесть первые ошибки, а в будущем даст возможность экспериментировать.

Вот основные материалы и инструменты: олово или третник (сплав 2/3 олова с 1/3 свинца), пластилин и пчелиный воск для лепки моделей, гипс, тальк (можно заменить порошком пемзы), мастика белая скипидарная для натирки паркетных полов (может быть заменена мыльным кремом для бритья), раствор медного купороса с марганцовокислым калием, самодельная центрифуга, газовая горелка и опока (рис. 2.13). Миниатюрные чеканы, сделанные из вязальных спиц.

Как вы уже узнали, что существует несколько основных способов литья, вобравших в себя опыт древнего ремесла и современной технологии изготовления художественных произведений из металла. Применительно к олову это способы барельефного литья, ажурного литья, объемного литья и кокильного литья. О каждом из них мы расскажем подробно.

Все оборудование для микролитья можно изготовить своими руками. Опока – это отрезок трубы с толщиной стенки 2–3 мм. Заготовить нужно несколько опок различного диаметра для моделей разной величины. Но учтите, что самая большая опока должна свободно умещаться в подставке ручной центрифуги.

Центрифуга изготовляется так. В деревянную ручку пропустите металлический стержень толщиной около 5 мм. К стержню неподвижно прикреплена серьга. Ручка длиной 4–5 см должна свободно вращаться на стержне (см. рис. 2.13 и 2.17, позиция 1). Подставку для опоки изготовьте из железа. Диаметр ее 7–8 см, высота бортика 2,5–3 см. К бортику приклепайте скобу высотой 11–12 см от основания подставки. Вверху скобы приварите или сделайте витое кольцо. Соедините его с серьгой проволочным коромыслом с согнутыми на концах кольцами. Места соединения должны быть прочными и подвижными. Длина коромысла 25–50 см, толщина 4 мм. Чтобы уверенно пользоваться центрифугой, потренируйтесь сначала: поставьте в нее сосуд с водой и вращайте, стараясь не пролить воду.

Наиболее простой и удобный аппарат для плавки металла состоит из портативного баллончика с пропаном, бронированного шланга к нему и самодельной горелки (см. рис. 2.13).

Рис. 2.13. Горелка, центрифуга, опока.

Отрежьте от железной трубы подходящих размеров втулку для сопла горелки. Затем, прорезав в нескольких местах ножовкой край трубки, ковкой сузьте на конус одну из сторон и опилите. После этого вдоль втулки просверлите и пропилите отверстия. Из латуни выточите пробку и плотно вгоните молотком в сопло. В центре пробки просверлите отверстие и нарежьте резьбу для трубки, которая будет подавать газ в горелку. Трубку подберите с таким расчетом, чтобы в ней можно было нарезать резьбу для капсюля. Капсюль вывинчивают из шланга. Трубку с капсюлем ввинтите в пробку, аккуратно изогните и насадите на другой конец ручку из дерева или эбонита. Бронированный шланг удлините прочным резиновым шлангом, способным выдержать давление газа.

Регулируют подачу газа краном, расположенным на шланге. Зажигайте горелку при минимальной подаче газа, а потом увеличивайте пламя. Горелка развивает температуру до 1000 °C – ее вполне достаточно, чтобы заниматься художественным микролитьем.

Во время работы с горелкой баллон с газом не должен находиться рядом с пламенем.

Различных сплавов для мелких отливок существует множество. Можно взять, например, такой: 63,7 % меди, 33,5 % цинка, 2,55 % олова, 0,25 % свинца. Пусть вас не пугают десятые и сотые доли процента – не обязательно слишком точно придерживаться этой пропорции.

Хорошо продумайте, что вы будете отливать, потом приступайте к изготовлению восковой модели. Учтите, что расплавленный металл повторит все огрехи модели, поэтому тщательно отделывайте ее.

К модели прикрепите расплавленным воском металлические литниковые штифты толщиной 1–2 мм. Хороший штифт получается из швейной иглы, если отломать острие. Чаще всего для равномерного и быстрого заполнения формы требуется несколько штифтов – в этом случае они обязательно должны пересекаться в одной точке, где также скрепляются воском.

Впоследствии точка пересечения окажется вне формовочной массы – это видно на рисунке 2.13.

Учитывая габариты модели, подберите опоку. Высота опоки определяется с таким расчетом, чтобы расстояние ее воображаемым дном и моделью составляло 1–1,5 см, а вверху можно было вырезать в формовочной массе литниковую чашу для плавки металла.

Формовочную массу приготовьте из двух частей гипса и одной части талька или пемзового порошка. Хорошо перемешайте состав и засыпайте в воду. Масса должна приобрести консистенцию негустой сметаны. Поставьте опоку на лист асбеста и заполните формовочной массой. Пока масса не затвердела, возьмите модель за штифт и погрузите в нее, слегка вибрируя, чтобы удалить пузырьки воздуха. Не раньше чем через полчаса скальпелем вырежьте литниковую чашу и плоскогубцами осторожно удалите штифты. Литниковые каналы, оставшиеся после удаления штифтов, должны располагаться в центре литниковой чаши, имея каждый самостоятельный выход.

Поместите опоку в духовку или муфельную печь литниковыми каналами вниз и в продолжение двух часов постепенно (иначе пар разорвет форму) повышайте температуру до 350 °C. После этого положите опоку боковой стороной на газовую плиту, подстелив лист асбеста, и, увеличивая огонь, выжгите оставшийся воск, поворачивая опоку для равномерного прогрева. Продолжайте нагрев и после того, как выгорит весь воск: обжиг необходим для повышения газопроницаемости формы. Как только стенки опоки станут красными, перенесите ее в ручную центрифугу. В литниковую чашу аккуратно заложите нужное количество металла и начните плавку, подсыпав немного буры. Плавящийся металл не пойдет без давления в узкие литниковые каналы. Но вот металл расплавлен весь, вы начинаете быстро вращать центрифугу, и металл устремляется в форму. Двадцати оборотов центрифуги достаточно, чтобы не только заполнение формы, но и кристаллизация металла произошли под давлением.

Чтобы извлечь отливку из формы, надо горячую опоку подставить под струю воды, направленную в литниковую чашу. Форма разрушится, и вы увидите почти готовое изделие (см. рис. 2.14, 2.15, 2.16). Отливку отбелите в 15 %-ном растворе серной кислоты.

Из мелких фрагментов можно с помощью пайки монтировать более крупные художественные произведения.

Занимаясь микролитьем, не забывайте ни на минуту о технике безопасности. Внимательно прочтите и запомните инструкцию, как обращаться с газовыми баллонами, – такая инструкция есть в каждом обменном пункте газовых баллонов. Приготовляя раствор серной кислоты, помните, что нужно кислоту лить в воду и ни в коем случае не наоборот. Раствор нужно готовить осторожно, не проливая кислоту. Прорезиненный фартук, резиновые перчатки, очки необходимы.

Рис. 2.14. Перстень. Автор В. Островский.

Рис. 2.15. Брошь. Инкрустирована жемчугом, обрамление – дерево. Автор И. Малаховский.

Рис. 2.16. Кольцо с зодиакальным знаком. Автор И. Малаховский.

 

2.9. Барельефное литье

Характерной особенностью барельефного литья является определенная высота рельефа над фоном – она не превышает обычно 1/3 плоскостных размеров изделия.

Работа начинается с изготовления модели из пластилина. Удобнее всего лепить на стекле или пластмассе (рис. 2.17, позиция 2). Готовая модель, например, барельеф декоративной решетки или барельефное изображение человека, животного, заливается раствором гипса. Готовить его очень удобно в резиновой чаше (срезанный на 1/3 резиновый мяч); в нее засыпают такое количество гипса, чтобы его вершинка слегка выступала над залитой в чашу водой. В перемешенном виде раствор должен по густоте напоминать жидкую сметану.

Первый слой гипса наносят на модель кисточкой, не допуская образования пузырьков воздуха в углублениях; затем модель помещается в ограждающую рамку (опоку), которая не позволит гипсу растечься при заливке всего объема (рис. 2.17, позиция 3). Через 10–15 минут гипс затвердеет и слепок (полуформа) с модели готов. Пластилин удаляют стеком под струей теплой воды.

Рис. 2.17.: 1 – центрифуга; 2 – формовка кулона; 3 – заливка гипсом; 4, 5 – прокалка (сушка) формы на газовой плите.

При помощи этой же опоки отливают вторую полуформу – цельную пластину из гипса. На ее гладкой стороне прорезают литники и выпоры (рис. 2.17, позиция 4). литниками называются отверстия, по которым металл заполняет форму. Выпоры – вспомогательные отверстия, по ним под давлением расплавленного металла воздух и литейные газы выходят из пустот формы.

Обе полуформы складывают вместе и обвязывают мягкой медной проволокой, шов заливают гипсом. В верхней торцевой части полуформ делают воронку (от дна которой начинается литник), в не будет заливаться расплавленное олово или третник. Готовую гипсовую форму сушат на очень слабом огне газовой плиты примерно около 3 часов при температуре не более 150–200 °C (рис. 2.17, позиция 5). Нужно следить, чтобы сушка шла медленно, иначе форма может разрушиться.

После того как изготовление формы заканчивается, можно приступить к литью. Оно начинается с расплавления металла. Для получения качественной отливки важно выдержать оптимальную температуру расплава. Признаком достижения нужной температуры служит пленка соломенно-желтого цвета, образовавшаяся на поверхности жидкого олова. Расплав такой температуры и следует заливать в форму. Пренебрежение этими требованиями отрицательно скажется на отливке: недогретый металл даст смазанный отпечаток, перегретый (более 360 °C) – перекристаллизует гипс формы, и пары кристаллизованной воды оставят раковины на поверхности отливки.

Остывшую форму помещают в чашу центрифуги, быстро заливают металл и начинают энергично вращать центрифугу в вертикальной плоскости. Под действием центробежных сил расплавленный металл заполнит все мельчайшие углубления формы. Если модель не имеет мелких деталей и значительных углублений, можно обойтись без центрифуги.

Вращение центрифуги продолжается не более полминуты. За это время металл кристаллизуется и застывает. Как только олово в форме застынет, форму опускают в миску с водой. Размокший гипс легко удаляется, и отливка освобождается, с нее срубают весь лишний металл: литники, выпоры и т. д. Если отливка получилась с дефектами – раковинами, недоливами, – нехватку металла можно восполнить с помощью электропаяльника мощностью 80 Вт.

Затем приступают к окончательной отделке. То, что не удалось сделать в пластилине, доводят теперь на металле. Отливку крепят сургучом на деревянной пробке или дощечке и зажимают ее в тиски. Обработку отливки ведут шаберами, чеканами, штихелями (см. далее главы: «Чеканка» и «Гравирование»).

В процессе обработки олово приобретает блеск, и блики мешают видеть форму. Убрать их можно тонированием раствором медного купороса. Купорос придает изделию серовато-черный оттенок, напоминающий старое серебро. После окончательной полировки тонировку нужно сохранить в углублениях. Таким приемом удается еще больше подчеркнуть рельефность. Изделия, выполненные при помощи барельефного литья можно отделать плавленым бисером, инкрустировать жемчугом, эмалевыми вставками (см. рис. 2.14– 2.16 и 2.18).

Нередко, чтобы уменьшить вес изделия и получить тонкостенную отливку (она меньше подвержена усадочным раковинам), пластилин из первой полуформы удаляют частично, сохраняя только лицевую оболочку толщиной 2–3 мм. Вторая полуформа должна быть выпуклой и соответствовать пустотам на полях первой половины делают полукруглые замковые лунки, а затем вместе с пластилином смазывают ее растительной смазкой – скипидарной мастикой или мыльной пеной. Вторая полуформа отливается на разделительную смазку поверх первой полуформы. Затем полуформы разнимают и удаляют пластилин. На второй полуформе прорезают литники и выпоры, и на обеих режется литниковая воронка.

Рис. 2.18. Кулон. Инкрустирован плавленым бисером. Автор И. Малаховский.

Форма для отливки медалей изготовляется примерно так же (см. главу «Басма»). Нужно только во время литья размещать ее не строго вертикально, а наклонно, под углом 30–40°. При таком положении отливка медалей идет качественнее.

 

2.10. Ажурное литье

Олово теперь стало привычным металлом, но в XVI–XVII веках оно вывозилось в Россию из других стран и ценилось довольно высоко. Тонким слоем олова покрывали железные изделия, чтобы предохранить их от ржавчины. Из серебристого легкоплавкого металла отливали русские мастера посуду с рельефными украшениями. Поверхность изделий из мягкого, податливого олова легко обрабатывалась резцом. Поэтому отлитые изделия часто украшались гравированными орнаментами и надписями затейливой старославянской вязью. Много образцов оловянной посуды хранится в Историческом музее в Москве (см. рис. 2.19, фрагмент деревянной рамы).

Из-за хрупкости олова ажурное литье из него применялось чаще всего в тех случаях, когда отливки крепились на основании из более прочного материала, например на дереве. Отлитые в мастерских ажурные полоски и бляшки с низким узорным рельефом набивали мелкими гвоздиками на стенки деревянных ларцов и рам для зеркал. Иногда для большей декоративности под ажурные оловянные пластины подкладывали ярко окрашенную слюду, а сам узор золотили. Так отделаны деревянные панели Благовещенского собора Московского Кремля.

Технология старинного способа украшения изделий ажурными оловянными пластинками довольно проста и не требует сложного оборудования. Вы можете декорировать ларцы, шкатулки, настенные панно из дерева и металла.

Рис. 2.19. Фрагмент деревянной рамы, отделанной оловом. XVII век. Государственный Исторический музей, Москва.

При разработке эскиза, особенно для настенного панно интерьера, желательно использовать не только традиционные растительные мотивы, но и стилизованные изображения архитектурных сооружений, зверей, птиц, рыб, насекомых. В эскизе нужно заранее учитывать технологические особенности ажурного литья, следить за тем, чтобы все элементы будущего рельефа, соприкасаясь, образовывали монолитную ажурную решетку. Если предполагаете украсить крупные изделия, рельеф на эскизе следует разделить на несколько частей и потом отливать каждую отдельно.

Любой узор состоит из повторяющихся элементов, так называемых раппортов. Достаточно изготовить литейную форму для одного такого раппорта, чтобы потом в ней отлить последовательно весь узор. Из двух-трех раппортов можно составить более сложный узор. Литейная форма в этих случаях для каждого раппорта изготовляется отдельно (рис. 2.20).

Эскиз нужно делать на тонкой бумаге, с которой будет проще перевести изображение на материал для формы.

Отливку производят в глиняной или гипсовой форме. Глину нужно хорошо отмутить, то есть удалить из нее посторонние примеси. Широко известен способ отмучивания глины в воде. Разведенной в воде глине дают отстояться – песок и щебенка опускаются на дно, а травинки и щепки поднимаются на поверхность. Осторожно слив воду, снимают верхний слой глины. Подсушенную глину пускают в дело.

Есть и другой, менее известный способ отмучивания. Куски глины высушивают на солнце или в помещении, а затем толкут в ступе. Растолченную в порошок глину просеивают через мелкое сито, в котором остаются посторонние примеси. По мере необходимости глиняный порошок растворяют в воде, получив массу любой вязкости.

Формы для небольших отливок из металла можно изготовить из жирной глины, для более крупных – из тощей, в которую добавлено небольшое количество мелкого речного песка. Чтобы глина была однородной, в течение нескольких минут тщательно разминайте ее руками. Затем из хорошо промятой глины слепите прямоугольную плиту по размерам отливки, с небольшим припуском на поля. В зависимости от размеров толщина плиты будет колебаться от одного до двух сантиметров.

Рис. 2.20.: 1 – стеки и лощильники; 2 – эскиз ажурного узора бляшки; 3 – вырезание формы и лощение; 4 – заливка металла; 5 – крепление бляшки на деревянную основу. Художник Г. Я. Федотов.

Если плита для формы выполняется из гипса, то ее нужно формовать с помощью деревянной рамки-опалубки (см. параграф «Барельефное литье»), полотно прилегающей к ровной поверхности стола. Разведите гипс чистой водой до вязкости сметаны и заполните доверху рамку-опалубку. Резать литейную форму можно будет только после того, как схватится гипс, но не затвердеет. Во время работы затвердевший гипс время от времени слегка сбрызгивайте чистой водой из пульверизатора.

Резать литейную форму удобно специальными стеками, наконечники которых можно сделать из старой спиральной пружины. Пружину отпустите в муфельной печи или на огне и разрежьте ножницами на полосы шириной 2–3 мм. Заточив у каждой полоски одну из сторон, согните их, как показано на рис. 2.20, позиция 1. Затем, закалив, вставьте в отверстия, заранее просверленные в деревянных рукоятках. Стеки нужно изготовить не только различной конструкции, но и различных размеров. Чем больше разных стеков, тем удобнее работать.

Кроме стеков потребуются скальпель и лощильники. Лощильники можно вырезать из плотной древесины твердых пород: самшита, груши, яблони, бука, клена или березы. Лощильники нужно пропитать горячим льняным маслом или натуральной олифой (рис. 2.20, позиция 2).

Когда масло или олифа высохнут, рабочие части лощильников, имеющие в основном шаровидную форму, нужно отшлифовать до блеска мелкозернистой наждачной бумагой.

Лощильники будут более надежными, если их рабочую часть выточить из стали, латуни или алюминия на токарном станке. Хорошие наконечники лощильников можно сделать из шариков от подшипников. Различной величины шарики приварите к металлическим стержням, которые затем насадите на деревянные рукоятки. Лощильниками уплотняют и выглаживают стенки формы до получения глянцевитого блеска.

Переводить рисунок на плиту и резать форму можно только при таком состоянии материала, когда глина подсохнув, станет достаточно твердой, но не утратит способности легко резаться. Рисунок на гипсовую плиту перенесите способом припороха, а на глиняную – передавливанием. Чтобы переведенный рисунок был более четким, обведите его концом шила или иглы (см. рис. 2.20, позиция 2).

Литейная форма, вырезаемая на плите, представляет собой обратный рельеф. Каждому углублению в литейной форме будет соответствовать выступ рельефа на отливке.

Вырезав форму, следите за тем, чтобы срезы были четкими и чистыми. Качество резьбы во многом зависит от состояния формовочного материала. Слишком влажная глина прилипает к инструментам, а сухая, наоборот, крошится. Форму начинайте резать широкими стеками, а заканчивайте более узкими. Некоторые особо мелкие детали удобно вырезать кончиком скальпеля.

Закончив вырезать форму, смахните кистью попавшие в нее глиняные крошки и обработайте стенки лощильниками (см. рис. 2.20, позиция 3).

Готовую литейную форму можно залить не только расплавленным оловом, но и сплавом олова со свинцом (третником), оловянным припоем. Если нет муфельной печи и графитного тигля, металл довольно легко расплавить на газовой или электрической плите в жестяной банке. Чтобы не обжечь руки, прикрепите к банке толстой проволокой деревянную ручку.

Расплавленный металл должен заполнить все мельчайшие углубления формы. Чтобы металл быстро не остывал и долго сохранял текучесть, необходимую для заполнения формы, плиту с формой нужно предварительно нагреть. Нагретую плиту положите строго горизонтально на обитый жестью стол и осторожно влейте в форму расплавленный металл (см. рис. 2.20, позиция 4).

Помните: работать необходимо в рукавицах и защитных очках, в хорошо проветриваемом помещении!

Извлечь отлитый рельеф из литейной формы можно только когда металл остынет, слегка поддев его кончиком скальпеля. Рельеф будет значительно легче отделяться от формы, если перед заливкой форму слегка присыпать тальком или графитовой пудрой. Графитовую пудру можно приготовить из стержня простого карандаша, измельчив его в ступке, а затем просеяв через мелкое сито.

Остывая, металл дает усадку, но она настолько незначительна, что практического значения при ажурном литье не имеет.

Если грани рельефа на отливках получатся не очень четкими, их можно подправить гравировальными резцами и заодно, если хотите, нанести гравировальный рисунок (см. рис. 2.20, позиция 5).

Когда будут отлиты все элементы узора, можно приступить к их монтажу на украшаемом изделии. Ажурные бляшки и полоски крепят на деревянной основе мелкими гвоздиками. В нескольких точках каждой бляшки или полосы просверлите сквозные отверстия по диаметру гвоздиков, предусмотрев углубления под шляпки.

Под ажурное литье можно подложить яркую цветную бумагу или фольгу.

Старые мастера не маскировали шляпки гвоздей, но при желании вы можете это сделать. На каждую шляпку положите небольшой кусочек канифоли. Нагретым паяльником осторожно наплавьте олово на заглубленную шляпку. Когда олово остынет, зачистите мелкозернистой наждачной бумагой этот участок рельефа. После того как все бляшки и полосы будут прибиты, их можно спаять в местах стыка. Узор будет казаться монолитным.

Если ажурные отливки вы предполагаете крепить на металлической основе, например на медном или стальном листе, то припаяйте их к основе в нескольких точках паяльником. Эффектно выглядит ажурный узор на стали, меди или латуни, предварительно декорированных патинированием. Если ажурное литье выполнено из чистого олова, патинировать металлический фон различными химикатами можно и после монтажа: олово не вступает в реакцию с патинирующими растворами, в то время как сталь или медь приобретает определенную окраску.

Рис. 2.21. Настенное панно. Керамика, олово, фольга. Современная работа.

Прикреплять ажурные отливки к металлу можно и более надежным способом. Наложите отлитое ажурное изделие на лист стали или меди, предварительно покрытой слоем декоративной патины. Просверлите сквозные отверстия одновременно на отливке и металлическом листе. Затем вставьте в отверстия кусочки медной проволоки и припаяйте их концы к отливке, тщательно замаскировав место спайки. Выступающие концы проволок загните с обратной стороны листа и тоже припаяйте.

Небольшую ажурную отливку можно приклеить эпоксидной смолой или другим клеем к керамической плитке, предварительно украсив фольгой (см. рис. 2.21).

 

2.11. Объемное литье

В отличие от барельефного и ажурного с помощью объемного литья можно получить выгнутые рельефы, кольца и перстни с орнаментом по всему периметру (см. рис. 2.14, 2.15, 2.16 и 2.18). Также изготовляются и полнообъемные фигуры.

Технологию объемного литья мы опишем на примере изготовления художественного кольца (см. рис. 2.14). И в этом случае работа начинается с создания пластилиновой модели. Кольцо задуманной формы лепят стеками на стеклянной пробирке диаметром 18–20 мм. Не надо огорчаться, если не удается тонко проработать все детали кольца. Из-за мягкости материала этого и невозможно добиться. Вся мелкая доводка пойдет в оловянной отливке.

После того как модель закончена, приступают к изготовлению литейной формы. Разведенный до густоты сметаны гипс наносят в несколько слоев на модель. Первый слой, так называемый облицовочный, толщиной 2–3 мм накладывают тонкой кисточкой. Ее острием заполняют все углубления в пластилине. Большими каплями гипс накладывать нельзя, иначе между гипсом и моделью могут остаться пузырьки воздуха. Второй слой большей толщины наносится стеком, когда разведенный гипс уже начинает схватываться. Далее на модель наращивают гипс так, чтобы скульптурное изображение было внизу, а литейная коронка вверху (рис. 2.22, позиция 6, первые пять позиций смотрите в барельефном литье). Когда форма схватится, ее помещают под струю теплой воды. Пластилин размягчится, и тогда не составит труда вынуть из формы стеклянную трубку.

Далее под струей теплой воды стеком удаляют пластилин модели. Вынутую стеклянную трубку нужно заменить пустотелым гипсовым стержнем, который встанет на ее место в блок-форме. Стержень делается так: ту же стеклянную трубку обертывают в два слоя мокрой писчей бумагой (рис. 2.22, позиция 7), бумажное кольцо сдвигают по трубке-пробирке к ее донышку (рис. 2.22, позиция 8), и в образовавшийся бумажный стаканчик до половины наливают гипс. Через 1–2 минуты, когда гипс начнет схватываться, его разгоняют стеком по стенкам и дну бумажного стакана, а затем заделывают гипсом и верхнее отверстие. Полость в гипсовом стержне нужна будет при литье, в ней образуется тот запас расплавленного металла, где соберутся усадочные раковины. Готовый стержень под струей воды вставляют в отверстие формы, слегка поворачивая в обе стороны для протирки.

Гипсовую форму необходимо снабдить системой литников и выпоров. Сначала сверлятся литники в стержне, соединяющие его объем с небольшим объемом формы. Затем стержень вставляют в форму и сверлят основной вертикальный литник, между литейной воронкой и полостью стержня. Далее сверлятся выпоры (рис. 2.22, позиция 9). Мокрая гипсовая форма настолько мягка, что литники и выпоры можно сверлить, держа сверло прямо в пальцах. Сверлить литники и выпоры вполне доступно стеком, кончик которого имеет форму круглой лопаточки.

После сверления стержень нужно вынуть из формы и смыть остатки размельченного гипса. Промытый стержень окончательно вставляется в форму, а две кольцевые щели между стержнем и формой замазываются жидким гипсом. Форма готова к сушке. Сушат блок-форму очень тщательно. Операция заливки олова в форму, а также все последующие технологические операции идут в том же порядке, что и при барельефном и ажурном литье.

Фигурки человека, животных и т. д. отливают в полнообъемные неразъемные формы. В этом случае модель лепят из мягкого пчелиного воска или режут из более твердого технического. Для изготовления модели берут металлический стержень, и конец его окунают несколько раз в расплавленный воск, чтобы получилась булька – заготовка для лепки. В готовую модель перед формовкой в гипс втыкают два куска тонкой проволоки – они создадут каналы для выпоров. Литник будет образован вынутым металлическим стержнем.

Рис. 2.22. Формовка кольца и литье кольца; формовка кольца, подготовленная для заливки оловянного солдатика.

Гипсовую форму изготавливают так, как было описано выше. После отвердевания ее выдерживают в кипятке, пока воск не растает и не выйдет по литнику и выпорам на поверхность воды.

Кокильное литье . Вся история оловянного литья связана с литьем в кокиль. Из дошедших до нас памятников материальной культуры мы знаем, что еще древние литейщики пользовались кокильными формами, и они были разъемными. Изготовляли их из обожженной глины (керамики), известняка и природного гипса-ангидрида. Правда такие формы были не прочными и служили не долго. Более долговечными оказались формы из природного шифера, змеевика, свинца и бронзы. С XV века начали применять медь, а с XIX века и по сей день пользуются формами из чугуна и стали (см. выше).

В домашних условиях и в мастерских образовательных учреждений кокильные формы можно изготавливать из гипса или абразивных камней. Прочная гипсовая форма получается, если гипс замешивают на жидкости, состоящей из четырех объемов воды и одного объема насыщенного раствора буры. Используют при кокильном литье и так называемый мраморный гипс. Есть два рецепта его приготовления.

Первый: на четыре весовых части гипса добавляют одну часть буры и доводят водой до консистенции жидкой сметаны.

Второй: гипс замешивают на растворе столярного клея. Клея в воду добавляют столько, чтобы пальцы лишь слегка склеивались. Следует иметь ввиду, что эти добавки увеличивают время затвердевания гипса.

Кроме гипсовых форм, можно использовать формы из абразивных камней (например, оселков для правки бритв и столярного инструмента) и сланцевых камней. Объемное скульптурное изображение гравируют в их толще. Выпоры прорезают штихелем вокруг изображения и отводят их в стороны вверх. Для заливки олова в разъемных формах вырезают воронку (см. рис. 2.22, позиция 10).

Отливка оловянного солдатика .

Многие учащиеся СПТУ и студенты интересуются историей военной техники, собирают оловянных солдатиков, но пополняется она редко. Коллекционеры с трудом находят нужные экземпляры. Если вы хотите заняться художественным литьем, этим увлекательным делом, придется овладеть сразу несколькими профессиями: быть и художником, и скульптором, и мастером по отливке. А теперь о самом процессе.

По эскизам лепят фигурку из скульптурного пластилина и покрывают лаком. Когда лак высохнет, наносят разделительный слой – вазелин или растворенный в керосине воск. Фигурку кладут на пластинку пластилина, не забыв обозначить на ней литниковую часть – утолщения для заливки олова. Скульптуру осторожно вдавливают, примерно до середины. Открытую часть покрывают герметиком (специальным клеем), высохнув, он передаст мельчайшие детали рельефа. Клей наносят в три слоя, между вторым и третьим для прочности прокладывают марлю. Каждый слой сохнет сутки. Пластинку с солдатиком помещают в картонную коробку, наносят разделительный слой и на 0,5 см заливают гипсом, разведенным до консистенции жидкой сметаны.

После полного высыхания гипса (2–3 дня) процесс повторяют, но уже со второй половинкой фигурки. Когда будут готовы оба слепка, не вынимая из гипсовой формы (такая формочка может прослужить не один десяток раз), их изнутри покрывают графитом. Обе части скрепляют. Можно заливать олово.

Рис. 2.23. Фигурку до половины заделайте в пластилин. Для выхода воздуха проведите неглубокие канавки.

Рис. 2.24. Покройте герметиком в три слоя

Рис. 2.25. Перед заливкой олова нанесите слой графита

Рис. 2.26. Заливка металла в кокиль

Рис. 2.27. Облой (лишний материал) легко удаляется с помощью ножа. Такая формочка может прослужить не один десяток раз.

Облой (лишний материал) с отлитой заготовки легко удаляется с помощью ножа. Готового солдатика раскрашивают гуашью, темперой или масляными красками, а затем покрывают лаком или эпоксидным клеем (см. рис. 2.23–2.27).

 

2.12. Литье небольшой шкатулки

Олово довольно дорогой металл. Поэтому его в художественном литье стараются заменить другими металлами или сплавами с низким содержанием олова.

Очень широко в литейном деле используют медные сплавы. В первую очередь это латунь – сплав меди с цинком, в который часто включаются добавки: олово, алюминий, марганец, свинец и др. Температура плавления латуни различных марок 980–1000 °C. Латунь достаточно недорогой материал. Она обладает хорошими литейными свойствами. Особенно ярко это выражается у латуни марок ЛЦ30А3, ЛЦ38Мц2С2, ЛЦ16К4, у алюминиевой латуни ЛА67-2,5, марганцево-свинцовой латуни ЛМц58-9-2. В маркировке начальная буква «Л» обозначает название «латунь», далее – добавки «А» – алюминий, «Ц» – цинк, «Мц» – марганец. Отливки из латуни имеют хорошую плотную структуру. Они хороши для изделий сложных форм, в том числе и ажурных.

Выпускается латунь в виде проволоки, прутков, листов и слитков. На открытом воздухе и от частой смены температуры латунь теряет блеск, покрывается сернистыми и оксидными пленками, чернеет и даже разрушается. Поэтому нужно тщательно продумать условия хранения сырья. Готовые латунные изделия использовать в закрытых помещениях.

Механические свойства латуни также отвечают предъявляемым требованиям – чистовая обработка латунных отливок не вызывает особых затруднений. Часто на латунные отливки гальваническим способом наносят металлические покрытия. Никелевые покрытия обеспечивают защиту изделия от коррозии, серебряные и даже золотые покрытия применяются в производстве недорогих ювелирных изделий.

Прочие сплавы на основе меди называются бронзами. Наиболее распространенной является оловянная бронза (сплав меди с оловом). Она отличается высокой жидкотекучестью, долговечностью. Бронза устойчивей реагирует на влияние коррозийных факторов, а потому широко применяется для уличной архитектуры и скульптуры. Наилучшим материалом считается оловянная бронза с содержанием олова 5–7 %. Положительным считается присутствие в оловянных бронзах 5–7 % цинка и 1–4 % свинца. В художественном литье применяются сплавы с низким содержанием олова – 0,5–3 % (марка БХ-3). Содержание цинка в этом сплаве достигает 25–35 %. Применяется также бронза БХ-2 (олова 1–5 %, цинка 8-13 %), БХ-1 (олова 4–7 %, цинка 5–8 %).

С увеличением процентного содержания олова цвет бронзы меняется от красного (до 10 % олова), до желтого (до 15 % олова). При содержании 50 % олова бронза приобретает белый цвет, при более чем 70 % олова – серо-стальной.

Еще одна группа бронз, так называемые безоловянные или специальные бронзы, представляют собой сплавы меди с алюминием, марганцем, свинцом. Эти бронзы стоят дешевле, прочны и стойки к коррозии. Применение их в литейном деле ограничено в силу большой усадки. Однако это не имеет большого значения для отливки неответственных изделий.

Маркировка бронз начинается с букв «Бр». Далее – начальные буквы входящих в сплав элементов: А – алюминий, Ж – железо, Мц – марганец, О – олово, С – свинец и т. д.; после названия каждого элемента цифрами указывается его процентное содержание в сплаве.

Механическая доработка бронзовых отливок также не вызывает затруднений.

Широко используются в литейном деле сплавы алюминия. Чистый алюминий не обладает достаточными литейными свойствами. К тому же он недостаточно прочен.

«Издавна людям были известны самородное золото и железо, сера и платина. О том, что существует самородный алюминий, узнали совсем недавно, впервые он был обнаружен в трапповых горах Сибирской платформы в 1978 году прошлого века. У некоторых ученых эти находки вызывали недоверие, возможно, связанное с тем, что не удавалось удовлетворительно объяснить происхождение алюминиевых химически чистых самородков…». Е. Осадчий и др. К вопросу о происхождении самородного алюминия. «Доклады АН СССР», том 266, № 5, 1982.

В алюминий добавляют медь, магний, цинк, кремний, железо, марганец, никель, хром для того, чтобы получить более прочный сплав. Благодаря добавкам алюминиевые сплавы приобретают хорошие литейные свойства, сохраняя способность легко подвергаться механической обработке. Наиболее распространенным литейным сплавом на алюминиевой основе является силумин – сплав алюминия с кремнием (марки АЛ2, АЛ4, АК9, АЛ9, АК7). Железо, никель, хром повышают прочность сплавов.

Перечень изделий, изготавливаемых из алюминиевых сплавов, велик. Это и крупные литые скульптурные и архитектурные детали, и предметы интерьера. Даже посуду, классически изготовлявшуюся из чугуна, теперь с успехом заменил алюминий.

На начальном этапе предлагаем использовать один из самых доступных и легкоплавких металлов – цинк. Он обладает высокими литейными свойствами, низкой температурой плавления (419 °C), что позволяет заниматься литьем без особых нагревательных приспособлений. Но самое главное – не надо прилагать особых усилий к его поиску. Проще всего сделать запас цинковых стаканчиков от гальванических элементов (батареек). От остатков смолы полые цинковые стаканчики очищают кипячением в 10 %-ном растворе питьевой соды. А затем собранный цинковый материал сплавляют в слиток, наполнив им обычную консервную банку и установив ее над костром. Таким образом, на первое время материалом вы себя обеспечите.

Такое небольшое знакомство с литейными сплавами и их свойствами мы приводим в надежде, что, получив первый опыт, вы оцените возможности литейного ремесла и прелесть изготовляемых таким способом изделий. Хорошее знание материалов позволит вам в дальнейшем совершенствоваться, переходя к более сложным изделиям, качество выполнения и внешний вид которых будут во многом определяться правильным видом материала.

Одновременно можете заниматься заготовкой алюминиевого (различная посуда), бронзового (водопроводные краны, потерявшие свою художественную ценность статуэтки, детали скульптур, архитектурных украшений) лома. Желательно, чтобы это были остатки изделий, ранее изготовленных литьем. Определить это можно по наличию на них следов специфического литейного шва.

Приспособления и инструменты.

Форму для отливки шкатулки готовят в двух ящиках-опоках без дна и крышки, сделанных из хорошо просушенной древесины березы, сосны, бука. Применяются они для облегчения сборки, переноски и удаления формы. Опоки могут иметь прямоугольную, круглую формы или приближенно повторять очертания моделей, они называются фасонными опоками. Они труднее в изготовлении, но удобны тем, что, имея мало свободного от модели пространства, позволяют экономить формовочные смеси. Деревянные опоки – это рамы, собранные на шурупах и клее (см. рис. 2.28, позиция 1 А, В).

С двух противоположных сторон каждой рамы укрепляют горизонтальные планки, которые называются выступами, или приливами (позиция 1 Г). В приливах сверлят два отверстия и забивают в них металлические трубки (позиция 1 Д). Чтобы трубки не выпадали, их торцы слегка проковывают. Из толстой проволоки сгибают штыри и соединяют верхнюю и нижнюю опорки (позиция 1 Б, Е).

В работе вам потребуются совок, сито, трамбовка, иглы, подъемы, ланцеты, мешочки с припылом, гладилки, кисти (см. позиции 2 A-И). Совком засыпают в опоки формовочную смесь, через сито ее просеивают.

Сита применяются для разрыхления формовочных смесей при покрытии ими поверхности моделей. Сетку сита желательно выполнить из латунной проволоки с ячейками 1–1,5 мм для мелкого литья и для крупного – 3–5 мм. Диаметр сита обычно составляет 30–40 см. облицовочную формовочную смесь насеивают на поверхность модели посредством такого сита. Набойки и трамбовки применят для распределения и уплотнения формовочных смесей в опоках. Наиболее удобна трамбовка с двумя рабочими частями – цилиндрической и клиновидной (позиция 2 В).

Рис. 2.28. Приспособления и инструменты.

Вентиляционные иглы (позиция 2 Г) служат для прокалывания в песчаной форме каналов, из которых выходят газы, образующиеся при заливке металла. Эти каналы способствуют увеличению газопроницаемости формы. Используются прямые и изогнутые иглы. Иглы изготавливают из стальных прутков, заточенных на конус.

Мешочком с порошком припылом (позиция 2 Ж) припудривают поверхность модели перед формовкой, а также готовую форму перед сборкой и отливкой. Благодаря этому к ней не прилипает формовочная смесь. Кроме того, припудренную модель легко извлекать из готовой формы.

В качестве припыла применяют измельченный древесный уголь, цемент, тальк, графит, а для тонкого фасонного литья – ликоподий (споры болотного растения плавуна). Мешочек для порошка делают из марли или другой редкой ткани. Очищают внутренние поверхности модели от лишнего припыла кистью из мягких перьев птиц, а внешние – обметают кистями из конского волоса (см. позицию 2 И).

Подъемы (позиция 2 Д) представляют собой тонкие стержни, один конец которых согнут в виде кольца, а другой заострен – служит для извлечения модели из формы. На рабочей части крупного подъема нарезают резьбу.

Отделочные ланцеты и гладилки (см. рис. 2.28, позиции 2 З) используются для исправления повреждений на форме. Гладилки и ланцеты можно изготовить из инструментальной стали или латуни. Рабочие поверхности гладилок тщательно полируют и применяют их для заглаживания шероховатостей поверхностей формы. Ланцетами исправляют повреждения в труднодоступных местах форм. Ланцетами подрезают формовочную смесь, например, при изготовлении литниковой воронки. Линейки используют для срезания с опоки излишков формовочной смеси. Можно использовать деревянные и металлические линейки. Металлические линейки прослужат дольше.

Щетки используют для очистки поверхности моделей от загрязнений, полученных при формовке.

Деревянные молотки необходимы для уплотнения кусков формы на поверхности модели. Киянки используют для расталкивания модели перед ее извлечением из формы.

Деревянные бруски применимы при кусковой формовке, для уплотнения смеси в опоке. Трамбовки здесь применять нельзя, так как из-за малой рабочей поверхности они неравномерно воздействуют на смесь, что может привести к смещению кусков. Бруски же выбирают таких размеров, чтобы при трамбовке они упирались в края опоки. При этом они равномерно воздействуют на поверхность смеси на уровне краев опоки.

Подмодельные плиты – плоские, с гладкой поверхностью деревянные плиты, служащие для установки на них моделей при подготовке к формовке. Для плоских моделей применяют плиты с ровной поверхностью. Для моделей с выступами, поднятиями поверхности применяют плиты с прорезями. Выступающие части моделей укладывают в эти прорези.

Тигли – круглые металлические сосуды с толстыми стенками, слегка сужающимися книзу, используемые для плавления металла. Выполняются они из смеси глины, песка, шамота (мелкая, величиной с просеянное зерно крошка, получаемая дроблением и просеиванием огнеупорного кирпича). Содержание глины и шамота в смеси для тигля равное. Воду добавляют в количестве, необходимом для того, чтобы смесь приобрела консистенцию густой замазки. Тигли можно вылепить вручную или же сформовать в гипсовой форме. Вылепленные или сформованные тигли высушивают при комнатной температуре, а затем обжигают в печи при 900 °C.

Печь. Современная электрическая печь представляет собой металлический каркас, обложенный огнеупорным кирпичом или другими огнеупорными материалами, внутри которого по стенкам уложена металлическая проволока (нихром). Такую печь можно сделать самостоятельно, заказать или купить у изготовителей электрических печей. В дальнейшем она пригодится для обжига изделий из керамики, стекла, кварца, в эмальерном деле и т. д.

Современные высококачественные печи NABERTHERM (Германия) и других в настоящее время фирм, отвечают всеми техническими требованиями и хорошо зарекомендовали себя в эксплуатации. Они обеспечивают достаточную для приготовления расплава температуру, не требуют применения тигельных крышек для защиты металлического расплава от газов, образующихся в процессе сгорания топлива. Однако далеко не у всех есть возможность обзавестись такой муфельной печью. Из положения можно выйти, если сделать своими руками простейшую муфельную печь. Об этом было рассказано в журнале («Юный техник» № 9, 1982 и № 4, 1983).

Изготовление модели. Основой для литейной формы служит модель, выполненная в натуральную величину из гипса, дерева, металла, пластмассы и других материалов. Деревянные модели изготовляют из сосны, бука, ольхи, березы. Древесина должна быть хорошо просушена.

Шкатулка, эскизы которой приведены на рисунке 2.29, состоит из двух частей – корпуса и крышки. Чтобы корпус и крышку можно было легко извлечь из формы, их боковые стенки делают с небольшим уклоном. Соединительные петли составляют со стенками единое целое. Шкатулку отливают по частям – для крышки и корпуса делают отдельные формы. Боковые стороны крышки соединяют «на ус» тонкими гвоздями и клеем. На верхнюю сторону крышки переводят через копировальную бумагу нарисованный по клеточкам контур рельефа, который затем вырезают ножом-косяком, полукруглыми и прямыми стамесками. Законченный рельеф шлифуют мелкозернистой шкуркой. Верхнюю и боковую стенки соединяют друг с другом штырями. Так как модель крышки – разъемная, обе ее части должны легко разъединяться без значительных усилий. Разъемную модель крышки окрашивают нитролаком, эмалью или масляной краской.

Рис. 2.29. Шкатулка и ее элементы. Рисунок Г. Я. Федотова.

В литейном деле принято в красный цвет окрашивать модели для чугунных отливок, в серый – для стальных, а в желтый – для цветных металлов. Потому оговоримся: несмотря на то, что на нашем рисунке 2.29 модель шкатулки окрашена в красный цвет, отливать ее можно из любых доступных перечисленных выше легкоплавких металлов. Одновременно с крышкой в той же последовательности изготавливают разъемную модель корпуса коробки.

Приготовление формовочной смеси.

Начинается процесс приготовления формовочной смеси с подбора материалов. Отправная точка в подборе материалов для формовочной смеси – форма будущего изделия и материал, из которого оно будет отливаться. Форма изделия – прямоугольная, а материал для отливки будет цинк, олово, бронза или алюминий. В зависимости от этого подбираем песок, отвечающий этим требованиям.

Формовочная смесь будет состоять из кварцевого песка, в который добавлено 8–12 % чуть влажной глины. Песок предварительно промывают, просушивают, а затем просеивают через сито.

Глину отмучивают, то есть заливают большим количеством воды и размешивают деревянной мутовкой до образования глинистой жижи. Когда раствор отстоится, песчинки и мелкие камешки опустятся на дно, а щепки, травинки и другие легкие предметы всплывут. Осветленную воду осторожно сливают и ковшом вычерпывают жидкую глину, которую потом помещают в широкую посуду, тонкий слой глины высохнет быстрее. Сушат глину в теплом сухом месте или на солнце. Потом ее измельчают в порошок, просеивают и высыпают в ящик, коробку или целлофановый пакет. В таком виде она пригодна для составления формовочных смесей.

Чтобы приготовить формовочную смесь, берут 9 частей песка, смешивают с 1 частью глиняного порошка, тщательно перемешивают и добавляют примерно 0,5 части воды. Раствор перемешивают до тех пор, пока он не станет однородным. В идеале для полного распределения влаги, смесь после перемешивания должна вылежаться 1,5–2 часа.

Правильно определить достаточность увлажнения трудно, потому что это во многом зависит от составов песка и глины. Но выполнение несложного теста может гарантировать вполне приемлемый результат.

Тест. Оптимальную влажность формовочной смеси можно определить так. Берут щепотку смеси, скатывают шарик, а потом подбрасывают вверх. Материал считается пригодным к работе, если шарик не рассыплется или не расплющится при падении. Рассыпавшийся шарик указывает на то, что формовочная смесь недостаточна увлажнена, а расплющенный – на избыток влаги. В первом случае в смесь добавляют чуть-чуть воды, а во втором – сухую песчано-глинистую смесь. Оптимальная влажность смеси должна составлять 3–5 %.

Основным связующим элементом формовочных смесей является уже упоминавшаяся глина. Она связывает частицы песка в единую массу и придает ей пластичность. Однако, будучи вязким материалом, глина увеличивает риск пригара формовочной смеси к поверхности отливки и может препятствовать выходу паров и газов, образующихся в процессе литья. Уравновешивать отрицательные свойства глины можно использованием так называемых крепителей. Самыми доступными крепителями являются масла, олифы, канифоль, патока. Добавление небольшого количества крепителей в песчано-глинистую смесь способно значительно улучшить ее качества. Самыми лучшими крепителями считаются натуральные льняное и конопляное масла или приготовленные на их основе олифы. Но их применение весьма ограничено (только для художественных работ наивысшего качества) из-за высокой стоимости.

Разделительный песок. Разделительным песком засыпают поверхности форм в стыках. Этот песок должен быть лишен глинистой составляющей так, чтобы не происходило склеивание двух и более разъемных частей формы. В качестве разделителя можно использовать песок, счищаемый с поверхности отливок, так как в местах соприкосновения формовочной смеси с раскаленным металлом ее глинистая составляющая практически полностью выгорает.

В некоторых случаях поверхности моделей во избежание прилипания к ним формовочной смеси смазывают керосином.

Формовка. На ровную и гладкую деревянную подмодельную плиту кладут одну из двух частей разъемной модели. В данном случае это будет верхняя сторона крышки. Ее укладывают рельефом вверх. Рядом располагают прямоугольный деревянный брусок – так называемый питатель (см. рис. 2.30, позиция 1). Следом за ним устанавливают опоку приливом вниз и припыливают поверхности детали и питателя, например, порошком древесного угля (позиция 2). Затем наносят слой облицовочной формовочной смеси, то есть более тщательно просеянной, мелкой и однородной. От нее зависит чистота поверхностей отливки (позиция 3). Постепенно слой за слоем всыпают в опоку наполнительную смесь, постепенно утрамбовывая ее, вначале клиновидным концом трамбовки, а затем плоским (позиция 4).

Утрамбовывать надо с таким расчетом, чтобы она была не рыхлой, но и не слишком плотной. В первом случае в формовочной смеси могут образоваться пустоты, которые потом заполняются металлом и исказят форму отливки; во втором – чрезмерное уплотнение помешает выходу газов при заливке металла.

Заполнив опоку доверху, деревянной или металлической линейкой снимают лишнюю формовочную смесь (позиция 5). В полуформе опоки, на равном расстоянии друг от друга, иглами делают вентиляционные каналы. Форму прокалывают с таким расчетом, чтобы вентиляционные каналы не касались модели (позиция 6). В противном случае металл попадет в каналы, нарушая чистоту поверхности отливки.

Далее опоку переворачивают так, чтобы приливы с ушками оказывались сверху (позиция 7).

Плоские участки формовочной смеси (поверхности разъема) посыпают сухим песком. Он разделяет две полуформы, не давая формовочной массе слипаться. Песок, попавший на модель, сметают кисточкой из перьев. Сверху устанавливают вторую часть модели, так, чтобы штыри, находящиеся на ней, свободно вошли в глухие отверстия, заранее просверленные в первой детали (позиция 8). На конце питателя устанавливают шлакоуловитель со стояком, а в самой высокой точке модели – так называемый выпор. Стояк – это деревянный усеченный конус, опирающийся на шлакоуловитель – призму с трапецеидальным сечением. Установив сверху вторую опоку и соединив ее с нижней штырями, покрывают модель и литниковую систему тонким слоем припыла и заполняют верхнюю опоку формовочной смесью (позиция 9). Лишнюю формовочную смесь удаляют линейкой (позиция 10). В верхней части формы накалывают вентиляционные отверстия и вырезают литниковую воронку (позиция И). вынув из гнезд соединительные штыри, убирают из формы и стояк. Осторожно снимают верхнюю полуформу опоки и кладут рядом с нижней. С помощью подъемов извлекают из полуформ модель и литниковую систему (позиция 12).

Рис. 2.30. Технология изготовления изделия. Рисунок Г. Я. Федотова.

Раскрытую форму тщательно осматривают, исправляя поврежденные места гладилками и ланцетами. Убедившись, что дефектов нет, внутренние поверхности формы припудривают толченым древесным углем. Затем полуформы накладывают одну на другую, соединяют штырями и устанавливают на постель, состоящую из слоя формовочной смеси (позиция 13). Сверху кладут деревянные бруски или планки и груз. Груз кладут так, чтобы он не прикрывал литниковую чашу и отверстие выпора.

Получение отливки. Все подготовительные операции завершены. Можно приступать к заливке металла.

Цинк, олово, свинец легко плавятся в обычной консервной банке на любом огне.

Свинец плавят на открытом воздухе или в помещении, оборудованном вытяжным шкафом. Алюминий плавят в глиняных тиглях, помещая их в муфельную печь. В ней можно плавить и бронзу, содержащую 25 % олова. Предварительно внутренние стенки и дно тигля присыпают бурой. Если сплавление ведут в печи с открытой топкой или на открытом огне, то наполненный тигель обязательно накрывают крышкой, чтобы защитить расплав от проникновения газов. При использовании муфельной электрической печи в крышке нет необходимости. Нагревают металл, как уже отмечалось, до температуры, в среднем на 100–150 °C выше точки его плавления. Причем, расплавы для тонкостенных и ажурных отливок и отливок с мелкими деталями нагревают сильнее, нежели заливки для простых и толстостенных изделий. При более высокой температуре сплав обладает большей жидкотекучестью и будет лучше заполнять трудные места.

Расплав вливают в форму через воронку литника (позиция 13). Заполнив доверху воронку и выпор, металлу дают затвердеть и остыть в течение 20–30 минут. Затем опоки разъединяют и выбивают отливку. Формовочную массу убирают в отдельный ящик для повторного использования при формовке корпуса шкатулки (позиция 14).

У выбитой из формы отливки отпиливают или обрубают зубилом литниковые образования и напильником стачивают наплывы. Металлической щеткой снимают с отливки пригоревшую формовочную смесь.

Когда следы литейного процесса с поверхности отливки удалены, наступает время чистовой обработки. По сравнению с моделью отливка всегда получается менее четкой, поэтому ее обрабатывают с помощью напильников с крупной а затем с мелкой насечкой и делают чеканку всех недостаточно прорисованных рельефных элементов. Если поверхность отливки имеет сложную рельефную или ажурную структуру, перед чистовой обработкой рекомендуется провести отжиг отливки. В результате отжига ее поверхность будет более податлива. Отжигают отлитое изделие, уложив его в ящик из жаростойкой стали, заполненный смесью песка и угля. Закрытый крышкой ящик для герметичности замазывают огнеупорной глиной и помещают в печь, прогретую до 900 °C. Желательно выдержать отливку в этом температурном режиме в течение 2–3 часа, в зависимости от толщины стенок, а затем поэтапно, сначала снизив температуру до 400 °C, а затем и до 150–100 °C, ее охлаждают. При 100–150 °C, ящик извлекают из печи. Еще раз хотим отметить, что отжиг требуется для проведения очень тонкой чеканки по сложному узору. Для простых изделий, с которых вы начнете свои опыты в литье, отжиг излишен.

Чеканку отливок можно производить обычными чеканными инструментами в технике, будет известной вам из главы «Чеканка». Мелким отливкам придают четкость с помощью зубильцев и штихелей (см. рис. 2.30, позиция 15). В той же последовательности отливают, а затем отделывают нижнюю часть шкатулки – корпус.

В заключение поверхность шкатулки покрывают декоративным защитным слоем.

 

2.13. Обработка готовых изделий

Наибольшее распространение получили медные сплавы (бронза, латунь) в производстве монументальных отливок, а серый чугун – при отливке малых форм (например, каслинское литье).

Художественные изделия иногда отливают частями, для упрощения и удобства изготовления литейных форм. После выбивки из форм отливки имеют всевозможные следы на поверхности от выпоров, полосы от соединений отдельных частей формы и т. д. поэтому требуется механическая обработка. При ее производстве восстанавливается четкость рисунка модели. Этот процесс (механической обработки) состоит из нескольких операций: отжиг отливок, обработка поверхности отдельных частей, чеканка поверхности, сборка деталей, шпаклевка и окраска.

Термическая обработка.

Восстановить четкость рисунка (например, жилки на листьях цветка) можно, если только поверхность отливки будет мягкой для производства этой операции. А изделия из чугуна после выбивки из формы вследствие быстрого охлаждения имеют твердую поверхность – так называемую отбеленную, которая трудно поддается обработке. Чтобы этого избежать, отливки подвергают отжигу в термических печах в ящиках из жаростойкой стали.

Обработка поверхности отливок.

После отжига отливки должны пройти механическую обработку. При обработке художественного изделия основным технологическим требованием является выполнение операции рубки, опиливания и зачистки поверхности без углубления в ее тело, иначе нарушится ее целостность, а это – уже брак.

После обрубки поверхности отливок очищают от пригоревшей к их поверхности формовочной смеси, (см. «Технология изготовления шкатулки»). Делают это вручную, в барабанах, дробеструйных аппаратах, в установках химической и электрохимической очистки, с помощью механических щеток. Изделия, имеющие сложную поверхность и тонкие стенки, очищают вручную на специальных столах с металлическими решетками и пылеотсасывающими трубками. Ажурные тарелки, кронштейны и др. очищают круглыми механическими проволочными щетками.

Очистка в барабанах. Очищают толстостенные отливки, не имеющие на поверхности тонких украшений. Их закладывают в барабан вместе с чугунными звездочками, которые при вращении сдирают формовочную смесь, пригоревшую к поверхности отливки. Можно очищать и тонкостенные, только при этом нужно перекладывать их деревянными прокладками, чтобы они не могли свободно перекатываться.

Дробеструйная очистка отливок производится сжатым воздухом с добавлением чугунной дроби. Через слой дроби проходит воздух, увлекает ее за собой и, выбрасывая на поверхность отливки, очищает ее.

Отливки, полученные литьем, можно очистить выщелачиванием, или химической очисткой, в сетчатом барабане, который помещают в ванну с горячим раствором каустика.

Электрохимическая очистка отливок производится в специальных установках. Принцип работы их основан на химических реакциях, которые производят в расплаве гидроокиси калия, при пропускании через них электрического толка напряжением 5–10 В. Электрохимическая очистка дает высокое качество поверхности отливок.

Чеканка отливок.

Поверхность модели имеет рисунок, но каким бы четким он ни был, невозможно получить хорошей копии в отливке. Для этого и производится операция чеканки и гравировки различными инструментами: зубильцами, штихелями и чеканами (см. рис. 2.30, позиция 15). В процессе художественной обработки отливки эта операция – самая ответственная, трудоемкая и сложная.

Сборка отливок.

Сборка художественной отливки – это соединение в одно целое ее частей. Они монтируются при помощи знак на одной части и соответствующего гнезда для него – на другой.

Окраска отливок.

Покрытие поверхности чугунной отливки слоем краски или нержавеющего металла – это заключительная операция в технологическом процессе механической обработки художественного изделия. Перед окраской поверхность подвергают обработке, т. е. затирают меловой шпаклевкой.

Хорошо очищенную от пыли, масляных пятен, окислов, прошпаклеванную и просушенную отливку покрывают олифой. Потом отливку прожаривают и покрывают слоем краски. Иногда на изделия наносят слой цветного металла (медь, никель, серебро и т. д.) – это делается в ванне с раствором методом гальванизации.

 

2.14. Отделочные работы

Оловянные отливки дорабатывают штихелями и, если нужно, чеканкой, гравированием и тонированием. Чеканка и гравирование выполняются обычными приемами, поэтому мы не будем на них останавливаться (см. разделы дальше). Более подробно расскажем о тонировании олова.

Тонирование – изменение цвета осуществляется химическим способом. На поверхности металла образуется стойкая декоративная пленка, подчеркивающая форму изделия, его рельефность, смягчающая блеск чистого металла.

Вот состав, окрашивающий олово в цвет старого черненого серебра: на 100 мл воды берут 5 г медного купороса и 0,5 марганцовокислого калия. Изделие помещают в раствор, плотность чернения зависит от времени выдержки.

А вот способ меднения (контактного): изделие натирают кашицей из 10 частей кристаллов медного купороса, 1 части хлористого аммония, 1 части поваренной соли, 2 частей мелкого песка и воды. Чаще всего способом контактного меднения тонируют памятные медали.

Отделку изделий из цинка см. главу «Чеканка».

При желании оловянному рельефу можно придать золотистый оттенок. В этих случаях поверхность оловянного рельефа покрывают одним-двумя слоями масляного лака. Второй слой наносят после высыхания первого.

Ажурное литье, как вы уже узнали, хорошо сочетается с керамикой. Чтобы сделать настенное панно с керамической основой, нужно вылепить из глины плиту с «ковчегом» – углублением, соответствующем высоте рельефа. В местах крепления проткните плиту насквозь использованными спичками. Затем, не вынимая спичек, обожгите плиту в муфельной печи. При обжиге спички сгорят, а на их месте образуются сквозные отверстия. Крепить ажурное литье на керамической плите нужно медной проволокой так же, как и на металлическом листе (см. выше). Под отдельные части рельефа можно подложить цветную фольгу или подкрасить фон масляными красками (более подробно о изготовлении керамических изделий можно найти в специальной литературе «Керамика», – это на тот случай, если не сможете самостоятельно изготовить керамическую основу).

 

2.15. Техника безопасности и промышленная санитария при литейных работах

Она подразделяется на правила ТБ до начала работы и во время работы.

Начинается все с самого простого. До начала литейных работ необходимо надеть и привести в порядок рабочую одежду, осмотреть рабочее место, убрать все мешающие и ненужные предметы, подготовить и проверить рабочий инструмент, заменить неисправный. Также следует иметь соответствующую обувь и рукавицы, то есть было бы верхом неосмотрительности работать, например, в «лакированных штиблетах и смокинге с бальными перчатками».

Во время работы необходима внимательность, сосредоточенность, осторожность. При формовке по-сырому нельзя допускать чрезмерного уплотнения формовочной смеси в опоке и ее обильного смачивания вокруг модели при удалении, установке в форме недосушенных стержней. Следить, чтобы в заформованной опоке было достаточно каналов для выхода паров и газов, образующихся при заливке металла. Плохая газопроницаемость формы может вызвать выбрасывание металла из литника при заливке. Брызги металла могут быть причиной ожогов.

Работающие на заливке форм должны иметь одежду, предохраняющую от ожогов, брезентовые брюки, защитные очки. Брюки следует носить на выпуск, чтобы скатывающиеся брызги металла не могли попасть в обувь.

Нельзя набирать металл во влажный, не просушенный ковш, удалять влажной счищалкой шлак с поверхности металла в ковше, выливать на пол и во влажную изложницу остатки металла. В этих случаях быстро образующиеся пары разбрызгивают металл и работающие вблизи могут получить ожоги. Выбитую из формы отливку нельзя брать в руки не убедившись, что она остыла. А самое главное – это соблюдение пожарной безопасности при производстве работ.

Все электроинструменты должны быть исправными и заземленными, переносные лампы должны иметь соответствующее напряжение (не выше 12 В).

По окончании работ необходимо привести в порядок свое рабочее место, убрать рабочий инструмент, оснастку, приспособления на отведенное для них место; запрещается обдувать одежду и тело сжатым воздухом из шланга.

Формовщики-литейшики должны помнить, что осторожность, предусмотрительность, точное выполнение специальной инструкции по технике безопасности на рабочем месте, указания мастера или преподавателя технологии, личная и технологическая дисциплина являются условиями безопасности в работе.

Но не все заканчивается благополучно. Бывают и несчастные случаи и тогда все зависит от умения оказать пострадавшему первую медицинскую помощь до приезда врачей. Мы предлагаем ознакомиться с некоторыми приемами оказания помощи при различных травмах.

Отравление угарным газом . Нужно быстро вынести человека на свежий воздух, дать понюхать нашатырный спирт (т. е. привести в чувство), после этого отправить в больницу.

При тепловом ударе пострадавшего кладут в тень, расстегивают на нем одежду, чтобы она не затрудняла дыхания, и стараются по возможности охладить тело.

Ожоги. При этом освобождают место ожога от одежды, закрывают пораженную часть чистой салфеткой для предотвращения попадания инфекции. Ни в коем случае нельзя смачивать или смазывать место ожога чем-нибудь, как это у нас иногда делается. После этого нужно обратиться за медицинской помощью.

При засорении или ранении глаз пострадавшего сразу отправляют к врачу.

Поражение электрическим током . Самое первое и важное – это освободить человека от действия электрического тока. Если пострадавший без сознания, следует положить его на спину, расстегнуть одежду, создать приток свежего воздуха и начать проведение реанимационных мероприятий. Не прекращать их до приезда врачей.

Эти правила техники безопасности самые общие и не исчерпывают возможных причин несчастных случаев в условиях работы конкретного производства.

 

3.1. Общие сведения

Дифовка отличается от ковки тем, что выполняется без нагрева и обычно из листовых заготовок. Поэтому ее еще называют холодной ковкой, или выколоткой.

В старину мастера с применением выколотки (дифовки) изготовляли из листового золота и серебра кубки, чаши, ковши, братины, ендовы, чарки, а позднее самовары и другие изделия, отделанные чеканкой, гравировкой и драгоценными камнями.

Скифские сокровища. Первостепенное значение имеют небольшая серебряная с позолотой чаша, небольшой серебряный ритон – рог для вина, рельефная головка льва венчает его конец и серебряный кувшин. Эти вещи – непревзойденные произведения искусства, уникальные творения безвестных греческих мастеров, работавших по заказу скифов в первой половине IV века до и. э., выполненные с применением дифовки (см. рис. 3.1, 3.2).

В качестве примера можно привести Микены, древний город в Арголиде (южная Греция), крупный центр эгейской культуры. В 3-м тыс. до н. э. поселение, с XVII века столица одного из государств ахейцев. Расцвет Микен в 1400–1200 годах. Около 1200 до и. э. Микены погибли от пожара. Раскопками с 1876 года обнаружены дворец, усыпальницы – толосы, циклопические стены, дома ремесленников и др.

Рис. 3.1. Скифские сокровища. Серебряная с позолотой чаша со сценами из жизни скифов, найденная в кургане «Тайманова могила». Запорожская обл. Украина.

Рис. 3.2. Скифские сокровища. Атрибуты власти скифского царя: серебряный кувшин, напоминающий по своей форме известные культовые сосуды из царских курганов скифов (Куль-Оба), и серебряный с золотой оковкой ритон – рог для вина; узкий конец ритона с отверстием украшен съемной головкой льва. Украина.

Рис. 3.3. Золотая маска из Микен. Дифовка. Около 1400–1200 до н. э.

Раскопки были начаты известным археологом-любителем Г. Шлиманом. В этих захоронениях им были найдены уникальные золотые украшения, например золотая маска (см. рис. 3.3), многие из них были контрабандно вывезены в Германию.

«Сокровища Шлимана» после 1945 года были вывезены в СССР и ныне хранятся в Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина в Москве.

Прекрасные памятники архитектуры Бухары, имена ее знаменитых ученых и поэтов – Абу Али ибн Сина, Рудаки, Дакки – известны всему миру. На весь мир славится город с древнейших времен выколоткой (дифовкой) и особой медной чеканкой (рис. 3.4). На бухарском базаре можно увидеть, как самозабвенно трудятся чеканщики. Тут же разложены и плоды их трудов – различные восточные самовары, сосуды для мытья рук и т. д., выполненные при помощи дифовки; полуметровые блюда и подносы с изображениями достопримечательностей города, стилизованных животных. Спросив имя покупателя, мастер моментально гравирует его на выбранном изделии, добавив слова «на память о Бухоро». Красивые и ценные сувениры…

Рис. 3.4. Медный светильник. Он сделан в XIV мастером Цето Абдулло. Имя мастера начертано на светильнике. Бухара.

Рис. 3.5. Чаша царя Алексея Михайловича. Золото, дифовка, чеканка, гравировка, драгоценные камни. Московская Оружейная палата. XVII в.

В наших музеях, особенно в Московской Оружейной палате (рис. 3.5), хранится много серебряных, медных и латунных предметов, выполненные с применением дифовки русскими и иноземными мастерами в разное время и в различных городах.

В средневековье во многих городах декоративно-прикладное искусство по художественной обработке металла развивалось особыми путями, и расцвет его определялся экономическим и политическим ростом города (см. рис. 3.6).

Например, в Калуге он наступил сравнительно поздно, лишь во второй половине XVIII столетия. Тогда в городе работало пять парусных, суконная и бумажная фабрики и торговля велась не только со многими городами нашей страны, но и с Константинополем, Берлином, Лейпцигом и другими зарубежными городами. Именно тогда было сделано много прекрасных серебряных вещей мастером М. К. Золотаревым, почти не уступающих столичным изделиям (рис. 3.7).

Из стали этим приемом изготовляли рыцарские доспехи: щиты, шлемы и латы; элементы архитектурных украшений; купола церквей, навершия решеток и оград и безусловно, необходимая во все времена, повседневная или щедро украшенная декоративная домашняя утварь – самовары (особенно ценятся тульские самовары) и кубки, кувшины и вазы, чаши и ковши, миски, чашки, ложки, тазы, подносы и пр.

Рис. 3.6. Выделка дифовкой медных сосудов в древности. Старинная гравюра.

Рис. 3.7. Серебряный чайник. Дифока, чеканка, гравировка. Автор М. К. Золотарев. XVIII в. Калужский краеведческий музей.

В Дамаске (Сирия) есть целые улицы и ремесленные кварталы, где можно увидеть и купить простую различную медную и серебряную посуду, выполненную дифовкой, а чаще украшенную чеканкой, гравировкой и насечкой. Во всем мире славятся и изделия из дамасской стали: сабли, кинжалы и т. д.

Дифовку применяют для изготовления барельефов и объемной скульптуры, трубопроводов, больших котлов и т. д.

Наиболее значительным произведением, выполненным в технике дифовки, является скульптурная группа «Рабочий и колхозница», созданная по проекту В. И. Мухиной для павильона СССР на Международной выставке в Париже в 1937 году.

Скульптура сделана из светлого легкого металла – тонких листов нержавеющей хромо-никелевой стали. Отдельные части выколачивали на деревянных колодках мастера-жестянщики под руководством Мухиной и главного инженера завода «Стальмост» П.Н. Львова. Готовые детали сваривали и крепили на мощном балочном каркасе. Тонкая (0,5–1,0 мм), прочная, гибкая, годная для ковки, штамповки и сварки сталь по своим технологическим показателям была самым лучшим и современным материалом для такого рода работы.

Хотя в наши дни в сфере производства бытовой утвари господствует поточный выпуск штампованных обезличенных изделий, но технология дифовки не потеряла своего значения и в наши дни. Предлагаем овладеть навыками самостоятельного изготовления посуды. Ведь каждое ваше изделие будет нести печать уникальности дизайнеровского решения и придаст интерьеру особый неповторимый шарм.

 

3.2. Дифовочные работы

Различают следующие виды дифовки: свободная ручная выколотка, выколотка по модели, механизированная дифовка.

Свободная ручная выколотка представляет собой способ, которым из листового металла создают полое объемное изделие. Он включает три основных процесса – расплющивание заготовки, т. е. увеличение ее за счет уменьшения толщины; сгибание заготовки – сжатие вогнутой стороны и растяжение выпуклой; осадка металла – увеличение толщины его поперечного сечения в результате удара. Обычно свободной выколоткой выполняют в металле первые авторские образцы. Этот процесс трудоемкий и длительный, поэтому, если есть возможность, его заменяют другими, более производительными приемами – дифовкой по модели, давкой на станке.

Инструменты и приспособления. При ручной дифовке применяются различные ударные и опорные инструменты. Ударный инструмент – молотки, изготовленные из твердых пород дерева: дуб, клен, самшит, граб, береза. Изготавливают молотки и из резины, цветных металлов, кости, стали. Дифовку лучше выполнять неметаллическими молотками, так как на поверхности металла не остается царапин, засечек, забоин и иных следов от ударов. Резиновые молотки служат для выколотки и выглаживания важных участков заготовки. Стальные молотки бывают разных форм – плоские, выпуклые, шаровидные и т. п.

Молотки-наводильники служат для посадки гофр (рис. 3.8, а), гладильники – для правки и проковки поверхностей заготовки, шаровые – для выколотки вогнутых и выпуклых форм (3.8, в). Их бойки должны быть тщательно отполированы, чтобы не оставалось засечек и царапин.

Опорный инструмент представляют наковальни, плиты различных форм для правки и гибки листового металла, шпераки с двумя плечами различной формы – плоскими, конусными, округлыми концами (подробнее с приспособлениями можно ознакомиться в литературе по «Художественной ковке»). К опорному инструменту относятся стойны (рис. 3.8, б), служащие для обработки сложных по форме изделий. Массивные стойны с выпуклой поверхностью для выколотки и проковки полых изделий – амбусы. Используют слесарные инструменты – зубила, ручные ножницы, напильники, шаберы, плоскогубцы, круглогубцы, гофрилки, мерительный инструмент, чертилки, ножовки и др. свободной выколоткой выполняют в металле первые авторские образцы. Этот процесс трудоемкий и длительный, поэтому, если есть возможность, его заменяют другими, более производительными приемами – дифовкой по модели, давкой на станке.

Расплющивание производят молотком на небольшом участке листа, лежащего на наковальне. Толщина металла в этом месте уменьшается, раздается в ширь, и лист начинает деформироваться в сферическую поверхность, так как нетронутые его края не дают возможности раздаться в стороны.

Рис. 3.8. Основные инструменты: а – выколоточные фигурные молотки-наводильники; б – вертикальные стойна; в – гладильники.

Сгибание выполняют стальным или деревянным молотком на ребре наковальни. Оно может быть под углом, по прямой, дуге или радиусу. В качестве опоры выбирается ребро фасонной наковальни соответствующей формы. При сгибании происходит также и вытяжка металла. Осадка предполагает предварительную гофрировку заготовки, а затем осаживание гофры стальным или деревянным молотком на наковальне. Низкие и широкие гофры осаживаются легче. Губки плоскогубцев и круглогубцев для гофрировки или специальных гофрилок должны быть отполированы и закалены. Такой инструмент не оставляет царапин и повреждений на поверхности заготовки.

Материалом для ручной выколотки могут служить листы стали, алюминия, меди и ее сплавов, бронзы, латуни, томпаков; серебра и даже золота. Основное требование к материалу – пластичность. Единственное ограничение – толщина листового металла не должна превышать 2 мм. Бытовую посуду чаще всего изготовляют из обычной (лучше низкоуглеродистой) или нержавеющей стали, из алюминия, меди, латуни. При этом для улучшения потребительских свойств и увеличения срока службы стальную посуду принято лудить или эмалировать, медную – лудить, алюминиевую – оксидировать или покрывать слоем другого металла электролитическим способом.

Ручную выколотку выполняют на опорном инструменте – вертикальных стойнах – выколоточными фигурными молотками. Перед началом выколотки производят раскрой заготовок в соответствии с желаемой формой изделия. При раскрое необходимо учитывать припуски на осадку заготовки под ударами. Если выпуклость изделия будет высокой, припуск дают больше. Величину припусков для того или иного изделия лучше определять опытным путем. По мере накопления опыта вы научитесь безошибочно необходимые припуски. Очень важно перед началом работы внимательно осмотреть заготовку. Наличие на ней глубоких царапин, выбоин, других дефектов повышает риск разрыва заготовки под воздействием ударов на местах обнаруженных дефектов. Если дефектов поверхности заготовки не обнаружено, то ее в обязательном порядке отжигают для придания пластичности и лишь после этого приступают к выколотке.

В зависимости от конфигурации выбирают соответствующее стойно и расположив на нем плоскую заготовку, начинают выколачивать ее в необходимом месте, где планируется выпуклость. Выколотку ведут частыми, но не сильными ударами выколоточного молотка. Постепенно края заготовки отгибаются внутрь. На этом этапе выколачивают выпуклость высотой, равной 1/6-1/8 итоговой высоты выпуклости. Здесь делают остановку. Дело в том, что одновременно с подгибанием краев заготовки внутрь, на них образуются складки, называемые гофрами. Чем глубже выпуклость, тем сильнее гофрятся края заготовки. Изделие в готовом виде не должно иметь никаких гофров (конечно, если их наличие не задумано мастером). Поэтому процесс выколотки периодически прерывают и занимаются устранением гофров. Для этого их сначала выделяют с помощью круглогубцев, а затем осаживают молотком на стойне (рис. 3.9).

Устранив образовавшиеся на первом этапе гофры, переходят к выколотке середины заготовки. Середину выколачивают такими же частыми, равномерными, но не сильными ударами. Периодически удары прекращают, чтобы осмотреть изделие, не достаточна ли высота выпуклости, не произошло заваливания выпуклости и ее кромок в какую-либо сторону. Этот момент очень важен, так как несимметрично выколоченным изделием мастеру предстоит проводить трудоемкую, серьезную исправительную работу.

Маленький недочет всегда можно легко исправить несколькими ударами. При выколотке середины удары наносят от центра заготовки к краям по траектории расходящейся спирали. Но при этом удары по самой высокой части выпуклости наносить ни в коем случае нельзя, иначе она неравномерно поднимется над общей поверхностью заготовки. Периодически заготовку отжигают (отжиг снимет внутреннее напряжение металла, возникающее под воздействием ударов, так называемый наклеп или нагартовку, и возвращает металлу пластичность), наносят круглогубцами гофры и осаживают их на стойне.

Когда необходимая глубина достигнута, выколотку прекращают, поверхность заготовки выглаживают гладильником, излишки материала на краях обрезают и зачищают заусенцы напильниками, наждачной бумагой и т. д.

Мастера старины были настоящими виртуозами выколоточных работ. Здесь и уже известные нам выколоточные молотки и опорные стойна, и «желобильни» – чугунные плиты с углублениями для выгиба краев дна у чайников, ведер, других изделий, и «осадки» с «обжимками» – толстые металлические стержни длиной 200–250 мм с углублениями на концах, применявшиеся для изготовления заклепок. Здесь и гладильники – подобия кузнечных гладилок применяли мастера и различные молотки: наводильники для осадки гофр, шаровые – для сферических поверхностей, шеечные – для образования шеек ваз, кубков, кувшинов.

Рис. 3.9. Выколотка полусферы на стойче ручным способом:

А – загиб края заготовки; б – гофрирование края; в – посадка гофров; г – выколотка середины; д – нанесение гофров; е – посадка гофров.

Кроме простых изделий мастера изготовляли сложные сборные конструкции. Здесь и самовары, и упомянутые уже кувшины, кубки, вазы. Элементы этих произведений (шейки, тулова, ножки) изготовлялись по отдельности, а затем соединялись при помощи фальцев. Такие детали как ручки, краны самоваров и др. отливались по формам и щедро украшались подчас уникальным узором. В настоящее время сборку отдельных элементов можно производить пайкой или сваркой.

Облегчало труд умельцев применение болванок. Болванки старых мастеров представляли собой чугунные опоры, имевшие форму и размеры готового изделия или его детали. Технику выколотки на болванках применяют и в настоящее время. Она ускоряет и упрощает процесс изготовления изделия и его деталей и даже может лечь в основу серийного производства изделий.

Болванки можно изготавливать из дерева, металла, стеклопластика, текстолита и даже камня. Рабочая поверхность болванки должна быть очень ровной и отполированной. Заготовку прикладывают к болванке и начинают выколачивать, передвигаясь от краев к выпуклости. Периодически заготовку снимают с болванки и подвергают отжигу. Вернув металлу пластичность, продолжают придавать заготовке форму болванки. Завершив формовку, изделие проглаживают, срезают излишки материала, зачищают заусенцы.

Сборку многоэлементного изделия производят пайкой. Чтобы соединительный шов не выделялся, его проковывают в холодном или нагретом состоянии молотками или небольшой по весу кувалдой. При термической (горячей) правке осуществляют местный нагрев заготовки в деформированной части. Делать это можно над газовой горелкой. Прогревают заготовки постепенно. За один проход вдоль деформированной части нагревают зону шириной в 0,5–2 толщины материала заготовки. Выравнивание происходит при охлаждении прогретой зоны в силу сжатия металла при переходе из горячего состояния в холодное. Дополнительная проковка шва позволяет увеличить эффект термической правки.

Нагрев шва всегда осуществляется с выпуклой стороны и начинается от центра выпуклости. Удары же начинают наносить вокруг нагретого участка, а затем уменьшая радиус, постепенно проковывают сам разогретый участок.

При описании выколотки мы затронули еще одну операцию. Это посадка гофров. Рассмотрим ее подробнее.

Посадка гофров. Посадкой называется изменение формы заготовки, в результате которого сокращается длина кромки с одновременным ее утолщением. Осуществляется посадка в два приема: гофрирование и собственно посадка гофра. Гофрирование производят, как вы уже знаете, при помощи круглогубцев. В этой части заготовки, которую нужно посадить, круглогубцами наносят невысокие, равномерные по всей длине борта заготовки гофры. В идеале высота гофра должна равняться его ширине. Затем вооружаются металлическим или деревянным наводилом (заостренным) молотком и начинают наносить удары сначала по высокому краю гофра, а затем по направлению от низкой части к борту (см. рис. 3.8, а; 3.9) удары должны быть легкими и частыми. Окончив посадку, поверхность заготовки выглаживают гладильником.

Вытяжка. Еще больше упрощает процесс холодная листовая штамповка. Это так называемая вытяжка. Ее применяют для изготовления объемных изделий или деталей простых форм из листов металла. Основные приспособления, требующиеся для вытяжки, матрица пуансон и прижим. Плоскую заготовку располагают между матрицей и пуансоном и, воздействуя силой удара на ударную часть пуансона, формируют из заготовки объемное изделие. Форма изделия задается формой матрицы и пуансона (см. далее главу «Басма»). Однако, в силу растяжения металла, на его кромке должны образоваться гофры. Чтобы этого избежать, применяют специальный прижим. Им плотно прижимают кромку вставленного между матрицей и пуансоном листа, но так, чтобы давление прижима не препятствовало передвижению материала (рис. 3.10).

Рис. 3.10. Приспособление для вытяжки: 1 – матрица; 2 – пуансон; 3 – заготовка.

Поверхности рабочего инструмента вытяжки, также как и во всех предыдущих операциях, должны быть гладкими и отполированными во избежание повреждения поверхности заготовки.

Выколотку по моделям применяют в работе над монументальной скульптурой, при изготовлении барельефов и скульптурно-декоративных композиций экстерьерного характера из меди, латуни, алюминия, нержавеющей стали. Монументы, выполненные выколоткой, долговечнее литых, удобны при перевозке, легки и прочны.

Технология выколотки. С авторского оригинала, отформованного в гипсе в натуральную величину, снимают кусковую гипсовую форму и изготовляют цементные модели головы, торса, рук и т. д. Для сильно профилированных деталей фигуры – лица, кисти руки и т. д. отливают боббитовые модели. Для сложных и ответственных по рельефу деталей отливают дополнительно боббитовые формы, которые служат матрицами для уточнения рельефа при выколотке.

Все металлы, кроме алюминия, предварительно отжигают, отбеливают, промывают и просушивают.

Выколотку отдельных деталей или частей фигуры выполняют на металле различной толщины: для цветного 1–2 мм, для нержавеющей стали – 0,5–1 мм. Площадь листовой заготовки рассчитывают с учетом вытяжки и посадки, измерения производят рулеткой или стальной линейкой по огибу модели. Листовой металл накладывают на кусковую форму, обжимают, закрепляют проволокой или куском веревки и производят выколотку вначале резиновыми, а затем деревянными и другими молотками. Затем заготовку повторно отжигают, нагревая ее до темно-красного каления, если она изготовлена из меди, стали или латуни. Алюминий отжигают осторожнее, до почернения предварительно нанесенным мылом рисок. Очищенную от окалины заготовку вновь накладывают на модель, закрепляют, и выколотку повторяют. В сложных случаях профилировки операцию повторяют несколько раз. С лицевой стороны заготовку утоняют стальными чеканами. Для этого ее заполняют смолой и после застывания прочеканивают и наносят фактуру (см. главу «Чеканка»). Сборку деталей и монтировку фигуры начинают с подгонки и пропиловки краев деталей между собой. Излишки металла обрезают ножницами и опиливают напильниками, затем листы подгоняют встык, сваривают, швы прочеканивают. Далее фигуру монтируют на стальной каркас. На внутренней ее поверхности приваривают специальные кламеры из того же металла. К ним через текстолитовые прокладки, которые нужны чтобы не образовались термопары, крепят стальной каркас.

Выдавливание. При выдавливании изделий из листового металла применяют токарный (или давильный станок). Токарный станок оснащается специальной оправкой, повторяющей требуемую форму изделия. Оправка может быть стальной, чугунной или деревянной. Посредством выдавливания изделиям придают формы тел вращения (например, полусферическую). Круглую плоскую металлическую заготовку зажимают между закрепленной в патроне или на шпинделе токарного станка и вращающимся центром задней бабки станка (рис. 3.11).

На опорном штифте специального упора (или подручника) устанавливают давильник. Давильники изображены на рисунке 3.12. Этот инструмент выполняется из стали, латуни, меди.

Рис. 3.11. Давильный станок: 1 – станина; 2 – шпиндель; 3 – заготовка; 4 – прижим; 5 – задняя прижимная бабка; 6 – опорный штифт; 7 – упор.

Рис. 3.12. Давильники: 1 – со сферической головкой; 2 – со скошенной головкой; 3 – с увеличенной сферой; 4 – с роликом.

Твердые породы древесины также допустимы для использования в качестве материала для давильников. Рабочая часть давильника имеет либо шарообразную, либо скругленную форму или же выполняется в виде вращающегося ролика. Длина рукоятки давильника должна быть не менее 400 мм.

Изготовление фигурной вазы и скульптуры (рыбки).

Ваза изготовляется из листовой латуни толщиной 0,8 мм. Ваза состоит из пяти частей: нижней, полусферической с дном; вставыша, изготовляется на токарном станке; средней конической; верхней фигурной и латунной ручки, изготовляется кузнечным способом, или литьем. Раскроенные нижнюю часть, верхнюю и среднюю выдавливают на давительном станке с помощью деревянной формы, затем края в месте стыка зачищают, заготовки связывают, подгоняют и пайкой выполняют вертикальные швы. Пайку ведут под слоем флюса с двух сторон, в качестве припоя можно использовать сплав серебра, цинка, меди и латуни, а для нагрева применить газовую горелку. Подготовленная таким образом нижняя часть вазы обрабатывается на деревянной форме специальными молотками с внутренней стороны до получения задуманной формы. Аналогично делается раскрой, подготовка, формовка и пайка верхней, фигурной, и средней, конической части вазы. Конус выбивается с применением наружного шаблона, а затем, для сглаживания появившихся на нём выбоин, поверхность обрабатывается с применением стальных специальных пунсонов, соответствующих форме вазы. Подготовленные таким образом детали вазы: верхнюю, нижнюю и среднюю части подгоняют; вставляют вставыш; изделие связывают; производят пайку соединительных швов. Оформляют горловину, припаивая фигурную ручку. Верхнюю часть горловины выполняют выколачиванием наружу и снизу усиливают латунной проволокой. Излишки металла удаляют, швы, и стенки вазы выравнивают и выглаживают для получения требуемой формы, затем поверхность обрабатывают 5 %-ным раствором серной кислоты. Ваза подготовлена для отделки, а именно, выполнения чеканного рисунка (см. главу ниже). Ваза может украсить ваш интерьер.

Научившись выколачивать правильную полусферу, попробуйте взяться за выделку декоративной металлической посуды. Готовую посуду можно украсить гравировкой или чеканкой.

Современные художники-прикладники успешно применяют выколотку для создания настольной декоративной скульптуры. Предельно лаконичным, скупым, но точным языком пластики художники передают самое характерное в изображаемой натуре, создают обобщенный, легко запоминающийся образ, не забывая выявить специфическую красоту самого материала.

Как обычно, творческая работа над скульптурой начинается с выполнения набросков с натуры, на основе которых разрабатывается эскиз. Чтобы достаточно хорошо изучить натуру, нужно сделать множество набросков в самых различных ракурсах. Эскиз составляют с учетом материала и техники, которые будут применены. Руководствуясь эскизом, лепят модель из глины или пластилина. По модели изготовляют выкройки разверток. Внимательно изучив вылепленную модель, решают, как наиболее удачно выполнить раскрой, стараясь свести до минимума количество выкроек. На модели карандашом можно нанести примерные линии стыков выкроек. Затем прикладывают к модели бумагу или фольгу и прорисовывают контуры каждой выкройки. Можно использовать кальку или папиросную бумагу, через которые хорошо видны линии раскроя.

Затем выкройки переводятся на плотную бумагу или тонкий картон. С помощью вырезанных шаблонов раскраивают металлический лист.

Надо иметь в виду, что как бы тщательно ни были подготовлены выкройки, контуры и размеры их все же будут довольно приблизительными. Ведь после того как будет выколочена каждая деталь, площадь поверхностей у них увеличится.

При дальнейшей работе над скульптурой, вплоть до завершения сборки, постоянно уточняйте форму и контуры каждой детали. Конечно же, при работе в материале не обязательно точно придерживаться форм, найденных в модели. В процессе выколотки сам материал и приемы его обработки могут подсказать более выразительное пластическое решение. Помните, что в свободной ручной выколотке творческое начало присутствует на всех этапах работы, начиная с наброска на листе бумаги и кончая сборкой и патинированием.

Декоративную настольную скульптуру можно выполнить из листовой красной меди. Если меди нет – заменить листовой латунью.

Перед раскроем заготовок металл отожгите и опустите в холодную воду, чтобы снять окалину. Шаблоны вырежьте из плотной бумаги или тонкого картона. Наложив шаблоны на металл, обведите их стальной чертилкой. Аккуратно вырежьте каждую деталь.

Выколачивать детали можно на опорном инструменте или на толстой свинцовой плите. Такую плиту изготовить довольно просто (см. главу «Литье металла»). В широкую жестяную банку положите куски свинца и расплавьте на огне. Слой расплавленного свинца должен достигать примерно 30–40 мм. Погасите огонь. Остывшую плиту выбейте из банки, и наковальня готова.

Положите деталь на плиту и начинайте выколачивать, нанося сильные и точные удары.

Под ударами молотка медь начинает вытягиваться, а в свинце образуются углубления, точно повторяющие форму выколачиваемого медного листа.

Обработанные выколоткой детали сгибайте на краю верстака или наковальни. При этом внутренняя поверхность листа испытывает деформацию сжатия, а внешняя – растяжения. Мелкие детали сгибайте плоскогубцами. Перед сборкой и спайкой каждую деталь плотно подгоните друг к другу в местах стыков, срезая лишние куски металла ножницами или стачивая напильником. Спаивать можно оловом, применяя в качестве флюса канифоль или хлористый цинк.

Более простые полые формы для украшения интерьера, имеющие симметрию, например рыбку (см. рис. 3.13), можно выколотить на болванке из девятислойной фанеры. Если фанеры такой толщины нет, ее можно склеить под прессом из трех листов трехслойной фанеры.

Выпилите в болванке сквозное отверстие, соответствующее контурам туловища рыбы, и положите болванку на низкий ящик. На дно ящика положите кусок пластилина так, чтобы он плотно заподлицо заполнял вырез в фанере. Затем сверху наложите медный лист и приступайте к выколотке.

Чтобы металл не разорвался, выколотку нужно начинать над краями отверстия, постепенно продвигаясь к середине, пока заготовка не примет нужную форму. Точно так же выколотите вторую, половину. Только не забудьте фанеру с вырезом перевернуть на другую сторону.

Закончив выколотку боков, прочертите и вырежьте хвост и плавники. У той и другой половины они должны точно совпадать и плотно прилегать друг к другу. Прежде чем спаивать половины, просеките в них узкие поджаберные отверстия. С внутренней стороны плавники и хвост зачистите шабером, напильником или наждачной бумагой, затем смочите хлористым цинком (паяльной жидкостью) и пролудите всю поверхность оловом. Из нихромовой проволоки (она не деформируется при нагревании) изготовьте зажимы.

Внутреннюю поверхность плавников и хвоста смажьте хлористым цинком. Обе половины соедините зажимами так, чтобы края их совпадали. На газовую плиту положите металлическую сетку, а на нее корпус рыбы. Нагревая корпус на огне, внимательно следите за швом. Как только в нем появится расплавленное олово, газ нужно выключить. Через некоторое время остывший корпус снимите с сетки, уберите зажимы и обработайте напильником края хвоста и плавников.

Завершите сборку припаиванием мелких деталей – боковых и нижнего плавников, которые вырежьте заранее, а также выгнутых из медной проволоки колец вокруг глаз и окантовки рта.

Все медные или латунные фигурки патинируют. Перед этим зачистите их металлической щеткой и наждачной бумагой. Наиболее часто для меди и латуни применяется способ патинирования серной печенью. В данном случае слово «печень» образовано от слова «спекать» – чтобы ее получить, спекали порошки серы и поташа. Пары серы ядовиты, поэтому серную печень нужно готовить в вытяжном шкафу или в хорошо проветриваемом помещении. Одну часть порошковой серы смешайте с двумя частями поташа и в течение 15–20 минут расплавляйте (спекайте) смесь в металлической посуде. К концу или в середине спекания смесь может загореться слабым зеленоватым огнем. Такое горение допустимо и не отражается на качестве серной печени.

Остывшую смесь растолките в ступе. Перед употреблением порошок залейте горячей водой и тщательно размешайте раствор. Затем в него опустите изделие. Когда латунь или медь почернеет, извлеките изделие из раствора и промойте чистой водой.

Патинированное таким образом изделие приобретает интенсивный черный цвет. Чтобы чувствовался металл, а детали выступали более рельефно, выпуклые части протрите мелко просеянным речным песком или порошком пемзы. В протертых местах появится легкий мерцающий металлический блеск, плавно переходящий в темный цвет углубленных частей скульптуры.

Операцию по отделке – патинирование, оксидирование, шлифовку, полировку производят в соответствии с замыслом автора и в зависимости от материала, из которого выполнена дифованная скульптура.

Рис. 3.13. А. Станиславский. Настольная декоративная скульптура «Рыбка». Красная медь, 1973 г. Последовательность работы над скульптурой: 1 – изготовление формы-болванки; 2 – выколотка; 3 – сборка перед пайкой.

Рис. 3.14. Образцы учебной посуды, выполненные дифовкой.

Простые образцы посуды, выполненные дифовкой и выдавливанием см. на рис. 3.14.

 

4.1. Основные сведения

В главе «Чеканка» выделено несколько разделов, благодаря которым вы сможете познакомиться с новой эстетикой – эстетикой металла. Своей глубиной, обширными возможностями она поражает всех, кто когда-либо соприкасался с декоративным металлом. Окружите себя металлической красотой, и вы увидите, как выигрывает от этого любой интерьер, любой ландшафт. Может быть, заразительная сила металла привлечет к вам тех, кто считает, что работа с металлом – дело невероятно сложное для обычного человека, и откроет вам путь к новой профессии.

В списке декоративных техник обработки металла чеканка занимает особое место. Нет необходимости объяснять современному человеку, что собой представляет чеканное изделие. Художественная чеканка из листового металла один из самых увлекательных и интересных видов художественной обработки. Но в то же время один из наиболее сложных по выполнению и трудоемких видов прикладного искусства.

За многовековую историю развития этот вид декоративного искусства приобрел большое разнообразие жанров. Чеканка применяется при создании больших, многометровых произведений – панно, барельефов, украшающих современные архитектурные ансамбли. И в то же время техникой чеканки пользуются ювелиры, изготовляя миниатюрные украшения, размеры которых не превышают нескольких миллиметров.

Одно из главных положений прикладного искусства, в том числе и чеканки, заключается во взаимосвязи пользы и красоты создаваемых вещей. Это касается любых произведений декоративно-прикладного искусства: орудий труда, предметов потребления и практически всей материальной культуры.

Будущий мастер должен прочно усвоить эту истину. Поэтому, желательно, чтобы искусство чеканки осваивалось на предметах, имеющих определенную практическую пользу. Начинать следует с простых плоскостных работ с несложным рисунком и сравнительно невысоким рельефом. По своим размерам они не должны быть слишком большими или слишком миниатюрными. Материал для начала – медь или латунь. Примером плоскостных предметов для чеканки может быть небольшой поднос с невысоким краем, крышка альбома для марок, открыток и фотографий, стенка для календаря (настольного или настенного), абажур для настольной лампы, лоток для туалетных мелочей, задняя стенка туалетного ручного зеркала, неглубокая пепельница и т. д.

Прежде чем браться за самостоятельное, законченное произведение, полезно выполнить несложное тренировочное задание. На нем отрабатывается навык в проведении прямых и кривых линий, приобретается твердость и уверенность руки.

Может быть, поэтому чеканка по листу относится к одному из наиболее популярных среди учащихся и студентов способов художественной обработки металла.

Во многих музеях мира сохранились металлические изделия мастеров древнего мира, средневековья и эпохи Возрождения. Из листового металла, обладавшего высокой пластичностью, мастера изготавливали боевые доспехи, посуду, и декоративные украшения. Особенно разнообразной была кухонная и столовая утварь: котлы, братины, ковши, черпаки, блюда, кувшины, вазы, чайницы и многое другое. Мастера не только стремились изготовить добротную и удобную посуду, но и старались сделать ее эстетически привлекательной. Среди различных приемов декоративной отделки посуды значительное место занимала чеканка, с помощью которой на поверхности изделий созданы орнаментальные и сюжетные рельефы.

В технике чеканки созданы ювелирные изделия, оклады икон, оружие и даже скульптурные монументы. Древние мастера знали множество приемов чеканки, позволяющих создавать как низкий, так и высокий рельеф. При отделке чеканного рельефа они умело сочетали гладкие блестящие элементы узора или сюжетного изображения с матовым канфаренным фоном, гравировкой, чернью и позолотой наводкой.

Чеканка бала известна в Древнем Египте (рис. 4.1), Древней Греции и Риме, применялась в искусстве Китая, Ирана, Индии и Японии.

Рис. 4.1. Пластинка опахала из гробницы Тутанхамона с изображением охоты фараона на страусов. Около 1345 до н. э. Египетский музей. Каир.

Скифы были великие мастера чеканки. В V–IV веке до н. э. они изготовили множество различных изделий из драгоценных металлов, в том числе и контурной чеканки с применением различных фактур как по фону, так и по изображаемому рисунку. На предметах быта изображены сцены из жизни животных, борьба зверей, растения, рыбы. Чистый фон, четко обозначенный контур рисунка, а изображение прочеканено различной фактурой – штрихами, точками, мелким растительным орнаментом, которые усиливают характер предмета (рис. 4.2, 4.3).

Весьма интересны художественные произведения из металла эпохи Сасанидов.

Рис. 4.2. Бляха в виде фигуры пантеры. VII в. до н. э. Келермесский курган 1, Прикубанье, Краснодарский край. Россия. Золото; пайка, чеканка, перегородчатая инкрустация. Эрмитаж.

Рис. 4.3. Фиала с изображением сцен терзания животных. Золото, чеканка. Конец V – начало IV вв. до н. э. Курган Солоха. Впускное погребение, Приднепровье, Запорожская область. Украина.

С давних времен широко была распространена чеканка и в нашей стране. Уже в домонгольской Руси было известно несколько разновидностей чеканных работ: плоскостные, рельефные композиции, а также узоры, выполненные особой, орнаментально-пуансонной техникой. О высоком развитии этого искусства в Древней Руси можно судить по находкам археологов. Обнаруженные клады относятся ко времени нашествия батыевых орд (1237–1241 гг.).

Для северных городов в IX–X веках была характерна пуансонная чеканка. В Новгородской области найдены тонкие пластинки из серебра, которые были украшены различными пуансонными орнаментами в виде небольшого кружка или треугольника.

Среди находок – оковка турьего рога из так называемой «черной могилы» – высокого кургана в районе Чернигова (X век). На золотистом фоне отчетливо проступают фигуры людей, птиц, различных сказочных чудовищ.

Это были сосуды для питья – ритоны, имевшие ритуальное значение. Они тесно связаны со славянским языческим культом и были атрибутами языческих богов и принадлежностью ритуальных пиров. Оба рога были помещены в курган уже после того, как догорел погребальный костер. Турьи рога-ритоны из Черной Могилы окованы серебром вокруг устья и украшены квадратными накладками в средней части. Оковка меньшего из рогов (длина 54 см) орнаментирована растительным узором, переплетенным в гирлянды. Другой турий рог (длина 67 см) украшен сложнее – на оковке отчеканен интереснейший фриз из разнообразных чудовищ, птиц и людей.

Центральное место в орнаментальной композиции занимает изображение двух человеческих фигурок, птицы и волка, обращенное к лицу, пьющему из ритона. Изображения на турьих рогах-ритонах из Черной Могилы так и остаются «непрочитанными учеными».

Качество изготовления рельефов позволяет судить о высоком художественном уровне и разнообразии технологии русской чеканки в начале X века (рис. 4.4).

Плоскорельефный способ (вокруг узора уплотняется и опускается фон), широко развитый в X и в первой половине XI века, постепенно заменяется басменным тиснением и объемной выпуклой чеканкой. Чтобы не порвать металл, работали на вязкой и прочной основе – смоле. Так сделан узор на шлеме князя Ярослава Всеволодовича (рис. 4.5).

Рис. 4.4. Братина дьяка Михаила Данилова. XVII в. Серебро, чеканка. Московская Оружейная палата.

Рис. 4.5. Шлем князя Ярослава Всеволодовича. Сталь, чеканные накладки из серебра. 1216 г. Московская Оружейная палата.

Объемная и выпуклая чеканка выполнялась попеременно то с обратной, то с лицевой стороны. Это позволяло вытягивать участки металлического листа и получать высокорельефные изображения. На шлеме вместе с фигурой архангела хорошо видны барсы, грифоны. Другой пример – новгородские сосуды с фигурно изогнутыми ручками. Они созданы в конце XI – начале XII века мастерами Братилой и Костой. На рельефах – фигуры людей и виноградные листья.

Технического совершенства и пластического эффекта в высоком чеканном рельефе (особенно при наличии фигур) в средние века достигали французские и немецкие златокузнецы, в IV веке – итальянские, в конце XVI века – немецкие мастера. Тем самым уже тогда были достигнуты границы возможного для этой техники. Позднее подобный декор отливался и припаивался. Еще в древности применялась чеканка по твердой модели, в особенности для выделки фигур. Золотой или серебряный лист разгонялся по бронзовой или железной модели и затем снимался с нее.

Монголо-татарское владычество приостановило развитие искусств и ремесел. Отдельные виды художественной обработки металлов полностью исчезли на русской земле вместе с угнанными в неволю талантливыми мастерами, и только после освобождения русский народ сумел возродить искусство чеканки, а своего расцвета – в древнерусском искусстве IV–XVII веков. Дальнейшее развитие она получила в XVIII и XIX веках. Например, сохранились чеканные изделия новгородских чеканщиков XI–XII веков культового характера (оклады икон и др.), в которых своеобразно сочетаются черты русского и византийского искусства. Это не только орнаментальные композиции, выполненные чеканкой из листа, но и чеканные литые фигуры. К этому времени относятся образцы чеканного искусства Владимиро-Суздальской Руси. К 1412 году относится работа мастера Лукиана (складень), изготовленная чеканкой с чернью, а также работы тверских ювелиров, выполненные чеканкой по серебряному литью. Чеканка по высокому рельефу производилась мастерами-треками в Москве, а чеканные ковши и чаши – в Новгороде. Особенно пышного расцвета достигла чеканка в XVI веке, в Ярославле она сочеталась с резьбой и гравировкой, в Нижнем Новгороде обогащалась литыми скульптурными деталями. Новгородские чеканщики стали применять чеканку с конфаренным фоном. Расцвет чеканного искусства продолжался и в XVII веке. Появились новые приемы и художественные особенности: со второй половины XVII века и с начала XVIII века в Новгороде чеканщики применяют прорезной орнамент, в Костроме развивается плоская измельченная чеканка, чередующаяся с литьем и резьбой, в Ярославле чеканка достигает особой пышности, расцвечивается цветной эмалью (см. рис. 4.6).

На рубеже XVI–XVII века широко распространяется басменное тиснение. Басму отличает равномерно повторяющийся орнамент и стыки на границе соседних узоров. Мастера работали главным образом с медными литыми или гравированными матрицами. Сохранились оклады икон и украшения книжных переплетов.

Временем расцвета старинных русских ремесел можно считать XVI–XII века. В этот период в Ярославле и Сольвычегодске, Казани и Костроме создаются выдающиеся произведения чеканки, черни, гравировки и эмали. В музеях можно увидеть великолепные серебряные и золотые чаши для пива и кваса, братины, кубки, кунганы, ендовы, сулеи, ларцы, коробки, рамы для зеркал, футляры для очков. Рисунок покрывал нарядные доспехи, конскую упряжь. С особым изяществом изготавливались жалованные ковши, предназначенные в качестве наград за отличие в воинских делах или гражданских службах. Изысканную форму ковша дополняли узор и дарственная надпись (рис. 4.7).

Рис. 4.6. Серебряный чеканный оклад иконы с видом Толгского монастыря. Ярославль, 1853 г.

Рис. 4.7. Жалованный ковш. XVII век. Серебро, чеканка, выколотка. Московская Оружейная палата.

Изделиями из металла славились мастера Московской Оружейной палаты, сюда собирали умельцев по царскому указу. Здесь работали бывшие новгородцы, рязанцы, ярославцы и другие ремесленники. При изготовлении утвари они чаще всего применяли мелкий чеканный или гравированный травный узор, заполнявший всю поверхность изделия. Старинные летописи сохранили имена выдающихся русских мастеров. Василий Андреев (годы творчества с 1685 по 1699), думный дьяк П. А. Третьяков и дьяк Ф. Н. Апраксин славились художественными работами по серебру. Андреев делал также матрицы для чеканки монет. Уникален парадный шлем царя Михаила Федоровича, выполненный мастером Никитой Давыдовым в 1621 году и украшенный чеканкой, гравировкой, позолотой, эмалью и драгоценными камнями.

В XVII веке чеканные пластины – бляхи – из золота и серебра оживляли строгие стальные кольчуги. На боевых топорах и бердышах тех времен – ажурный узор из декоративных зверей, птиц и растений. Украшением военного снаряжения славился мастер Нил Просвист. В 1630 году московский чеканщик Гавриил Евдокимов выполнил трехмерную чеканную скульптуру царевича Дмитрия в полный рост.

В XVIII веке искусство художественной обработки металла получило свое дальнейшее развитие. В Москве, Петербурге, Украине, Грузии, Средней Азии в этот период создаются многие произведения декоративно-прикладного искусства. Пластические композиции по-прежнему выполняются преимущественно в формах рельефа, органично включенного в общее изощренное декоративное решение с завитками чеканного орнамента и искрящимися драгоценными камнями. Выдающимися оружейниками считаются тульские мастера, которые, кроме оружия, изготовляли предметы чайного стола. Мастера-чеканщики нередко украшали кружки, стаканы и другие предметы накладными ажурными «покрывалами», составленными из повторяющихся фигурок играющих амуров, богинь на колесницах, танцовщиц в античных одеждах и др.

Во многих музеях нашей страны хранятся прекрасные образцы изделий с чеканными рельефами, выполненные на высоком профессиональном уровне мастерами разных поколений. Вам не раз приходилось их видеть не только в музеях, но и на репродукциях в книгах и альбомах по искусству. Но мало кому известно, что приемы чеканки хорошо знал и умело применял великий русский ученый М. В. Ломоносов. Среди экспонатов Исторического музея в Москве находится куб для перегонки нефти. Под этот куб ученый приспособил одну из красномедных четвертин, выпускавшихся в XVII–XVIII веках на заводах Урала. М. В. Ломоносов впаял в крышку пароотводную трубку и собственноручно украсил поверхность четвертины чеканным орнаментом.

Раскопки дают возможность познакомиться с древнейшими изделиями русской контурной чеканки, особенно предметами объемной формы. На одной из находок – медном чайнике (примерно XVIII в.) выполнен роскошный растительный орнамент, хотя весь рисунок сделан расходником одинаковой линией и благодаря этому создан определенный ритм растительного орнамента.

Для XVIII века характерно дальнейшее развитие искусства художественной обработки металла. Наряду с Москвой во многих городах России в этот период создаются произведения декоративно-прикладного искусства.

Отличными мастерами славились Петербург, Великий Устюг и Вологда, Златоуст и Тобольск.

Во второй половине XVIII столетия Тобольск был самым крупным городом Сибири. Именно в это время здесь успешно развивается серебряное дело. Мастера прекрасно владеют такими приемами, как чернь, чеканка, гравировка. Шкатулка (см. рис. 4.8) украшена рельефным чеканным изображением различных пейзажей. В чеканном орнаменте использованы мотивы стиля рококо. По мастерству исполнения шкатулка не уступает столичным образцам.

В России постепенно стало традицией украшать не только предметы светского и церковного быта, но и замки, медальоны, металлические детали парадного оружия.

С середины XIX века на изделиях стали помещать портретные изображения в фигурных клеймах с гирляндами и вплетенными в них рогами изобилия. Узоры отбирали произвольно, из различных стилей – барокко, рококо, классицизма.

Характерным становится обращение к мотивам и сюжетам старины и Древней Руси. Мастера изготовляют в древних техниках и формах оклады икон (см. рис. 4.9), братины, ковши и т. п. Так, кружка мастера Ф. Генрихсена навеяна формами старинных кружек с откидывающимися крышками и представляет собой смешение разностильных форм чеканной орнаментики, стилизованных под древнерусскую вязь надписей, множества разновременных монет и медалей на сосуде. На ручке мастер поместил литое изображение женщины в русском костюме, удивляющее проработкой деталей с имитацией фактуры различных тканей.

Рис. 4.8. Шкатулка. Серебро; чернь, чеканка, гравировка. Вторая половина XVIII в. Стиль рококо. Тобольск. Россия.

«Все русские ремесленники превосходны, очень искусны и так смышлены, что все, чего с роду не видывали, не только не делывали, с первого взгляда поймут и сработают столь хорошо, как будто с малолетства привыкли», – так рассказывал один иностранец, побывавший в Москве в XVII веке.

В XX веке чеканка, после некоторого к ней охлаждения, возродилась вновь. Художественными богатейшими традициями известно искусство народов Дагестана. Начиная с XII века медночеканным производством славились аулы Кубани, Кумух и несколько позднее – Гоцатль. Всегда традиционными изделиями горцев были всевозможные кувшины-мучалы для воды (рис. 4.10), кухонная посуда, декоративные настенные блюда и подносы из красной меди, ювелирные изделия.

Рис. 4.9. Оклад Евангелия. Начало XIX века. Серебро, 38×28 см. Техника литья с прочеканкой художественных форм, с последующим золочением и гравировкой поверхности изделия. Место нахождения: Россия. Уфа.

Рис. 4.10. У «Источника невест» девушки с кувшинами-мучалами. Кубачи. Дагестан.

Очень красиво смотрятся своеобразные Кубачинские кувшины с растительными и геометрическими орнаментами. Предание гласит, что первым мастером в ауле Гоцатль был Ахкубек. Известно имя другого старинного мастера – Мусса. Дагестанские мастера всегда были не только прекрасными оружейниками, но и носителями высокой культуры орнаментально-декоративного искусства. Из всех видов декоративно-прикладного искусства особое развитие получило там ювелирное дело. Ювелирные изделия кубачинцев ценятся во всем мире. Очень красивы Кубачинские браслеты, плоские и перевитые, украшенные крупной зернью, сердоликами, вставками черного агата, яркой бирюзы или красного коралла. Почти каждый дом кубачинца – это своеобразный музей. Стены увешаны фаянсовыми и фарфоровыми блюдами, сделанными в разных странах и в разное время. Тут можно встретить персидский и китайский фаянс, русский фарфор и местные изделия, покрытые слоем глазури яркого синего тона. Вдоль стен на лавках стоят бронзовые котлы, литая и кованая медная посуда. Некоторые из этих вещей отлиты еще в ХII – ХIII веках. Расул Гамзатов посвятил знаменитым кубачинцам стихотворение в конце 1960-х годов:

У КУБАЧИНЦЕВ

В Дагестане наряду с традиционной гравировкой и чернью по серебру развивается искусство чеканки по меди, латуни. Как и в старину, кубачинцы изготовляют сосуды для хранения сухих продуктов и воды. Почти каждый житель в Кубачах умеет рисовать орнамент. Когда в местной школе идет урок орнамента, педагог совершенно свободно и уверенно рисует на доске мелом любые орнаментальные мотивы и даже целые композиции. Сложные технические навыки, необходимые кубачинскому мастерству в процессе гравировок, чеканки, рисования орнаментальных композиций приобретается при систематических тренировках, начатых в раннем возрасте (см. рис. 4.11).

Полученные знания в школе или в декоративно-прикладном училище ученики совершенствуют дома. Почти каждый ученик или ученица – дети потомственных кубачинских мастеров. В доме каждого кубачинца имеется маленькая мастерская, где аккуратно разложены инструменты для работы. Рядом с мастером, например сын-школьник. У него в руках медное блюдо, кувшин или другое изделие. В центре блюда, к примеру, резцом нанесен узор орнамента. Школьник или учащийся СПТУ ведет работу, уверенно орудуя молотком и чеканом или гравировальным резцом.

В XVII–XIX веках в Сибири якуты занимались изготовлением чеканных женских поясов. Они состояли из 15–16 пластинок с полугеометрическим-полурастительным узором. Две или три более крупные пластинки были украшены сценами охоты или всадниками, львами и птицами. Якуты применяли в своей работе латунь и бронзу.

Сохранились бурятские ювелирные изделия тех времен в технике чеканки, гравировки, насечки, филиграни, черни, эмали. А также посуда – чаши, кувшины, блюда, курильницы, туалетные наборы и пуговицы.

Чеканка – это не только плоскорельефные узоры на ювелирных изделиях или предметах быта. Техническую разновидность чеканки – дифовку (см. главу выше), использовали с давних времен для выколачивания щитов, шлемов и рыцарских лат. Позже этот способ стали применять при создании огромных монументальных скульптур.

С середины XIX века в сочетании с дифовкой стали использовать технологию гальванопластики, позволяющую точно репродуцировать наиболее ответственные участки фигуры. Вместе с дифовкой и чеканкой гальванопластика прочно вошла в технологию монументального искусства.

Удивительное пластическое богатство таит в себе чеканная металлическая пластинка, выполненная из жести, красной меди или алюминия. Ее рельеф при минимальной изобразительности приобретает черты монументальности, ту спокойную уравновешенность, которая присуща отшлифованным веками произведениям народного искусства.

Рис. 4.11. И. Салтанов. Декоративное блюдо. Кувшин. Работы кубачинских учащихся ОПТУ.

Возрождение этого древнего искусства в СССР началось в 50-е годы прошлого века в Грузии, когда Ираклий Очиаури выполнил на латунном листе портрет своего учителя – известного грузинского скульптора Якоба Николадзе. Но понадобилось почти десятилетие, чтобы чеканка заняла подобающее место в ряду современных жанров искусства.

Нелегко и непросто рождалась заново чеканка. Сначала художники повторяли орнаментальные мотивы старых форм, как бы не в силах противостоять их завораживающей красоте. Серебряные чеканные браслеты, чаши подносы, пояса из чеканных пластин, медальоны с профилями как будто перенесенными со старинных монет. Но шло время, крепло мастерство, ширилась творческая фантазия художников, и из-под их рук стали выходить работы оригинальные, полные современной красоты и национального своеобразия. Техника чеканки хорошо применяется современными мастерами при создании декоративных панно и посуды, служащих украшением интерьера (см. рис. 4.12-4.17), а также различных ювелирных украшений.

Рис. 4.12. В. Дегтярев. «Ходжа Насреддин в Самарканде». Медь, чеканка.

Рис. 4.13. Сыров В. Ассамбляж-коллаж «Жар птицы». Медь. Стиль: Символизм. Направление: Панно. 1979 г.

Рис. 4.14. К. И. Тригуб. Панно «Свидание». Медь, 500×400. Россия. 1979 г.

Рис. 4.15. Казанок В. А. «Добрые вести». Современный дизайн. Резное дерево, медь, чеканка. 1995 г.

Рис. 4.16. В. Байбалюк, г. Братск. Россия. «Сварка межпланетного причала». Чеканка по меди с тонировкой удачно подошла к теме сварочных работ в космосе. Астронавты, изображенные здесь, работают с металлом. Форма изображения будней космоса нашла здесь точное соответствие с одной из сцен будущего.

Рис. 4.17. Современный дизайн. «Раба любви». Студия Караваджо-Арт. Мариуполь. Украина. Медь, 620×420.

Рис. 4.18. Е. Н. Лещук. Учитель технологии. Тарелка декоративная. Чеканка. Медь. Украина.

Стили чеканки.

Прекрасные декоративные свойства чеканки позволяют создавать новые интересные и уникальные изделия, как в сложившихся традициях этого вида творчества, так и добавлять свои формы подачи.

В настоящее время многие мастера изготовляют чеканку в основном в историческом, современном и в этническом стилях (восточный, марокканский, грузинский, узбекский и т. д.), а также могут выполнить художественную чеканку и в древнерусском стиле, и в модерне.

За последние годы ни одна крупная художественная выставка не обходится без чеканки. Интерес к ней все возрастает. Чеканкой занимаются не только художники-профессионалы, но и многие, в том числе и молодые любители художественного творчества и учителя технологии (рис. 4.18).

Тематический диапазон в современной чеканке необычайно широк. Здесь жанровые сцены, литературные образы, типический портрет, можно встретить буквально все жанры станкового искусства – каждый кусочек листа металла, пройденный чеканом, искрится и играет.

Чеканка по металлу – произведение декоративно-прикладное и, как всякое подобного рода произведение, не существует изолированно. Оно находится во взаимосвязи с определенным интерьером, который в свою очередь включается в общий ансамбль помещения или целого архитектурного комплекса. Если вы желаете, чеканные рельефы вмонтировать в какой-либо предмет, то должны продумать, способствует ли это вкрапление созданию общего композиционного образа и подчиниться эстетическому и функциональному назначению предмета.

Непременной деталью традиционной одежды жителей Таймыра являются пластинки и бляшки с изображением гагары, ими нередко украшают и оленью сбрую. Бурятия в настоящее время славится своими работами ювелиров-златокузнецов, они выполняют изделия из отбеленного серебра, выполненного в технике скани. Мастера используют традиционные узоры на кулонах, браслетах и серьгах из растительных завитков, драконов, львов, рыбок, изображают бутоны лотоса и сверкающие солнечные диски.

Нередко чеканное панно используют как составную часть большого архитектурного ансамбля. Примером может служить накладна я чеканка по алюминию на темном фоне: декорирующая стены станции метро «Варшавская», чеканные рельефы на меди по мотивам произведений А. С. Пушкина на станции «Пушкинская» Московского метрополитена и некоторые другие. В этом случае композиционный и образный строй должен подчиняться целому ряду специфических особенностей, «… связанных с практическим применением искусства». Вот его важнейшие особенности: 1) тесная связь отдельного произведения с ансамблем, в результате чего возникает сложный суммарный образ; 2) материальность, вещественность декоративной формы, определяемая задачей органического слияния с материальной средой; 3) особый изобразительный язык, ограничивающий выбор тем и сюжетов, диктующий построение формы.

Новаторство в искусстве чеканки .

На художественно-графическом факультете КЧГУ г. Карачаевска большое внимание уделяется развитию и изучению народных промыслов КЧР. Одним из тех, кто по крупицам собирает, восстанавливает и даже вносит новаторство в древнее искусство чеканки, стал преподаватель кафедры декоративно-прикладного искусства Казимир Владимирович Эсеккуев.

Для работ по художественной чеканке и инкрустации металлом по дереву им разработана новая программа по систематизации, стилизации и разработке национального карачаевского орнамента. Идею можно заимствовать из всего: из элементов национального ковроткачества – (карачаево-балкарских войлочный ковров – кийизов), из орнамента надгробных камней. Казимир берет за основу традиционное народное творчество, основываясь на готовом материале, а потом переплавляет его в недрах своей фантазии, стилизуя старинное искусство под чеканку и насечку металлом по дереву. Это его ноу-хау. Кроме того, он разработал ряд программ для кружковых занятий в школах и для института дополнительного образования. До него никто этими проблемами еще не занимался.

Дисциплина, который преподает Эсеккуев Казимир, называется «Декоративно-прикладное искусство с практикумом». На занятиях изучаются не только технология, но и материалы, оборудование по художественной обработке металла, художественная чеканка, инкрустирование металлом по дереву, скань, филигрань, гравировка, тиснение и многое другое.

В 2007 году Казимир Эсеккуев принял участие во Всероссийской научно-практической конференции и выставке в Махачкале, где выступил с работой «Декоративное блюдо» (рис. 4.19).

Новаторские методы Казимира продолжают его ученики – все его дипломники защищаются на «отлично», участвуют во многих выставках.

Как научиться создавать подобные вещи? Внимательно прочитайте то, о чем мы хотим рассказать в этой главе, и вы многое узнаете о создании чеканного изделия. Что такое басма вы узнаете из следующей главы, и как этот прием способен упростить труд чеканщика.

Рис. 4.19. К. В. Эсеккуев. Преподаватель КЧГУ. «Декоративное блюдо». Чеканка. Медь. Россия. 2007 г.

 

4.2. Виды чеканных работ

Контурная чеканка – это создание контурного рисунка на плоскости металла с помощью расходника, пурошника и фактурных чеканов. Этот вид чеканки не предусматривает выколотки рельефов и поэтому эта техника несколько напоминает гравировку. Техникой чеканки легче создать более сочный, живой рисунок, акцентируя его местами более сильными ударами и применением некоторых других чеканов, кроме расходника. Контурная чеканка может быть исполнена как вогнутой, опущенной, так и выпуклой, поднятой над фоном линией. Этим способом чеканки часто пользуются при создании различных предметов быта. Они декорируются растительным и другими видами орнамента, выполненными одной линией без выколотки рельефа.

Выпуклая контурная чеканка – это разновидность контурной чеканки, где рисунок читается за счет выпуклой линии рисунка, которая поднята расходником с оборотной (изнаночной) стороны.

Создание декоративного рисунка и даже рельефа только за счет опускания фона часто применялось как в прошлом, так и в наше время. Такой способ чеканки является как бы дальнейшим развитием контурной чеканки. Особую свежесть и мягкость рельеф приобретает благодаря тому, что после обводки рисунка расходником опускается фон с помощью различных лощатников и матовых чеканов, а рисунок орнамента или другого изображения остается выпуклым и нетронутым. К примеру, мастера XVII века всю работу от начала до конца производили на смоле. Рисунок делали четко, в одну линию, переводили на листовой металл толщиной не более 0,5 мм канфарником, причем на оборотную сторону пластины. Это делалось для того, чтобы можно было сразу делать легкую выколотку рельефа. Затем чеканку снимали со смолы, отжигали, отбеливали и насмаливали лицевой стороной наверх. После затвердения смолы делали прочеканку рельефа, для чего весь рельеф по контуру подчеркивали почти острым расходником, проглаживали листочки лощатником и в последнюю очередь прочеканивали фон фактурным чеканом. Затем пластину окончательно снимали со смолы, отжигали, отбеливали, промывали, сушили и выправляли. Этот же вид чеканки применяют и на объемных изделиях.

Ажурная чеканка – отличается от контурной тем, что фон орнамента или какого-либо другого изображения высекается с помощью специальных чеканов-сечек. В процессе расходки уменьшается толщина металла, по которой производится высечка. Просечку фона осуществляют, не снимая пластины со смолы, после ее окончательной доработки. Просечку лучше начинать от середины и идти к краям или фронтально с одного края на другой. Снимают чеканку со смолы после просечки обычным способом. Особенно осторожно нужно отжигать ажурные чеканки. Чтобы перегородки не пострадали, особенно самые тонкие из них, чтобы не пережечь их, обжигать их надо широким, спокойным пламенем горелки. Затем аккуратно прокрацевать – вычистить выгоревшую смолу и отбелить.

После просечки образуются острые заусенцы, которые запиливают напильником и надфилями подходящих для этого профилей.

Ажурная чеканка требует того, чтобы рисунок был скомпонован так, чтобы после просечки фона не распался на отдельные кусочки. Главное в композиции ажурной чеканки это ритм пустот и самого рисунка, который создает ажур. Монтируется изделие, если оно выполнено предварительно из отдельных фрагментов, методом пайки твердым припоем (см. рис. 4.20).

Рис. 4.20. Ажурная чеканка.

Рельефная чеканка. Самый распространенный вид чеканки, как в наше время, так и в старину. Декоративные блюда из серебра с позолотой отличаются тщательной, очень тонкой проработкой всех деталей растительного орнамента. Переводили рисунок с оборотной стороны канфарением. Общая форма блюда выколачивается облыми чеканами с оборотной стороны. «Обло» – кругло – древнерусское слово. Облыми чеканами или бобошниками называют чеканы с овальным, больбовидным, продолговатым боем. Это очень большая и разнообразная группа чеканов. Их рабочая часть также как и у расходников имеет самые разнообразные закругления и размеры. После этого блюдо насмаливали и с лицевой стороны полным набором чеканов производили окончательную доработку. Это живописное блюдо можно сравнить с совершенно иным по стилю рисунка и исполнению чеканки. Существует более простая техника выполнения блюда. Работу над рельефом начинают с лицевой стороны выявлением силуэта каждой фигуры и одновременной лепкой их с помощью мягких расходников и лощатников. Здесь не применялись фактурные чеканы. За один прием, т. е. за одну насмолку сделать блюдо не удается. Первая стадия – обводка фигур, частичная их моделировка и прочеканивание шрифта. Затем снимают со смолы, промывают в керосине, отжигают при температуре не более 300–350 °C и продолжают работу над рельефом на печке (туго набитой подушке). Если моделировка не получается без насмолки, то снова насмаливают на лицевую сторону для окончательной доработки чеканки.

Существует и другой вариант чеканки декоративной композиции. В этом случае после перевода рисунка через копирку и насмолки делают его расходку и опускание фона вокруг центрального пятна. Затем пластину снимают, отжигают и т. д., пластину насмаливают на оборотную сторону для выколотки рельефа и отдельных элементов выпуклой фактуры. Затем снова снимается со смолы, отжигается, отбеливается, правится фон на чугунной или стальной плите. Этот вид чеканки еще более упрощен, но чередование крупных и мелких планов делают композицию вполне интересной.

Крупные декоративные работы с высоким рельефом или горельефом чеканятся по переведенному прямо на доске верстака рисунку без насмолки с помощью мягкого расходника или бобошника (облого чекана), которым проходят по рисунку, наклеенному мыльной водой на металл. Выколотка производится на слегка увлажненном песке, находящемся в ящике. Для того, чтобы достичь нужной высоты рельефа, приходится по нескольку раз отжигать металл и повторять выколотку. Отжигать крупные листы лучше на открытом горне или костре. Если площадь чеканки большая, то засмолку делают местную, т. е. заливают смолой только те участки металла, которые хотят прочеканить на смоле. Или заливают смолой слоем 3–4 см всю поверхность листа, ограничив края чеканки сколоченной из досок рамой (без дна). Для местной насмолки можно сделать кольцо из кровельного железа, которое ограничит смолу. Обычно при местной насмолке смола трескается и постепенно отскакивает отдельными кусочками; такая засмолка необходима на окончательном этапе работы.

Декоративно-фактурная чеканка – наиболее современный вид изготовления изделий, хотя и скифы в прошлые века успешно пользовались этим видом чеканки. Золотые чаши украшали ромбовидными шипами по всей поверхности. Фактурная чеканка очень характерна и для грузинской школы изделий из металла (4.21).

Рис. 4.21. Кувшин и каркара. Грузия. XIX в, серебро, чеканка, тонировка. Высота кувшина 25 см, каркары 28 см.

Например, при отделочных работах в строительном деле применяется прочеканивание крупных медных листов крупными вмятинами довольно беспорядочно. Листы оксидированы в коричневый цвет и после всего этого получается очень выразительный декоративный металл.

Ознакомление со всеми видами чеканки, богатыми возможностями изготовления собственными руками декоративных различных изделий поможет начинающему художнику встать на путь творчества, создать неповторимые произведения искусства.

Чеканка по литью. В искусстве художественной обработки металла издавна известна чеканка по литью. Многие художественные изделия из металла, выполненные в технике литья, нуждаются в доработке. Обработка отливки, которая всегда отличается от модели большей шероховатостью поверхности, начинается с подготовки ее для чеканки. С помощью зубил, сечек, рифелей, напильников удаляют всевозможные приливы – облои, летники, выпары. Чем их меньше, тем чище литье. Очистив литье стальной щеткой, его протравляют и сушат. Имеющиеся изъяны заделывают с помощью пробок или сварки тем же металлом, из которого сделана отливка. Для чеканки по литью нужны чеканы более твердые, чем для чеканки по листу. Для закрепления отливок при чеканке также используется смола. Плоские изделия насмаливают на ящик или доску, небольшие объемные детали чеканят на котелке. Мелкие ювелирные изделия – украшения, брелки укрепляют на канифоль. Крупные изделия чеканят, закрепив в тисках. При этом под губки тисков подкладывают прокладки из свинца, алюминия или дерева, чтобы не повредить поверхность отливки. Пустотелое и тонкостенное изделие нужно особенно осторожно зажимать в тиски. Очень большие и тяжелые отливки обрабатывают либо на верстаке, либо на полу.

Для чеканки метки изделий берут шероховатые чеканы, напоминающие поверхность отливки. Обрабатывают отливки не только чеканами: расходниками, лощатниками, гладкими, фактурными и бобошниками, но иногда и с помощью бормашины с шлангом с набором стальных различных и абразивных шарошек, которые снимают тонкий слой. Выглаживают поверхность изделия с помощью надфилей, личных напильников, шабера, шлифующих материалов и гладилок.

Чеканка с прорезью. В отличие от других чеканных украшений, не имеет фона, эта особенность требует и иных условий при ее применении. Прорезную чеканку делают в тех местах, где она приобретает особую легкость и ажурность, например, когда видима на просвет или когда для нее фоном служит яркая ткань, другой металл или деревянная доска. Составляя композицию мотива на бумаге, следует помнить одно необходимое условие чеканной композиции с прорезью: орнамент в отдельных местах должен обязательно соприкасаться между собой и внутренней частью рамки, окаймляющей украшение. Фон прорезают после выполнения чеканного рельефа. Для просечки используют зубила, различные зубильца малых размеров, при резании – ножницы для металла, при выпиливании кривых форм – слесарный лобзик (см. раздел главы ниже).

Накладные чеканные детали одной композиции выколачивают порознь и крепят на металлическую основу (фон) с помощью пайки или склепывания. При склепывании металлических пластин в просверленное отверстие вкладывают заклепку или стержень с головкой и прижимают тяжелым молотком, чтобы заклепка не выскакивала. Выходящий конец заклепки слесарным молотком расплющивают и формуют ее головку обжимкой; таким образом заклепка стянет соединяемые пластины.

Изображение на металле хорошо сочетается в багетной раме (см. рис. 4.17) или с деревянной подложкой, которая служит как бы фоном для чеканного панно. Поверхность деревянной подложки (доски) можно обработать подкуриванием (обжигом на огне, пламенем паяльной лампы или в горячем песке) или обжигом кислотами, например, смачиванием поверхности крепкой серной кислотой, используя травяную щетку, после чего доска принимает приятный коричневый вид.

 

4.3. Рабочее место и дополнительное оборудование

Рабочий стол лучше поставить около окна, чтобы солнечные лучи падали с левой стороны. Для искусственного освещения используется лампа дневного света, сберегающая или с матовым покрытием мощностью 75-100 Вт. Чтобы она не мешала и не занимала места на столе, ее располагают в стороне на расстоянии 50–70 см от крышки. Мешающие работе глубокие тени на изделии не появятся, если включить еще и основной свет. Для занятий в вечернее время, кроме общего света, надо оборудовать настенную или подвесную лампу на расстоянии 30–50 см от поверхности стола с таким расчетом, чтобы рабочее место было ровно и хорошо освещено, ни возникали резкие тени, а глаза не испытывали напряжения.

Стол выбирают чаще всего деревянный, с толстой крышкой. Его размеры зависят от изделий, с которыми чаще всего работает мастер. Чтобы приглушить звук от ударов, под ножки стола подкладывают прокладки из плотной резины. Но при этом не должна ухудшаться его устойчивость. Стул со спинкой или табурет подбирают по росту мастера и размерам стола.

Рабочее место станет по-настоящему удобным, если оборудовать его стеллажами и ящиками, расположить которые следует так, чтобы до них можно было дотянуться не вставая. Для хранения инструментов; материалов, графических листов, заготовок, моделей и образцов работ нужно устроить удобный шкафчик, полки или стеллаж. Порядок в инструментах поможет сэкономить время на их поиски. После того как работа инструментом завершена, его сразу же следует положить на место. Эту привычку надо довести до автоматизма и не задумываться в процессе работы о том, где что лежит. Народная поговорка гласит: «Что в порядке лежит, само под руку бежит».

После окончания работы со стола сметается щеткой в савок вся стружка и пыль, помещение проветривается.

В оборудование верстака дополнительно включаются небольшие параллельные тиски с наковаленкой. Крепление лучше выбрать струбцинное, что при необходимости позволит быстро снять их со стола и освободить больше места. Хорошо иметь под рукой шлифовальный станок со сменными дисками, который можно использовать и для и заточки инструментов, и для опиливания краев заготовок. Для листовой чеканки, а ею вы будете в мастерской заниматься гораздо чаще, необходимо приготовить подложку под изделие. Для нее чаще всего используется смола. Для варки и разлива наполнителя, а также для насмолки используются специальные инструменты: емкости, плитка с закрытой спиралью для варки смолы; два брезентовых мешка размером 50×50 см, наполненных хорошо просеянным и просушенным песком; ванночки с травильными растворами для отбеливания пластин; ящик с древесными опилками для сушки пластин; ножницы для резания металла, слесарный лобзик, необходимый при выполнении ажурных чеканных работ; резиновые перчатки и брезентовые рукавицы для работы с химическими реактивами и разогретой пластиной; скребки и деревянные ящики разных размеров, в которые укладывается подложка (рис. 4.22).

Рис. 4.22. Ящик для смолы.

Для последующего отжига пластины от подложки понадобится нагревательный прибор (удобнее всего использовать паяльную лампу), кузнечные клещи и рукавицы для удержания изделия.

Для химической обработки потребуется набор специальных емкостей и ванночек, а также ящики для хранения реактивов и защитные перчатки. Просушка обработанных пластин проводится в деревянных ящиках, наполненных хорошо впитывающими влагу материалами.

Над столом, на котором приготавливаются химические растворы, а также над нагревательным прибором, обязательно нужно установить вытяжку.

После окончания обработки плоскую чеканку приходится часто выравнивать. Для этого используются шаберные плиты для правки чеканных пластин и поверочные плиты с ровной и гладкой поверхностью из металла, камня или дерева.

Подойдет также любой массивный предмет, позволяющий выполнить эту операцию.

Так как в процессе изготовления чеканки изделие проходит несколько стадий, которые будут рассмотрены ниже, на рабочем месте в мастерской не должны скапливаться лишние инструменты. Если вы решили заниматься чеканкой в условиях обычной квартиры, как правило, нет возможности разместить еще несколько столов по обработке готового изделия, поэтому рабочую поверхность стола лучше устроить так, чтобы лишние предметы, такие как тиски, ящики для подложки, и т. д., легко убирались. По этой же причине не рекомендуется заниматься сразу несколькими изделиями одновременно.

Для поверхностного разогревания смолы потребуются электрорефлекторы (рис. 4.23).

 

4.4. Материалы для чеканки

Решающим элементом во внешнем виде вашего будущего изделия станет, конечно же, материал. От правильного его выбора зависит не только цвет изделия, но и то, на сколько плавными получатся контуры, насколько рельефной будет поверхность, удастся ли вам проработать мелкие детали. Все эти моменты определяются одним из свойств металлов, называется пластичностью. Пластичность в прикладном понимании – это способность металла податливо реагировать на воздействие инструментов, принимать и сохранять форму, которую мастер придает изделию с их помощью. Чем более пластичен металл, тем менее он хрупок.

Рис. 4.23. Рефлекторы.

Для чеканных работ применяют листовой металл (или сплавы) различной толщины от 0,15 до 0,6 мм: медь, латунь, алюминий дает возможность применять и большую толщину (до 2 мм), декапир (мягкая малоуглеродистая сталь, отожженная и протравленная или дважды протравленная до и после отжига – «дважды декапир»). Однако для крупных, монументальных произведений применяется и более толстый материал. Малоуглеродистая сталь довольно трудна в работе по сравнению с медью, но очень красива в отделке. Может быть рекомендована для крупных декоративных изделий, не требующих тонкой деталировки. Так же как и медь, позволяет вытягивать высокий рельеф.

Цветные металлы – красная медь и ее сплавы (латунь, томпак) – наиболее пригодны для декоративных изделий. Они пластичны, чеканятся легко и позволяют добиться высокого рельефа. Эти металлы хорошо отжигаются, красиво и разнообразно отделываются и потому более всего подходят для первых работ. Первые учебные работы можно выполнить, применяя и кровельную сталь (в обиходе ее называют кровельным железом или жестью), белую жесть. Белая жесть – это отожженная листовая сталь до 0,32 мм толщиной, покрытая слоем олова. Этот материал выдерживает глубокую штамповку и, естественно, высокорельефную чеканку. Размер чеканки не ограничивается форматом листа.

Чеканный рельеф может быть набран на деревянном щите из отдельно выполненных деталей общей композиции. Жесть – доступный, достаточно пластичный материал, который можно использовать в декоративных работах не только в виде чеканки рельефов, но и в объемных композициях.

Нержавеющая сталь – красивый, очень эффективный материал, но чеканится трудно. Чаще используется для крупных, экстерьерных декоративных изделий.

Никелевые сплавы (мельхиор, нейзильбер) применяются реже и только для мелких ювелирных работ, но в XIX веке (особенно в конце) широко использовались для чеканки художественной посуды, имитирующей серебряную. Листовой цинк раньше применялся довольно часто, но сейчас с ним работают мало, он требует специальных приемов (подогрев и т. д.).

Листовой алюминий чеканится очень мягко и легко, допускает высокую вытяжку, однако отжигать его надо с особыми предосторожностями. Можно применить металл для чеканки от пришедшей в негодность алюминиевой посуды (кастрюль, бидонов и т. п.). Всем хорошо известно, что алюминий мягок и пластичен. Приятнее всего вам будет работать с алюминием марок А0, A1, А2, А3. Дюраль – жесткий, чеканится трудно, но дает интересные имитации серебра. Для изделий с неярко выраженным рельефом можно использовать мягкие сорта дюралюминия марок АМг, АМг3, АМц, АК2, АК4, АК6, АК8, АД, АДО, АД1.

Теперь разберемся с медью и ее сплавами. Листовая медь выпускается в самом разнообразном ассортименте. Вводом различных добавок добиваются ее твердости, других ценных для технического использования качеств. Наиболее пригодными для чеканных работ являются марки М0, M1, М2, М3. Из латуней лучше выбирать томпаки Л90 и Л96, полутомпаки Л80 и Л85. отвечает требованиям, предъявляемым к материалу для чеканных работ, и латунь марок ЛС74-3, ЛС64-2, ЛС63-3, ЛА85-05, ЛА-77-2, ЛА67-2,5.

Похожие внешним видом на серебро мельхиор и нейзильбер (медно-никелевые сплавы) очень привлекательны для мастеров чеканки. Используют обычно мельхиор марок МН19, МН-70-30, МНЦ-15, МНЖМц-30-08-1 и нейзильбер НМ81 и НМ30. Мельхиор и нейзильбер встречается довольно часто в домашнем обиходе, из них изготовляют красивую столовую посуду. И это оправданно, ведь эти металлические сплавы абсолютно безвредны для человека. Эти сплавы обладают достаточной пластичностью, легко принимают разнообразную отделку, хорошо полируются, воспринимают различные оттенки при воздействии растворов гипосульфита натрия и уксуснокислого свинца.

А вот из обычной меди и даже латуни лучше делать чисто декоративные произведения, которые не будут контактировать с питьевой водой и пищей.

Вырежьте из листового металла пластину, соответствующую форме и размерам задуманного рельефа, предусмотрев по краям припуски. Затем необходимо выровнять ее на стальной плите киянкой, удалив всевозможные вмятины и вздутия. Если металл окажется жестким, то для повышения пластичности металл следует отжечь.

Медь, латунь и сталь нужно раскалять до появления темно-красного цвета. Алюминий отжигают при более низкой температуре. На поверхности алюминиевой пластины проведите мылом черту и при отжиге внимательно следите за ней. Как только она начнет чернеть, отжиг необходимо прекратить (более подробно см. ниже).

После отжига на поверхности пластины появляется окалина, которую удаляют отбеливанием в водном растворе кислоты или щелочи. Медь, латунь и сталь отбеливают в 10 %-ном растворе серной кислоты, а алюминий – в водном растворе двууглекислого натра, называемого в быту питьевой содой (на 1 стакан воды 1 чайная ложка соды). Алюминиевый лист кипятят в содовом растворе на слабом огне до тех пор, пока он не станет матово-белым. При отбеливании других металлов водный раствор серной кислоты должен иметь комнатную температуру. Помните, что при составлении раствора кислоту вливают в воду, а не наоборот! Отбеленную пластину промывают в проточной воде и высушивают.

Нержавеющая сталь (хромоникелевая) – современный, красивый материал, но чеканится трудно. Эта сталь применяется для декоративных крупноформатных изделий. Нержавеющая сталь отличается высокой коррозийной стойкостью. Ее выпускают в виде лент и листов различной толщины. Для чеканки применяется листовая сталь толщиной до 0,5–0,8 мм.

Для чеканки ювелирных изделий, дорогой посуды применяют золото, серебро и их сплавы.

Следующий вопрос, которому следует уделить внимание – на чем расположить материал во время работы? Подойдет для этого любой стол, верстак, но есть одна тонкость. Дело в том, что поверхность, на которой производятся выколоточно-чеканные работы, должна быть довольно мягкой, чтобы не препятствовать прогибам материала при воздействии на него инструментами. Если рельеф изделия не должен быть высоким, можно расположить на липовом пеньке, кусочке войлока, резины или на брезентовом мешке, наполненном песком, даже на свинцовой плите. Если же рельеф более выпуклый, да к тому же требующий тщательной проработки мелких деталей, то придется прибегнуть к старому доброму методу мастеров. Рельеф любой сложности и выпуклости идеально выколачивается на специальной смоле. Смолу заливают в форму, металлическую или сколоченную из досок. Высота бортов формы не должна превышать 5 см, иначе неудобно будет работать. Длина и ширина ящика делаются с учетом размеров металлической пластины (см. рис. 4.24).

Рецепт смолы. Составными частями смолы являются битум (строительный вар) и наполнители (просеянные кирпичный порошок, мелкий песок). Твердая смола (для более твердых чеканных материалов) получается сплавлением 1 весовой части (в.ч.) битума и 1 в.ч. наполнителя. Мягкая смола (соответственно для мягких материалов) получается при варке 2 в.ч. битума и 1 в.ч. наполнителя. Варить смолу лучше на костре. Следите за тем, чтобы языки пламени не доставали выше дна посуды, поскольку смесь может воспламениться. Расплавленную смолу залейте в ящик. Отогните плоскогубцами уголки пластины и наложите ее на расплавленную смолу так, чтобы отогнутые уголки полностью погрузились в нее. Надо следить за тем, чтобы между пластиной и смолой не образовывались пузырьки воздуха (см. рис. 4.24).

 

4.5. Инструменты, процесс чеканки

Рельеф на листовом металле формируют с помощью специальных инструментов – чеканов и выколоточных молотков, большинство из которых мастера изготовляют сами. Постепенно у чеканщика накапливается несколько десятков чеканов самых различных форм и размеров.

Рис. 4.24. Насмолка металлической пластины.

Рис. 4.25. Чеканы: а – расходники; б – лощатники; в – бобошники; г – пурошники; д – канфарник; е – пуансон; ж – трубочка.

Но, несмотря на большое разнообразие, чеканы в зависимости от формы бойка и назначения можно разделить на семь основных видов – это расходники, лощатники, бобошники, пурошники, канфарники, зернильники – трубочки и пунсоны (рис. 4.25).

Расходник напоминает зубильце или отвертку с притупленным концом. На металле он оставляет след в виде узкого желобка. Именно с него и начинается непосредственная работа над рельефом. Расходником углубляют контуры рисунка, нанесенного на металл.

Штихель, как и расходник, служит для нанесения линейного рисунка на металл. Гравируют штихелем прямо от руки без молотка. Штихель можно изготовить из старой матрацной пружины или стальной проволоки диаметром 3–4 мм. Отрезают кусок пружины, проволоки длиной примерно 80 мм, накаляют на огне и осторожно расплющивают легким молотком, этот конец проволоки будет рабочей частью штихеля: ему придают вид двухгранной или трехгранной пирамидки. Для прочности штихель можно закалить, а затем на него насаживают деревянную ручку.

Лощатник имеет почти плоский боек или «бой» в виде квадрата или прямоугольника с закругленными углами, он предназначен для осаживания (опускания) фона.

Бобошник (облый чекан), по названию не трудно догадаться, что его боевая часть напоминает форму боба. Бабошником выколачивают в зависимости от необходимости углубленный или выпуклый рельеф.

Пурошник имеет боек формы шара. Применяют его в тех случаях, когда на рельефе необходимо получить сферические углубления или выпуклости.

Канфарник напоминает тонкий пробойник. Только конец его не острый, а скругленный. Он не пробивает металл, а делает на нем мелкие сферические вмятины в виде точек. Канфарник служит для переведения рисунка с бумаги на металл, а также для нанесения на участки фона многочисленных точечных углублений, придающих фону матовую фактуру.

Трубочка применяется для отделки фона, она представляет собой стержень со сферическим углублением в боевой части. На металле она оставляет след в виде полусферического бугорка. Фон, обработанный трубочкой, имеет зернистую фактуру.

Пуансон – это металлический стержень, на бойке которого выточен рельеф в виде звездочки, ступенчатой пирамидки, треугольника, лепестка и т. п. С помощью пуансона на металл наносят простейшие узорные бордюры, в которых в определенной последовательности сочетаются одинаковые элементы.

Металлический выколоточный молоток имеет с одной стороны широкий, плоский (круглый, квадратный) боек, а с другой стороны – шаровидный. Плоским бойком при работе ударяют по ударной части чекана, а сферическим выколачивают крупные элементы рельефа. Ручку молотка делают из древесины твердых пород, придав ей полукруглую форму с утолщением на конце (см. рис. 4.26 и 4.27).

Кроме металлических чеканов и молотков, применятся также деревянные, которые изготавливают из древесины твердых пород – дуба, бука, граба, березы в виде цилиндрических стержней с боковыми срезами по всей длине. Форма боевых частей деревянных чеканов такая же, как и у металлических (рис 4.28). Применяют деревянные чеканы для выколачивания высокого рельефа, опускания и выравнивания фона, особенно при работе с мягким алюминием и медью. Деревянным молотком или киянкой правят на правильной плите листовой металл, загибают (отбортовывают) края готового рельефа.

Рис. 4.26. Выколоточиые молотки для чеканки.

Рис. 4.27. Чеканный молоток (размеры в мм).

Рис. 4.28. Чеканы: металлический – 1; деревянные – 2.

Для резания тонких листов металла нужны ножницы, разрез ими можно сделать гораздо быстрее и чище, чем зубилом. Ножницы для металла отличаются от обыкновенных своей большой прочностью. Для небольших листов толщиной 0,2–0,4 мм можно использовать медицинские ножницы с прочными губками. Для распиловки металла служит слесарная ножовка. Очень важным инструментом для изготовления и отделки пластин является напильник.

Для закрепления пластины на деревянной подложке (в виде фона для готовой чеканки) потребуется пробойник – небольшой стальной стержень с закаленным концом.

Из измерительного и разметочного инструмента понадобятся стальная линейка, складной метр или рулетка, рейсмус, стальной циркуль, кронциркуль, металлический или деревянный угольник.

Теперь разберем подробнее, что же представляет собой чекан? Это отрезок стального прутка длиной от 120 до 150 мм и диаметром от 2 до 20 мм. Изготавливают чеканы из углеродистой качественной стали с содержанием углерода от 3 % и выше или углеродистой инструментальной стали марок У7, У8, У10, У13. Чеканы можно изготовить из старых напильников, слесарных зубил, кернеров, пробойников и других, подходящих по форме и размерам инструментов. Прежде чем приступить к изготовлению чеканов, сталь надо отжечь, раскалив ее докрасна, а затем постепенно охладить.

Нарежьте пруток на отрезки необходимого размера с помощью ножовки по металлу. Если диаметр прутка небольшой, напильником снимите фаску, сформируйте рабочую часть. Если же диаметр выбранного вами прутка больше 10 мм, гораздо проще выточить рабочую часть чекана на токарном станке.

В средней части чекана делают небольшое утолщение с плавным переходом к боевой и ударной частям. Утолщение исключает вибрацию инструмента при ударе по нему молотком. Чтобы чекан было удобно держать в руке, в его средней части с двух сторон параллельно оси делают напильником плоские срезы, которые также не дадут чекану скатываться с рабочего стола.

После этого вооружаются надфилем и выпиливают на торце рабочей части тот узор, который чекан будет воспроизводить на изделии. Очень важно, чтобы рабочая часть была совершенно гладкой, без выступающих острых частей. Острые части будут оставлять на изделии следы, засоряющие общий вид рисунка, а очень тонкий металл могут даже повредить. Поэтому после выполнения основных работ по формированию рабочей части чекана надо тщательно отшлифовать ее мелкой шкуркой, а затем отполировать войлочной тряпочкой с нанесением на нее пастой ГОИ.

Теперь можно переходить к закалке. Это процесс укрепления металла, в ходе которого он приобретает твердость. Разогрейте инструменты в муфельной печи, следуя инструкциям по технике безопасности и технологии. Инструменты извлекайте из печи кузнечными щипцами с длинными ручками (не забудьте перед этим надеть защитные рукавицы). Если чеканы сделаны из углеродистой качественной стали, их накаляют до светло-красного цвета (850 °C) и быстро охлаждают, погрузив в машинное масло. Чеканы из инструментальной стали достаточно нагреть до вишнево-красного цвета (770 °C) и также быстро охладить в масле.

После закалки инструмент становится слишком хрупким. Этот недостаток устраняют отпуском металла на газовой горелке. Необходимо внимательно следить за цветами побежалости. Как только металл приобретет желто-соломенный цвет, отжиг прекратите. После постепенного охлаждения инструментов их боевые части отполируйте с пастой ГОИ.

Облегчают труд мастера накатки и чекан-трещотка. Накаткой, закрепленной в специальной ручке, проводят, с легким нажимом, по поверхности листа и получают полосу или ряд элементов, изображенных на самой накатке (см. рис. 4.29).

Рис. 4.29. Накатки: а – расходиик; 6 – пуансон; в-трубочка; г – пурошник.

Специальный двухколенчатый чекан-трещотка используется для выколачивания выпуклостей на поверхности объемных изделий после выколотки (дифовки), см. рис. 4.30, а, б.

Рис. 430. Работа трещеткой: а – без указателя; б – с указателем подъема рельефа.

Процесс чеканки.

По виду чеканка, как и резьба по дереву, может быть плоскорельефной, когда чеканное изображение находится в одной плоскости с фоном металлической пластины, рельефной, когда изображение выступает над фоном пластины, и объемной, когда чеканное изображение не связано с фоном и существует само по себе, т. е. представляет собой объемное скульптурное изображение.

По приемам выполнения чеканку можно поделить на контурную, плоскорельефную, заоваленную с подобранным фоном, рельефную с прорезью, или ажурную, и чеканку накладную (см. описание «Виды чеканных работ»). Выколачиванием плоской пластины металлу придают разнообразную выпуклую форму. Удобнее всего выколачивать рельеф на оправке – матрице или на мягких подложках (подушках) – смоляных, резиновых, на мешках с песком. Иногда подложкой служит свинцовая плита (главу «Басма» см. ниже).

Матрицей может служить толстая доска средней твердости, в которой полукруглой стамеской выбирают углубления, необходимой формы (обратное изображение). На тщательно зачищенную доску – матрицу помещают металлическую пластину, закрепляют ее на доске, а затем круглым молотком или киянкой выколачивают самое большое углубление, постепенно переходя к меньшей глубине. Выколачивание на матрице производят до тех пор, пока не получится правильно оправленная поверхность углублений без морщин.

При выколачивании на мягких подложках благодаря пластичности материала чеканку можно осуществить сравнительно быстро и чисто. В частности, смоляная подушка, растекаясь под ранее выколоченные формы, при дальнейшей работе хорошо предохраняет от деформации. Кроме того, такая подложка значительно смягчает звук от удара молотка о металл.

Технология и технические приемы изготовления чеканного изображения во многом зависят от тех задач, которые ставит перед собой исполнитель, но во всех случаях необходимо поддерживаться определенного технологического режима, строгой последовательности намеченных операций. Мы предлагаем на начальной стадии обучения один из технологических процессов чеканки плоскорельефного и невысокого рельефа изображений на мягких подложках, наиболее часто встречающиеся в практической работе чеканщиков.

Подготовка рисунка и лепной модели. Особенностью плоскорельефной и рельефной чеканки является выразительность формы. Подборка (опускание) фона на большую глубину способствует лучшему выявлению формы орнамента, обогащает игру светотени, повышает декоративные качества материала. Чеканка рельефа требует от исполнителя не только твердой руки и верного глаза, но и большого художественного понимания выражаемой формы, высокой техники владения инструментом.

Лучшему исполнению чеканки поможет тщательная подготовка к выполнении композиции рисунка и модели орнамента. Работу над композицией начинают с натурных зарисовок, составления эскизов, с поиска наиболее выразительных и оригинальных решений. Зарисовку ведут карандашом, фломастером или углем. Размеры эскизов могут быть небольшие, но обязательно связаны с масштабом, с размерами будущей чеканной пластины. Наиболее удачное решение, отвечающее замыслам композиции, увеличивают до размеров пластины, уточняют детали и доводят рисунок до полной законченности.

Но как бы хорошо не был решен рисунок, он не сможет заменить модели, изготовленной из глины или пластилина. Лепка рельефа для будущей чеканной работы поможет лучше прочувствовать форму, понять художественный смысл создаваемой вещи на металле. Для изготовления модели потребуется скульптурная глина или одноцветный пластилин, деревянные лопаточки (стеки и доска или многослойная фанера, на которой будет выполнена модель. Глину лучше применить для лепки крупных, а пластилин – для лепки мелких моделей.

Глина должна быть сырой, хорошо промятой, очищенной от различных примесей и не должна липнуть к рукам.

Из подготовленной глины можно приготовить пластилин. Дав глине несколько подсохнуть, в глиняное тесто начинают лить глицерин и тщательно перемешивают его с глиной до однородной массы. Глицерин льют до тех пор, пока глиняная масса почти перестанет прилипать к рукам.

Для придания лепной скульптуре необходимой формы, кроме собственных пальцев, пользуются деревянными лопаточками (стеками). Обычный размер стека 25–30 см.

Приступая к выполнению модели, поудобнее располагают рисунок-оригинал, глину или пластилин, стеки. Берут в левую руку кусок материала, правой небольшими кусочками начинают постепенно наращивать высоту рельефа. Сначала ищут объем общих форм и характер модели, стараясь вести лепку широко, касаясь всех частей модели. Найдя соотношение всех частей композиции, переходят к лепке деталей, стремясь подчеркнуть декоративные особенности модели. Закончив лепную модель, готовят пластину к чеканке.

Подготовка пластины к чеканке. Начинают с разметки и раскроя пластины (медной, латунной, алюминиевой и т. д.). Эта работа требует особой внимательности и аккуратности. Пластину обрезают с некоторым запасом по сравнению с величиной рисунка, а затем выкраивают плоскую открытую коробку. При раскрое учитывают площадь дна и высоту стенок. Рейсмусом прочерчивают линию сгибов. Перевернув лист пластины на доску, носком молотка отсекают углы по биссектрисе примерно до границы будущих стенок. Снова перевернув пластину, на ребре куска железа загибают киянкой бока. Образованные стенки коробки будут прочно держать пластину на смоле. Далее на поверхности пластины карандашом намечают осевые линии, которые в дальнейшем будут служить ориентиром при переводе рисунка на металл. На этом подготовка пластины заканчивается.

Разметка и гравировка рисунка. Рисунок на металл переводится только после того, как смола полностью остынет, его можно перевести двумя способами. Первый способ заключается в том, что на поверхность металла наносится кистью или тампоном тонкий слой белой или желтой гуаши. После высыхания краски на пластину кладут копирку и лист бумаги с рисунком композиции, прикрепив их к металлу небольшими комочками пластилина. Переведенный рисунок на металле закрепляют прозрачным быстросохнущим лаком.

Можно использовать и такой прием по копировальным линиям, оставшимся на металле после перевода: рисунок гравируют заостренным стальным штихелем, можно процарапать шилом, а затем краску смывают.

Делают и иначе: металл не тонируют, а рисунок с сильным нажимом переводят через копирку на блестящую очищенную поверхность тупым концом заточенной палочки или твердым карандашом. По полученным темным линиям процарапывают заостренным штихелем.

Затем штихелем гравируют нанесенный на пластину рисунок. Инструмент продвигают равномерно; указательный палец позволяет управлять движением и не даст сдвинуться в сторону с намеченной линии. Нужно стараться намечать линии с одного прохода, не останавливая штихеля, добиваясь одной глубины во всех частях рисунка.

Другим способом – рисунок с бумаги на металл переводят с помощью канфарника. Установив боек канфарника на контур рисунка, ударяют молотком по ударной части. На поверхности металла остается углубленная точка. Точки наносят на небольшом расстоянии друг от друга по всем контурам. При этом чекан держат с небольшим наклоном от себя, чуть приподняв переднюю часть боя. Для удобства разметки рисунка следует поворачивать весь ящик на необходимый угол. После снятия бумаги на металле остается пунктирный рисунок.

При переводе особо точных рисунков бумагу с рисунком наклеивают на металл мыльной пеной, дают высохнуть и канфарником проходят по всем очертаниям.

Перед тем как приступить к чеканке рельефа, нужно чеканы поставить в банку боевыми частями вверх – по ним легко и быстро можно будет отыскать необходимый чекан. Банка с чеканами должна находиться слева, а выколоточные молотки – справа. Таким образом, инструменты будут находиться всегда под рукой.

Подбор (опускание фона). Закончив разметку и гравировку рисунка композиции на пластине, приступают к чеканке рельефа. С чего же начинать работу над рельефом? Прежде всего, отыщите в банке самый широкий чекан-расходник, у которого сплюснутый, как у зубильца или отвертки, боек. Поставьте боек расходника на контур рисунка и несколько раз ударьте по чекану молотком с такой силой, чтобы на пластине осталась достаточно глубокая вмятина. Глубина ее на всех контурах должна быть одинаковой. Поэтому, передвигая расходник по контуру рисунка, старайтесь силу и число ударов сохранять постоянными. Контуры рисунка углубляйте, не отрывая бойка от поверхности металла – он должен как бы скользить по ней. При углублении кривых линий один конец бойка приподнимают больше или меньше в зависимости от их крутизны. Когда возможности расходника с широким бойком будут исчерпаны, более мелкие элементы рисунка углубите расходниками с узкими бойками.

Теперь берут чекан-лощатник. Установив его боек на один из участков фона, опустите фон до уровня углубленного контура. Передвигая лощатник, постепенно опустите все участки фона. Там, где лощатник с широким бойком не проходит, применяйте более мелкие чеканы. На этой стадии чеканку с лицевой стороны на время прекращают по двум причинам. Во-первых, в процессе обработки в металле образуется наклеп, от которого он теряет пластичность и становится жестким, а во-вторых, поднять выпуклые участки рельефа можно только с обратной стороны (рис. 4.31).

На рисунке 4.32 показаны некоторые схемы фактур: 1 – фактура набивается с помощью пурошника (трубочка) небольшого размера; 2 – фактура изготавливается хаотической набивкой небольшим (150×200 мм) личным напильником; 3, 4, 5, 6-фактура сделана с помощью трехгранного надфиля, острого расходника и канфарника (см. далее 7); 8 – делается надфилями с последующей шлифовкой, применяется для проведения «дорожек»; 9 – фактура набивается пурошником большого диаметра, после набивки мелкой шкуркой смягчаются образовавшиеся ребра, которые создают рисунок, напоминающий соты пчел. Такой чекан служит для проведения различных «дорожек» при чеканке орнамента.

Все перечисленные виды чеканов применяются в последовательном изготовлении чеканки, они могут быть в боевой части гладкими или матовыми, рисунчатыми, с насечкой или набивкой.

Чеканы с насечкой (рис. 4.33) делают до закалки и следующим способом: после обработки боевой части ее отжигают, чтобы придать большую вязкость, ковкость этому участку чекана. При отжиге нагревают чекан до температуры закалки, а затем охлаждают на воздухе. (Процесс закалки см. главу «Гравирование», в дальнейшем чеканы с насечкой пригодятся в гравировании изделий).

Нанесение насечки следующая операция. Зажимают чекан в тисках боевой частью кверху и канфарником набивают ячейки, после этого закаляют. Чекан надолго сохраняет насечку. Таким образом чекан готов для нанесения фактуры на отдельных частях декоративной композиции.

Круглые и прямые обжимки (рис. 4.34) могут быть левыми и правыми и служат в основном для прочеканки «веревочки», т. е. витого шнура.

Рис. 4.31. Последовательность выполнения чеканки: 1 – перевод рисунка на металл канфарником; 2 – углубление контуров расходником; 3 – опускание фона лощатником; 4 – выколотка рельефа с обратной стороны бобошниками и пурошниками; 5 – проработка деталей различными чеканами с лицевой стороны; 6 – канфарение или зернение фона. Рисунок Г. Я. Федотова.

Рис. 4.32. Отпечатки рабочих поверхностей фактурных чеканов и рисунок фактур.

Рис. 4.33. Чеканы с насечкой: 1 – дубовый лист; 2 – полукруглая сечка; 3 – прямая сечка.

Рис. 4.34. Обжимки: 1 – косые; 2 – круглые.

Рис. 4.35. Чекан «Сапожок».

Чекан «сапожок» (рис. 4.35) относится к чеканам специального назначения. Он служит для образования поднутрений на рельефе, для прочеканки труднодоступных мест, т. е. узких и глубоких мест рельефа. Сапожок – не совсем обычный чекан благодаря своей причудливой форме.

Его конструктивные особенности заключаются в усилении всей изогнутой части, где толщина самая большая, тогда как другие чеканы усилены в средней части. Усиление этой части вызвано большим напряжением металла во время работы «сапожком». Следует обратить внимание на его рабочую часть, которая представляет лощатник прямоугольной формы.

Фигурные чеканы (пуансоны). К специальным чеканам относятся фигурные или пуансоны. На их рабочей поверхности граверной техникой выполнены фрагменты орнамента – завитки, листы, буквы, цифры, розетки и др. Древнерусские чеканщики применяли также пуансоны с изображением рук, глаз и т. п. Вообще пуансоны изготовляют в тех случаях, когда необходимо чеканить большое количество одинаковых деталей изображения. Изготовление пуансонов для работы по листовому металлу подобно изготовлению чеканов.

Деревянные чеканы также часто применяются при выколотке общего рельефа. При работе деревянными чеканами металл или вытягивается или садится, т. е. уплотняется и делается толще, но меньше подвергается наклепу и нагартовке, чем при работе металлическими чеканами. Делаются эти чеканы из более твердых пород дерева с утолщением в средней части остова. Для изготовления чеканов больше всего подходят следующие породы деревьев: ясень, рябина, граб, клен, но можно применить бук, березу, дуб и др. Чеканы могут быть прямыми плоскими, круглыми, а также острыми в своей рабочей части. По деревянному чекану можно наносить удары как металлическим, так и деревянным молотком.

При работе деревянным молотком чеканы меньше разбиваются, но работать удобнее металлическим, так как его размеры меньше, чем у деревянного. Поскольку деревянные чеканы менее долговечны, их обычно заготавливают в большом количестве, чем это нужно для данной операции. Деревянные чеканы изображены на рисунке 4.28 (металлический чекан показан для сравнения).

Прочие инструменты.

На различных этапах работы с заготовкой и чеканкой вам понадобятся для работы с мягкими металлами деревянные молотки, изготовленные из прочных сортов древесины, например дуба или березы. С их помощью проводят более мягкие линии, так как сила удара таким молотком гораздо меньше.

Необходимы и некоторые слесарные инструменты. Среди них надо упомянуть те, которыми изображение переносится с бумаги на металл: кернер, циркуль по металлу, линейка и т. д. Понадобятся и ножницы по металлу, напильники, рашпили и пр. Для отделения чеканки от отливки при отжиге используются кузнечные клещи, если их не отказалось под рукой, можно использовать плоскогубцы.

 

4.6. Снятие бляшки, отжиг и отбеливание

Подогрейте пластину паяльной лампой или электрорефлектором и снимите со смоляной подложки. Затем отожгите металл – он станет вновь пластичным, но на нем останется окалина, которую нужно снять отбеливанием. Как это делается, вы уже знаете. Отбеленную пластину укрепите на смоле лицевой частью вниз. Чтобы пластина плотно пристала к вязкой основе, в углублении наметившего рельефа залейте жидкую смолу. Смолу в ящике тоже нужно подогреть – проще это сделать с помощью электрического рефлектора или паяльной лампы: достаточно размягчить лишь верхний ее слой.

Следует напомнить еще один очень старинный способ разогревания смолы. Для этого на металлическую сетку кладут горячие древесные угли, а под сетку ставят ящик со смолой, угли разгораются и плавят смолу. Расстояние от сетки до поверхности смолы должно быть небольшим, так как основное тепло уходит вверх.

Заслуживает внимания опыт мастеров Монголии. Рельефы из листового металла они чеканят на вязкой основе – смоле. Состав смолы и принцип работы на ней могут быть успешно использованы.

Смолу монгольские мастера варят следующим образом: в металлическом сосуде – банке, ведре, тазу и т. п. расплавляют канифоль. К ней постепенно добавляют наполнитель – хорошо просеянную сухую землю или мелкий песок. В полученную горячую массу добавляют толченого древесного угля и говяжий или свиной жир. Все это тщательно перемешивается и варится несколько минут. Пропорциональный оптимальный состав смолы выглядит следующим образом: канифоль жидкая – 1,25 л; просеянная земля, песок – 1 кг; древесный уголь – 150 г; свиной жир – 50 г.

Готовый состав выливают на деревянную поверхность – плиту, доску, щит и т. д., на которой предстоит выполнить чеканку. Чтобы смола не растекалась, ее подгребают от краев к центру специальной лопаточкой или кусочком фанеры.

По мере остывания – 15–20 мин – смола приобретает форму лепешки, на которую насмаливают пластину металла, подготовленную для чеканки. Через 1,5–2 часа можно приступить к работе с металлом. Технология чеканки монгольских мастеров состоит в следующем: на засмоленной пластине острым расходником обводят все контуры и внутренние линии композиции будущего рельефа. На металле получаются четкие, даже несколько резко углубленные очертания рисунка. После этого пластина снимается со смолы, отжигается и на мешке с песком вдавливается основная масса рельефа. Мешок должен быть сшит из двух слоев прочной ткани, приблизительно 30×40 см. Затем чеканка засмаливается вновь лицевой стороной вверх, и производят некоторое уточнение выполненного рельефа.

При пересмолке, чтобы снять бляшку со смолы, ее прогревают сверху пламенем паяльной лампы, после чего чеканка без усилий отлипает от основы. Массу смолы продолжают нагревать, подгребая лопаточкой от краев к середине. На размягченную поверхность смолы вновь насмаливают бляшку. Если на металле высокий рельеф и насмолка производится вверх, то предварительно в углубления чеканного рельефа накладывают разогретую смолу и в таком виде вжимают ее в разогретую вязкую массу.

При таком способе работы на вязкой основе не нужно сколачивать ящик для смолы и тем самым ограничивать размеры чеканки его габаритами – на небольшой лепешке смолы, приготовленной по рецепту монгольских мастеров, можно чеканить рельефы любых размеров, последовательно насмаливая и прочеканивая соседние участки. Смола легко плавится и быстро застывает, что позволяет не прерывать процесс работы в ожидании затвердения основы.

Благодаря ряду положительных качеств, этот метод можно с успехом рекомендовать и для детских творческих коллективов, занимающихся чеканным искусством. Но вернемся к традиционному методу работы над чеканкой.

После полного остывания смолы приступайте к выколотке рельефа бобошниками и пурошниками. Если это входит в замысел, выколачивают также отдельные элементы рельефа, которые с лицевой стороны должны быть выпуклыми. К примеру, чтобы получить на лицевой стороне сферическую выпуклость, с внутренней стороны нужно сделать пурошником сферическую вмятину. Выполнив все намеченные заранее операции с обратной стороны, разогрейте пластину и отделите ее от смоляной основы, отожгите, отбелите и вновь посадите на смолу лицевой стороной вверх. На этой стадии разными чеканами нужно проработать все детали, включая самые мелкие, уточнить расходником контуры фона и отдельных элементов узора.

При окончательной отделке работы пользуются большим количеством разнообразных чеканов. Общее их число, которое должно быть во время работы у опытного мастера под рукой, достигает обычно нескольких десятков штук, а при сложных работах – более сотни.

Канфарение, или зернение, фона – последний этап работы над рельефом. Часто ударяя молотком по канфарнику, как можно более равномерно перемещайте его боек по поверхности металла. Частые углубленные точки создадут на металле красивую бархатную фактуру, которая будет контрастировать с гладкой поверхностью рельефа. Закончив канфарение, снимите рельефную пластину со смоляной основы, отожгите, отбелите и высушите.

Отжиг чеканки.

Чтобы снять внутренние напряжения в металле, возникшие при его обработке, заготовку нужно отжечь. Для этого снятую со смолы пластину нагревают до темно-красного каления. Металл отжигается и вновь приобретает вязкость и пластичность. Смола с оборотной стороны выгорает, и оставшаяся пыль легко удаляется отбеливанием в 5 %-ном растворе серной кислоты и промывкой в теплой проточной воде. Заготовка становится чистой и поступает в дальнейшую обработку.

Отжиг драгоценных, цветных и черных металлов и сплавов не представляет трудностей. Обычно, как только смола сгорит и металл начнет слабо краснеть, нагрев прекращают, и отжиг заканчивается. Некоторые особенности имеет отжиг алюминия и его сплавов. Рекристаллизация алюминия начинается уже при 100 °C, то есть задолго до начала красного каления. В то же время температуры красного каления и плавления у алюминия очень близки. Иначе говоря, если алюминий нагреть докрасна, он тут же может начать плавиться, и работа погибнет. Поэтому при обжиге алюминия и его сплавов пластину нагревают не сильно, а о достижении температуры рекристаллизации судят по почернению мыла, которым предварительно чертят полоски на алюминиевой заготовке. После отжига алюминиевую пластину промывают в подогретом растворе двууглекислой соды или едкого натра.

 

4.7. Специальные приемы

Изложенная выше в общих чертах технология художественной чеканки в каждом конкретном случае включает в себя большое разнообразие приемов. Например, при точных работах, требующих большой четкости и верности форм, сканфаренный рисунок обводят и после расходки предварительно отожженный и отбеленный лист пересмаливают оборотной стороной наверх. Дав смоле затвердеть, выколачивают рельеф непосредственно на смоле. Тогда он получается верным и чистым, чего никак нельзя добиться на мешке с песком или резине (см. дальше) – при ударе там опускается большой участок металла (который потом выправляют при насмолке). В дальнейшем работа опять пересмаливается на лицо, еще раз уточняют формы и высоту приподнятого с изнанки рельефа. Иногда при сложных работах с многофигурными рельефами, большим числом планов и т. п. пересмолка на ту и другую сторону производится несколько раз.

Для крупных декоративных работ с высокими рельефами или при чеканке горельефов рисунок переводят не на лицевую, а на оборотную сторону листа (соответственно перевернутым подготавливают и рисунок). Рисунок канфарят прямо на доске верстака, без насмолки, затем лист насмаливают оборотной стороной наверх. Дают смоле немного остыть и начинают выколачивать рельеф, опуская его вниз, в глубь смолы. Работу нужно вести быстро, пока не затвердела смола. Чеканят крупными чеканами сферической формы, так называемыми «выдавными», или прямо сферическим концом большого чеканного молотка. Выколотив рельеф, пластину пересмаливают налицо и заканчивают работу обычным порядком. Существуют и другие приемы чеканки плоских предметов.

Теперь перейдем к другим приемам художественной чеканки, Следует только заметить, что совершенство художественного чеканного произведения зависит не только от замысла и вкуса автора, но и от его мастерства и степени овладения самой техникой чеканки. Оно приходит не сразу и требует последовательного изучения различных приемов и видов чеканки, начиная от самых простых и постепенного перехода к все более сложным разновидностям. Такой последовательный подход помогает начинающему чеканщику выявить свой художественный вкус, развивает его технические навыки и, что особенно важно, ограждает от разочарований и неудач, почти неизбежных, если начинающий мастер берется сразу за сложное произведение. Примеры несложных в выполнении чеканных работ приведены ниже.

 

4.8. Чеканка без смолы

В практике чеканных работ широко используется выполнение технологических операций на листовой резине и смоле. Технология чеканки на смоле требует подготовки дополнительного оборудования (ящиков, заполненных битумной смесью). Но качество работ в этом случае получается значительно выше за счет возможности четкой проработки рельефа.

Обучение чеканке существенно облегчается при использовании технологических карт.

Оборудование: верстак, резина для чеканки, плита для правки, печь муфельная, технологическая карта, которая разработана К. А. Скворцовым для обучения учащихся (рис. 4.36).

Инструмент: линейка, угольник, молоток, чекан-расходник, деревянный чекан-лощатник, киянка, ножницы, напильник с мелкой насечкой.

Материал: алюминий листовой толщиной 0,3–0,5 мм.

Чеканка основана на свойстве мягких металлов вытягиваться, при ударе по ним более твердыми предметами. Простой и неглубокий рельеф целесообразнее всего выбирать, используя в качестве подкладки резину. При этом достигается удовлетворительное качество работы и не требуется дополнительных затрат времени на вспомогательные операции, которые необходимы, например, при чеканке на смоле.

Для чеканки на резине применяется тонкий листовой алюминий (0,3–0,5 мм). Из него вырезается пластина, несколько большая, чем размер рисунка, поскольку при вытягивании металла на краях чеканки могут образоваться извилины, которые в конце работы следует обрезать.

Прежде чем чеканить рельеф, алюминиевую пластину отжигают: вначале на нее наносят мылом штрихи, а затем нагревают до тех пор, пока они не потемнеют. Далее на пластину наносится рисунок; если он небольшого размера, то его легче всего перевести с эскиза при помощи копировальной бумаги. Для этого эскиз вместе с копиркой накладывают на металлическую пластину; свободные края эскиза подворачивают под металл, чтобы при переводе рисунка не было смещений.

Рис. 4.36. Технологическая карта для чеканных работ на резине. Автор К. А. Скворцов.

Подготовленную пластину кладут на плотную листовую резину толщиной не менее 1 см. На линию разметки ставят чекан-расходник и начинают легкими ударами молотка простукивать линию рисунка. Чекан держат и передвигают пальцами левой руки, а ребром ладони этой же руки прижимают к резине обрабатываемую пластину. Этот навык вырабатывается после некоторой тренировки. Пройдя 2–4 см линии рисунка, кисть руки перемещают и обрабатывают следующий отрезок. При этом чекан удобнее вести на себя (см. технологическую карту). Перевод рисунка следует осуществлять последовательно по всей площади, не увлекаясь отдельными элементами и стараясь не отрывать чекана от металла. Наносить удары рекомендуется отдельными сериями, чтобы линия разметки получилось ровной.

Поскольку металл от удара чеканом делается более твердым и хрупким, его нужно (для восстановления мягкости и пластичности) регулярно отжигать. После получения линии рисунка с лицевой стороны пластину переворачивают и выполняют внутренний его контур. Высокое качество изображения достигается в том случае, если чекан при ударах располагать не вертикально, а несколько наклонно, как бы «подбивая» контур изнутри. Труднее всего на рисунке прорабатывать уголки, так как вытяжка металла в этих местах наиболее значительна. Для получения рельефа высокого качества их приходится прочеканивать по нескольку раз с обеих сторон.

При выполнении работ на резине готовое изделие обычно получается не совсем ровным. Чтобы его выправить, нужно использовать плиту с ровной поверхностью.

Лучше всего правку производить деревянным чеканом или торцами деревянных брусочков. Заключительную операцию – выравнивание краев чеканки – выполняют по угольнику при помощи ножниц и напильника с мелкой насечкой.

Для большей выразительности рельефа изделие тонируют, а затем частично полируют. Самый простой и надежный способ тонирования небольших чеканок из тонкого листового алюминия – покрытие их тонким слоем нигрола с последующим прогревом в муфельной печи.

При работе над металлической пластиной без смолы, где на стальной плите нередко чеканят как с лицевой, так и с оборотной стороны листа необходимо знать, что чеканить можно только те участки, которые плотно прилегают к плите. Если желательно получить композиции с более высоким рельефом, надо прочеканить отдельные участки на мешке с песком. Если необходимо «погасить» чрезмерно выбитые отдельные места, надо чеканку расположить на мешке с песком таким образом, чтобы песок заполнил всю пустоту под металлом. Плотно заполнивший пустоту песок под чеканкой даст возможность успешно работать и по выпуклым участкам. Но если под металлом не окажется песка, от ударов чекана или молотка образуются вмятины, раковины, а нередко и прорывы металла. Поэтому мешком с песком нужно уметь «управлять», то есть чеканить не только на его выпуклой поверхности, когда он просто лежит на столе, но и ставить его вертикально, торчком, утоплять угол мешка в глубину чеканного контррельефа.

Иногда приходится обратиться все же к смоле. Бывает необходимо залить часть чеканки изнутри расплавленной смолой. Когда смола затвердеет, можно продолжить работу над рельефом. Для углубления рельефа пользуются свинцовыми плитами, мешком с песком, торцом мягкого дерева.

Абсолютная точность возможна лишь при чеканке на смоле – пластическом способе чеканки, позволяющем добиваться высокой выразительности, прочеканивания нескольких планов рельефа и четкой проработки всех деталей.

 

4.9. Чеканка рельефа на цилиндрической посуде

Чеканку можно выполнять не только на плоском листе, но и на объемных формах, например на тонких стенках металлической посуды. Подыщите для учебной работы чеканки подходящий металлический сосуд, например, алюминиевую или медную флягу, коробку из под чая, крышку. Отожгите сосуд на огне и нанесите на его стенки контурный рисунок, зафиксировав его прозрачным лаком. Если согласно замыслу рельеф должен иметь участки, выступающие над поверхностью сосуда, то их выколачивают с помощью чекана-трещотки (см. рис. 4.30, а). Он представляет собой длинный, не менее 25 см, стержень, на одном конце которого находится боек с шарообразной поверхностью. Концы стержня выгнуты под прямыми углами в противоположные стороны. В наборе мастера обычно бывает несколько трещоток, отличающихся по диаметру шарообразной поверхности бойка. Используют трещотку так. Зажав второй, нерабочий, конец трещотки в тисках, надевают на нее рабочую поверхность обрабатываемое изделие. Боек трещотки должен располагаться точно у того места, которое собираются сделать выпуклым. Удары молотком в этом случае наносят не по поверхности изделия, а по середине трещотки. Боек, слегка опустившись вниз, возвращается в положенное место и ударяет по внутренней поверхности так, что снаружи появляется выпуклость. Удары продолжают до тех пор, пока выпуклость не будет соответствовать требуемым размерам.

Если высота выпуклости (или углубления) планируется большой, то в процессе выколачивания следует 2–3 раза отжечь изделие, чтобы вернуть ему пластичность, потерянную при длительной обработке ударами. После выполнения выпуклостей, переходят к работе на лицевой стороне.

Затем в сосуд заливают смолу и наклеивают на нее бумажный кружок, чтобы не пачкать руки во время работы. При насмолке больших сосудов с широким горлышком смолу можно сэкономить. Ее наносят толстым слоем на стенки, затем вставляют подходящую по размерам болванку. Если фляга или какой-либо другой металлический сосуд имеет узкое горлышко, его вместо смолы можно заполнить мелкопросеенным речным песком. Заполнив флягу песком, через воронку вливают воду до тех пор, пока он не перестанет ее впитывать. Наполнив сосуд, удаляют излишки воды. Утрамбовывают круглой палкой добавленный песок и закрывают горлышко пробкой. Работать приходится на ощупь (особенно если ваза имеет тонкое горлышко), проверяя результат после каждого удара. Чтобы облегчить эту работу, изготовляют трещетки с указателем – специальным приспособлением, которое указывает место удара бойка при ударе по штанге (см. рис. 4.30, б).

Чеканку на объемном изделии удобно выполнять на специальной подставке, представляющей собой кряж с клиновидным вырезом, в который вложен мешок с речным песком.

Уложив сосуд на подставку с песком, чеканом-расходником углубите контуры рисунка. Следующий этап – опускание фона. Также, как и при чеканке плоского листа, эту операцию выполняют чеканом-лощатником. Когда фон на всех участках будет опущен, следует еще раз пройтись по контурам чеканом-расходником, чтобы выступающие элементы рельефа имели четкую границу с фоном. Затем проработайте мелкие детали на выступающих элементах рельефа. В заключение обработайте фон канфарником, после чего можете освобождать сосуд от песка или смолы. Песок легко высыпается, если из него выпарить влагу, смолу же расплавляют и выливают из сосуда. Чтобы удалить остатки смолы и лака, сосуды отжигают, а затем отбеливают (рис. 4.37).

Рис. 4.37. Чеканка рельефа на цилиндрическом сосуде.

Работа по выколотке рельефа на объемных предметах требует определенных навыков и опыта. Иногда рельеф для объемных предметов выполняют на плоскости (развертке), а затем монтируют на изделие. Крепят готовый рельеф заклепочными соединениями, пайкой, эпоксидным клеем.

 

4.10. Бухарские чеканки

Старинную узбекскую металлическую посуду, украшенную изящным чеканным орнаментом, теперь можно встретить в основном в музеях. Но когда-то она была необходимой утварью каждого узбекского дома. Всякая металлическая посуда имела строго определенное хозяйственное назначение. С учетом красоты и пользы веками оттачивалась форма каждого сосуда. Медный кувшин «афтоба» служил своеобразным умывальником. Для ношения воды из колодцев применяли «кузы» – большие сосуды с ручкой, но без носика.

Воду для чая кипятили в «чойджушах» (см. рис. 4.38).

Рис. 4.38. Виды чеканной посуды: 1 – восточный самовар; 2 – афтоба (сосуд для мытья рук); 3 – чойнджуш (кувшин для кипячения чая); 4 – куза (сосуд для ношения воды из арыков и колодцев).

Позднее для кипячения воды стали применять самовары, но в отличие от русских они были без краников и имели форму обычных восточных кувшинов. Широкое распространение получили различные медные подносы, тарелки и светильники.

До XV века металлическую посуду изготовляли в основном из меди и обычной бронзы. Но для более ценных изделий выплавляли особую семисплавную бронзу. В состав ее входили медь, олово, цинк, свинец, серебро, золото, железо. Со временем бронзу стала вытеснять латунь – сплав меди с цинком.

Наиболее крупными центрами чеканки были Бухара, Самарканд и Коканд. Особенно славилась Бухара. Почти в самом центре города недалеко от базара располагались многочисленные ряды медников. Бухарские чеканщики работали по памяти, удерживая множество различных рисунков в голове. И если элементы какого-то узора забывались, мастер тут же придумывал свои, сообразуясь с формами и размерами изделия. Поэтому трудно встретить два одинаковых рисунка даже на изделиях, выполненных одним мастером. Но все же существовали узоры, выработанные на протяжении многих столетий поколениями мастеров-чеканщиков. Эти узоры служили как бы основой при составлении орнаментальной композиции. Но и они не были застывшими, раз и навсегда решенными схемами, а постоянно обогащались и совершенствовались последующими поколениями мастеров. Каждому узору было дано легко запоминающееся образное название: «стайка летящих журавлей», «цепочка тюльпанов», «змеиная дорога», «глаза соловья» (рис. 4.39).

Рис. 4.39. Распространенные элементы орнамента: а – йул (прямая дорога); б – тырнок (ноготок); в – як-cap (одноголовый); г – ду-сар (двухголовый); д – турна (стайка летящих журавлей); е – лола-занджира (цепочка тюльпанов); ж – чашми буль-буль (глаза соловья); з – бордюрный орнамент; и – илон-или (змеиная дорога); к – занджира (цепочка).

В настоящее время в городах Узбекистана чеканным промыслом заняты многие мастера. В Бухаре работают ученики мастера Салимджана Хамидова – Фатуллаев Рахматулло, Хлалилова Дильбар, Рахматова Гульчехра и т. д., а так же потомственные мастера Гулямов Махмуд, Остонов Жариф и Кудратов Фуркат, усто Тахир и другие.

В старинной части Бухары, разместилась небольшая мастерская имени выдающегося бухарского чеканщика усто Салимджана Хамидова, умершего в 1973 году. Чеканщики работают в маленьких кельях, в которых когда-то жили ученики медресе. Когда благоприятствует погода, чеканщики выносят во двор деревянные подставки и работают прямо на открытом воздухе. И тогда каждый желающий может понаблюдать за их работой (см. 4.40, 4.41 а, б).

Мастерскую можно назвать своеобразным заповедником техники бухарской надрезной чеканки. Внешне чеканка напоминает контурную резьбу по металлу или гравировку. Неопытному глазу порой трудно отличить гравированное изделие от чеканного. Поэтому нужно знать, что из-за разницы технических приемов на любом изделии остаются следы, характерные для различных техник.

У надрезной чеканки на дне желобков заметны небольшие порожки, которые обычно образуются при ритмичных ударах молотка по резцу. У гравированного желобка порожки на дне отсутствуют, а гравированная линия имеет плавные очертания.

Рис. 4.40. В мастерской за специально оборудованными столами сидят и работают узбекские художники по металлу – чеканщики.

а

б

Рис. 4.41 а, б. Эти образцы посуды сделаны в старой части Бухары в чеканной мастерской имени народного художника Узбекистана С. Хамидова. Чеканные изделия искусных мастеров пользуются известностью далеко за пределами республики.

Одно из преимуществ надрезной чеканки заключается в том, что для ее исполнения не требуется больших физических усилий. Молоток помогает резцу легко преодолевать сопротивление обрабатываемого металла.

Обычно различают два вида надрезной чеканки: глубокая («кандакори») и плоская («накш»). В некоторых художественных работах по металлу надрезная чеканка может быть удачно применена в сочетании с обычной высокорельефной чеканкой.

Технику надрезной чеканки можно изучать, работая с любыми мягкими металлами. Но лучше всего использовать латунь. Она хорошо режется, гнется, сваривается, полируется и патинируется. Если у вас нет тарелки или подноса из латуни, можно использовать обыкновенную металлическую пластинку толщиной не менее 1 мм.

Инструменты для чеканки довольно просты. Из глубокой древности они дошли до наших дней почти без изменения. У старого бухарского чеканщика в набор инструментов входило всего несколько зубилец-резцов с различной шириной режущей части. Небольшой молоток со слегка изогнутой и утолщенной на конце рукояткой. Циркуль по металлу да крупный речной камень-голыш для заточки и правки инструментов. Те же инструменты входят в набор современного узбекского чеканщика. Только вместо камня он стал применять обыкновенный оселок.

Очень важно подобрать по руке молоток. Он должен быть достаточно легким, чтобы рука не уставала при продолжительной работе, и в то же время достаточно тяжелым, чтобы от его удара резец легко резал металл. Чтобы рукоять молотка удобно лежала в руке и не набивала мозоли, ее нужно сделать несколько изогнутой, с небольшим утолщением на конце. Многие старые мастера рукоятку для молотка делали сами, не доверяя эту работу никому. Вытесав топором заготовку рукоятки, они осторожно срезали древесину ножом, добиваясь точной подгонки ее по руке.

Резцы (каламы) легко выточить из инструментальной стали. После того как им будет придана необходимая форма, их следует закалить. Длина резца может быть 10–12 мм, сечение в верхней части 3×6 мм, ширина нижней режущей части от двух до пяти миллиметров – это позволит делать порезки разной ширины.

Работал старый чеканщик обычно, сидя на полу, скрестив по восточному обычаю ноги. Перед ним стояла деревянная подставка, на которой с помощью вара прикреплялось блюдо. Современные мастера подставку делают такой высоты, чтобы на ней можно было работать стоя или сидя на стуле. Удобна также подставка небольших размеров, которую можно ставить на стол. Ее нужно сколотить из толстых досок, чтобы она была массивной и устойчивой. При работе металлическое изделие удобнее прикреплять не на саму подставку, а на деревянный щит, который можно снять с подставки и использовать подставку как мольберт при разработке эскизов (см. рис. 4.40).

Эскиз нужно выполнить на плотной тонкой бумаге. Орнамент строят циркулем и линейкой. Для первого раза не стоит разрабатывать слишком сложный орнамент.

Закончив эскиз, приступайте к приготовлению канифольного вара. Варить канифольный вар желательно на костре где-нибудь в дальнем углу двора. В глубокой металлической посуде. На 20 весовых частей канифоли возьмите 1 часть керосина. Канифоль растолките, перемешайте с керосином в посуде, поместите над огнем и варите не менее получаса, следя за тем, чтобы пламя было низким, и расплавленная канифоль не загорелась. Если канифоль все же загорится, нужно немедленно накрыть посуду листом жести, которую всегда держите под рукой.

Канифольный вар можно применять многократно, переплавляя вновь. Правда, от многочисленных переплавок канифоль со временем становится темно-коричневой, а затем совсем черной, но не теряет необходимых свойств.

Охлажденный вар приобретает консистенцию замазки. Теперь смочите руки водой, чтобы к ним не прилипал вар, выложите его на деревянный щит и расплющите, чтобы получилась лепешка толщиной в 3–5 см. Не дожидаясь, пока вар совсем застынет, вдавите в нее металлическую тарелку или блюдо. Подождите несколько минут, чтобы вар схватился окончательно, и установите щит на подставку.

Рисунок с эскиза на металл хорошо переводится с помощью обыкновенной копировальной бумаги. Если он получится не очень четким, его можно обвести карандашом. Чтобы в процессе работы рисунок не стирался, на поверхность металла с помощью пульверизатора или мягкой кисти нанесите тонкий слой быстросохнущего прозрачного лака. Орнамент на тарелке представляет собой узор, вписанный в круг. При переводе рисунка нужно обязательно добиться того, чтобы центр орнамента совпадал с центром тарелки. В круговом орнаменте окружности как бы держат всю композицию. Поэтому, поставив ножку циркуля в центр тарелки, процарапайте все окружности, входящие в орнамент.

Следующий этап – непосредственная проработка контуров орнамента. Резец (калам) при этом нужно держать в левой руке, прижав его большим пальцем к четырем остальным. Нанося легкие, но частые удары по резцу, равномерно передвигайте его острие вдоль контура рисунка. При этом из-под острия будет выходить стружка. По ее толщине можно судить о глубине получаемой порезки. Изменяя угол наклона резца, можно изменять и толщину стружки. Чем меньше угол наклона резца к плоскости обрабатываемого металла, тем тоньше стружка, мельче и уже порезка. Равномерная порезка достигается сохранением постоянного угла наклона резца (см. рис. 4.42, 4.43).

Рис. 4.42. Подготовка вара и тарелки для чеканки: 1 – резец (калам для чеканки); 2 – подставка; 3 – укрепление тарелки на смоляной подушке; 4 – положение калама и молотка при выполнении чеканки. (Рисунки Г. Я. Федотова).

Рис. 4.43. Последовательность работы над чеканкой: 1 – перевод и фиксирование рисунка; 2 – проработка окружностей; 3 – проработка контуров; 4 – нанесение штриховки на фон. (Рисунки Г. Я. Федотова).

Большое значение имеют частота и сила ударов, наносимых по резцу молотком. При более глубокой чеканке удары молотка должны быть сильнее, при мелкой слабее. Прочеканивая прямые или близкие к прямым линии, удары молотком нужно наносить сильные, но редкие. При этом резец будет передвигаться довольно быстро. При работе над мелкими элементами и линиями, имеющими сложную кривизну, удары молотка становятся более частыми, но и более слабыми, а скорость резца замедляется. Это вынужденное замедление движения: в противном случае кончик резца может сорваться и прочертить на металле линию, касательную к изогнутой линии рисунка. Только путем многочисленных тренировок можно добиться согласованности движений молотка и резца. В этом залог исполнительского мастерства чеканщика.

Если мысленно провести вертикальную и горизонтальную оси рисунка, а затем проанализировать, как относительно этих осей расположены его контуры, то нетрудно установить, что часть их будет иметь направление, близкое к вертикальному, а другая часть – к горизонтальному. Поскольку удары молотком легче наносить сверху вниз, то линию рисунка, имеющую направление, близкое к вертикальному, прочеканивать гораздо удобнее. В связи с этим все контуры рисунка можно прочеканивать двумя этапами. Сначала нужно прочеканить все контуры, имеющие направление, близкое к вертикальному, а затем повернуть щит с тарелкой на 90° – оси поменяются местами.

Отделка тарелки. Заключительный этап чеканных работ – штриховка фона. Фон обычно штрихуют узбекские чеканщики двумя способами. В первом случае штрихи идут в одном направлении примерно под углом 45°. В другом случае штрихи на всех участках фона направлены к центру рисунка. Особенности второго способа заключаются в том, что благодаря такому направлению штрихов фон словно переливается, стоит только слегка наклонить тарелку с чеканным рисунком под разными углами к источнику освещения.

Окончив штриховку, снимите тарелку с канифольной подушки, разогрев ее пламенем паяльной лампы или газовой горелки. Затем зачистите тарелку мелкозернистой наждачной бумагой и отполируйте на войлочном круге с пастой ГОИ. Перед полировкой поверхность тарелки рекомендуется слегка смазать машинным маслом. Латунь прекрасно полируется, приобретая интенсивный золотистый блеск. Чтобы сохранить этот блеск на долгие годы, поверхность латунного изделия достаточно покрыть одним слоем прозрачного лака.

Если вас заинтересовала «Бухарская чеканка», возьмите в руки старенький журнальчик «Юный техник», № 6 за 1979 год. Г. Я. Федотов подробно описал технологию изготовления латунной тарелки методом надрезной чеканки.

 

4.11. Станок для чеканки

Как вы уже заметили, чеканка – искусство кропотливое. Чеканным молоточком нужно так ударить по чекану, чтобы он выдавил на листе металла линию нужной глубины. Удар должен быть точным, чтобы не нарушить рисунка, и не сильным, чтобы не пробить пластину. Можно облегчить работу, механизировать по мере сил. Конечно, искусство потому и искусство, что идет от неповторимой индивидуальности художника. Руки мастера никаким автоматическим станком не заменишь. А усовершенствовать орудия труда можно. Например, с помощью станка, который сделал В. Дудин (см. «Юный техник», № И, 1980 г.), легко нанести контур по индивидуальному рисунку. Завершить его значительно быстрее и легче, чем чеканить вручную с самого начала.

Что же это за станок?

В качестве рабочего органа (вместо чекана и молотка) берется небольшое металлическое колесико. Оно-то и давит на лист, оставляя рельеф. Причем если при обычной ручной чеканке инструмент перемещают вдоль листа, то здесь наоборот – движется лист.

Лист необходимо положить на широкое и толстое резиновое кольцо, насаженное на вал. Сначала нужно подвинуть пластину – поворачивая вал рукой, металлический лист перемещается. Направление ему даёте другой рукой – поддерживающей лист слева. С помощью станка можно регулировать глубину рельефа. Внутри корпуса головки проходит фигурная деталь, держащая рабочий ролик. Это оправка. Предусмотрено несколько таких оправок с разными роликами.

Станок несложный. Вы легко разберетесь в его позициях, указанных на рисунке. Возможно, у кого-то даже появятся идеи по его усовершенствованию (см. рис. 4.44).

Рис. 4.44. Автор станка В. Дудин. Регулирующий винт – 1; ручка эксцентрика – 2; эксцентриковый зажим – 3; рабочая оправка – 4; подвижный корпус с гайкой – 5; рабочий ролик – 6; пружина возврата – 7; прижимная планка корпуса – 8; упорная скоба – 9; отверстие для выхода оправки – 10; корпус – 11; опорная втулка – 12; резиновый ролик – 13; шпонка – 14; гайка – 15; упорная шайба – 16; игольчатый подшипник – 17; стопорное кольцо – 18; вал – 19; маховик с ручкой – 20; стойки – 21; гайка – 22. (Рисунок Ю. Чеснокова).

 

4.12. Примеры изготовления чеканных изделий из металла

Панно «Олень». См. рис. 4.45. Из листового куска латуни (меди) толщиной 0,8–1 мм вырежем пластину размером 30×30 см. Затем выровняем ее на стальной плите деревянным молотком-киянкой, удалив всевозможные вмятины и вздутия.

Если металл окажется жестким, то для повышения пластичности его следует отжечь. После отжига удалите с поверхности металла окалину путем отбеливания в 10 %-ном растворе серной кислоты комнатной температуры 18–22 °C. При составлении раствора помните, что кислоту вливают в воду, а не наоборот.

Рис. 4.45. Олень. Рельефная чеканка, медь. Копия. Учебная работа. (Изображение оленя. Золото. Причерноморье. Скифский период. VI в. до н. э.).

Чеканить будем на смоле, так как элементы панно содержат как низкий, так и высокий рельеф. Отогнем плоскогубцами уголки пластины и наложим ее на расплавленную смолу так, чтобы отогнутые уголки полностью погрузились в нее. При этом надо следить, чтобы между пластиной и смолой не образовывались воздушные пузырьки.

После того как смола остынет, с помощью канфарника, острие которого выполнено в форме иглы, переведем на лицевую поверхность рисунок с бумаги. Затем широким чеканом-расходником с помощью молотка, не отрывая бойка чекана от поверхности металла, обведем и углубим контуры рисунка. Более мелкие элементы проработаем расходниками с узкими бойками. При углублении кривых линий один конец бойка надо приподнимать в зависимости от их кривизны. В результате обводки получим контурный рисунок. Теперь с помощью чекана-лощатника опустим фон до уровня углубленного контура. Там, где лощатник с широким бойком не проходит, следует применить более мелкий чекан. Опускание фона по периметру ограничим окружностью, радиус которой равен 28 см. На этом чеканку с лицевой стороны временно приостановим и приступим к обработке обратной стороны, чтобы поднять выпуклые участки рельефа. Для этого подогреем пластину паяльной лампой и снимем со смоляной подложки. Металл потерял пластичность и стал жестким. Отожжем его, снимем окалину отбеливанием и укрепим на смоле лицевой стороной вниз, предварительно размягчив верхний слой смолы электрорефлектором. После полного остывания смолы приступим к выколотке рельефа бобошниками и пурошниками. Начнем с неглубоких впадин (узоры на фоне, верхняя часть туловища), постепенно придавая им нужную форму. И так пройдемся по всему рисунку, углубляя рельеф до нужной глубины. Декоративные детали на поверхности фона, которые с лицевой стороны должны иметь сферическую выпуклость, проработаем пурошником, сделав с внутренней стороны сферические вмятины.

Затем приступим к окончательной проработке рисунка головы. Отдельные элементы рельефа (кольцо, зрачки глаз, шерстяной покров на лбу и по краям головы) выполним путем канфарения, или зернения. Часто ударяя молотком по канфарнику, будем равномерно перемещать его боек по поверхности металла. Частые углубленные точки образуют на лицевой стороне металла красивую выпукло-бархатистую фактуру, имитирующую шерстяной покров головы оленя. Закончив канфарение рельефной пластины, снимем ее со смоляной подложки, отожжем и отбелим. После этого на войлоке или резине разными чеканами проработаем все детали, включая и мелкие, с лицевой стороны, уточним расходником контуры фона и отдельных элементов узора. Мелким лощатником обработаем поверхность фона. Легонько ударяя по лощатнику, передвигаем его хаотично по поверхности фона, придавая ей вид, например кованого металла. Теперь по кругу радиусом 30 см обрежем края чеканки, а по окружности радиусом 28 см канфарником (с концом в форме тупой иглы) прочеканим декоративную дорожку и по ее границе киянкой загнем края. Получилось своеобразная рамка, по окружности которой с помощью рисунчатого или фигурного чекана нанесем несложный орнамент.

Чтобы рельеф стал более выразительным и зримым, отделаем чеканку способом патинирования. Нанесем раствор кистью или тряпичным тампоном, укрепленным на деревянной ручке, на поверхность изделия и выдержим до нужной тональности окраски.

Затем покрытое патиной изделие промоем чистой водой. Выпуклые участки рельефа протрем мокрой тряпочкой с пемзой или кирпичным порошком, просеянным чрез мелкое сито, до характерного металлического блеска, снова промоем водой и высушим. Просушенный рельеф протрем швейным или льняным маслом, которое не только усилит металлический блеск, но и надежно закрепит патину на металле.

Для навески на стену с обратной стороны чеканки нужно припаять проволочное колечко.

Декоративная ваза.

По Г. Я Федотову возьмем пустой алюминиевый аэрозольный баллончик, например, из-под дезодоранта и с помощью консервного ножа или дрели освободим горловину от распылителя (см. рис. 4.37).

Обработаем края горловины круглым напильником и наждачной бумагой. Затем надо отжечь баллончик на огне, залить в него смолу или насыпать мелкопросеянный речной песок и увлажнить, чтобы можно было его утрамбовать. Плотно закроем баллончик пробкой, на стенки его переведем рисунок с помощью копирки и закрепим на металле прозрачным быстросохнущим лаком. Уложив баллончик на брезентовый мешок с речным песком, чеканом-расходником углубим контуры рисунка и лощатником опустим фон на всех участках. После этого еще раз пройдемся по контурам чеканом-расходником, чтобы выступающие элементы рельефа имели четкую границу с фоном. Теперь проработаем мелкие детали на выступающих элементах рельефа, а затем канфарником обработаем фон и освободив сосуд от смолы или песка. После отжига и отбеливания чеканную поверхность можно отделать копотью и керосином.

 

4.13. Декоративная отделка чеканного изделия

 

После того как чеканка пластины будет закончена, переходят к отделке ее поверхности. Художественная отделка чеканного изделия – очень важный этап работы. Он определяет в большей степени выразительность всей композиции. Цвет металлов и сплавов довольно однообразен, и часто бывает желательно получать более разнообразные цвета и оттенки. Успех в этом во многом зависит от опыта и навыка, но прежде всего требует художественного чутья и вкуса. Гармоничной отделкой художник смягчает или острее подчеркивает ту или иную форму, усиливает общую выразительность композиции. Определенными приемами можно затемнить фон и тем самым усилить впечатление от рельефа, его выступающие формы сделать более заметными и легко читаемыми, повысить контрастность рисунка. Можно, наоборот, придать всей композиции мягкость, погасить блеск чистого металла. Цель всякой отделки – придать пластине более приятный вид и предохранить ее от окисления.

Тонируя металл, удается одним лишь цветом добиться едва заметных переходов не только от одной части композиции к другой, но также мягко перейти к фону из другого материала, например, ткани, близкой по цвету и тону в интерьере помещений.

Чеканное произведение примет законченный, цельный вид если художник не ограничивается отделкой только поверхности металла. Выразительность металлических элементов усилится от гармоничного сочетания с материалами из которых выполнены другие части художественных изделий, например, с деревом, камнем, тканью (сукном, суровым полотном, мешковиной), кованым железом, стеклом и другими. Так, очень эффектно выглядит чеканный рельеф, наложенный на мореную из дуба деревянную доску, ажурная чеканка на фоне красного или темного сукна, чеканка украшенная эмалью или в комбинации с резным деревом.

Выразительные сочетания материалов художник, а особенно начинающий художник-дизайнер, может найти самостоятельно, увидеть удачные примеры на выставках, в музеях, встретить в литературе по искусству и дизайну. Здесь все зависит от его фантазии и художественного чутья. Например, посмотрите на чеканные изделия (рис. 4.46, см. далее рис. 4.47), выполненные художником И. Малаховским. Эти произведения декоративно-прикладного искусства украсят любой современный интерьер.

Гораздо большую трудность (правда, трудность техническую) представляют собой тонкости и секреты декоративной отделки металла. Современной химией разработаны разнообразные приемы, некоторые рецепты известны еще с прошлых веков, но необходимые сведения разбросаны в литературе, многие из рецептов малоизвестны или вовсе забыты (например, при раскопках в гробнице Тутанхамона не было найдено ни одного документа или рецепта по художественной обработке материалов). Поэтому приведение их в систематизированный вид окажется весьма полезным для всех видов художественной обработки металлов. Из множества методов и рецептов здесь отобраны легко осуществимые в домашних, училищных или университетских условиях, не требующие редких и дорогих химикалиев и не вредные для здоровья.

Рис. 4.46. Декоративные блюда «Бараны», «Петухи» – чеканка по железу с отделкой воронением. Блюдо «Бараны» дополнительно декорировано меднением, блюдо «Петухи» – плавленой смальтой. Автор И. Малаховский.

Химическая отделка заключается в том, что под действием различных веществ на поверхности металла образуются новые химические соединения, которые более или менее прочно соединяются с основным металлом и придают изделию тот или иной цвет. Чаще всего это сернистые, хлористые или кислородные соединения металлов. Иногда химическая отделка получается очень стойкой, не изменяется даже при нагревании или действии слабых кислот. В других случаях образовавшиеся пленки не прочны, легко стираются или смываются водой и для закрепления их покрывают бесцветным лаком.

Перед тем как приступить непосредственно к отделке изделия, его поверхность нужно тщательно очистить от загрязнений (жировых пленок, остатков флюсов, окисей металлов и т. д.). От тщательности подготовительных операций во многом зависит успех и качество последующих отделочных работ. Предварительно делают это следующим образом. После окончания чеканки работу снимают со смолы и осторожно отжигают, чтобы удалить остатки смолы. Медные и латунные изделия отбеливают в слабом растворе (5–15 %-ном) серной кислоты, железные – в растворе соляной кислоты, а алюминиевые – в теплом растворе двууглекислой соды. Затем изделия следует тщательно промыть (желательно в теплой проточной воде), и их можно открацевать (протереть) мягкой металлической щеткой. После такой подготовки приступают к отделке.

Однако следует предупредить, что при проведении отделочных работ нужно соблюдать большую осторожность в обращении с кислотами и щелочами. Строго соблюдать правила техники безопасности, работать в резиновых перчатках, под тягой в вытяжном шкафу или на открытом воздухе.

 

4.13.1. Шлифовка

Для придания изделию законченного вида после выполнения всех чеканных работ можно приступить к отделке его металлической поверхности. Делается это не только для красоты, но и для того, чтобы изделия стали более стойкими к коррозии и окислению.

В первую очередь поверхность шлифуют. Для художественных изделий не подходит грубая слесарная шкурка, мастера обычно берут нулевку. Процесс это долгий и требует большого внимания. Чтобы не испортить рельефность композиции, на шкурку почти не надавливают. На начальных стадиях шлифовки крупных изделий и при обработке краев можно использовать шкурку с крупным зерном, постепенно заменяя ее на более мелкую. Качество чеканки при этом не ухудшится.

Шлифуют мелкой шкуркой, стараясь не заваливать прямых и острых выступов изображения и не менять формы поверхностей. Для этого куски шкурки наклеивают на деревянные брусочки или пробку. Назначение материалов для шлифования зависит от размеров зерен, из которых они состоят. Чем меньше зерно, тем чище, ровнее получится обрабатываемая поверхность. Кроме шкурки можно применять различные шлифующие порошки, пемзу, крокус (окись железа), мел, известь. Некоторые из них продаются в готовом виде.

Полируют шлифовальными порошками с маслом, натирая поверхность до блеска суконным, войлочным тампоном или кусочком мягкой бархатной ткани. Хорошей полировочной смесью может быть состав: венской извести 50 весовых частей, крокуса 25 весовых частей, и окиси хрома 25 весовых частей.

Иногда шкуркой или шлифными порошками металлическим поверхностям придают чешуйчатый вид. Шкурку или тампон с порошком придавливают к поверхности большим пальцем и несколько раз поворачивают на месте в одну сторону, а затем в другую сторону. Получается кружок, рядом с ним другой. Лучше смотрится поверхность, целиком обработанная таким образом.

Шлифованную и полированную поверхность металла можно покрывать стойкими химическими соединениями, образующие на металле пленки, окрашенные в различные цвета.

 

4.13.2. Патинирование

После того как полировка изделия окончена, можно придать изделию разнообразные цветовые оттенки обработкой различными химическими веществами. В результате их взаимодействия с металлом возникают новые соединения, которые образуют на поверхности несмываемый налет. Патинированием называется обработка металлов соединениями серы или хлора. При этом поверхность металла приобретает черный или сероватый цвет.

При работе с химическими веществами необходимо соблюдать требования техники безопасности. Многие смеси легковоспламенимы и опасны для жизни, поэтому хранить их нужно вдали от источников огня в герметично закрывающейся стеклянной посуде.

Патинирование с использованием серной печени.

Чтобы получить этот состав, берут серу и поташ в отношении 1:2. их тщательно перемешивают и нагревают на медленном огне в течение 20–25 минут, периодически помешивая металлической лопаточкой.

Потом добавляют воду и продолжают нагревание до полного растворения. В результате жидкость окрашивается в черный цвет.

Если изделие небольших размеров, то его погружают в раствор целиком, когда оно не помещается в ванночку можно использовать кисть с мягким ворсом. Через некоторое время на его поверхности образуется налет черного цвета, который не смывается водой и не взаимодействует с кислотами.

Для образования более ровного и густого налета перед патинированием металлическую пластину нагревают на закрытом огне. По окончании процесса изделие промывают под струей воды и высушивают.

Можно легко придать изделию вид старинного произведения искусства, протерев выступающие места чеканки смесью порошка пемзы и машинного масла. В этих местах металл приобретает исходный цвет, основной фон становится матово-серым, а там, где рельеф особенно глубокий, – останется черным.

Вместо пемзы можно использовать любое чистящее средство для металлической посуды.

Наиболее эффектно смотрится обработанное таким способом серебро, но его часто применяют для декоративной отделки меди.

Патинирование с использованием сернистого аммония.

Раствор готовится следующим образом: 1 чайную ложку порошка сернистого аммония растворяют в 1 л воды и тщательно перемешивают. После обработки этим составом изделие покрывается черным налетом сульфида меди.

Если перед патинированием пластину прогреть, то цвет получится более насыщенным. Чем выше будет температура нагрева, тем более ярким получится цвет. Так можно получить всю гамму оттенков от коричневого до черного.

Естественный цвет изделию можно вернуть, опустив его в смесь 10 %-ного раствора азотной и серной кислоты. Держите его там до тех пор, пока не получится нужный цвет или сульфид меди не сойдет полностью.

Если у вас в запасе только концентрированные кислоты, то для приготовления раствора заранее рассчитайте необходимую массу кислоты и постепенно добавляйте ее в воду. Не смешивайте кислоты до того, как разбавите их водой. При взаимодействии азотной и серной кислот выделяется большое количество теплоты, поэтому смешивать их нужно в специальной посуде для химических реактивов. Работать с этими кислотами следует с соблюдением всех требований техники безопасности.

Пары сернистого аммония вредны для здоровья, работать с ним нужно на свежем воздухе, или под вытяжным отверстием.

При неосторожном обращении с кислотами можно получить сильные ожоги. Если они все-таки попали на открытые участки кожи, промойте их под струей холодной воды и обработайте 3 %-ным раствором пищевой соды. Пострадавшего сразу отвезите в больницу.

Нельзя доверять работу с кислотами детям и подросткам. Если чеканку ребенок вполне может выполнить самостоятельно, то до процесса химической обработки его допускать не следует.

Хранить сернистый аммоний нужно в герметичной стеклянной посуде в темном прохладном месте. Кислоты нельзя держать вместе с щелочами и горючими материалами.

Патинирование латуни с использованием триосульфата натрия и азотной кислоты.

Для того чтобы окрасить изделие из латуни в темный с красивыми оттенками цвет, возьмите 1 чайную ложку триосульфата натрия и разведите его двумя стаканами теплой воды. Раствор перемешайте до однородного состояния и добавьте в него 1–1,5 чайные ложки концентрированной азотной кислоты. В результате образуется мутная смесь желтого цвета с резким неприятным запахом серы.

Опустите чеканку в раствор на 10–15 минут. С увеличением времени изделие будет окрашиваться в серый, зеленый, синий или фиолетовый цвет. Патинирование можно ускорить, прогрев его перед погружением в раствор в горячей воде.

После истечения срока аккуратно выньте чеканку из раствора при помощи пинцета и тщательно промойте водой. Натрите изделие просеянным речным песком, а затем вторично погрузите в химический раствор, чтобы патина окончательно закрепилась.

Обработанную пластину еще раз промойте водой, после чего насухо вытрите и протрите порошком пемзы с помощью мягкой губки. Высушенному изделию можно придать дополнительный блеск, протерев его тампоном, смоченным машинным или растительным маслом.

Патинирование алюминия с использованием соляной кислоты.

Для приготовления раствора смешивают 1 л концентрированной соляной кислоты и 150–200 г электролита кислой медной ванны.

Погрузите изделие в раствор на 5–7 минут или нанесите его на поверхность с помощью кисточки или губки. Чеканка покроется черным налетом, густоту которого можно регулировать, увеличив или уменьшив на несколько минут время нахождения изделия в растворе.

После обработки промойте изделие под струей холодной воды и высушите. Чеканку можно очистить от небольших шероховатостей смесью порошка пемзы с маслом. В заключение требуется дополнительная шлифовка.

 

4.13.3. Оксидирование

Этот способ обработки поверхности дает возможность получать различные цвета. Для оксидирования чаще всего используется концентрированная азотная кислота.

Это старый, проверенный долголетней практикой способ – обработка крепкой азотной кислотой. Он требует известного навыка и большой осторожности при обращении с кислотой. Особенно вредны образующиеся при обработке ядовитые газообразные выделения, поэтому работу нужно вести на открытом воздухе или в вытяжном шкафу.

При работе с ней необходимо соблюдать требования техники безопасности, работать в химических резиновых перчатках.

Оксидирование медной и латунной пластины.

Процесс заключается в следующем: перед началом обработки приготовьте тампон из ваты или кусочка губки. Держать его нужно не руками, а пинцетом или закрепив на конце палочки. Обмакните тампон в концентрированную азотную кислоту или разведенную водой и начинайте осторожно обрабатывать поверхность чеканки. Сразу начинается бурная реакция с выделением газа.

Поверхность сначала зеленеет, а потом постепенно чернеет. Реакция вскоре ослабевает и, наконец, прекращается. Тогда изделие нагревают, процесс вновь активизируется. Нагревание продолжают до полного испарения кислоты. Затем изделие охлаждают и тщательно промывают в горячей (лучше проточной) воде. В зависимости от концентрации кислоты, продолжительности обработки и степени нагрева можно получить самые различные тона – от оливково-зеленых через коричневые и серые до черных. Отделка получается очень прочная, ее можно шлифовать и полировать.

Чтобы выделить выступающие части рисунка, его сначала протирают кусочком мягкой ткани, смоченной в бензине или в любом растворителе, а затем на выбранные места наносят абразивный порошок. После окончания обработки изделие повторно шлифуют. По окончании обработки чеканку необходимо промыть и просушить. Таким же образом оксидируют изделия из бронзы.

Оксидирование алюминия.

Оно хорошо защищает чеканку от коррозии. Обработка производится без использования кислоты и позволяет получить богатую гамму оттенков.

Перед началом оксидирования поверхность смачивают ацетоном, чтобы удалить жирные пятна и грязь, после чего изделие просушивается и обрабатывается бензином или другими растворителями. Затем производится нагревание с помощью паяльной лампы, включенной на среднюю мощность, при этом поверхность начинает быстро темнеть. Пламя должно равномерно прогревать всю поверхность. Помните, что температура плавления алюминия по сравнению с другими металлами низкая, поэтому горелку лучше держать на некотором расстоянии от изделия.

Насыщенность цвета и его оттенки зависят от количества нанесенного на поверхность растворителя. Меньшего требуется для получения синего цвета, большего для черного. С помощью растворителя можно дополнительно затемнить некоторые детали чеканки. Для обработки мелких деталей используется тонкая кисточка или пипетка. Убрать нагар и вернуть его естественный цвет можно с помощью порошка пемзы. Его смешивают с маслом и наносят на небольшой кусочек губки, которым протирают выбранные места.

 

4.13.4. Декоративная окраска

Окрашивать чеканные изделия можно разными способами. Наиболее распространенным из них является обработка металла с помощью химических соединений. В результате реакций на поверхности образуется тонкий слой нового вещества, имеющего другой цвет.

Меняя состав окрашивающего вещества, и внося в него небольшие добавления, можно получить богатую гамму оттенков.

Перед началом обработки изделие необходимо очистить от грязи, окиси и пр. Первая чистка – ручная – проводится мягкой тряпочкой с порошком пемзы или извести. Затем его поверхность протирают растворителем или кипятят чеканку в слабом растворе едкого натра, чтобы удалить жировые пятна. После этого можно приступать к промывке и просушиванию.

Чтобы окрашивание было равномерным, изделие непосредственно перед началом окрашивания опускают в раствор, состоящий из равных частей денатурированного спирта и воды. Части чеканки, не нуждающиеся в окрашивании, покрывают асфальтовым лаком, который впоследствии можно легко удалить скипидаром.

Во время всех операций с химическими реактивами необходимо соблюдать меры безопасности. Погружаемые или прошедшие обработку изделия следует брать пинцетом, руки защитить резиновыми перчатками.

Окраска меди.

Следующим способом можно окрасить медь в различные цвета от оранжевого до темно-красного. Приготовляют два раствора: 150 г серновато-кислого натрия на 1 л воды и 10 г яри медянки, 25 г медного купороса на такое же количество воды. Их смешивают в равных пропорциях и нагревают примерно до 80 °C.

Изделие погружают на короткие промежутки времени в раствор, так как насыщенность цвета меняется довольно быстро. Нужного оттенка можно добиться продолжительностью выдержки. Окрашенная тем же образом латунь будет иметь сходный спектр, более смещенный в сторону желтого цвета.

В коричневый цвет медь окрашивают кипячением в растворе медного купороса. Через десять минут металл приобретает матовый сероватый оттенок, который легко счищается, если протереть остывшую чеканку подогретым льняным маслом. После этого изделие приобретает насыщенный коричневый цвет.

Яркость окраски можно регулировать концентрацией медного купороса. Норма – 150 г на литр.

Для получения коричневых тонов, от светлого до темного, применяют раствор сернистого аммония. На литр воды берут 20–25 граммов сернистого аммония. Изделие нагревают и горячим погружают в раствор или, если изделие крупное, наносят раствор кистью. Интенсивность тона зависит от температуры нагрева изделия: чем она выше, тем темнее коричневый тон покрытия.

Чтобы придать чеканке желтую окраску поступают так: сначала погружают ее на несколько минут в 10 %-ный раствор соляной кислоты с добавлением 1–2 г поваренной соли. Затем готовят смесь из 200 мл 20 %-ной азотной кислоты, в которую постепенно вливают 100 мл концентрированной серной кислоты. Так как реакция сопровождается выделением большого количества теплоты, надо соблюдать осторожность.

Просушенное изделие на короткое время погружают в этот раствор, затем сразу промывают под проточной водой. От пережигания могут образовываться пятна, которые удаляют, погрузив чеканку в слабый раствор хлористого цинка.

Серый и черный цвет можно получить, используя хлористую сурьму (сурмяное масло). Ее наносят на металл и растирают жесткой щетинной щеткой. Добившись необходимого цвета, изделие промывают и просушивают. В зависимости от времени обработки (и от концентрации раствора) получают различные оттенки, начиная от светлых стальных, серовато-фиолетовых и кончая совсем черными. Эта отделка очень прочная, применима и для латуни.

Окраска латуни и бронзы .

Изделия из медных сплавов легко окрасить в темно-коричневый цвет. Готовится смесь из 4 мл нашатырного спирта, 5 г щавелекислого калия и 200 мл уксусной эссенции. Ею необходимо покрывать чеканку несколько раз, давая возможность полностью высохнуть, пока она не приобретет нужный цвет.

Образующийся при такой обработке металлический глянец скоро сходит, и изделие приобретает ровную коричневую окраску.

В тот же цвет можно покрасить и с помощью раствора 5–10 г яри медянки, 10 мг нашатырного спирта, разведенных в 1 л воды.

Изделие погружают в него несколько раз, после чего оно приобретает оливково-зеленый цвет.

Для дальнейшей обработки в раствор добавляют еще литр воды. Чеканку опускают в ванну на несколько минут (интервал зависит желаемой степени окраски), затем просушивают над огнем. Операцию повторяют несколько раз до тех пор, пока металл не приобретет нужного цвета.

В фиолетовый цвет чеканные изделия из медных сплавов окрашивают следующим образом, нагревают их до 70–80 °C и протирают кусочком войлока или ваты, пропитанных в сурьмяном масле.

В зеленый – чеканки приобретают после обработки поверхности слабым раствором азотнокислой меди с поваренной солью. После того как изделие просохнет, его протирают раствором 5 г щавелекислого калия и 10 мл нашатырного спирта в 100 мл разбавленной уксусной эссенции.

В такой последовательности окрашивание следует проводить до тех пор, пока цвет поверхности не станет темно-зеленым. Для ускорения реакции чеканку прогревают на огне до температуры 50–60 °C.

Есть и другой способ: готовое к окраске изделие обрабатывают тампоном, пропитанным олеиновой кислотой. На поверхности образуется слой окиси меди, имеющий темно-коричневый цвет. По прошествии некоторого времени он начинает блекнуть и в конце концов становится светло-зеленым с желтоватым отливом. Для закрепления окраски операцию повторяют несколько раз.

Все оттенки желтого цвета можно получить обработкой чеканки в нейтральном растворе уксуснокислой меди (яри медянки).

Кроме перечисленных можно применить следующий состав: 20 г едкого натра и такое же количество молочного сахара тщательно перемешивают в 1 л воды и подвергают продолжительному кипячению. К смеси постепенно добавляют 20 мл концентрированного раствора медного купороса.

Раствору дают остыть и на короткий срок кладут в него обрабатываемые изделия, после чего они приобретают золотистый оттенок. Этот способ часто используется для окраски под золото.

Более насыщенный цвет с красноватым отливом получается если протереть поверхность кашицей из 4 частей порошкового мела и 1 части сусального золота, которые разжижают дистиллированной водой.

Иногда употребляется состав, содержащий 15 г сернокислого аммония, 10 мл раствора хлористой сурьмы и 30 мл воды. Его необходимо прокипятить и несколько раз профильтровать, осадок размешать в 2–3 л горячей воды. Для лучшего растворения добавить едкий натр.

Изделие погружают в ванну и держат до тех пор, пока оно не приобретет желаемого цвета.

В серебряный цвет чеканку можно окрасить раствором 40 г винного камня и 14 г рвотного камня в 1 л горячей воды. Затем добавляют другой раствор из 50 г соляной кислоты, 125 г порошка олова и 30 г сурьмы. Состав нагревают и кипятят в нем изделие до тех пор, пока оно не покроется ровным налетом.

Другой способ окраски – механический – требует специального оборудования и навыков. Так как обычно используются порошковые краски или мелкая металлическая пыль различных цветов, для работы потребуется пульверизатор, растворители и связывающие вещества, которые оставляют на поверхности изделия тонкий слой защитной пленки.

Если всего этого нет, то порошки просто вколачивают в металл киянкой или при помощи плоского чекана. Этот процесс лучше повторять несколько раз, в промежутках промывая чеканку под струей проточной воды.

Впоследствии требуется обработка поверхности лаком. Он бывает как цветным, так и прозрачным, выбор зависит от желания мастера. Необходимо помнить, что лаки покрываются трещинами и мутнеют от плохих условий хранения. При помощи специального оборудования частицы металла наносятся на изделие под давлением. Но оно является очень дорогостоящим и не всегда доступно мастеру, собирающемуся работать в домашних условиях или в мастерских университета, колледжа и СПТУ.

Очень эффектно выглядит серебрёное изделие. Для серебрения из отходов, содержащих серебро (фотоматериалы), или из обломков серебряных изделий приготовляют раствор азотнокислого серебра (ляписа и разбавляют его водой в 10 раз.

Примечание. Эту операцию необходимо проводить только на открытом воздухе, так как выделяющиеся при реакции бурые пары окиси азота очень ядовиты). Затем крепким раствором поваренной соли, который постепенно приливают, переводят азотнокислое серебро в хлористое. Хлористое серебро выпадает в виде хлопьев в осадок, его хорошо промывают в воде, добавляют мел в порошке, слегка подкисляют серной кислотой и разбавляют водой до густоты жидкой сметаны. Массу наносят на чистую поверхность изделия и натирают его жесткой щетинной щеткой. На поверхности быстро образуется тонкое, но прочное серебряное покрытие, его промывают и высушивают.

Серебрёное покрытие при желании можно, в свою очередь, тонировать под «старое серебро». Для этого применяют серную печень. Готовят ее следующим образом: смесь одной части серы (в порошке) и двух частей поташа подогревают 20–25 минут при постоянном помешивании до полного сплавления и образования густой массы серовато-коричневого цвета с запахом сероводорода. Делать это лучше всего в железной посуде (например, в консервной банке), мешать железным прутком, а подогревать на электроплитке, так как на открытом огне сера легко загорается. Готовую массу выливают на чугунную или керамическую поверхность. Остывшую и затвердевшую серную печень разбивают на куски и хранят в стеклянной банке с притертой пробкой, иначе она поглощает влагу из воздуха и теряет свойства.

По мере надобности из серной печени готовят раствор из расчета 10–20 граммов на литр воды. Окраска идет легко даже при комнатной температуре, но процесс ускорится, если изделие подогреть и погрузить в раствор горячим. В зависимости от концентрации и температуры получаются различные оттенки – от светло– и темно-коричневых, до серых и черных с синеватым оттенком. Более суток раствор хранить нельзя; он теряет свои свойства. Лучшие результаты дают свежие, только что приготовленные растворы.

Для получения различных оттенков на латуни – оранжевого, малинового, фиолетового и синего – применяют смесь следующих растворов: готовят раствор серноватистокислого натрия (гипосульфит натрия) 130 граммов на 1 литр воды, в отдельном другом литре горячей воды растворяют 35 граммов кристаллического свинцового сахара (азотнокислого свинца), оба раствора сливают вместе.

Протравленные в азотной кислоте и промытые в воде изделия погружают в нагретый до 80 °C раствор. Цвета быстро сменяют друг друга: сначала желтый, потом оранжевый, красный, малиновый, фиолетовый, синий. Синий постепенно тускнеет, переходит в серый, и процесс заканчивается. Как только появляется желаемый цвет, изделие быстро вынимают из раствора, промывают, просушивают и покрывают бесцветным лаком, так как прочность пленки невелика.

Интересная окраска с радужными переходами получается, если изделие извлекать из раствора постепенно. На верхней части, оказавшейся в воздухе, останется, например, желтая окраска, в середине переход к оранжевой, далее к красной, фиолетовой, и, наконец, нижняя часть, которая дольше всего будет находиться в растворе, приобретает синий цвет. Смесь растворов быстро теряет свои красящие свойства, поэтому ее нельзя хранить и каждый раз следует употреблять свежую.

 

4.13.5 Отделка железных сплавов

Черный декапир, кровельная сталь. После тщательной очистки чеканку покрывают натуральной олифой (или каким-либо растительным маслом, например «Олейна») и нагревают до 300–400 °C. Равномерный нагрев можно получить в муфельной печи, что позволяет добиться и наиболее равномерной тонировки. На поверхности изделия образуется прочная красивая пленка черно-коричневого цвета (иногда синеватая) различных оттенков.

Светло– и темно-серые тона получают при обработке слабыми растворами азотной кислоты. Раствор готовят не крепче 1:10 (одна часть азотной кислоты на 10 частей воды). Более концентрированные растворы использовать не следует, так как они травят само изделие; вначале поверхность приобретает матово-зернистое строение, а при продолжительной обработке разъедается и разрушается.

Различные оттенки с радужными переходами от охристо-золотистого, красновато-коричневого можно получить за счет образования «цветов побежалости». Для этого хорошо очищенное изделие постепенно и равномерно нагревают. Начиная с 220 °C на нем образуется тонкая цветная пленка окислов металла. С повышением температуры окисная пленка утолщается, и цвет изделия изменяется.

Для отделки больших изделий в синий и синевато-черный тона применяют раствор следующего состава: каустической соды (едкий натр) 700 граммов, нитрита натрия (натриевая селитра) 200 граммов на 1 литр воды. Подготовленное изделие погружают в кипящий раствор (135–145 °C). В течение всего процесса раствор должен кипеть.

Следующий способ. Рельеф станет более выразительным и зримым, если окрасить чеканку в глубокий темно-синий цвет в водном растворе гипосульфита и уксуснокислого свинца. На один литр воды нужно взять 150 г гипосульфита и 40–50 г уксуснокислого свинца. Погруженная в раствор сталь окрашивается довольно медленно. Но если раствор нагреть до кипения, окрашивание ускорится. После промывки под струей проточной воды и просушки протрите металл маслом.

Кстати в этом же растворе можно получить серебристо-голубой цвет на поверхности латуни.

Воронение – это один из самых надежных способов защиты стали и ее сплавов от ржавчины. Подвергая металл воронению из чисто практической необходимости, мастера постепенно открывали для себя красоту чеканки по железу с отделкой воронением (рис. 4.47).

Рис. 4.47. Декоративное блюдо «Ванечка». Чеканка по железу с отделкой воронением. Автор И. Малаховский.

В художественном оружии воронение стало одним из средств решения декоративных задач. Так, вороненый фон на старинных кубачинских изделиях подчеркивал и делал более выразительными элементы орнаментальной насечки золотом и серебром.

Из множества известных рецептов воронения стали предлагаем вам наиболее простые, но дающие красивые и прочные покрытия. В литре воды последовательно разведите 15 г хлористого железа, 30 г железного купороса и 10 г азотнокислой меди. Когда вы опустите в раствор изделие, на металле появится бурый налет. Снимите его щеткой и снова опустите изделие в раствор. Через некоторое время на металле снова появится бурый налет, который тоже надо удалить. Если процесс идет правильно, то коричневый цвет на поверхности стали станет гуще. Чтобы получить насыщенный черно-коричневый цвет, почти черный цвет, этот процесс нужно повторить несколько раз. После промывки и просушки сталь протрите маслом.

Чаще всего под воронением понимают получение на стали черного цвета с легким синеватым отливом, как вороново крыло. Чтобы получить такой цвет, разведите в литре воды 100 г двухромовокислого калия, в быту больше известного как хромпик. Опустив изделие в раствор, подержите его там 20 минут. Вынув из раствора, высушите при высокой температуре, например, над электроплиткой или над раскаленными углями. Металл приобретает серо-бурый цвет. Эту же операцию проделайте несколько раз, пока не будет достигнут глубокий черный цвет с синеватым отливом. Металл необходимо протереть маслом.

Воронение в натриевой селитре. Полированные стальные изделия воронят погружением в расплавленную натриевую селитру при температуре 310–350°. В течение 3–5 минут на поверхности детали образуется тонкая, но очень прочная пленка красивого синеватого цвета.

Кроме химического, есть другой простой способ декорирования стали – термический. (Кстати, этим же способом можно получить различные цвета на меди и латуни). Если нагревать металл в муфельной печи или газовой горелкой, на нем быстро начнут последовательно сменяться цвета побежалости – от соломенно-желтого до сине-черного. Металл прекращают нагревать в тот момент, когда на нем будет получен нужный цвет.

Предположим, что с помощью газовой горелки нужно добиться появления определенных цветов побежалости на чеканной работе. Чеканку кладут на кирпичи и направляют на нее пламя газовой горелки. Перемещая его по своему усмотрению, добиваются различной окраски отдельных участков, плавных переходов одного цвета в другой.

Добиваясь определенной цветовой гаммы, металл протирают восковой мастикой, которую готовят следующим образом. Расплавленный на водной бане воск или парафин смешивают со скипидаром или парафином (на 2 части воска 1 часть скипидара). Остывшую мастику наносят на металл тряпичным тампоном и после высыхания натирают войлоком до появления мягкого блеска.

Каждый цвет побежалости возникает на поверхности металла только при определенной температуре. Светло-желтый (соломенный) цвет появляется на поверхности металла при температуре 220 °C, желтый – 230 °C, темно-желтый – 240 °C, коричневый – 255 °C, коричнево-красный – 265 °C, фиолетовый – 285 °C, темно-синий – 300 °C, светло-синий – 325 °C, серый – 330 °C. По цвету побежалости можно приближенно определить температуру нагрева металлического изделия. Обычно этот прием применяется при отпуске закаленной стали (см. выше).

Оксидирование чеканки из железа или стали .

(Рецепты взяты из статьи Г. Шульпина. Коррозия, или попросту ржавчина // «Наука и жизнь», № 9, 1980).

Для этого в стакане воды растворите примерно 150 граммов едкого натра (осторожно – это весьма агрессивное вещество), 10 граммов азотнокислого натрия и 40 граммов азотнокислого натрия. Раствор нагрейте до кипения в металлической кастрюле (будьте очень осторожны!) и примерно на полчаса опустите в него очищенный железный предмет. После промывки водой железо приобретет сине-черный цвет.

Чтобы получить красно-коричневый цвет, растворите в стакане воды около 5 граммов хлорного железа и нанесите этот раствор дважды с промежутком в несколько часов на железный предмет. Образующийся налет протрите железной щеткой и еще раз нанесите раствор.

Черно-коричневый цвет можно получить так. Нагрейте железный предмет в кипящей воде и опустите ненадолго в раствор бихромата калия в воде (20 грамм соли на стакан воды), высушите предмет на воздухе и подержите 1–2 минуты над газовой горелкой. Повторяя эту процедуру несколько раз, вы получите коричнево-черную или чисто черную окраску.

Можно наносить на легко окисляющиеся металлы не окисные пленки, а слои других, труднее корродирующих металлов. Широко распространены покрытия из никеля, хрома, олова; с точки зрения химика, ту же роль выполняют серебряное и золотое покрытия. Покрывать металлы можно и неметаллическими составами – красками, лаками, смолами, цементами. Часто поверхность железа фосфатируют, то есть покрывают слоем не растворимого в воде фосфата железа.

Есть и такой остроумный способ защиты от коррозии. Вспомните: электрохимическая коррозия железа сопровождается переносом электронов от железа, в результате чего железо растворяется, в раствор переходят ионы Fe2+. Если подключить к этой системе еще один металл, более активный, чем железо, например, цинк, то электроны будут поставлять именно цинк, и именно он будет растворяться, сохраняя железо. Вот почему оцинкованное железо трудно поддается коррозии.

 

4.13.6. Отделка алюминия

Этот металл обладает множеством достоинств, благодаря которым его охотно применяют мастера декоративного искусства. Он легок, мягок, пластичен, имеет красивый серебристый цвет. Но алюминий с трудом поддается химической обработке. Существующие ныне химические способы его декорирования требуют сложного оборудования. Поэтому в художественной практике наиболее часто применяют подкраску, копчение и прокаливание.

Наиболее простой способ – окраска масляными красками. Куском ткани нанесите масляную краску тонким слоем на металл, следя за тем, чтобы были полностью обработаны все участки. Затем протрите изделие сухой тряпкой. В выпуклых местах рельефа краска снимается больше, чем в углублениях, создавая иллюзию более высокого рельефа. Преимущество этого способа заключается в том, что он совершенно безопасен, к тому же можно составить любой цвет «патины», смешивая краски на палитре. Надо заметить, что удачно окрашивать таким способом можно только алюминий. Вместо масляной краски можно взять черную тушь, графитный порошок, черный битумный лак.

Чтобы окрасить алюминий в черный или серый цвет, протрите рельеф тонким слоем натуральной олифы или каким-нибудь растительным маслом. Поместите металл лицом вниз над коптящим пламенем. Небольшие вещи коптите над свечой, а более крупные – над пучком свечей или над горящей берестой, помещенной в жестяной банке. Особо крупные изделия удобно коптить дымом факела, смоченного керосином. Мельчайшие частицы копоти въедаются в олифу, прочно сцепляясь с поверхностью металла.

Чтобы удобно было следить за тем, как ложится на металл копоть, изделие должно находиться выше уровня глаз. Можно закоптить металл равномерно, но можно добиться интересного декоративного эффекта: уменьшая или увеличивая слой копоти, приближая, или удаляя изделие от коптящего пламени. После нанесения копоти поместите изделие над углями или в муфельную печь. Следите, чтобы пленка хорошо прокалилась, но не перегорела. Исчезновение блеска на каком-нибудь участке изделия – это сигнал, говорящий о начале перегорания пленки. Во время копчения не забывайте соблюдать правила пожарной безопасности.

Различные оттенки от золотисто-желтого до темно-коричневого и даже черного можно получить, прокаливая алюминиевое изделие, покрытое слоем олифы или растительного масла. Протрите маслом изделие и поместите над огнем или над раскаленными углями. Пламя не должно касаться поверхности изделия. Может случиться, что выделяемые маслом летучие вещества вдруг загорятся. Сгорают они довольно быстро и не приносят вреда декоративной пленке. Чтобы получить однородную окраску, изделие равномерно вращайте над огнем. Когда поверхность металла приобретет нужный цвет, дайте изделию постепенно остыть. Пленка на металле получается блестящей, прочной, хорошо предохраняющий металл от окисления.

Алюминий, покрытый слоем растительного масла, после прокаливания приобретает золотисто-коричневый цвет или оливковый, а натуральной олифой – красно-коричневый и черный.

Наиболее простой и эффективный прием отделки чеканки из алюминия – это обработка копотью и керосином. Такая отделка превосходно выявляет все детали рельефа, и изделие приобретает законченный вид с темными углублениями и светлыми выступающими частями. Процесс тонировки сводится к следующему: изделие держат лицом вниз над коптящим пламенем керосиновой горелки или еще лучше горящей бересты, а затем протирают тампоном, смоченным в керосине. Стирая копоть с выступающих частей рельефа и сохраняя ее в углублениях, можно получить темные, то более светлые места.

Эти способы можно также использовать при декорировании чугуна, стали и других металлов.

Отделка алюминия соляной кислотой. Хорошим способом темно-серой тонировки является обработка изделий соляной кислотой с небольшим добавлением раствора медного купороса и серной кислоты (3–5 %). Процесс протекает быстро, изделие нагревается, а раствор теряет активность и требует периодического обновления. Следует заметить, что качество и цвет покрытия, скорость реакции сильно варьируют в зависимости от марки алюминия, то есть от содержания в нем примесей. Чем больше примесей, тем процесс идет лучше. Например, вторичные сплавы алюминия отделываются этим способом очень хорошо и быстро, а чистый алюминий приобретает более светлые оттенки, и процесс идет труднее.

 

4.13.7. Отделка цинка

Этот металл чаще всего используется художниками для литья миниатюрной скульптуры, рельефов, но применяют и в чеканке. Окраска зрительно усиливает рельефность отливок, придает цинку вид старого серебра.

Серый и темно-серый цвета на поверхности цинка получают с помощью химических составов, в которые входят слабые растворы кислот. В стакане воды растворяют 1 чайную ложку лимонной кислоты и 1 чайную ложку медного купороса.

Вместо лимонной кислоты можно использовать уксус. Изделие выдерживают в растворе до появления окраски нужной тональности. Затем его промывают, сушат и протирают тряпкой, смоченной льняным маслом.

Черный цвет на поверхности цинка получают окрашиванием его в растворе, состоящем из 2 частей оксида меди, 2 – нитрата меди, 8 – соляной кислоты, разведенных в 60 частях воды.

 

4.13.8. Отделка олова и свинцовых сплавов

Мелкие отливки из олова и свинца, а также его сплавов (гарта и баббитов) после чеканки и гравировки, окрашивают в серый и темно-серый цвета уксусной или лимонной кислотой (см. главу «Басма» – баббиты). С помощью щетинистой кисти или тампона, укрепленного на деревянном стержне, поверхность металла смачивают до тех пор, пока не будет получена окраска нужного тона. Окрашенное изделие промывают проточной водой и сушат.

 

4.14. Эмалирование, тауширование (инкрустация)

Эмалирование. Этому способу окрашивания подвергаются чаще всего небольшие художественные изделия или их отдельные участки. Например, чеканное изделие (рис. 4.48) художника А. С. Хворостова «Былины». Эмаль представляет собой стеклянный сплав, содержащий различные цветовые добавки. Ее температура плавления ниже, чем у обрабатываемого металла, что позволяет легко производить обжиг.

Рис. 4.48. «Былины». Чеканка. Инкрустация. Эмаль. Автор А. С. Хворостов.

Эмаль наносят на поверхность холодной в виде размоченной в воде кашицы, разравнивают легкими ударами по чеканке, затем просушивают до полного испарения воды. Далее следует обжиг при температуре 600–800 °C. Изделие помещают на специальную подставку, которая не должна деформироваться под действием жара. После достижения температуры плавления эмаль растекается ровным слоем и становится похожа на стекло. Чеканку осторожно вынимают и дают ей остыть на открытом воздухе. Для того чтобы получить художественную композицию с применением эмали различных цветов, сначала наносят те, температура плавления которых ниже. Перегородки делают из металлической проволоки, которую в зависимости от замысла можно убрать или оставить.

Существует множество различных способов нанесения эмали и создания с ее помощью художественных произведений. В окрашивании чеканных изделий этот материал используется для создания контрастных композиций, усиливающих выразительность металла.

Тауширование (инкрустация). Представляет собой процесс вколачивания в металл плоских проволок. Чаще всего таким образом подчеркивают границы рисунка. Предварительно по контуру делается углубление либо с помощью острого резца, которым удаляется тонкая полоска материала, либо травлением, т. е. выжиганием бороздок концентрированной кислотой. Расходники для этого не подходят, потому что оставляют коническое углубление, из которого проволока выпадает. Последний способ более традиционный, дает хорошее качество тауширования, но после него необходима дополнительная обработка металла у границ или ретуширование.

Проволоку, подготовленную с помощью вальцов, вкладывают в прорезные канавки и расклепывают специальным молотком. При этом необходимо следить за шириной, она должна быть постоянной. Мелкие дефекты устраняют шлифованием и полированием.

 

4.15. Патинирование соком растений

По Г. Я Федотову нередко народные мастера декорировали изделия из металлов и их сплавов с помощью сока некоторых растений. Одно из таких – чистотел, или желтомолочник. Откуда взялось второе название – станет понятным после того, как из черешка оторванного листка выступит густой сок, напоминающий яичный желток. Растет чистотел в запущенных садах и парках, на мусорных кучах, у заборов и вдоль дорог, а также в редколесье и среди кустарников. В млечном соке чистотела содержится 4,3 % органических кислот: хелидоновая, яблочная, янтарная и лимонная. Благодаря наличию этих кислот сок растения в старину применяли для чернения и травления мелких ювелирных изделий из различных металлов. Летом нарвите листьев чистотела и попробуйте провести с его млечным соком небольшие эксперименты. Чтобы получить сок, траву мелко рубят и заворачивают в тряпку. Сок отжимают деревянной колотушкой в обливной посуде. Следует предупредить, что сок чистотела раздражает кожу, поэтому работать нужно в резиновых перчатках. Отжатый сок сливают в стеклянный пузырек. На изделие из металла сок чистотела наносят кистью. Тональность окраски будет зависеть от продолжительности обработки металла млечным соком. Можно попробовать окрасить изделия из меди, цинка и других металлов.

При декорировании любого металла имейте в виду, что не следует наносить слишком густой слой декоративно-защитной пленки. Всегда, прежде всего, должен ощущаться материал, его естественная красота и характерный блеск. Очень осторожно нужно применять яркие открытые цвета, которые могут внести пестроту в изделие, нарушить целостность его восприятия.

Обычно декоративная отделка чеканной посуды на этом заканчивается. А декоративные рельефы, выполненные на пластинах металла, еще нужно укрепить на основании. Выразительно смотрятся они на фоне древесины с ярко выраженной текстурой, предварительно обожженной, окрашенной морилкой.

 

4.16. Химическое окрашивание металлов

Старинные рецепты. (См. «Наука и жизнь», № 9, 1980).

Применяя из старинных журналов некоторые рецепты окрашивания металлов, предупреждаем сразу тех, кто пожелает воспользоваться при работе с такими едкими и ядовитыми веществами, как азотная и серная кислота, едкий натр, медный купорос, хлорная сурьма, необходимо соблюдать предельную осторожность!

Приводим современные названия веществ в приводимых рецептах; сурьмяное масло – треххлористая сурьма; серноватисто-натриевая соль – серноватистокислый натрий; свинцовый сахар – уксуснокислый свинец; углекислая окись меди (она же углемедная соль) – основной карбонат меди; молочный сахар – лактоза; уксусномедная соль (она же ярь-медянка) – основная уксуснокислая медь; вино-каменно-медная соль – медное производное виннокаменной кислоты.

Придание железу каштаново-бурого цвета. Наливают 16 капель азотной кислоты в фарфоровый сосуд, нагревают последний, прибавляют 32 капли сурьмяного масла, затем 16 капель тонкого оливкового и кипятят до полного соединения масла с остальными веществами. Подогретые и предварительно очищенные железные предметы покрываются этой протравою, оставляются на 12 часов, обтираются щеткою, снова подогреваются, покрываются протравою и снова протравляются еще раз 12 часов. Такую операцию повторяют в третий раз, после чего обмакивают шерстяную тряпку в костяное масло и натирают предметы до получения ими желаемого блеска. («Иллюстрированный технический обзор», 1884, № 2).

Блестящая чернь на железе получается нанесением при помощи волосяной кисточки кипящего раствора серы и скипидара. По испарении последнего остается тонкий слой серы, который соединяется с металлом самым тесным образом при нагревании на газовой горелке. («Иллюстрированный технический обзор», 1884, № 20).

Чернение меди. Приготовляют насыщенный раствор сернокислой меди и прибавляют к нему столько нашатырного спирта, чтобы смесь приняла прекрасный яркий прозрачный синий цвет. Обрабатываемая вещь опускается в этот раствор на несколько минут, затем вынимается и слегка нагревается, пока не почернеет. Более прочное чернение получается, если медную вещь погрузить в насыщенный раствор насыщенной меди в азотной кислоте и затем слегка нагреть. Иначе: приготовляют насыщенный раствор сернокислой меди и прибавляют столько углекислой соды, чтобы образовался осадок углекислой меди. Жидкость с этого осадка сливают, самый осадок промывают и растворяют в нашатырном спирте. В остальном поступают, как и в первом рецепте чернения меди. Для чернения медная вещь может быть также опущена в раствор хлорного железа (одна часть по весу на одну часть воды). («Журнал новейших открытий и изобретений», 1899, № 10).

Окрашивание латуни в различные цвета. Бурый цвет получается погружением латунных предметов в раствор хлорного железа после предварительного протравливания в разведенной серной кислоте, очищения песком и водою и высушивание. Крепость раствора определяет оттенок. Фиолетовый достигается погружением в раствор хлорной сурьмы; шоколадно-бурый – обжиганием металла с влажною красною окисью железа и последующей полировкою небольшим количеством свинцового блеска. («Иллюстрированный технический обзор», 1884, № 10).

Окрашивание латуни в синий цвет. В одной чашке растворяют в полуведре дистиллированной воды 600 граммов серноватисто-натровой соли, а в другом немного большем таком же сосуде – 200 граммов свинцового сахара также в полуведре воды. Первый раствор смешивают со вторым и нагревают смесь до 94–96 °C. После этого кладут в нее чисто отполированные предметы и равномерно нагревают в песчаной бане в течение 4 минут. При достижении желаемого оттенка вынимают предметы и тщательно прополаскивают водою. Другой способ, в особенности пригодный для тонких предметов, состоит в погружении в раствор 50 частей хлорного железа и 50 частей желтой кровяной соли, после чего предметы покрываются бесцветным лаком. («Иллюстрированный технический обзор», 1884, № 23).

Окрашивание латуни в черный цвет. Смешивают вместе 180 граммов углекислой окиси меди, 400 граммов нашатырного спирта и 400 граммов воды. В эту смесь погружают предварительно очищенные латунные предметы, почаще быстро вынимают их для наблюдения, затем ополаскивают водою и высушивают в опилках; такой процесс повторяют еще два раза. В заключение (изделие – Е.М.) слабо натирают небольшим количеством льняного масла. («Иллюстрированный технический обзор», 1882, № 23).

Латунным предметам можно придать золотисто-желтый цвет посредством жидкости, которая приготовляется кипячением в продолжение 15 минут 4 частей едкого натра и 4 частей молочного сахара со 100 частями воды и прибавлением 4 частей концентрированного раствора медного купороса при непрерывном размешивании. Полученную жидкость охлаждают и кладут в нее предварительно очищенные предметы, принимающие в следствии этого золотистый цвет. При более продолжительном лежании в таком растворе предметы принимают сначала голубоватый, а потом радужный цвет. («Иллюстрированный технический обзор», 1884, № 14).

Окрашивание цинковых поверхностей. Совершенно чистый и не содержащий свинца металл натирается песком и соляною кислотою, промывается, высушивается пропускною бумагою и затем погружается в раствор, состоящий из 3 частей винно-каменно-медной соли, 4 частей едкого натра 48 частей дистиллированной воды при температуре около 10 °C. Смотря по продолжительности погружения, окрашивание различно: так, например, в две минуты происходит фиолетовое, в три – темно-синее, в четыре с половиной – золотисто-желтое и в восемь с половиной – пурпуро-красное. По достижении желаемого оттенка хорошо промывают цинк водою и для лучшего сохранения покрывают лаком. («Иллюстрированный технический обзор», 1884, № 22).

 

4.17. Применение художественной чеканки

В настоящее время художественная чеканка применяется в областях серийной или массовой продукции, выполненной литьем. Иногда это может быть небольшая проработка – подчеканка рельефа, подчеркивание отдельных элементов расходкой, шабровка и т. п. Чеканка моделей под литье, которые могут выполняться из листа или предварительной лепкой, отливкой и путем чеканной проработки литья, как правило, требует незаурядного мастерства. Чеканка художественных уникальных изделий, начиная от ювелирных и кончая крупными монументальными произведениями, которые могут выполняться как техникой чеканки с листа, так и литьем или обронном с последующей чеканкой, также требует художественного вкуса и больших навыков.

Многие работы в чеканке представляют собой большие декоративные панно, предназначенные для убранства интерьера и экстерьера общественных зданий, они не только дополняют замысел архитектора, но и содержат глубокие идеи, значимые художественные образы. Графичность и скульптурность чеканных орнаментов придают особую торжественность украшаемому предмету, усиливают выразительность металла. Свет, играя на выступающие части рельефа, обогащает его цвет. Тени в глубине скульптурной формы подчеркивают пластику. Металл начинает «играть» в объемах сосуда, скульптуры или высокого рельефа. Чеканка ставит мастера в тесную связь с материалом. Как рисовальщик, он уточняет рисунок изображения. Как скульптор, он лепит объем. Чеканка является для многих любителей и профессионалов одним из избранных способов художественной обработки металла.

Помимо названного, чеканка нужна для изготовления моделей при гальваническом покрытии. Без чеканки не обойтись при изготовлении басменных досок (см. далее главу «Басма»), бронзовых и стальных штампов, прессформ.

Описанная выше технология чеканки на смоле позволяет получать наиболее совершенные декоративные композиции из листового металла. Но в то же время она сравнительно сложна и трудоемка, и ее можно доверить только студентам и учащимся ОПТУ, прошедшим первоначальный курс обучения применения простейших приемов при изготовлении простейших чеканных изделий. С учащимися и студентами на первых порах лучше заниматься упрощенными способами плоскорельефной чеканки. Небольшие предметы (кулоны, браслеты и т. д.) можно украсить чеканным орнаментом, используя в качестве основания торцевую поверхность древесины, свинцовую плиту или резиновую прокладку.

В некоторых училищах и других образовательных учреждениях декоративно-прикладного направления декоративные чеканные панно изготавливают серийно, забывая при этом, что они не должны быть подделкой сюжетной изобразительной картины, а выступать самостоятельным произведением декоративно-оформительского направления. Если, например, учащихся СПТУ познакомить с соответствующими требованиями, они смогут самостоятельно оформлять простые декоративные композиции.

Необходимо отметить, что изготовлением сувениров в СПТУ не стоит особо увлекаться. При разработке эскиза целесообразно консультироваться с учителем рисования и, по возможности, со специалистом по художественному конструированию или с педагогом-дизайнером.

Если всерьез заниматься чеканными работами и ставя перед собой различные художественные задачи, Вы сами будете находить наиболее рациональные способы и приемы выполнения чеканки, дающие наибольший художественный эффект. Выдавливание осуществляется постепенным движением давильника от центра к краям. Глубокие профили выдавливаются поэтапно, сменяя оправки от менее выпуклых к более выпуклым. При переходе к другой оправке заготовку желательно отжигать, освобождая от наклепа. Это повысит производительность давильного процесса. Чтобы уменьшить трение соприкасающихся заготовки и рабочего инструмента их можно предварительно натереть воском или 10 %-ным мыльным раствором. Окончив выдавливание, сформованное изделие (или его деталь) обрабатывают гладильником и в завершение шлифуют и полируют. Шлифованию и полированию посвящен параграф чеканки.

 

4.18. Техника безопасности при производстве чеканных работ

Художественная обработка металла при умелом обращении с инструментами, приспособлениями и реактивами доставляет удовольствие, знание некоторых правил делает эту работу безопасной. В самом начале определите свое рабочее место. Это должен быть верстак с закрепленными тисками и отрегулированный по высоте. Обязательно хорошее освещение и наличие вытяжки. Нужен шкаф с инструментами и особо хорошо закрываемый шкаф с реактивами, который должен храниться в отдельном помещении (лаборантской или инструментальной, исключающий доступ учащихся). Причем сыпучие вещества (сухие) должны находиться на верхних полках, а жидкости – внизу, чтобы уменьшить возможный риск. Известно, что для патинирования и оксидирования чеканных рельефов применяются химические реактивы и надо уметь их хранить и ими пользоваться. Например, может появиться открытое пламя, если расположить рядом с азотной кислотой бензин или скипидар. Все емкости, где хранятся реактивы, должны быть подписаны, неизвестные реактивы уничтожаются. Кислоты могут быть очень опасны, если не знать, как с ними обращаться. Наиболее сильный ожог дает смесь соляной и азотной кислот («царская водка»).

Кислоты опасны и своими испарениями, особенно при нагревах, и хранить их лучше за пределами рабочего помещения (лаборантской). Эти испарения кислот не только затрудняют дыхание, но и вызывают коррозию стальных предметов и оборудования. Кислоты хранят в толстостенных сосудах, а смешивать необходимо в тонкостенных, т. к. при реакции выделяется большое количество теплоты, его выдерживает только химическая тонкостенная посуда.

Кислоту при необходимости вливают в воду, а не наоборот, используя при этом стеклянную палочку (на нее льют) с резиновым кольцом на конце, чтобы не разбить стеклянную посуду. По палочке кислота льется в воду без брызг.

Если кислота попала на кожу, это место промывают под струей холодной воды, затем накладывают марлевую повязку, пропитанную 25 %-ным раствором питьевой соды. Через 10 минут повязку снимают, подсушивают мягкой тканью и смазывают глицерином.

Если кислота разлилась на пол, ее сразу убирают, посыпают песком место разлива, выметают, обрабатывают (моют пол) раствором соды 10–15 %.

После патинирования использованные кислоты нейтрализуют содовым раствором и сливают в канализацию.

Свинец, применяемый в виде вязкой основы для вытягивания рельефа чеканки, вреден своими пылевыми частицами, которые попадают в основном через грязные руки. После работы со свинцом, который может накапливаться в организме и вызывать отравление, необходимо мыть руки 1 %-ным раствором уксусной кислоты.

 

5.1. Общие сведения

Рельефная металлопластика и басма намного проще ручной чеканки, не требуют большого количества специальных приспособлений. Правда, басма по сравнению с металлопластикой не так выразительна, но это можно поправить, доведя басму до завершенного вида чеканными инструментами. Басменные узоры часто применяют для изготовления серии совершенно одинаковых мебельных ручек, значков, эмблем, багета, идущего на отделку карнизов и рам. С XII века применяли басму до начала XX века церковные мастера для изготовления окладов икон, книжных переплетов, сундуков, ларцов и т. д. (рис. 5.1).

Рис. 5.1. Басма. Старинный орнамент.

Примерно в 80-х годах прошлого века басма снова стала востребованной.

Материал для басмы выбирают тот же, что и для чеканки. Единственное ограничение – толщина листов должна быть не более 0,3 мм.

В Древнюю Русь басма пришла из Средней Азии и в переводе с тюркских языков означает «тиснение, оттиск» и еще до нашествия монголов распространилась так широко, как ни в одной другой стране.

Ее техника отличается простотой и технологичностью приемов исполнения. Суть их заключалась в том, что тонкие металлические листы клали на отлитую заранее из бронзы матрицу с рельефным изображением. Сверху лист закрывали свинцовой пластинкой, по которой с силой ударяли молотком. Свинец заполнял углубления матрицы. Под его давлением мягкая фольга растягивалась и, ложась на поверхности рельефа, точно передавала все его особенности.

Уже в I тыс. и. э. славянские мастера использовали технику басмы для изготовления поясных бляшек, накладок, височных колец, и других украшений. Также, как и литье, басма давала возможность получать большое количество рельефных одинаковых изображений, то есть тиражировать изделия. Внешне басменный рельеф мало чем отличается от литого. Поскольку на его создание уходит меньше металла, он гораздо легче. Экономия металла, особенно золота и серебра – одна из основных причин, способствовавших широкому распространению техники басмы в Древней Руси. При раскопках древнего Новгорода в культурном слое XII века на усадьбе художника Олисея Петровича Гречихина был найден фрагмент ризы для большой иконы с басменным тиснением по мягкой бронзе. Сохранились иконы XIII–XIV веков из Суздаля, декорированные серебряными и золотыми орнаментами с тонкой проработкой деталей.

В фондах Казанского краеведческого музея хранится большое количество блях, изготовленных волжскими болгарами в XII–XIII веках. На территории Древней Руси во Владимирско-Суздальской земле были найдены матрицы для штамповки золотых и серебряных бляшек. Приходим к выводу, что штамповка басменных изделий – древняя технологическая операция. А первые штампованные изделия, по мнению археологов, относятся к VII–IV векам до н. э., когда скифы применяли штампы для изготовления декоративных бляшек из золота и серебра, а затем украшали ими свою одежду и сбрую коней.

Большое количество золотых бляшек, изготовленных скифами способом штамповки, хранится в золотом фонде Государственного Эрмитажа.

Нередко древние мастера сочетали басму с чеканкой. При этом басменный рельеф был вспомогательным и служил как бы канвой, по которой выполнялась чеканка. Порой рельефы, выполненные в смешанной технике, трудно отличить от изначально чеканной работы. Мастера такой прием называли басмой на чеканное дело. В этой технике выполнены серебряные оклады икон Донской Богоматери и Одигитрии (конец XIV – начало XV века), хранящиеся в Загорском музее.

Одной из вершин русской басмы является оклад иконы Дмитрия Солунского, выполненный в 1586 году. На нем древний мастер изобразил сложные многофигурные композиции, объединив их в единое целое традиционным басменным орнаментом в виде извивающихся растительных побегов, в изгибах которых расположил причудливые цветы. Излюбленный традиционный орнамент служил декоративным своеобразным фоном, объединяющим клейма – многофигурные композиции, изображающие сцены христианской мифологии. В XVII веке мотив вьюнка с пышными цветами в завитках постепенно исчезает. Позднее художники стали разрабатывать и развивать новые темы орнаментального декора.

В XIX веке басму вытесняет штамповка (см. рис. 5.2), более производительная и дешевая по себестоимости техника. Отдельные мастера, близкие к старообрядчеству, работали в технике ручного тиснения впредь до начала XX века. «Были попытки возродить технику басмы и у отдельных ювелирных фирм в XIX – начале XX века, например «Товарищество П.И. Оловянишников и Сыновья». Электронная версия. Православная энциклопедия // под ред. Патриарха Московского и всея Руси Алексия II, – М., 2008.

Рассмотрим простой пример. Всем с детства известно, если на монету положить бумагу, а еще лучше фольгу и потереть мягким карандашом, на ней можно получить отпечаток – копию. Такая технология получения отпечатков называется басменным тиснением, а сами листы с изображением – басмой.

Рис. 5.2. Басменное тиснение (штамповка): I – с помощью твердой матрицы: 1 – матрица; 2 – заготовка; 3 – прокладка; II – с помощью молотка и матрицы; III – пробивка фигурных отверстий (в паре); 4 – пуансон.

 

5.2. Инструменты и материалы, технология изготовления

 

Изготовление басмы не требует сложного оборудования, поэтому басменная техника находит самое разнообразное применение не только в специальных образовательных учреждениях, но и в церковных мастерских. Например, в г. Самара более 20 лет работает иконостасная мастерская, директор Плигин А. И. (см. рис. 5.3–5.5); знаменитая иконописная мастерская «Лука» (Небо на земле) изготовляет не только иконы с применением художественных техник чеканки и басмы, но и занята оформлением церковных интерьеров (см. рис. 5.6).

Басму целесообразно применять в тех случаях, когда необходимо получить множество совершенно одинаковых узоров, например, для багета. Часто при изготовлении мебели применяют ручки с декоративным рельефом. Нужное число рельефов для этих ручек нетрудно сделать самостоятельно, используя технику басмы. При необходимости можно изготовить по заранее разработанным эскизам всевозможные накладные рельефы для призовых кубков и многое другое.

Рис. 53. Казанская Б. М. Оклад басма. Мастерская А. И. Плигина. 2008 г.

Рис. 5.4. А. И. Плигин на выставке работ иконостасной мастерской «Лука «Небо на земле», г. Самара.

Рис. 5.5. Иасааф Белгородский. Оклад басма. Мастерская А. И. Плигина.

Рис. 5.6. Храмовый интерьер. Воскресенский храм (г. Киев). Работы икон выполнены в мастерской А. И. Плигина.

Технология.

Рассмотрим более подробно процесс изготовления басмы на примере накладного рельефа для багета из фольги (рис. 5.7).

Фольга получила широкое распространение в XIX веке, когда ее начали производить в больших объемах на заводах. До этого она была очень дорогой и применялась редко, поскольку металл плющили вручную молотком. Одним из первых освоили производство фольги из олова, которую назвали станиоль. Ее использовали для упаковки дорогих продуктов, а также в технических и декоративных целях, для металлопластики. На рис. 5.8 показан эскиз для рельефной накладки из станиоли, когда-то украсившая корпус старинного граммофона.

Рис. 5.7. Фрагменты образцов штампованных басменных узоров.

Рис. 5.8. Эскиз для рельефной накладки из станиоли, украшавшая корпус старинного граммофона.

Широкому распространению фольги в декоративно-прикладном искусстве в конце XIX – начале XX века способствовала мода на металлические оклады икон (рис. 5.9).

Рис. 5.9. Икона «Святое семейство». Начало XX в. Дерево, масло, басма, металлическая фольга, золочение, бисер, бархат. Изображено Святое семейство – Иосиф обручник, Божия Матерь и предвечный младенец Иисус. Самарский областной историко-краеведческий музей им. П. В. Алабина.

Для окладов использовали золото, серебро, медь, латунь. Ими покрывали иконы почти целиком, как правило, оставляя только вырезы для ликов и рук, эта техника опять стала применяться в конце прошлого века и продолжает развиваться в наши дни. Часто сочетается басменное рельефное изображение с другими техниками художественной обработки: чеканка, гравировка, эмаль и т. д.

Для учебной работы подойдут медные, латунные и алюминиевые листы толщиной от 0,1 до 0,3 мм. На первых порах, особенно на стадии овладения техническими приемами, может выручить такой бросовый материал, как алюминиевая фольга от тюбиков из-под зубной пасты, а также консервные банки из алюминия.

Прежде чем пустить в дело листовой металл консервных банок, следует с помощью магнита убедиться, что они не железные, а алюминиевые. Банку разрезают на полосы нужной ширины. Затем полосы нагревают на огне до тех пор, пока они не приобретут темно-золотистый цвет, возникающий от воздействия высокой температуры на тонкий слой покрывающего их лака.

Если в вашем распоряжении есть медная или алюминиевая фольга, то полосы, нарезанные из нее, скатывают в рулоны, накаляют на огне до красна и затем резко опускают в холодную воду. Термообработка снимет внутрикристаллическое напряжение в металле, делает его мягче и пластичнее, и резкое охлаждение способствует удалению окалины. В отличие от латуни и меди алюминий нагревают до почернения контрольной черточки, проведенной заранее на поверхности металла мылом.

 

5.2.1. Изготовление матрицы

Матрицу отливают из бронзы и цинка в литейной форме, изготовленной по твердой модели, вырезанной из дерева (березы, бука, осины) или гипса.

Модель из гипса выполняют в следующей последовательности (см. рис. 5.10).

Из жидкого гипса, имеющего консистенцию густой сметаны, отливают плитку, соответствующую размерам модели рельефа. Как только гипс через 15–20 минут затвердеет, но не высохнет окончательно, на него переводят контуры узора. Затем скальпелем, ножом-косяком и узкими полукруглыми и прямыми стамесочками вырезают рельеф на глубину 1–3 мм.

Деревянные модели выполняют с помощью различных столярных резчицких инструментов.

Если же в качестве модели использовать уже готовый рельеф, то изготовление басмы доступно даже тем, кто не имеет навыков в рисовании и не знаком с резьбой по дереву. Предположим, что нужно изготовить басменный рельеф для рамки. За основу можно взять любой отрезок багета с рельефным узором. Прежде всего, точно определите границу раппорта, то есть повторяющиеся части узора. Руководствуясь ими, склейте из картона узкую рамку и прикрепите ее к багету с помощью пластилина. Участок рельефа, включенного в рамку, а также ее внутренние стенки смажьте вазелином с помощью кисти. Вазелин будет служить разделительным слоем, не дающим залитому в опалубку гипсу прилипать к стенкам и рельефу. Разведите в гипсовке 9 частей гипса в 7 частях воды. Вместо формовочного гипса можно использовать строительный (алебастр). Гипсовку легко сделать из старого резинового мяча. Мяч разрезают пополам, а затем укрепляют на подставке. Резиновая гипсовка удобна тем, что после работы из нее легко удаляется засохший гипс: достаточно легкого нажима на гибкие стенки. Гипсовый раствор залейте в опалубку из картона. Примерно через 20–30 минут, когда гипс затвердеет окончательно, снимите с багета пластилин и опалубку. Осторожно отделите гипсовую модель матрицы от рельефа. Вырезав сбоку два конических отверстия для направляющих штырей, высушите гипсовую модель. Чтобы она не впитывала влагу, покройте ее несколько раз масляным лаком или эпоксидным клеем. При работе с клеем не забывайте соблюдать все необходимые меры предосторожности. Каждый последующий слой лака или клея наносится только полного высыхания предыдущего слоя на гипсовую модель. Готовая к отливке гипсовая модель матрицы должна иметь легкий глянцевый блеск.

Гипсовую модель матрицы по деревянной модели отливают так же, как и по готовому рельефу на багете. Обработанную лаком или эпоксидным клеем деревянную модель кладут на ровную поверхность и укрепляют вокруг нее бортик из пластилина. Смазав вазелином рельеф и стенки бортика, вливают гипсовый раствор. Как только он затвердеет, бортик удаляют и отделяют гипсовую модель матрицы от деревянной модели рельефа.

 

5.2.2. Отливка матрицы

По гипсовой модели матрицу отливают из бронзы или цинка в простейшей литейной, так называемой открытой форме (более подробно рассказано в главе «Художественное литье»). Ее опока представляет собой коробочку, согнутую из жести от консервной банки. В опоку засыпьте тщательно перемешанную формовочную смесь, состоящую из 9 частей просеянного речного песка, 1 части сухого глиняного порошка и 0,5 части воды. Заполнив жестяную коробочку-опоку доверху, снимите сверху линейкой лишнюю смесь. Модель матрицы припудрите тальком и вдавите ее в формовочную смесь. Утрамбовав смесь вокруг модели, добавьте свежую формовочную смесь, чтобы она была на одном уровне с верхней гранью модели и бортами опоки.

Рис. 5.10. Последовательность выполнения басменного рельефа: 1 – эскиз раппорта багета; 2 – изготовление гипсовой формы по модели (А) и по готовому багету (Б);3 – отделение гипсовой модели матрицы; 4 – формовка и извлечение модели из опоки; 5 – заливка формы металлом (получение матрицы); 6 – проработка деталей матрицы; 7 – изготовление пуансона штамповкой (А) и отливкой (Б); 8 – способ закрепления матрицы; 9 – тиснение басменного узора; 10 – крепление басмы на багете. Рисунки Г. Я. Федотова.

Чтобы извлечь модель из формы, в качестве подъема используют острое шило, которое вставляют в проколотое заранее углубление. Убедившись, что кончик шила достаточно надежно вошел в модель, поднимите его вверх по вертикали. Вместе с ним из формовочной массы будет извлечена модель матрицы. В песчано-глинистой формовочной смеси должен остаться четкий обратный рельеф (контррельеф).

Полученную литейную форму проще всего залить расплавленным цинком. Он довольно легко плавится в жестяной банке в муфельной печи или на костре, соблюдая меры пожарной безопасности (см. рис. 5.10, позиция 5).

Когда металл остынет, матрицу нужно извлечь из формы и внимательно осмотреть: на нее поверхности могут оказаться мелкие раковины и наплывы, которые удаляют чеканкой. При этом используют чеканы с самой разнообразной конфигурацией бойков. Для дополнительной более четкой проработки деталей используют также зубильца и штихеля.

 

5.2.3. Изготовление пуансона

Получение оттиска на тонком листовом металле возможно только при наличии пуансона, представляющего собой контррельеф (обратный рельеф), все выступающие части которого точно соответствуют углублениям в матрице, и наоборот. Пуансон изготавливают из свинца. Если рельеф матрицы имеет глубину менее 1 мм, то пуансон делают из свинцовой пластинки с помощью штамповки. Пластинку накладывают на матрицу и равномерно ударяют по ней молотком до тех пор, пока мягкий металл не войдет в углубления матрицы, как бы в зеркальном отражении повторив все особенности ее рельефа.

Пуансон с глубиной рельефа до 3 мм удобнее отлить. Матрицу положите на кирпич или каменную плиту и вылепите вокруг нее тонкую стенку из глины. Борта ее должны возвышаться над матрицей на толщину отливаемого пуансона. Расплавленный свинец залейте в глиняную опалубку доверху. Соблюдайте при этом меры безопасности, так как брызги расплавленного металла могут попасть на одежду и на открытые участки кожи. Работать необходимо в брезентовом фартуке и брезентовых рукавицах. На глазах защитные очки.

Как только металл окончательно остынет, опоку разрушьте и отделите пуансон от матрицы. Сваривания цинка или бронзы со свинцом опасаться не следует, потому что у цинка и бронзы более высокая температура плавления, чем у свинца. На свинцовом пуансоне вместе с контррельефом будут отлиты два направляющих штыря, обеспечивающих точность соединения его с матрицей в процессе выполнения тиснения (см. рис. 5.10, позиция 7 Б).

 

5.2.4. Получение оттисков

Чтобы матрица не смещалась во время работы, ее закрепляют на торце кряжа в вырезанном заранее углублении. Тонкий отожженный лист поместите между матрицей и пуансоном и, ударяя сверху равномерно киянкой, добейтесь, чтобы пуансон плотно вошел в матрицу. При этом тонкий лист металла, растягиваясь, точно передаст все особенности рельефа: изгибы, выступы, впадины. Получится своеобразная копия литого рельефа. Но пока это будет только отдельная часть узора в полосе (раппорт). Приподняв пуансон, передвиньте полоску из листового металла и выполните тиснение следующего ее участка. Выполнив, таким образом, оттиск вдоль всей полосы, внимательно осмотрите рельефный узор. Если его детали получились не совсем четкими, проработайте их инструментами, применяемыми в чеканке, – чеканами, гладилками, канфарниками (см. раздел чеканки «Инструменты и материалы»), подправляют углы, изготовляют фальцы и готовят басменный узор к дальнейшей сборке (см. рис. 5.7). Затем рельеф тщательно обрабатывают шлифовальной шкуркой и полируют.

 

5.3. Декоративная отделка

Готовый басменный рельеф декорируют так же, как и чеканный, покрывая его тонким слоем темной патины. Темный цвет патины приглушает чрезмерный блеск, мешающий восприятию рельефного узора, создает впечатление старого благородного металла. Алюминий можно тонировать коричневой или черной масляной краской. Краску наносят тонким слоем на поверхность рельефа и, не дожидаясь, когда она высохнет, тряпичным тампоном снимают часть краски, находящейся на выпуклых участках рельефа.

Медь патинируют так называемой серной печенью. О том, как ее приготовить, подробно рассказано в главе «Чеканка» (см. параграф «Декоративная отделка металла»).

Перед патинированием басму шлифуют, полируют, а затем отбеливают в 10 %-ном растворе соляной кислоты. После отбеливания металл промывают чистой водой и сушат. Басму опускают в раствор серной печени и вынимают, как только будет получена нужная тональность окраски. Тонированную басму промывают водой, сушат, а затем полируют мелким порошком пемзы или полевого хвоща. Высветленные выпуклые участки металла зрительно усиливают глубину рельефа, делают его более выразительным.

Когда декоративная отделка будет закончена, по линиям, проведенным с помощью линейки, обрежьте края. Ширина рельефа должна равняться ширине углубления в багете, выструганного рубанком-шпунтубелем или же выбранного на станке фрезой. Полоски с басменным рельефом можно прибить к деревянной основе мелкими гвоздями (как это делали в старину) или же приклеить эпоксидной мастикой. Ее изготовляют на основе эпоксидного клея, в который в качестве наполнителя добавляют сухой глиняный порошок, тертый кирпич, тальк, гипс, мел и т. д. Наполнитель добавляют в клей до образования однородной массы, напоминающую жидкую замазку или густую шпаклевку. Басменный рельеф с обратной стороны заполняют мастикой и вставляют в выемку багета, прижав сверху грузом. Через 2–3 часа, как только мастика схватится, груз можно снять. Окончательное отвердение мастики происходит примерно через сутки. Деревянные части багета зачищают шкуркой и тонируют морилкой в тон патины, нанесенной на басменный рельеф.

В настоящее время при массовом производстве художественных изделий из металла применяется холодная листовая штамповка на прессах. Она позволяет с большой точностью воспроизводить авторский образец крупными сериями, дает возможность получать тонкостенные детали с чистой поверхностью одинаковых размеров и веса, не требующие никакой последующей доработки (см. рис. 5.2). Существенно повышается экономический эффект производства, так как исключены ручные операции и резко возрастает производительность труда. В процессе изготовления изделий высококвалифицированные ювелиры и чеканщики заменяются менее квалифицированными рабочими.

Для листовой штамповки можно использовать металлы и сплавы, способные пластически деформироваться в холодном состоянии. Это, в первую очередь, драгоценные металлы – золото, серебро, затем цветные металлы – медь и ее сплавы (томпак, латуни), никелевые сплавы, алюминий и его деформируемые сплавы; черные металлы – мягкие, малоуглеродистые стали и некоторые легированные стали.

Выполняется штамповка при помощи специальных инструментов – штампов, которые бывают различных конструкций, в зависимости от назначения, и состоят из рабочих элементов – пуансона, матрицы и вспомогательных частей – прижимов, снимателей, ограничителей, направляющих и др. Различают штампы простого действия, предназначенные для выполнения какой-либо одной операции (вырезки, гибки и т. д.), и многооперационные штампы, которые могут выполнять несколько операций за один рабочий ход. Матрицы и пуансоны, как правило, изготавливают из инструментальной стали с последующей закалкой. Остальные вспомогательные части штампов отливаются из чугуна или стали (плиты) или их делают из конструкционных сталей.

 

5.4. Рельефная металлопластика

Фольга из тонкого листового алюминия, меди, латуни толщиной 0,2–0,3 мм – отличный материал для металлопластики, которую в отличие от чеканки выполняют не чеканами (процесс довольно трудоемкий), а выдавливают специальными довольно простыми инструментами – давильниками.

На рисунке 5.8 показана рельефная накладка из станиоли, украшавшая корпус старинного грамофона. На рисунке 5.9 дано изображение иконы «Святое семейство», изготовленной в кустарных условиях в начале XX века с применением металлопластики, материал металлическая фольга и т. д. Есть публикации К. А. Скворцова о работах с фольгой (см. журналы «Школа и производство», № 12, 1990, № 5, 2005). Скворцов К. А. Работа с металлом. Методические разработки на примере изделий декоративно-прикладного искусства. 5 класс. – М.: Школьная Пресса, 2007. – 80 с.: ил. – («Школа и производство. Библиотека журнала»; Вып. 31).

Для работы с тонкой фольгой в качестве давильников (см. выше дифовочные работы) можно применять обыкновенные грифельные карандаши или шариковые ручки.

Рельефы из фольги используют для оформления обложек альбомов, как основу оригинальных поздравительных открыток, ими можно украсить различные изделия в интерьерах – шкатулки, точеные блюда, декоративные маски (см. рис. 5.11) и многое другое.

Такие рельефы включают в изделие или в виде целой пластины, или как композицию в дизайне интерьера из отдельных элементов (см. рис. 5.12).

Изготовление масок. (Рис. 5.11). Оригинальные маски из фольги можно сделать из маленьких крышек из под сметаны и т. д. Есть небольшая заметка (Л. Д. Гуторова. Маски из фольги от молочных бутылок. «Наука и жизнь», № 7, 1978 год, с. 117).

«Удивительная работа! Только вот никак не пойму, какая это культура?» – сказал тогда один искусствовед, осмотрев маски, представленные на фотографии. (Может это тоже металлопластика? – Е.М.).

По мнению Гуторовой «неизвестной культуры» маски может делать каждый. Ведь она сама даже не очень-то умела рисовать! Однажды Гуторова пришла в школу, в которой училась ее дочь, и показала свои работы (более 500 масок!) детям, рассказала, как она их делала. Некоторые из ребят увлеклись, и в «неизвестной культуре» начали намечаться новые ветви. Подробно расскажем, как их делать.

Цветная алюминиевая фольга для декоративных масок должна быть достаточно пластичной: образовывать мягкие изгибы, без изломов и в то же время хорошо сохранять приданную ей форму. Очень хороша фольга толщиной 0,2 мм, более тонкая плохо сохраняет форму, более толстая требует специальных инструментов. Не следует слишком тщательно разглаживать фольгу перед работой – от этого уменьшается ее пластичность, а некоторые неровности даже помогают увидеть черты будущей маски.

Для изготовления маски не нужны какие-нибудь подкладки или фиксирующие установки. После того, когда нанесен рисунок, под тонкую фольгу подкладывают пальцы.

Стержнем шариковой ручки наносят общие контуры – глаз, бровей, ноздрей и губ. Бороздки не должны быть слишком глубокими, чтобы при необходимости можно было изменить рисунок. Крупные детали – лоб, глазные впадины, нос, щеки, подбородок – выдавливаются пальцами и ногтями. Излишек фольги формируют в складки у носа и губ, морщины, бороду и усы. Обычно эти излишки образуются именно там, где на лице расположены складки и волосы.

Маску можно оставить плоской, особенно если черты лица монголоидные, можно придать ей скульптурность, сгибая по средней линии и формируя щеки и скулы.

Мелкие детали – зрачки, ноздри, веки, волосы, зубы, элементы узора – выдавливаются стержнем шариковой ручки с изнанки. Тогда в образовавшемся желобке, после копчения маски, копоть ляжет аккуратнее.

Можно украсить маску орнаментом или слегка смять те места, которые желательно сделать темными.

Маску осторожно промывают с мылом, чтобы очистить от жира, высушивают, покрывают копотью над пламенем свечи, а затем копоть удаляют, оставляя ее в желобках и складках, подчеркивая черты лица и орнамент.

Несколько минут труда, немного терпения и фантазии – и на свет появляется суровый рыцарь, пират или античный мудрец и т. д.

Готовое изделие можно покрыть прозрачным лаком, чтобы зафиксировать копоть и дополнительно украсить маску или другое декоративное изделие художественной масляной краской.

При изготовлении крупных масок вместо шариковой ручки нужно использовать более толстые стержни, лучше из дерева или пластмассы. Кроме того, в глубине широких складок, где нужно оставить копоть, следует нанести дополнительные бороздки или слегка смять фольгу.

Теперь можно вставить готовое изделие в овальную или прямоугольную рамочку, например, из ажурного пропильного металла, дерева и т. д. и украсить свой интерьер. Фольга применима и в живописи.

В. Куренков известен как художник-путешественник, он пользуется использованной типографской фольгой для своих этюдов. Масляные краски хорошо ложатся на гладкий, не требующий предварительной грунтовки лист, позволяя наносить широкие легкие мазки. К тому же это материал, по сравнению с холстом и картоном, привычные для художников, не выдерживают кочевой жизни и нередко подводят, сводя на нет всю работу. К тому же оказалось, что фольга хорошо «держит» красочный слой. Легкая и удобная в транспортировке фольга не намокала и не горела. Но главное – придает какую-то особую прозрачность, акварельность картинам, вроде просвечивает сквозь масляную живопись.

Именно на фольге Коренков выполнил почти всю свою серию «Талые воды». Впрочем, то же самое относится к циклам «Север», «Мещера», «Крыши под снегом», «Москва». Подробнее можно ознакомиться: Ю. Кириллова. В походе с этюдником. // «Наука и жизнь, № И, 1989.

Технология изготовления металлопластики по сравнению с чеканкой проще и производительней. Поэтому ею часто пользуются мастера-художники для обработки и более толстых листовых материалов, когда отведенное для выполнения работы время ограничено, а к изделию не предъявляют особенно высоких требований (см. рис. 5.12–5.14).

Рис. 5.11. Маска. Алюминиевая фольга, тонировка.

Рис. 5.12. Эскиз на бумаге. «Кони на водопое».

Рис. 5.13. Выдавливание рельефа карандашом на фольге: а – на кипе газет; б – на мягкой резине.

Рис. 5.14. «Кони на водопое». Алюминий. Металлопластика. Автор К. А. Скворцов.

Последовательность работы остается прежней, но карандаши и шариковые ручки, иногда заменяют стальными калеными инструментами с гладкой полированной поверхностью, иногда для давления используют вращающийся ролик или шарик. Трудно поддающиеся деформации заготовки продавливают специальным инструментом с удлиненной рукояткой, которая позволяет прижимать инструмент плечом и за счет этого усиливать давление на металл.

 

6.1. Общие сведения

 

Когда речь заходит о гравировании, перед глазами читателей, возможно, всплывают изображения каллиграфических надписей на всевозможных сувенирных предметах. Это очень распространенный способ поздравления дорогих людей. Но этим возможности гравировальной техники не ограничиваются. Гравирование – это очень древнее и ёмкое ремесло, позволяющее создавать разнообразные художественные украшения на рядовых или уникальных предметах. Результат гравирования – создание тонкого изящного линейного рельефа на поверхности материала. Гравировальный узор великолепно смотрится сам по себе. Но, в вечном поиске совершенства, настоящие мастера своего дела накопили широкий арсенал методов отделки гравированных узоров, применение которых создает на резной поверхности новые неожиданные эффекты.

Гравирование – древнейший способ обработки материала резанием. С камня, кости, дерева или металла резцом, направляемым рукой мастера, снимаются частицы материала, и следом на поверхности возникает изображение. Уже в каменном веке первобытный человек с помощью кремневых резцов украшал орнаментами и рисунками орудия охоты и предметы быта. Вырезал изображения животных на неподатливых каменных плитках, кусках кости и рога, на стенах пещер.

Археологами найдены бронзовые изделия, выполненные мастерами-граверами еще в начале I тыс. до н. э. В основном это боевые топоры, кинжалы, украшенные гравированными орнаментами и изображениями животных.

В поздние эпохи истории ручное резание породило глиптику – искусство резьбы на драгоценных и полудрагоценных камнях, резец дал начало и монетному производству Древней Греции и Рима. Наивысшего развития искусство резания достигло в XV веке в эпоху итальянского Возрождения, подарив миру изящное искусство медали.

Мы расскажем в этой главе об одном из видов гравирования, в котором изображение наносится на металл. Уже понятно, что резец, которым выполняется гравировка, должен быть намного прочнее и тверже обрабатываемого металла. В крито-микенскую эпоху древние граверы изготовляли резцы из бронзы. И хотя их упрочняли особым способом, они все же были не достаточно твердыми и быстро тупились при обработке золота, серебра и меди. Тем не менее, благодаря упорству и искусному владению этими примитивными инструментами, древние мастера создавали настоящие шедевры декоративно-прикладного искусства. Любуясь в музеях дошедшими до нас изделиями, украшенными изящной гравировкой, наши современники чаще всего не подозревают, что созданы они несовершенными инструментами.

Позднее, когда появилось железо, выкованные из него резцы заменили бронзовые. Они были тверже бронзовых резцов, но незначительно. И лишь, после того как в VII веке до и. э. мастера Древней Греции научились закалять железо, твердость древних резцов приблизилась почти к современным инструментам.

Широко известны бронзовые изделия с искусной гравировкой, выполненной кавказскими художниками-граверами еще в начале I тыс. до н. э. В основном это оружие – боевые топоры и кинжалы, украшенные гравированными орнаментами и изображениями животных.

Декоративно-прикладное искусство Кубачей.

Всемирной известностью пользуются серебряные изделия, украшенные чеканкой, гравировкой, чернью, мягко отливающие вставками желтоватой слоновой кости, родина которых – дагестанское село Кубани.

История донесла до нас древнее название жителей Кубачей – зирихгеране, что в переводе с персидского означает «кольчужники». С XVI века их уже называют кубачинцами. Смысл этого слова тот же – это мастера, делающие кольчуги. Но не только кольчуги из металла изготовляли в Кубачах. Здесь делали оружие: сабли, клинки, кинжалы, мечи, а также стремена и узорные металлические детали уздечек.

В государственном Эрмитаже хранятся прекрасные образцы изделий кубачинских мастеров: металлические кувшины, водолеи, блюда, подносы, оружие и кольчуги воинов, изготовленные в период раннего Средневековья, в VI–VII веках.

В XI–XII веках Кубани становятся наиболее крупным на Северном Кавказе центром художественного ремесленного производства, где изготовлялось оружие, медная и бронзовая посуда, ювелирные изделия из серебра (браслеты, кольца, подвески и т. д.).

В XIII–XV веках высокого развития здесь достигло производство литых бронзовых котлов, которые и ныне используются в быту местными жителями. В это же время развивается камнерезное искусство Кубачей. На резных камнях – деталях архитектурного декора домов мастерски высечены изображения львов, барсов, фантастических животных и птиц, сцены охоты, состязаний, звериного гона и т. д.

Становление орнаментального искусства кубачинцев хорошо прослеживается на каменных плитах, стелах, и особенно на могильных памятниках, в большом количестве сохранившихся как в самом селении, так и в его окрестностях. Плиты имеют трапециевидную форму. С лицевой стороны они богато украшены орнаментом и арабскими надписями.

В прошлом у кубачинцев была развита и резьба по дереву, которой украшались предметы домашнего обихода и разнообразная утварь, а также предметы домашнего обихода.

В XVI–XVII веках продолжают совершенствоваться и развиваться различные виды художественных ремесел кубачинцев – обработка металла, резьба по камню и дереву, вязание из шерсти знаменитых дагестанских «джурабов» (шерстяных носков ярких расцветок), вышивка изделий золотыми нитями, художественная обработка кости.

Значительное развитие в Кубачах в XVIII–XIX веках получило ювелирное дело. Кубачинские мастера изготовляют для внешнего сбыта и для собственных нужд серебряные браслеты, серьги, женские пояса и глазыри для кавказского национального костюма, подвески, ожерелья и т. д.

Художественная обработка металла, отличающаяся многообразием технических приемов изготовления изделий и богатством декоративной отделки, сыграли большую роль в развитии искусства Кубачей. Именно художественные изделия из металла в XIX – начале XX века становятся всемирно известными.

Особого расцвета традиционное народное искусство кубачинцев достигает в 1924–1926 годах, здесь создается художественная артель «Художник» из опытных мастеров: А. Ахмедова, А. Аккаева, А. Пашаева, Б. и А. Тубчиевых и многих других.

В 30-е годы в артели трудятся уже около ста мастеров. В эти годы создаются новые виды изделий, отвечающие современным требованиям жизни. Это серебряные портсигары, пудреницы, брошки, бокалы, подстаканники, сахарницы, ложки и т. д. Для творческого роста кубачинских мастеров значение имела демонстрация созданных ими изделий на отечественных и международных выставках. В 1937 году на Всемирной выставке в Париже кубачинским мастерам была присуждена высшая награда – Гран при.

В послевоенные годы талантливыми мастерами Кубачей выполняются высокохудожественные изделия из серебра – чайные и столовые сервизы, декоративные кувшины, вазы, ларцы, тарелки, подносы, разнообразные туалетные приборы. В 1960 году артель «Художник» была переименована в Кубачинский художественный комбинат, очень много экспонатов этого предприятия представлено во Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства.

Талантливым мастерам, развивающим лучшие традиции кубачинского искусства, Р. Алиханову, Г. Магомедову, А. Абдурахманову, Г. Кишеву, Г. Чабкаеву в 1971 году присуждаются государственные премии РСФСР (см. рис. 6.1–6.4).

Рис. 6.1. Ювелирные украшения. Черненое серебро. Гравировка. Мастер неизвестен. Аул Кубани. Конец XIX – начало XX века.

Рис. 6.2. Г. Кишев. Сахарница. Серебро, чернение, гравировка. Кубани. 1947 год.

Рис. 6.3. Декоративная мерка «Нукнус». Черненое серебро. Гравировка, позолота. Мастер неизвестен. Аул Кубани. 1940-е годы.

Рис. 6.4. Вазочка декоративная. Серебро, чернь, гравировка. Автор Р. А. Алиханов. Кубачинский художественный комбинат.

Многие мастера удостоены правительственных наград. Среди награжденных есть и недавние выпускники Кубачинских средних школ. Здесь они впервые встретились с традиционным искусством своего прославленного поселка. (Более подробно можно прочитать: Брюзгина О. И. Ювелирное искусство Кубани. Изд. «Интербук», 2006).

Искусство русских мастеров.

Русские мастера древнего Новгорода, Пскова, Москвы, Златоуста, Киева (рис. 6.5) и других городов оставили нам прекрасные образцы гравировки на различных металлах.

Рис. 6.5. Браслет. Киев, ХII-ХIII вв. Гравировка по черному фону.

Рис. 6.6. Ларец Петра I. Первая четверть XVIII века. Медь. Художественное литье, ажурная чеканка, гравировка. Государственный историко-художественный, дворцово-парковый музей-заповедник в городе Петродворце. (Реставратор В. Е. Петров).

Неповторимым своеобразием отличались медные Павловские замки для ларцов и шкатулок (см. рис. 6.6). Замки, например, изготовляли в виде забавных фигурок львов, русалок, журавлей, всадников и скоморохов, украшая их резцовой гравировкой.

На старых уральских заводах, кроме практической и оригинальной посуды из красной меди и латуни, выпускались красивые, богато орнаментированные или гладкостенные ларчики и шкатулки.

На Иргинском заводе в XIX веке изготовлялись знаменитые шкатулки и ларцы работы мастера Ивана Осокина.

Искусство Златоустовской гравюры на металле – зародилось на бывшем Косотурском заводе, основанном в начале XIX века, и было связано с оформлением холодного оружия.

Горный начальник Златоустовских заводов и директор оружейной фабрики П.П. Аносов, создатель всемирно известной платинистой стали и литого булата для клинков, позаботился об организации в Златоусте производства стальных бытовых вещей – подносов, ларцов, столовых ножей и вилок, подсвечников и т. д. Аносову принадлежит также мысль применять для украшения стальных изделий самоцветные уральские камни.

Проникшая в Златоуст техника художественного гравирования стали попала в надежные руки уральских умельцев, многие из которых работали дома и сбывали свою продукцию купцам-перекупщикам. В числе таких граверов-надомников был Петр Филимошкин. Он нигде не учился, не знал грамоты, но каждая его крохотная гравюра на столовом ноже свидетельствовала о высокой одаренности. Слава о его ножах ходила не только Златоусте, из Парижа приходили заказы с требованиями выслать ножи обязательно работы Филимошкина.

Заслуженной известностью пользуются имена талантливых заводских художников XIX века И. Н. Бушуева, И. П. Бояршинова, позднее С. А. Фетисова, М. С. Петухова, А. П. Агаркова, многие из них являются авторами орнаментальных украшений и их исполнителями.

На созданной в начале XIX века на Урале в городе Златоусте оружейной фабрике техника граверного искусства успешно использовалась для декорирования холодного оружия. Златоустовские мастера занимались в основном украшением сабельных клинков, используя при этом гравировку с последующим вытравлением узора, насечку золотом и серебром, золочение и серебрение, сочетающееся с воронением.

На всемирных промышленных выставках в Лондоне в 1851 и 1862 годах изделия Златоустовской фабрики завоевали бронзовые и серебряные медали. Императоры европейских государств за большие деньги приобретали златоустовское оружие как художественную драгоценность.

Золотым оружием в русской армии награждали офицеров и генералов за боевые заслуги. Этим оружием стали награждать с 1774 года. Оно представляло собой золоченые сабли, шпаги и палаши, с выгравированной на эфесе надписью «За храбрость». Золотое оружие мог получить офицер, уже награжденный орденом святого Георгия или святой Анны. Генеральское золотое оружие украшалось бриллиантами. В 1788 году за победу над превосходящими силами турок одновременно с орденом святого Георгия первой степени мог получить офицер, уже награжденный орденом святого Георгия или святой Анны. В 1788 году за победу над превосходящими силами турок одновременно с орденом святого Георгия первой степени получил украшенную бриллиантами шпагу А. В. Суворов. Долгое время золотое оружие не имело официального статуса и получило его только рескриптом от 28 сентября 1807 года. В исключительных случаях золотое оружие имело эфес из чистого золота, но обычно оно отличалось от обыкновенного оружия тем, что имело медные, вызолоченные, рукояти и надпись «За храбрость» на различных частях эфеса. В 1855 году золотое оружие получило темляк из георгиевской ленты. В 1913 году золотое оружие было причислено к ордену святого Георгия и стало называться георгиевским оружием.

В первые годы Советской власти прошлого века Златоустовские мастера начинают осваивать новые виды изделий: столовые приборы, ножи для бумаги, топорики (см. рис. 6.7), корпуса для часов, настенные декоративные тарелочки-панно.

Мотивами украшений для гравировки по стали являются стилизованные растительные орнаменты, овальные клейма с тематической композицией, эмблемы СССР или характерные для Урала горные пейзажи и сцены охоты.

Рис. 6.7. Охотничий топорик «Глухарь». Гравировка, травление. Автор Г. В. Драгун. Златоустовский машиностроительный завод имени В. И. Ленина. 1980 гг.

Большое влияние на формирование особенностей Златоустовской гравюры оказало творчество художника М.Д. Ракова, выполнявшего образцы специально для этого предприятия. Произведения Златоустовских мастеров неоднократно экспонировались на отечественных и международных выставках.

Художники-граверы нового поколения возродили Традиции Златоустовской гравюры на металле и дали уникальному промыслу новую жизнь. Украшенное холодное оружие, письменные приборы, ножи для бумаги, винные и охотничьи наборы, кубки и вазы, трости, настенные панно – вот далеко не полный перечень изделий Златоустовских мастеров гравюры на стали. Чудесное сочетание стальных тонов с чистым золотом и никелем, бархатисто черное воронение придают изделиями завораживающую красоту, благородство и самобытность. Сегодня искусство Златоустовской гравюры на стали, переживает своеобразное второе рождение. Традиции лучших европейских и уральских мастеров продолжают и развивают специалисты: завода «Булат» и его подразделения КХО («Коллекционное холодное оружие»), мастерских «ЛиК», «Формула» (рис. 6.8), «Практика», «Грифон», «Мезон» и др.

Рис. 6.8. Короткий меч «Седой Урал». Фирма «Формула». Современная работа. Златоуст.

Искусство Ивана Бушуева также продолжает творческий коллектив декоративно-прикладного искусства «ЛиК», организованные в 1990 году художниками-профессионалами города. А. И. Лохтачев, И. В. Лохтачева и Г. И. Мануш первыми в Златоусте поставили цель не только сохранить уникальное самобытное искусство украшения изделий из металла, но и возродить традиции русского оружия. Словом, возвратить гравюре ее назначение – украшать предмет, будь-то кубок или кинжал, клинок офицерской сабли (рис. 6.9) или подсвечник, поднос или предмет церковной утвари.

По инициативе Лохтачева Алексадра Ивановича были открыты не только традиционные промыслы Златоустовской гравюры на металле, но и новые направления. В 1995 году создана школа гобелена, которая стала первой не только на Урале, но и в России.

С 1997 года мастерские декоративно-прикладного искусства начинают работать с ювелирными материалами. В этом же году с благословения Патриарха Московского и всея Руси Алексия II, а также по решению Священного Синода мастерским «ЛиК» была поручена работа по воссозданию Дарохранительницы для Главного престола Храма Христа Спасителя (см. рис. 6.10).

Рис. 6.9. Рог. Ножны. Рукоятки клинков. Гравировка, драгоценные камни. Мастерские декоративно-прикладного искусства «ЛиК». Современная работа. Златоуст.

В настоящее время гравировкой по металлу заняты ТОО «Мастерские декоративно-прикладного искусства ЛиК». (Более подробно можно ознакомиться, Лик Златоуста: Мастерские декоративно-прикладного искусства «ЛиК»: Альбом. Авторы: Тихомирова Е. В., Малаева З. А., Гнутова С. В. изд. «Интербук-бизнес», 2004, с. 239). Альбом вышел в свет в год 250-летия со дня основания города Златоуста.

В фирме «ЛиК» работает молодой художник Лохтачев Денис, уже достигший высокого уровня мастерства. Являясь одним из руководителей, он контролирует производственный процесс изготовления изделий декоративно-прикладного искусства. Многочисленные его достижения, такие как членство в Союзе дизайнеров и Союзе художников России, победа в конкурсе «Новые имена планеты», говорят о истинности творческого дарования художника. Его участие в создании значительных произведений позволяют признать достижение им определенного профессионального уровня. Творческий воодушевленный подход свойственен ему как художнику и как мастеру. Одной из отличительных особенностей его творческого процесса можно назвать самостоятельность – по своим эскизам он предпочитает делать модель и первое изделие сам.

Рис. 6.10. Евхаристический набор. Мастерские декоративно-прикладного искусства «ЛиК». Современная работа. Златоуст.

Коллекции изделий машиностроительного завода и мастерских «ЛиК» находятся Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства, Загорском государственном историко-художественном музее-заповеднике, Златоустовском краеведческом музее, Государственном Историческом музее, Государственном Эрмитаже и др.

Близ г. Златоуста расположены памятники природы: Ахматовская минеральная копь (свыше 30 минералов), Откликной «Гребень Таганай» (месторождение авантюрина).

Во многих музеях нашей страны среди знаменитых произведений живописи, скульптуры, прикладного искусства видное место занимают собрания старинного оружия. Богатейшие коллекции оружия Эрмитажа, Московского исторического музея, Московской Оружейной палаты, Тульского музея оружия и других музеев отражают достижения техники и ремесла с древнейших времен до наших дней.

Даже беглое знакомство с историей огнестрельного оружия, особенно оружия охотничьего, парадного и подарочного разных эпох и народов, открывает необыкновенно яркую и интересную область прикладного искусства. В старину над его изготовлением трудились не только талантливые изобретатели, но и выдающиеся художники и архитекторы. В числе мастеров, которые проектировали оружие и создавали эскизы его орнаментации, были Леонардо да Винчи, Альбрехт Дюрер, Бенвенуто Челлини, Жак-Луи Давид и многие другие. Работа старых оружейников поражает необыкновенным богатством и разнообразием декоративной отделки, в которой находит отражение общий стиль в искусстве, господствующий в той или иной стране.

Особое внимание художественной отделке оружия мастера Европы стали уделять с начала XV века. Уже тогда они богато украшали аркебузы – первые образцы огнестрельного оружия – тяжелые, с искривленным для упора в плечо ложем, снабженные простейшим приспособлением для воспламенения пороха тлеющим фитилем.

В России, издавна славящейся изделиями прикладного искусства, художественное мастерство оружейников достигло особенно высокого уровня благодаря учреждению Московской Оружейной палаты. Она была открыта в 1511 году. Изделия ее мастерской высоко ценили не только в России, но и далеко за ее пределами. Сохранился документ, свидетельствующий о том, что царь Борис Годунов в 1604 году посылал персидскому шаху Аббасу в подарок «два самопала дела московских мастеров». Вероятно, чтобы сделать такой подарок, нужно быть уверенным в высоких качествах оружия русской работы, в том, что оно выдержит соперничество с изделиями восточных мастеров.

В большой мастерской Московской Оружейной палаты изготовляли прекрасные образцы пистолетов с колесцовыми и ударно-кремневыми замками, а в 1679 году там был сделан скорострельный пистолет, экспонировавшийся спустя 200 лет на Международной выставке 1867 года в Париже.

Знаменит своей гравировкой и Ижевский оружейный завод (см. рис. 6.11), особенно завод прославился знаменитыми автоматами (АК) во всем мире, конструктора стрелкового оружия генерал-лейтенанта, Михаила Тимофеевича Калашникова (1919–2013), который был отмечен за выдающиеся заслуги многочисленными наградами и премиями в нашей стране, также удостоен наград и другими государствами мира.

Рис. 6.11. Ижевский оружейный завод. Удмуртия. Конец 1990-х гг. Образцы ружей, украшенных художественной гравировкой.

 

Тульский оружейный завод

Заметную роль в производстве отечественного оружия, и в особенности подарочных и парадных пистолетов, сыграл Тульский оружейный завод. Тульское художественное оружие отличалось высоким вкусом и тщательностью отделки. Кремневые пистолеты, затем капсюльные, а начиная с XIX века и барабанные револьверы отделывали необыкновенно богато, с гравировкой, золочением, серебрением. Отдельным их частям мастера придавали замысловатые, фантастические формы. Эти пистолеты и револьверы, подлинные шедевры прикладного искусства, можно увидеть в знаменитых собраниях оружия, в музеях Москвы, Тулы, в Эрмитаже. Изделия завода славились исстари, но особенно интересные были созданы пистолеты и винтовки во второй половине XVIII века (см. рис. 6.12, 6.13), более подробно можно прочитать в различных источниках о современном оружии и знаменитых тульских самоварах.

Все ножи изготовлены из простой и мозаичной дамасской стали известных тульских кузнецов входящих в гильдию мастеров оружейников России.

Рис. 6.12. Тульский оружейный завод. Дуэльные пистолеты. XVIII в.

Рис. 6.13. Тульский оружейный завод. Винтовка Степанова. Конец XVIII в.

Фирма «Дамаск» в Москве существует с 2002 года, полученная лицензия дает право на производство гражданского холодного клинкового оружия, художественную отделку гражданского огнестрельного оружия без внесения конструктивных изменений в его основные части (см. рис. 6.14, 6.15).

В состав дамасской стали входят пять марок с разным содержанием углерода. Количество слоев начинается с 350 и может доходить до 10000.

Дамасская сталь – это многослойная конструкция с чередованием слоев с высоким и низким содержанием углерода, для получения твердой и эластичной конструкции.

В отделке всех изделий использованы ценные и экзотические породы дерева, а также золото, серебро, драгоценные и полудрагоценные камни. Все ножи имеют разборную конструкцию.

Рис. 6.14. Нож «Лоза». Дамасская сталь. Художественная гравировка (травление). Фирма «Дамаск». Москва.

Рис. 6.15. Охотничьи ружье Мц-106 и нож, металл – дамасская сталь. Художественная гравировка (травление). Фирма «Дамаск». Москва.

 

6.2. Искусство миниатюры

Для многих оружейных школ, мастерских и заводов своеобразной и давней традицией стало изготовление миниатюрных моделей оружия. Особого внимания заслуживают работы тульских мастеров, выпускавших отдельные образцы еще в конце XIX века. В 90-е годы были изготовлены два шестизарядных револьвера системы Леворше калибром 1 мм под гильзу со шпилечным воспламенением заряда. Эти револьверы свободно помещаются в спичечной коробке. Отделаны они перламутром, рогом и золотом с ювелирной тонкостью. В Тульском музее оружия можно увидеть немало миниатюрного оружия: охотничьи ружья, винтовки, бронзовые пушки, гарпунное ружье и многое другое, что неизменно вызывает восхищение зрителей (см. рис. 6.12, 6.13 выше).

Однако уменьшенные копии оружия можно встретить не только в музеях. Коллекции, о которых пойдет речь, – домашнее собрание московского архитектора Владимира Исаевича Мороза. В Москве и в Подмосковье по его проектам построено немало зданий и архитектурных комплексов в прошлом веке.

Увлечение миниатюрами у В. И. Мороза началось еще с детства. Тогда это были модели старинных фрегатов и бригантин, макеты колокольни Ивана Великого, триумфальной арки Бове и всемирно известной церкви Покрова на Нерли. Вдохновленный искусством Палеха, Мстеры, Федоскина, он заинтересовался лаковыми миниатюрами.

Затем пришло увлечение оружием. Побудительным началом стало посещение Тульского музея оружия, поразившего необычайным богатством, красотой и самобытностью своего старинного собрания.

В. И. Мороз считал, что основная идея создания коллекции заключается в том, чтобы проследить в самых общих чертах эволюцию огнестрельного оружия, приемов и методов его украшения. Последнее обстоятельство открывает необыкновенно яркую страницу истории художественной обработки металла, дерева, кости, рога – материалов, применяемых и в народных промыслах и в оружейном деле (см. рис. 6.16).

Рис. 6.16. Собрание моделей старинного оружия – увлечение московского архитектора В. И. Мороза. Чеканка, гравировка по металлу, кости, перламутру, дереву. Для каждой модели В. И. Мороз сделал изящные коробочки-футляры, которые сами по себе могут служить образцом художественного творчества. Это лаковые миниатюры выполнены в лучших традициях мастеров Палеха и Мстеры.

Он рассказывал корреспонденту журнала «Наука и жизнь» (см. № 1, 1983) Б. Стамблеру, что «… создание каждой миниатюры, а работа над ней длится 1–2 года почти ежедневного труда, предшествует знакомство с историей того или иного типа оружия, его конструкцией и, главное, – познание общей стилистической направленности его декоративной отделки. Затем начинается этап проектирования, кропотливые поиски конструктивного и декоративного решения, вычерчивание каждой детали в увеличенном масштабе и в натуральную величину. Потом следует изготовление деталей, подгонка и венчающее дело сборка». В. И. Мороз говорил, что «изготовление миниатюрных моделей – необыкновенно интересное и увлекательное занятие: ведь ему приходится выступать здесь и как конструктору, и как историку, и как художнику, и как умелому мастеру».

И все-таки наиболее интересной работой В. И. Мороз считал декоративное оформление. Он выполнял ее традиционными приемами старых мастеров-оружейников. У всех пистолетов стволы, курки, спусковые скобы и другие детали украшены гравировкой с конфарением (насечкой точками) фона. Один из капсюльных пистолетов декорирован методом тауширования (инкрустация металла металлом), а в отделке другого применена резьба по металлу с высоким рельефом.

В гравировке и резьбе преобладают мотивы растительного орнамента с различными вариациями акантового листа, традиционно заимствованного оружейниками из греческой архитектуры. Некоторые пистолеты украшены изображениями зверей, птиц, скачущих всадников. Замочные доски и поддоны изготовлены из серебра и латуни и также покрыты гравировкой (см. рис. 6.17, 6.18).

Для воронения ружейных стволов, не только миниатюры, но и настоящего боевого и охотничьего оружия, их поверхность смачивается разбавленной азотной кислотой. Вещи дают просохнуть, снова смачивают, и так продолжают, пока не получат желаемый цвет и надлежащую прочность. Затем поверхность оружейного ствола покрывают масляным лаком.

Рис. 6.17. Лист за листом покрывает мастер орнаментами, узорами, изображениями животных, прежде чем остановиться на окончательном варианте художественно-декоративной отделки.

Рис. 6.18. Эскиз декоративной отделки рукоятки револьвера.

Материалом для изготовления лож после долгих поисков и проб была избрана плотная, мелкослойная древесина: черное дерево, железное дерево, красное дерево, бук и выдержанный орех. Ни пластмассы, ни даже янтарь не давали такого эффекта. Вообще отделке лож мастера всегда придавали особое значение.

Оружейники Москвы и Тулы еще в середине XX века достигли в этом необыкновенного мастерства. Они украшали ложи богатой резьбой и инкрустацией металлом, костью, рогом, перламутром, врезали в дерево пластины из золота и серебра с чеканным или гравированным рисунком. Следуя традициям, В. И. Мороз украшал ложи своих миниатюрных пистолетов тончайшим узором из серебряной проволоки, утопленным в черный орех, резным орнаментом по черному дереву, врезными гравированными пластинами.

Замысел каждой миниатюры вынашивается долгие месяцы, а иногда и годы. Ему предшествует дотошное изучение книг, посвященных этому вопросу, частые походы в Исторический музей, Оружейную палату, Музей Вооруженных сил России, Тульский музей оружия, посещение многих выставок и экспозиций прикладного искусства и т. д.

Мастер оружейной миниатюры Вячеслав Корноухов в Туле занялся изготовлением крошечных пистолетов и автоматов 10 лет назад. Искусный продолжатель славной традиции миниатюры – Константин Сушкин. За выдающиеся заслуги в оружейном деле в 1999 году ему была вручена медаль Калашникова. Миниатюры Сушкина известны во всем мире. «Я делаю и современное, и историческое оружие, – говорит мастер-оружейник, – историческое мне нравится больше: совсем другая эстетика. Их красиво украшали».

«Мне все равно, что и из чего делать: могу и кандалы, и ножи, и ювелирку», – так сказал тульский мастер Максим Горбунов корреспонденту программы «Вести-Тула» в 2007 году. Отец будущего умельца дал сыну молоток, когда мальчику исполнилось 6 лет. Тогда Максим занимался чеканкой в кружке. Навык остался на всю жизнь.

Сейчас востребованы оружейные миниатюры. У бизнесменов и олигархов стало модно дарить друг другу тульские игрушки. Например, у Анатолия Чубайса есть крошечный пистолет.

«Я видел, как взрослые серьезные люди берут в руки игрушку, и в них просыпается ребенок», – говорит новый тульский «Левша». Некоторые миниатюры Максим Горбунов делает сам, а некоторые – совместно с другими мастерами.

 

6.3. Организация и оснащение рабочего места гравера

Граверные работы далеко не всегда могут быть механизированы, хотя при желании можно приобрести современное оборудование (см. ниже), поэтому снижение трудоемкости и повышение качества гравирования во многом зависит от совершенства применяемого инструмента и мастерства художника-дизайнера в декоративно-прикладном искусстве.

Граверные работы делятся на следующие основные группы: 1) гравирование надписей, орнаментов и украшений; 2) изготовление ударных клейм, штемпелей и клише; 3) изготовление различных накатных матриц и рельефных изображений на пуансонах штампов.

К квалификации гравера, особенно гравера-ювелира предъявляют высокие требования: выполняемая ими работа сложна, и поэтому гравер и ювелир должны обладать художественным талантом и высокой культурой труда.

Производительность труда гравера в значительной степени зависит от правильной организации рабочего места, его оснащенности всем необходимым инструментом и различными вспомогательными приспособлениями, облегчающими его труд. Рабочее место гравера или ювелира должны быть оборудованы в соответствии с выполняемой работой.

Отсутствие необходимой оснастки, инструмента и приспособлений, беспорядок в хранении инструмента и чертежей снижают производительность труда и качество работы.

Резцовая гравировка выполняется вручную металлографическими резцами, так называемыми штихелями. В силу тонкости гравировальных работ, к штихелям предъявляются высокие требования в плане твердости, сопротивляемости истиранию, гладкости рабочей поверхности. Но это вовсе не значит, что их невозможно сделать самостоятельно. Итак, что же представляют собой штихели?

Названия гравировальных и закрепочных штихелей в ювелирном деле сохранились старые, данные этим инструментам еще в Германии средних веков (см. рис. 6.19 и 6.20).

Набор штихелей профессионального мастера разнообразен. Разнятся они по форме и размерам рабочей поверхности. Состоит штихель из двух деталей – клинка и рукоятки. Рукоятка выполняется из прочной лиственной породы древесины – березы или бука. Для прочности соединения рукоятки с клинком на нее надевается металлическое кольцо. Для удобства при работе рукоятке штихеля придают грибовидную форму. Нижнюю часть рукоятки (немного ниже уровня нижней грани клинка) срезают. Исполненная таким образом рукоятка удобно располагается в ладони. У них очень мудреные названия, но пусть они вас не пугают, каждому из них мы даем пояснение. По форме рабочей поверхности штихели различают.

Рис. 6.19. Гравировальный штихель, его детали и название отдельных частей.

Рис. 6.20.: 1. Штихель, его детали и название отдельных частей: а – площадка носка (носок); б – аншлиф; в – спинка; г – кольцо; д – рукоятка; е – задняя грань. 2. а – грабштихель; б – мессерштихель; в – фасонный штихель; г, д – шпицштихели; е, ж, з – флахштихели; и, к, л – болштихели; м – шатирштихель. 3. Молоток и зубильце. 4. Инструменты для правки и декоративной отделки металла: а – шабер; б – рифель; в – лощильных; г – матик; д – пуансон. Рисунок Г. Я. Федотова.

Грабштихель – резец, имеющий в сечении треугольник, прямоугольник или ромб, применяется для гравирования тонких линий во время предварительной разметки рисунка на металле.

Болштихель (растровый штихель) – резец с сечением круга, овала, полукруга или полуовала. Его боковые поверхности цилиндрические. Болштихелем можно вырезать в металле желобки шириной от 0,1 до 5 мм, гравировать криволинейные углубления узоров, шрифтовых надписей, моделировать выступающие элементы изображений. Болштихелем выбирают углубленные участки фона. Тонкие болтштихели можно сделать из стальных игл и спиц различной толщины. Поскольку клинок из иглы не может быть достаточно жестким, его насаживают на удлиненную рукоятку. Кстати, удлиненные рукоятки применяются также для коротких клинков всех типов штихелей.

Флахштихель (плоский штихель) – имеет в сечении прямоугольники и трапеции, его задняя грань плоская и всегда параллельна спинке. «Флах» означает «плоский», «ровный». Флахштихель применяются для обработки плоских и криволинейных поверхностей различной конфигурации. Флахштихелем гравируют канавки с плоским дном шириной от 0,5 до 5 мм. Применяется он и для удаления металла при углублении фона.

Шпицштихель (вырезной штихель) – резец, имеющий в сечении форму остроугольного треугольника, у которого две боковых стороны представляют собой дуги. «Шпиц» означает «острый». Спинка у шпицштихеля плоская, а боковые грани выпуклые. Он применяется при самых разных граверных работах и, пожалуй, является наиболее универсальным инструментом. Им размечают рисунок, прорезают контуры изображения, подрезают остроугольные элементы гравировки в узорах, подправляют незначительные искажения. Ширина верхней грани (спинки) шпицштихеля колеблется от 1 до 4 мм, угол между боковыми гранями также варьируется. Сами боковые грани клинка слегка выгнуты наружу и представляют собой дуги. Спинка делается совершенно плоской. След шпицштихеля на поверхности металла – прорезная канавка. В зависимости от наклона инструмента и прилагаемого к нему усилия получают либо поверхностную, либо углубленную канавку. Боковой поверхностью шпицштихеля можно проводить широкие линии.

Фасетштихель – его боковые грани совершенно плоские и параллельны друг другу. Спинка также плоская и располагается строго перпендикулярно боковым граням. Ширина спинки – 1,5–3 мм. Полотно клинка выполняется в виде двух сходящихся под углом 100° граней. Фасетштихелем проводят не очень глубокие широкие линии.

Шатирштихель (или фаденштихель) – штриховый резец. Если на нижней грани флахштихеля нарезать продольные боковые бороздки с острыми гребнями, получится шатирштихель. При проведении кончиком такого резца по металлу на его поверхности образуются параллельные штрихи. Оба названия этого штихеля отражают особенности инструмента. «Шатир» означает «тушевать», оттенять, так как штихель используется при нанесении на металл теней и полутонов в штриховых гравированных рисунках. «Фаден» означает «нить» – резцом можно проводить нитевидные штрихи.

В дополнение к перечисленным штихелям можно сделать еще и мессерштихель, он показан на рисунке 6.20, позиция 2 б.

Мессерштихель (прорезной штихель) – резец с ножеобразным клинком. Резцы этого типа в поперечном сечении имеют форму вытянутого остроугольного треугольника, как у полотна обычного ножа. Отсюда и немецкое название – «мессер» означает «нож». Этот резец дает возможность делать тончайшие порезки, почти волосяные, сильно углубленные линии. Для жесткости спинка мессерштихеля должна быть шириной не мене 2,5 мм.

Для резцов подходит углеродистая инструментальная сталь У8, У10 или У12А. Легированная сталь ХО5, ХБ5 хотя и лучше держит заточку, но уступает резцам из углеродистой стали в звонкости штриха при гравировании рукописных шрифтов и монограмм «под глянец». Очень прочные и износостойкие инструменты можно выковать из обойм отслуживших шарикоподшипников. Несмотря на различие сечений, все клинки делаются одинаково. Каждый клинок должен иметь плавный изгиб, благодаря которому кончик его будет слегка приподнят. Верхняя грань клинка называется спинкой, нижняя – задней гранью. В передней части клинка выбирают продолговатую наклонную или дугообразную заточку, так называемый аншлиф. После заточки резца между аншлифом и режущими кромками клинка образуется площадка – носок. Чем меньше носок, тем удобнее наблюдать за процессом резания при гравировании.

Изготовление штихелей начинается с опиловки напильниками прямоугольных стальных заготовок длиной 90–100, шириной 9–10 и толщиной 2–3 мм. Им придается форма, напоминающая в поперечном сечение клин. При окончательной обработке образующие клин боковые грани шпицштихелей делают слегка выпуклыми, амессерштихелей – плоскими. Изготавливая штихеля, надо соблюдать следующие обязательные условия: 1) поперечное сечение резца должно быть одинаковым по всей его длине; 2) нижняя грань резца быть прямой или с незначительным плавным внешним округлением от середины клинка к носку; 3) режущая грань, полукруглая в сечение, должна иметь постоянную ширину или небольшое расширение в сторону режущей кромки.

У незакаленного штихеля сверху делается скос (тогда после закалки легче будет выточить аншлиф на механическом точиле), а с противоположной стороны запиливают ли выковывают плоский язык для насадки для ручки. Готовые резцы не следует полировать: блестящий металл бликами раздражает глаза и в работе полированные штихеля неудобны, выскальзывают из пальцев.

Следующая операция – закалка.

После опиливания и шлифовки клинки закаливают. Закаливается, прежде всего, рабочая режущая часть клинка. Клинок берут щипцами или плоскогубцами за хвостовик и нагревают на огне до красного каления.

Обточенную заготовку резца накалите до светло-малинового цвета (примерно до 800 °C), после чего опустите в машинное масло или воду на две трети ее длины (рис. 6.21).

Чтобы избежать образования хрупкой границы между закаленной и сырой частями клинка, уровень погружения быстро изменяют. Частичная закалка штихеля делается не только потому, что в практической работе резец редко используется более чем наполовину своей длины, но прежде всего для того, чтобы он не сломался при забивке ручки и особенно во время работы. Поломка клинка в хвостовике может привести к серьезной травме руки.

Для снятия напряжения и хрупкости закаленные и зачищенные от окалины штихеля подвергают отпуску. Поместите штихель над слабым огнем (можно в пламени спиртовки или газовой горелки), внимательно наблюдая за цветами побежалости (рис. 6.22). Доведя металл до желто-соломенного цвета, необходимо быстро охладить его в воде. Таким же способом производят закалку и отпуск чеканов и др. режущих инструментов.

Рис. 6.21. Закалка штихеля в масле.

Рис. 6.22. Отпуск штихеля: 1 – заготовка. 2 – плоскогубцы. 3 – газовая горелка.

После отпуска штихеля можно насаживать на деревянные ручки. Удлиненные шейки ручек позволяют подогнать штихель точно по руке. Наиболее удобным в работе будет штихель, носок которого в рабочем положении выступает на большой палец на 15–20 мм. На ручку насаживается предохранительное металлическое кольцо диаметром около 10 мм, по центру шейки высверливают направляющее отверстие. Ручку набивают на резец, зажатый через прокладки в тисках, а затем с нижней части «грибка» скалывают сегмент (см. рис. 6.20, позиция 2).

Затачивание инструмента.

На смонтированных штихелях плоскими наждачными камнями или алмазными надфилями исправляют возможные после термической обработки искажения формы режущей грани. Завершают доводку режущей грани пришлифовкой на микрошкурках и полировкой окисью хрома (паста ГОИ), нанесенной на плотную бумагу или кожу. Все доводочные работы делаются на ровном плоском бруске (см. рисунки 6.20, позиция 4 и 6.23).

При окончательной доводке нужно выдерживать следующие требования: 1) движение резца во время продольной шлифовки и полировки режущей грани делаются только в одном направлении – на себя; 2) штихель при этом равномерно поворачивают вокруг своей оси, чтобы придать режущей грани форму полуэллипса; 3) в ходе доводки режущая грань не должна иметь никакого угла между любой своей образующей и плоскостью абразива, иначе на режущей кромке возникают микрофаски, препятствующие движению резца вперед или выталкивающие его вверх. Фаски образуются в завершающей фазе движения штихеля на себя, если ручка вскидывается вверх.

Дальнейшая доработка резца заключается в корректировке его важнейших рабочих углов.

Угол отрыва, обеспечивающий ход резца на заданной глубине и вывод его из металла в нужной точке, должен составлять для гравирования на плоскости приблизительно 4–5°. Он корректируется во время доводки режущей грани (см. рис. 6.24 и 6.26, позиция 1).

Угол заострения, определяющий в наибольшей степени качество резания, имеет переменную величину и зависит от твердости материала. Для гравирования по латуни он составляет 45°, при работе на твердых сталях может достигнуть 60°.

Рис. 6.23. Рабочие движения резца в процессе доводки делаются строго параллельно плоскости абразива. Микрофаска образуется на режущей кромке в результате вскидывания ручки.

Рис. 6.24. Угол отрыва для гравирования на плоскости составляет 4–5°. Углы заострения для стали (а), латуни (б), меди (в).

При отсутствии углеродистой стали хорошие резцы можно изготовить из надфилей различного сечения. Режущую часть штихеля необходимо заточить под углом 45–30° для мягких металлов (алюминия, меди, латуни, бронзы). Следует отметить, что чистый алюминий не очень хорошо поддается гравировке, поэтому мастера предпочитают почти с ним не работать.

Для обработки стальных поверхностей правку резцов выполняют только со стороны торца. Необходимый угол заострения получают на механическом точиле, а затем резец доводят вручную на мелкозернистых брусках типа «индий» или «арканзас», смоченных смесью равного количества машинного масла и керосина. Во время ручной заточки нужно следить, чтобы не исказилась геометрия режущей кромки. Оставшиеся мельчайшие заусенцы снимают ударом резца о твердую древесину.

Для проверки остроты заточки штихеля опытные граверы поступают так: берут штихель в правую руку и, слегка придерживая его пальцами, острием касаются ногтя большого пальца левой руки. Если штихель достаточно острый, он будет вонзаться в ноготь от незначительного усилия, если тупой – резец будет проскальзывать по его поверхности. Предупреждаем, резец надо направлять по касательной относительно поверхности ногтя: круто направленный резец не будет скользить, даже будучи очень тупым (рис. 6.26).

Рис. 6.25.: 1 – заточка и правка инструмента; 2 – различные положения рук при гравировании; 3 – выполнение простейших узоров болштихелем; 4 – выполнение узоров фаденштихелем. Рисунок Г. Я. Федотова.

Чтобы облегчить ручную заточку штихеля, надо оставлять минимальную лицевую площадку носка (1,5–2 мм) при выточке аншлифа на механическом наждаке.

Для обработки стальных поверхностей резцы должны быть заточены под углом 60°, а правку их во время резьбы выполняют только со стороны торца.

Так же затачивают зубильца, сечки и пуансоны. Угол заточки пуансонов должен составлять 90° к его оси. Чтобы заточка получилась точной, используют деревянный брусок с вырезом. Пуансон прижимают к вырезу и, передвигая брусок по поверхности оселка, затачивают инструмент.

Хранить штихели нужно на деревянной подставке. Наиболее распространены круглые подставки с вращающимся деревянным диском, который позволяет быстро найти нужный инструмент. Можно также сделать несколько подставок для каждого вида штихелей. В одной подставке можно держать, например, шпицштихель, в другой болштихели и т. д.

Зубильца и сечки. Есть смысл провести грань между двумя видами граверных работ – плоскостным (или двумерным) и обронным (трехмерным) гравированием. При линейном гравировании поверхность обрабатывается на небольшую глубину. При сохранении первоначального уровня фона вырезается узор в виде канавок различной конфигурации. При обронном гравировании, за счет выборки металла на поверхности создается рельефный узор. Выделяют два вида обронного гравирования: выпуклое (иначе позитивное) и углубленное (иначе негативное). При выпуклом гравировании выделяют рисунок, а общий фон вырезают так, чтобы он выглядел «утопленным» по сравнению с рисунком. В результате углубленного гравирования получают противоположный результат – фон выступает, а рисунок утоплен. Безусловно, трехмерное гравирование предполагает большой объем работ по выбиранию металла. Соответственно и инструмент должен быть внушительный. Представлен он сечками и зубильцами.

Зубильца представляют собой стальные стержни толщиной от 6 до 10 мм и длиной 120–150 мм (рис. 6.26).

Зубильца имеют те же сечения, что и штихели. Зубильцам присваиваются аналогичные названия спицзубильце, флахзубильце, болзубильце. Рабочая поверхность зубильц также должна быть закалена, а угол заточки определяется материалом, для работы с которым они предназначены.

Рис. 6.26. Молоточные зубильца для выборки большого количества металла.

Изделие или деревянную колодку с изделием закрепляют в тисках, лучше поворотных. Короткими ударами молотка по ударной части Зубильца продвигают его в намеченном направлении. Толщину срезаемой стружки регулируют наклоном Зубильца относительно поверхности гравируемого изделия. Особенно большие участки выбирают сечкой.

Сечками называются плоские зубильца различной ширины с заточкой на одну сторону. Углубления с ровной поверхностью выбирают зубильцем с таким же сечением, как у флахштихеля, а с криволинейной поверхностью – как у болштихеля. Если металл выбирается на большую глубину, то для черновой обработки можно вначале применить круглое зубильце, а затем выровнять углубленную площадку плоским зубильцем.

Чеканы – инструмент почти такой же, как и для чеканки, но есть некоторые особенности. Чеканами осаживают металл, выравнивают отдельные участки в углубленной части рисунка, наносят на металл матовый штрих, обводят контуры рисунка и придают требуемую форму отдельным его деталям. Чеканы разнообразной формы обычно изготовляют сами граверы. Наиболее распространены грунтовальные чеканы, которыми осаживают металл между буквами и цифрами. Мотуар (чекан) изготавливают из квадратной заготовки инструментальной стали У8А размером 5×5 мм или 8×8 мм, длиной 80–100 мм, при этом рабочему торцу мотуара придают самые различные формы: круглые, прямоугольные, квадратные, ромбические. Торец мотуара набивают острым керном и термически обрабатывают до твердости HRC 50–54.

В процессе работы мотуар захватывают пальцами левой руки и приставляют его рабочую часть к выбранной поверхности металла в гравируемой детали, затем правой рукой захватывают ручку граверного молоточка и легкими ударами по тыльной части мотуара устраняют неровности в углубленных частях детали. После этого в правую руку берут мастику, а в левую – изделие и делают оттиск, проверяя рисунок. Обнаруженные неровности на рисунке устраняют штихелями.

Клейма для букв и цифр изготавливают из стальной (У8А) заготовки при помощи штихелей, пуансонов («обработчиков»), напильников и надфилей. Прежде всего необходимо изготовить пуансон 1 (зэк), который имеет такую же форму, как и ударное клеймо с зеркальным изображением. Отличие такого пуансона в том, что изображение букв и цифр не рельефное, а углубленное и зеркальное.

Пунсоны изготовляют из стали У8А. на одном конце заготовки пуансона опиливают фаски под углом 30°, оставляя необходимый припуск на обработку, затем надфилями обрабатывают контур выступов внутри цифр и букв. Для контроля в процессе обработки пуансон необходимо периодически опробовать на алюминиевой пластинке.

Клейма используют для обработки различных материалов: стали, меди, сплавов, дерева и т. п. Для стали клейма изготовляют с острым контуром букв или цифр, для мягких сплавов – с притупленным контуром. При этом и скосы стенок клейм могут быть разными. Для клеймения твердых материалов угол конуса делают равным 60°, а для клеймения мягких материалов – 50°. Заготовку клейма центруют пуансоном и слегка ударяют по нему молотком. Полученную на заготовке клейма разметку внутреннего контура углубляют штихелем. Такой способ обработки облегчает и упрощает гравирование клейма (рис. 6.27).

Для облегчения и качественного выполнения сложных орнаментов в процессе гравирования детали применяют специальные клейма (рис. 6.27, а), с помощью которых выполняют отдельные элементы рисунка орнамента. На рисунке (6.27, б) изображена державка, в которой крепят одновременно два или четыре мелких клейма с изображением отдельных частей орнамента. Державка представляет собой цилиндрический боек 1 (оправку) с квадратным наконечником, на котором надета обойма 2. во внутренней части обоймы закреплены болтами 3 и 6 два квадратных клейма 4 и 5. Державку обоймы изготовляют из инструментальной стали 45 и термически обрабатывают до твердости HRC 40–45. Специальные клейма изготовляют тоже из инструментальной стали У8А. Заготовка имеет квадратную форму для того, чтобы удобнее было укладывать в обойму державки при вырезании штихелем и надфилем рисунка орнамента. Клейма, показанные на рис. 6.27, отличаются от обычных буквенных клейм тем, что рабочая часть, как внутреннего профиля орнамента, так и наружного контура обработана под углом 35°, а не 60°.

Подготовив пластинку, чертилкой намечают на ней линии, по которым будет нанесен рисунок орнамента. Клеймо с выбранным элементом орнамента приставляют к линии, и при легком ударе молотка орнамент переносится на гравируемую пластинку (рис. 6.28).

Рис. 6.27. Специальные клейма для высадки отдельных частей орнамента: а – одинарное клеймо; б – державка для набора клейм.

Рис. 6.28. Схема контурных линий средней сложности, применяемых при гравировании орнамента: а – штриховые сопряженные линии орнамента; б, в, г – контурные линии художественного орнамента.

Затем клейма (рис. 6.28, а и б) переставляют в другую часть рисунка и снова ударом по нему молотка производят высадку отдельной части орнамента до тех пор, пока не будет выполнен общий профиль орнамента (рис. 6.28, а). Прежде чем произвести высадку клеймами (см. рис. 6.28) сложных частей орнамента, например листьев дуба или украшений на изделиях, необходимо нанести карандашом тонкие штриховые сопряженные линии по всему контуру рисунка орнамента. После этого осторожно, чтобы не испортить рисунок, ставят клеймо под углом 90° и четким ударом молотка по клейму оставляют четкий рисунок орнамента на пластинке. Сделав одну часть рисунка, вынимают эти клейма из державки (см. рис. 6.28, б) и устанавливают другой набор клейм с рисунками (рис. 6.28, б, в). Такие же приемы используют и при получении кривых линий, сопряженных со спиральными линиями (рис. 6.28, г).

Молоток. Металлический молоток главный ударный инструмент для граверных работ. Он должен быть удобным и достаточно легким (80–100 г), с круглым сечением рабочей части и плоским или сферическим бойком (см. рис. 6.20, позиции 3–4).

Шабер. Для чистовой отделки металлических поверхностей и для удаления случайных порезов и царапин применяют шабер. Наиболее ходовые шаберы – трехгранные и четырехгранные. Их можно изготовить из аналогичных по форме напильников, сточив с рабочей части насечку и соответствующим образом заточив.

Рифель. В качестве вспомогательных инструментов гравер применяет напильники и надфили разных сечений с изогнутым полотном – это и есть рифели. Они применяются для удобства проникновения в труднодоступные места со сложной конфигурацией. Перед тем как придать надфилю задуманную форму, его накаляют на огне докрасна, затем дают медленно остыть и обматывают рабочую часть изолентой, чтобы при гибке не повредить насечку. Хвостовик надфиля зажимают в тисках и очень осторожно изгибают рабочую часть круглогубцами. Готовые рифели закаляют так же, как и клинки штихелей.

Лощильник (или гладилка). Этот инструмент предназначен для полирования отдельных участков металла, особенно после обработки их шабером. Рабочие части лощильников могут иметь разнообразные формы, облегчающие доступ в те или иные фигурные места. Рабочая часть лощильника должна быть тщательно отполирована. Удобные и надежные сферические лощильники можно сделать из шариков от подшипников качения. Шарик приваривают к стальному стержню, который затем насаживают на деревянную рукоятку.

Пуансоны и матики. применяются на завершающем этапе граверных работ. Изготовляют пуансоны из инструментальной стали квадратного сечения толщиной 6,7 и 10 мм. Длина таких прутков составляет соответственно 6,5, 8,5 и 10 см. рабочему концу пуансона придают легкую конусность, а на образовавшемся округлом торце гравируют некое законченное изображение. Это может быть буква, цифра, элемент геометрического изображния (круг, овал и др.). Или стилизованного цветочного (лепесток, листик, завиток) орнамента, а также елочек и всевозможных завитков. Рельефное изображение на рабочей части пуансона вырезает сам гравер. Изображение может быть нанесено позитивно (выпукло) или негативно (углубленно). Приставляя торец пуансона к необходимому участку поверхности, молотком наносят удар по его ударной части. В результате на поверхности получается позитивный или негативный отпечаток вырезанного на торце элемента. Чтобы металл инструментов податливей принимал сообщаемую им форму, желательно перед обработкой пуансоны отжечь, т. е. сделать отпуск, а затем закалить вновь. Применение пуансонов значительно облегчает труд гравера, сокращает срок отделывания мелких деталей изображения.

Матики предназначены для фактурной обработки металлической поверхности, например фона. Рабочую часть матика опиливают в виде усеченного конуса, на торце которого гравируют пересекающиеся углубленные линии. Рельеф на рабочей части матика можно получить и другим способом – торец стержня устанавливают на насечку напильника и ударом молотка получают рельефный оттиск. После механической обработки матики закаливают.

Колодки. Чтобы изделие (или отдельные детали) удобно было гравировать, его закрепляют на деревянных колодках. Если гравируемая заготовка имеет поля, которые потом будут обрезаться, то ее прикрепляют к колодке мелкими гвоздиками. Форма колодок зависит от характера изделий. Небольшие заготовки крепятся на колодках, имеющих форму бруска или цилиндра. Большие металлические пластины крепятся на досках. Для браслета, перстня или кольца выстругивают круглую колодку соответствующего диаметра с небольшой конусностью, благодаря которой надетые на такие колодки изделия удерживаются очень прочно.

Чтобы закрепить на деревянной колодке небольшое изделие, на ее поверхность наплавляют слой сургуча или канифоли толщиной примерно 5 мм. Затем вдавливают разогретую деталь, как только сургуч или канифоль застынут, приступают к гравированию. Предварительно зажав болванку с одетой на нее заготовкой в тисках или другом зажимном инструменте.

Для закрепления объемных изделий профессионалы пользуются специальными шаровыми тисками (см. рис. 6.29, позиция 1 б, позиция 3 а).

Шаровые тиски представляют собой сплошной чугунный шар диаметром около 13 см и массой до 15 кг. Их устанавливают на специальных подушках с песком. Шаровые тиски – наиболее удобные и универсальные. На верхней площадке шара имеется прямоугольный паз, в котором размещено зажимное приспособление, состоящее из двух параллельных пластин. На одной из пластин укреплены два направляющих стержня, на которые надеты пружины. Благодаря пружинам пластины после освобождения зажимаемых в них деталей возвращаются в исходное положение. Прежде чем зажать в тисках какую-либо деталь, внизу между пластинками вставляют металлическую прокладку, соответствующую ее габаритам. Зажимной винт тисков имеет металлическое кольцо, в которое вставляют штырь, если необходимо более прочно зажать гравируемую деталь.

Установленные на кожаной подушке или манжете тиски легко принимают любое положение. Их можно поворачивать, наклонять так, чтобы закрепленное в тисках изделие принимало удобное для гравирования положение. Например, при гравировании кривых линий тиски вместе с изделием равномерно поворачивают навстречу штихелю.

Но шаровые тиски удобны только при гравировании резцом. Если же какие-то участки необходимо обработать зубильцами, то крупное изделие зажимают в поворотных слесарных тисках с деревянными прокладками, предохраняющими его от повреждений. Небольшие детали закрепляют в тисочках с плоским основанием, которые устанавливают на круглой кожаной или брезентовой подушке.

Изготовление подушки и манжеты. Для гравировки мелких изделий необходимо изготовить гравировальную подушку (см. рис. 6.29, позиция 2). Из толстого брезента или кожи необходимо вырезать два круга диаметром 200 мм. Затем, отступив от края на 5 мм, сшить круги, но не до конца. Вывернув на изнанку полученный мешок, снова прошить вдоль края, оставив небольшое отверстие для засыпки песка. Мешочек замачивают в теплой воде на 15–20 минут. Затем вынимают из воды и отжимают. Мешочек немного растянется и после набивки, высыхая, он подсядет и набитая подушечка станет упругой. Песок необходимо взять речной, промыть и просушить его. Засыпать песок в подушку можно с помощью воронки или бумажного конуса. Туго набить подушку и тщательно зашить отверстие. Этим же способом изготавливается кожаная манжета, служащая опорой шаровым тискам (рис. 6.29, позиция 2).

Штатив с лупой. При гравировке мелких деталей пользуются лупой, укрепленной на штативе с массивным основанием. Лупа крепится шарнирами так, чтобы ее можно было расположить на нужном уровне и под любым углом к детали. На рисунке показано устройство простого универсального зажима. Он состоит из четырех кружков, вырезанных из многослойной фанеры или пластмассы. В центре каждого кружка проделано отверстие для зажимного болта. В одной паре кружков, соединенных и зажатых вместе, сверлится отверстие, равное диаметру вертикального стержня подставки, а в другой паре – равное диаметру стержня лупы. Навинчивающуюся на болт гайку врезают в круглую рукоятку (рис. 6.29, позиция 1 в).

Кроме основного и вспомогательного инструмента граверу необходимо иметь ручную спиральнообразную дрель для высверливания отверстий в углубленных местах рисунков или цифр и букв. Такая дрель обычно состоит из деревянной ручки и спирального винта, по которому перемещается ручка. На конце винта дрели закреплен трехкулачковый патрончик с жатым в нем сверлом. Необходимо иметь наковальню массой 10–15 кг, небольшое точило, набор мелких сверл (до 5 мм), набор надфилей, напильников, ножовочный станок, лупу с десятикратным увеличением, металлическую линейку, чертилку, штангенциркуль и микрометр от 0 до 25 мм.

Верстак гравера должен быть установлен вдоль или поперек окон так, чтобы естественный свет падал на рабочее место равномерно и не давал ярких бликов или резких теней. Можно, конечно, работать и на любом устойчивом столе, но лучше изготовить верстак такой предлагаемой конструкции.

На рисунке 6.30 изображен самодельный универсальный ювелирно-граверный верстак. Данный верстак может быть использован не только на предприятии единичного производства, но и на предприятиях ювелирно-граверного производства, учебных мастерских по декоративно-прикладному искусству, так как в его конструкции предусмотрено все необходимое для удобства работы и повышения производительности труда.

Рис. 6.29.: 1 – а – подставка со штихелями; б – шаровые тиски; в – штатив с лупой; г – зажимное приспособление в разобранном виде. 2 – кожаная манжета и подушка. 3 – а – чертеж шаровых тисков; б – крепление пластинок на колодке; в – различные виды колодок; г – тиски с плоским основанием. Рисунок Г. Я. Федотова.

Рис. 6.30. Рабочий стол гравера-ювелира (описание см. в тексте).

Показанный верстак напоминает письменный стол с выступом с правой стороны на столешнице 7 для удобства опоры локтя правой руки, а с левой стороны имеется подъемно-поворотный подлокотник 25, который в процессе работы может выдвигаться и поворачиваться. Подушка подлокотника, изготовленная из поролона и покрытая дерматином или кожзаменителем, закреплена на металлической пластинке, к которой приварен подъемно-регулировачный винт. Подлокотник вращается на оси и крепится подъемно-регулировочным винтом в том или ином положении.

Каркас 1 верстака сварной и изготовлен из стали угловой размером 36×36 мм, а ножки из угловой стали 50×50 мм. Длина верстака 1100 мм, ширина с левой стороны 375 мм, а с правой с учетом выступа 775 мм, высота 875 мм. С боков верстак общит листовым железом толщиной 1–1,5 мм. Крышка 7 (столешницы) изготовлена из фанеры толщиной 25 мм и покрыта линолеум. Длина столешницы 1200 мм, ширина с левой стороны 425 мм, а с правой с учетом выступа 825 мм, общая высота верстака с крышкой 900 мм. Над крышкой с двух боковых сторон укреплены деревянные буртики, а с задней стороны они соединены с полочкой 2, где хранят призмы 4 и 5, инструмент, детали, предназначенные для гравирования. С левой стороны подлокотника 25 имеются два ящика, в которые вставляют настольные коробки 3 и 26 с набором штихелей и граверным инструментом. На правой стороне выступа верстака находится тумбочка с четырьмя деревянными выдвижными ящиками 11, 12, 13 и 15 для хранения чертежей, вспомогательного инструмента и готовых деталей. С левой стороны тумбочки под крышкой имеется выступ, в нижней части которого приварена к каркасу 1 стальная пятимиллиметровая пластина (полочка) для размещения бормашины и ударно-режущего инструмента (молотков, зубильц, чеканов и др.). На передней части полочки закреплена круглая наковальня 14 с резиновой подкладкой внизу во избежание шума при ударе молотком по выправляемой или вырубаемой детали. В центре верстака, напротив сидящего гравера, закреплен с двух сторон винтовыми эксцентриками деревянный финагель 16, предназначенный для обработки на нем деталей. Под финагелем имеется выдвижной сборник 17, в котором собирается стружка.

Подъемно-поворотный стул может не только свободно поворачиваться в обе стороны, но и легко перемещаться вперед и назад за счет того, что в центре трубы 24 (опора для ног) приварена втулка, в которую вставлен палец консоли 23. В отверстие консоли вставлена труба кронштейна 22 (большая консоль), приваренного к втулке треноги 21 стула. При необходимости кронштейн 22 со стулом может перемещаться вперед и назад и закрепляется винтом консоли 22. при работе, сидя на стуле, ножки треноги 21, опираясь на пол, создают опору для корпуса тела работающего, но достаточно работающему встать со стула, как тут же спиральная пружина 20 разжимается и поднимает одновременно сиденье 18 со спинкой 19 и треногу 21 стула. Стул, приподнявшись от пола с помощью пружины 20, легко поворачивается на оси 23 консоли и свободно убирается под крышку верстака.

Для исключения непредвиденных потерь времени в процессе работы рекомендуется особо обратить внимание на раскладку вспомогательного инструмента перед началом работы в такой последовательности, чтобы он всегда был под руками: с правой стороны следует укладывать молотки 9, зубильца, сечки, чеканы, настольную наковальню 8, набор надфилей и напильник 10, а с левой стороны ящик 3 с набором штихелей.

Для освещения обрабатываемых деталей на финагеле 16 необходимо иметь настольную шарнирно-поворотную лампу 6 (сберегающую или обычную на 36 В) с линзой.

На столе показан настольный ящик 3 для хранения чеканов, сечек, зэков, штихелей. Он очень удобен и прост в изготовлении. Коробка и крышка изготовлена из текстолита, а стойки из дюралюминия. Крышка со стойками легко открывается и закрывается, для этого достаточно освободить от зажима барашком планку.

Освещение гравируемой детали может быть естественным и искусственным. Однако в любом случае очень важно, чтобы свет был мягким, поэтому надо избегать освещения прямыми солнечными лучами и лампами большой мощности поверхности гравируемой детали, так как оно утомляет зрение гравера. При ярком солнечном свете окна необходимо занавесить шторами из тонкого светло-голубого полотна, которые поглощают лучи солнца и дают мягкое отражение на гравируемой поверхности.

Кроме того, необходимо избегать бокового освещения. На пути лучей света, идущих с боков, надо ставить полупрозрачные или темные экраны. Для четкой видимости штрихов на гравируемой детали необходимо, чтобы угол между падающими и отраженными лучами света был не менее 90°. Наилучшее освещение можно получить, если между лампой и гравируемой деталью поместить на специальной стойке 1 с подставкой 2 (см. рис. 6.31) стеклянный шар-колбу 3 с прозрачной, голубоватой жидкостью (кипяченой воды 2 л, азотной кислоты 25 г, медного купороса 50 г). Свет, поступающий от электрической лампочки 4, проходя через колбу 3, равномерно и мягко освещает гравируемую деталь 7, лежащую на подушке 6. Для удобства работы настольную подставку 2 с колбой 3 можно поднимать и опускать по стойке, закрепляя барашком 5.

Рис. 6.31. Схема освещения гравируемого изделия с помощью колбы и настольной электролампы.

Стеклянная колба с жидкостью не только задерживает тепло, выделяемое лучами электролампы, но и создает мягкое равномерное освещение всей обрабатываемой поверхности детали. Кроме того, если гравируемая деталь имеет блестящую поверхность, то в этих случаях гравер должен одеть на голову матерчато-резиновый шнурок с козырьком так, чтобы козырек прикрывал глаза от лучей света электрической лампочки.

На рисунке 6.32 показано положение корпуса тела сидящего гравера, локоть левой руки которого положен на подлокотник 4 стола, закрепленный барашком 5, а локоть правой руки – на дугообразный выпуклый выступ столешницы 9 верстака. Для удобства гравирования и опоры левой руки на верстаке с левой стороны имеется выдвижной подлокотник (см. рис. 6.30, 6.32), который может подниматься и поворачиваться в любую сторону. В процессе работы гравер слегка наклоняет корпус тела, пальцами левой руки придерживает гравируемую деталь, лежащую на столешнице 9, а указательным и большим пальцами правой руки, захватывая лезвие штихеля 7, направляет его вперед и, слегка нажимая, врезает в металл (гравирует). При этом ладонь и остальные пальцы руки, опираясь на поверхность детали 6, создают лишь направление указательному и большому пальцам, удерживающим штихель 7.

Для освещения гравируемой детали на полочке 1 столешницы 9 перед сидящим гравером установлена настольная шарнирно-поворотная электролампа 8; с правой стороны на столешнице 9 стола уложены ящик 2 с набором штихелей и молотком 3 с сечками и чеканами.

Температура воздуха в помещении, где работает гравер, должна быть в пределах 15–25 °C. При температуре ниже 15 °C на металлических гравируемых деталях появляется влага при дыхании гравера. Вследствие этого нанесенный карандашом рисунок на детали легко стирается. При температуре выше 25 °C руки гравера становятся влажными, и удержать штихель в нужном положении трудно. Если работа гравера связана с применением кислот, то необходимо иметь отдельный шкаф для склянок с кислотой и вытяжную трубу для отвода вредных газов. Если такого шкафа нет, то необходимо иметь колпак, который должен быть соединен с вытяжной трубой, а помещение необходимо регулярно и тщательно проветривать.

Рис. 6.32. Приемы гравирования с помощью подлокотника и козырька (описание инструментов и приспособлений см. в тексте).

 

6.4. Технология и основные правила линейного гравирования

 

Резцовую гравировку можно использовать для декорирования ювелирных изделий, металлической посуды, для нанесения надписей на металл, изготовления клише для печатания гравюр и экслибрисов и т. д. Гравирование может служить дополнительным средством художественной выразительности декоративной отделки чеканки. Гравированные металлические вставки используются при инкрустировании изделий из металла, дерева и других материалов.

Гравировать можно по стали, меди, цинке, алюминии, олове. И на сплавах: бронзе, латуни, дюралюминии, мельхиоре. Все перечисленные металлы и сплавы имеют различную твердость и вязкость. Поэтому одни гравируются лучше и легче, другие хуже и с большим трудом. На поверхности одних материалов резец оставляет четкие порезки, на других края гравированных линий получаются менее ровными, с острыми заусенцами. Все это надо учитывать при выборе материала, особенно в самом начале обучения гравировке. Хорошо гравируется мягкий металл, имеющий низкую вязкость. Например, дюралюминий гравируется лучше, чем более мягкий, но и более вязкий алюминий.

Подготовка металла к гравировке. Поверхность металла, предназначенного для нанесения гравировки, тщательно зачищают наждачной бумагой до полного исчезновения мельчайших царапин. В зависимости характера повреждений поверхности можно сначала использовать грубую (крупнозернистую) шкурку, а затем окончательно отшлифовать поверхность тонкой (мелкозернистой) шкуркой. Поверхность заготовки, подлежащей гравированию, должна быть матовой, так как излишний блеск и блики слепят глаза. Это затрудняет работу. Полируют, если это задумано мастером, только после нанесения гравировки.

Перенесение рисунка на металл. Если рисунок достаточно простой, его можно сразу нарисовать на поверхности металла карандашом или черной тушью. В процессе рисования неудачные места легко стираются тряпкой. Когда линии рисунка будут найдены окончательно, их процарапывают стальной иглой, укрепленной на деревянной ручке, – так называемой гравировальной иглой. Чтобы процарапанный рисунок был более заметным, в его линии втирают темно-коричневую или черную масляную краску. Сложные рисунки осуществляются с чертежа или эскиза, выполненного в натуральную величину. Отшлифованную поверхность заготовки покрывают слоем белой гуаши, а после высыхания краски переводят изображение, положив между заготовкой и эскизом лист копировальной бумаги. Это не единственный способ перевода рисунка. Можно перенесенный на папиросную бумагу мягким простым карандашом рисунок накладывать лицевой стороной на загрунтованный металл. Бумагу как можно плотнее прижимают к металлу и протирают гладилкой. Графитный рисунок перейдет на металл. Чтобы закрепить его линии, их процарапывают гравировальной иглой или гравируют на небольшую глубину шпицштихелем. Нужно иметь в виду, что рисунок на металле получится зеркальным. Обычно такой рисунок необходимо получить на металле при гравировании, например, клише экслибриса. Если же нужно получить на металле прямое изображение, рисунок на кальке обводят с двух сторон, а затем уже накладывают на грунтованный металл. Очень четкий перевод графитного рисунка можно получить, если применить при грунтовке пчелиный воск. Как только белая краска, нанесенная на металл, высохнет, его подогревают и натирают куском воска. Воск, соприкасаясь с нагретым металлом, будет плавиться и ложиться на него тонким слоем. На вощеный грунт накладывают бумагу с графитным рисунком и протирают гладилкой.

Приемы гравирования резцом.

Прежде чем приступить к гравировке, необходимо правильно держать резец в руке. Металлическую часть резца называют клинком. Указательный палец должен находиться сверху у кончика клинка, как показано (см. рис. 6.25, позиции 2, 3, 4; 6.32). Большой палец поддерживает клинок сбоку.

Мизинец, средний и безымянный пальцы прижимают ручку резца к ладони. При насадке клинка надо проследить, чтобы кончик его выступал из-под указательного пальца не больше чем на 5–7 мм. Левой рукой изделие прижимают к подушке, а большой палец правой руки упирается в изделие, корректируя подачу резца. Указательным пальцем регулируют глубину порезки. Гравируя всевозможные кривые линии, изделие поворачивают навстречу резцу, не меняя направление резца в руке. Установленный на поверхности металла резец продвигайте вдоль линий рисунка короткими шажками.

При этом большой палец должен упираться в металл и как бы сдерживать, смягчать слишком порывистое движение резца. Упирающийся в изделие большой палец служит также опорой резца при проведении закругленных линий, подобно ножке циркуля.

Снимающий стружку резец должен продвигаться без особого напряжения.

Резец во время гравирования во всех случаях должен быть направленным только от себя. Пальцы левой руки, удерживающие заготовку, нужно располагать так, чтобы в случае возможного срыва резца они не оказались на его пути. Сорвавшийся резец может нанести глубокую рану, и об этом нужно помнить все время. Чтобы зрение не напрягалось, гравируемая заготовка изделия, и руки с инструментом должны быть хорошо освещены. При мелких работах используйте увеличительное стекло (см. рис. 6.29, позиция 1 в).

Чтобы проверить технические возможности изготовленного вами резца, полезно проделать несколько упражнений на отдельных металлических пластинках стали, меди или латуни. Рука должна привыкнуть к штихелям (см. рис. 6.25, позиции 3 и 4, рис. 6.32). Начинать нужно с прямых параллельных и пересекающихся линий, а затем перейти к кривым по нанесенным на металл контурам. Во время тренировки нетрудно будет установить, что резцы с квадратными сечениями более удобны для гравировки плавных закругленных линий. Резцы с круглым или овальным сечением подходят для проведения более широких прямых линий. Постепенно усложняйте задачу, переходя к гравированию элементов орнамента. Прежде выгравируйте грабштихелем или шпицштихелем элементы, состоящие только из контурных линий. Затем можно перейти к гравировке растительных элементов, в которых объем передается параллельной или перекрестной штриховкой. Наносят штриховку шпицштихелем, а если элементы гравировки будут достаточно крупными, то и фаденштихелем. Сначала упражнения выполняются на мягком металле – олове. Затем на цинке. Когда появятся некоторые навыки, приступают к гравированию на дюралюминии, меди, бронзе, латуни. Резец ставится почти вертикально с наклоном под углом 70° – 40° к металлической пластинке, угол зависит от твердости металла (рис. 6.33).

Рис. 6.33. Положение резца в начале гравирования. Пластинка (подкладка) 100×15×3 мм.

Следует обратить внимание на положение кончика резца на поверхности металла. Если острие резца слишком опущено и имеет очень острый угол заточки, резец во время работы будет постоянно зарываться в металлическую пластинку и может сломаться. При слишком поднятом острие, плохой заточке и слишком тупом угле, превышающем 45°, резец будет соскакивать с поверхности изделия. Чтобы устранить все эти возможные недостатки, нужно для каждого резца определить путем проб оптимальный угол заточки – он во многом зависит от сечения резца и качества стали. Снимая стружку, резец должен перемещаться без особого напряжения. Не пытайтесь сразу же, с первого прохода резца, срезать металл на заданную глубину. Для этого нужны большие усилия, которые трудно сочетать с плавностью движения резца. На нужную глубину металл прорезается постепенно, в несколько проходов. При этом из-под резца должна выходить очень тонкая, равномерная по толщине стружка. Необходимо знать, что нужно не только правильно насадить и заточить резец, но и постоянно править его в процессе гравирования. Однако даже при работе с исправными инструментами резец может сорваться с поверхности металла. Поэтому нужно уметь исправить испорченную гравировку. При гравировке вязкого металла на поверхности его неизбежно появляются заусенцы, которые снимают шабером, а затем выглаживают гладилкой.

Заусенцы, появляющиеся при гравировании, особенно на мягком и вязком металле, не только портят внешний вид гравировки, но и могут поцарапать руки. Поэтому их сразу же удаляют трехгранным или четырехгранным шабером.

Накопившуюся при гравировании стружку нельзя сдувать, так как она может попасть в глаза. Удалять стружку можно небольшой щеткой-сметкой или же широкой щетинистой кистью, сметая в коробку.

Особенности некоторых резцов. Каждый штихель применяется на определенном этапе работы с учетом его сечения. Например, грабштихелем, имеющим квадратное сечение, легче гравировать закругленные линии, а грабштихелем с треугольным и ромбическим сечением – прямые. Болштихелем удобнее гравировать прямые линии. Узкие резцы наносят более глубокие, но и более тонкие линии, а полукруглые (болштихели) и грабштихели с квадратным сечением – широкие, но неглубокие. Кроме того, некоторыми резцами можно выполнять необычную гравировку. Например, если продвигать по металлу флахштихель, поочередно переваливая его режущую часть с одного угла на другой, то на поверхности возникает простейший узор в виде ломаной линии. При нанесении узора рука со штихелем как бы дрожит, отсюда и название – дрожировка. Характер наносимой на металл узорной полоски зависит от частоты переваливания острия резца с одного угла на другой и от скорости его продвижения. Учитывая это, гравер может получить узор различной плотности. Дражировку можно выполнять и болштихелем. Но так как носок болштихеля округлый и не имеет углов, на поверхности металла образуется ломаная линия, состоящая не из прямых, а из полукруглых ногтевидных черточек. Дрожировка отличается простотой исполнения, но ее несколько однообразный рисунок применяется лишь как дополнение к основному изображению – чаще всего в сочетании со сплошными линиями в качестве бордюра при оформлении края изделия или узора.

Завершив подготовительные работы, можно приступать к изюминке процесса – гравированию изображения. Если ваш инструмент выполнен правильно и хорошо заточен (см. рис. 6.25, позицию 1), вы не столкнетесь с особыми трудностями и непременно добьетесь желаемого результата. Несколько приведенных выше правил и рекомендаций облегчат вам процесс освоения нового ремесла. Первое и, пожалуй, основное правило – верный психологический настрой. Не требуйте от себя сразу многого. Вам предстоит постичь азы обращения с инструментом, выяснить его возможности. Примерные учебные образцы для гравирования представлены (см. рис. 6.34).

 

6.4.1. Гравирование под чернение

Выгравированное на металле изображение при необходимости можно сделать более контрастным, заполнив его линии сургучом. Металл нагревают и прикладывают к нему сургуч. Расплавляясь, сургуч заполняет гравированные канавки. Когда углубленные линии будут заполнены, лишний сургуч, пока он еще не потерял пластичности, снимают стальным шпателем. Загрязненную сургучом поверхность нужно вновь отшлифовать и отполировать до блеска. После такой обработки мельчайшие частички металла прилипнут к сургучу, заполнившему гравированные канавки, от этого рисунок станет матовым и будет казаться загрязненным. Чтобы восстановить блеск сургуча, металл подогревают, при этом частицы металла осядут на дно гравированных канавок, верхний слой сургуча приобретет блеск и глубокий тон.

Рис. 6.34. Учебные образцы для упражнений в гравировании.

Рис. 6.35. Последовательность выполнения гравировки под глянец: а – гравирование контура; б – гравирование широкой глянцевой линии.

Внизу: образец простого геометрического орнамента; последовательность выполнения растительного орнамента. Рисунок Г. Я. Федотова.

Возможно, вас не устроит цвет промышленного сургуча. Можно приготовить сургуч в домашних условиях или в школьной мастерской, добиваясь необходимых оттенков. Расплавьте на водной бане 25 г воска, затем добавьте в него 100 г растолченной канифоли. В расплавленную смесь постепенно, небольшими порциями, всыпьте 20 г просеянного мела и 40 г пигмента. Мел и пигмент – это одновременно и красители, определяющие цвет сургуча, и наполнители, придающие сургучу твердость. Расплавленную канифольно-восковую смесь тщательно размешайте с этими компонентами до получения однородной массы. Готовый сургуч разлейте в спичечные коробки. Когда сургуч остынет, сломайте коробки и извлеките из них прямоугольники сургуча.

О пигменте. Коричневый сургуч получится, если в качестве пигмента вы возьмете оксид железа. Синий – ультрамарин. Зеленый – окись хрома. Черный – мелко истолченный графит или печную сажу. Это лишь примеры – можно экспериментировать с самыми разными пигментами.

 

6.4.2. Гравирование под глянец

Декоративный эффект в этом виде гравировки достигается противопоставлением матовой или темной поверхности металла с блестящими линиями гравировки. Этим способом выполняются не только узоры, но и надписи. Для гравирования применяется шпицштихель с боковыми поверхностями, отполированными до зеркального блеска. На пластинку переводят контуры букв и гравируют, проводя на поверхности металла ровную узкую канавку. Вторым проходом штихеля выполняются плавные утолщения букв, подобно нажиму при письме пером. Чтобы получить постепенное утолщение буквы, шпицштихель при продвижении вперед вдоль нанесенной узкой канавки постепенно наклоняют вправо или влево. При этом резец будет срезать металл одной из боковых кромок, одновременно полируя грань канавки. Чтобы переходы от тонкой линии к широкой были плавными, шпицштихель нужно проводить плавно и без остановок (см. рис. 6.35).

 

6.5. Правила обронного гравирования

С самых истоков в характере резьбы наметились два основных подразделения – плоскостное гравирование, о которой вы только что узнали, и рельефная обронь. Выпуклую резьбу в старину на Руси называли «обронь», или «обронная работа». Это название пошло от слова «обирать» (убирать) фон.

К обронным работам относятся все виды гравирования, при которых выбирается фон, а элементы изображения остаются выпуклыми.

Правило 1. Выполняя позитивный оброн (выпуклый рисунок на утопленном фоне), пред началом прорезки рельефа контуры рисунка процарапываются стальной иглой, закрепленной в деревянной рукоятке. Делается это для того, чтобы не сбить контур при дальнейшей работе. Далее вооружаются шпицштихелем и прорезают контур изображения на глубину фона.

Правило 2. Выборку фона при позитивном оброне производят флахштихелем или флахзубильцем, когда заготовка из мягкого металла и при неглубоком рельефе. В местах закруглений и впадин металл выбирают болштихелем или болзубильцем. Когда черновая выборка металла окончена, то есть весь фон выбран равномерно, в соответствии с заданной глубиной, приступают к дальнейшей обработке рельефа. Сначала фон аккуратно выравнивают плоским флахштихелем, а рельефные элементы режут с помощью болштихеля или рубят соответствующими зубильцами. Облегчает процесс обработки фона использование надфилей, различных чеканов, пуансонов, матиков.

Правило 3. Углубленный оброн металла внутри прорезанных чистый свинец: на 400 г чистого свинца – 75 г порошка серы.

Контуры выполняют различными зубильцами. Техника выборки металла при углубленном оброне та же, что и при выпуклом. Но здесь гораздо важнее выдержать точную глубину рельефа. Для этого регулярно, после нескольких проходов зубильцами, глубину замеряют штангенциркулем. Если перед мастером лежит оригинальный образец изделия, копию которого предстоит изготовить, проверку на точность углубления производят с помощью пластилинового шаблона. В предварительно увлажненную вырубленную форму вдавливают кусок размягченного пластилина, а затем полученный оттиск сравнивают с оригиналом, вводя в соответствующее углубление. У профессионального мастера наметанный глаз, и поэтому он прибегает к сверке не часто. Начинающим желательно проверять себя почаще. Потому что исправление ошибок – работа чрезвычайно трудоемкая. Если толщина заготовки позволяет, поверхность металла по всему контуру спиливают и приступают к обработке с нуля. Если же это невозможно, испорченный участок высверливают и вставляют подходящую пробку. Доводку рельефа по окончании вырубки производят описанным в правиле 2 способом. Для проникновения в узкие места применяют гнутые инструменты.

Правило 4. Выборку металла следует производить так, чтобы оставался небольшой запас глубины. Впоследствии уровень металла осядет, уплотняясь под ударами чеканов и пуансонов, или выберется штихелями и зубильцами.

Обронным гравированием можно изготовить деревянные или металлические модели для литья и микролитья. И наоборот, чтобы ускорить процесс изготовления граверного изделия, можно по заранее изготовленной форме отлить рельефную заготовку. Ручная работа при этом сведется лишь к чистовой проработке фона или изображения (см. рис. 6.36).

В качестве примера приведены три орнамента для начинающих мастеров (см. рис 6.37 и на рис. 6.38 показаны два изделия кубачинских школьников и учащихся СПТУ).

 

6.6. Современное оборудование для гравирования

В настоящее время для массового производства граверных изделий в дизайне используют гравировально-копировальные, рельефно-копировальные и иные машины. Гравировально-копировальные машины при помощи специального шаблона производят резцом не только плоскостное гравирование, но и гравирование на необходимую глубину. Одной из сложных копировальных машин является пантограф с алмазным резцом, который с помощью специального приспособления может пропорционально уменьшить формы рисунка на изделиях (рис. 6.39).

Рис. 6.36. Стадии выполнения обронной работы: 1 – закрепление рисунка гравировальной иглой; 2 – гравирование контура шпицштихелем; 3 – выборка фона болштихелем; 4 – проработка деталей рельефа; 5 – полировка рельефа; 6 – матирование фона. Рисунки Г. Я. Федотова.

Рис. 6.37. Три орнамента начинающим мастерам.

Рис. 6.38. Работа кубачинских школьников и учащихся СПТУ.

Рис. 6.39. Гравировально-копировальный станок с пантографом: 1 – колонка для вертикального перемещения пантографа, 2 – суппорт пантографа, 3 – главный шарнир, 4, 7 – рукав пантографа для монтажа при работе в масштабе, 8 – шпиндель для крепления резца, 9 – гравировальный резец, 10 – опорный кронштейн, 11 – направляющий копир, 12 – зажимной винт копира, 13 – микроскопический винт точной установки, 14 – острие для обводки шаблона, 15, 16 – шаблонодержатели, 17 – рукоятка для вертикального перемещения пантографа, 18 – зажимной винт, 19 – шарнир, 20 – регулируемый балансир.

Наличие этой машины дает возможность воспроизводить фигурные и портретные композиции в уменьшенном виде, используя в качестве шаблона крупные авторские оригиналы. При этом получаются уменьшенные рельефы, воспроизведенные на стали и пригодны для применения их в качестве пуансонов-переводников для штамповки серийных изделий из меди, алюминия, и др. металлов.

Гравировально-фрезерные плоттеры МЕ-500 и ME-650 (сделано в Японии).

Mimaki – это универсальные настольные гравировально-фрезерные машины для вырезания трехмерных объектов и гравирования пластин с использованием плоской векторной графики. Обрабатываемые материалы: пластики, акриловое стекло, композитные материалы, дерево, резина, легкие металлы (алюминий, латунь) и др.

Применение: Благодаря высокой производительности и точности, оборудование нашло применение во многих областях производства, таких как: визуальная реклама (фрезеровка объемных букв, рельефных изображений, указателей, табличек, логотипов), полиграфия (штампы для тиснения и конгрева), декоративная резка по дереву, ювелирное дело, тароупаковочное производство (макеты для вакуумной формовки).

Модельный ряд Mimaki серии ME представлен двумя моделями: МЕ-500 и МЕ-650, различающимися только размером рабочей области. Просвет 60 мм по оси Z делает граверы серии ME пригодным для обработки толстых материалов. Поддерживается индустриальный стандарт – язык HP-GL фирмы «Hewlett-Packard», совместимый с рекламным и конструкторским IIO.

Для сглаживания и ускорения 3D-обработки применяется 3-осевая интерполяция в дизайне.

Преимуществами гравировально-фрезерных плоттеров ME являются: жесткая конструкция и прецензионный контроль сервопривода по всем осям (X, Y, Z), программное управление высотой шпинделя для многопроходной обработки, сенсор поверхности заготовки для калибровки положения инструмента, возможность отрисовки траектории инструмента для тестирования, а также система удаления стружки и система охлаждения для смазки рабочего инструмента. Мобильный пульт обеспечивает удобное управление гравером.

Лазерные граверы «Halk Mini». Эти граверы малой серии применяются для изготовления такой продукции как:

Таблички на двухслойном пластике Бэджи: бирки, номерки, печати, штампы, шильды; гравировка на двухслойной пленке, которая применятся для наклеивания на наградные кубки, плакетки, упаковку, медали и др.

Гравировка сувенирной продукции; гравировка на ручках; гравировка на зажигалках.

Изготовление эксклюзивной сувенирной продукции. Изготовление POS (Points of Sales) материалов: подставок под ценники, подставок под товары, рекламных указателей и т. д.

Основные достоинства лазерных граверов: высокое качество технологического процесса, скорость, гибкость, минимальные затраты материала. При резке лазером отпадает необходимость механического закрепления заготовки ввиду отсутствия динамических или статических воздействий, резка осуществляется сфокусированным излучением. Данное оборудование высокорентабельное.

Надежная фиксация зеркал, позволяет весь срок службы лазерного излучателя, обходится без дополнительной их настройки. А при правильной замене лазерного излучателя обойтись небольшой 5 мин настройкой. Все вертикальные зеркала имеют возможность настройки по трем координатам.

Надежный открытый роликовый механизм каретки легко поддается чистки, а после износа легко заменяется. Стол оборудован удобным прижимным механизмом для фиксации объемных предметов. Встроенная вытяжка позволяет удалять продукты сгорания. Отличительная особенность данной модели от SK40, заключается в том, что она имеет облегченную возможность настройки фокусного расстояния, тубус с обдувом линзы и механическую систему от Японской компании Seiko.

Лазерные граверы данной серии оснащены водяным охлаждением. В комплекте с граверами поставляется программа Newly Draw 1.3, позволяющая не только гравировать, но и вырезать выгравированное или любое другое изображение импортированное из Corel Draw или Auto Cad.

В комплекте с лазерными граверам «Halk Mini» поставляется стандартно одна программа для гравировки – Newly Seal 11, и две программы поставляется бесплатно, как бонус.

Программа Newly Draw 1.3 позволяет гравировать и вырезать различные растровые и векторные изображения, ознакомится с инструкцией на данную программу вы можете в Интернете.

Программа Corel Assistant разработана российскими разработчиками специально для лазерных граверов Halk mini. Программа позволяет работать из под Corel Draw.

 

6.7. Отделочные работы

Самый простой вариант отделочных работ – полирование выпуклых элементов по окончании гравирования. Предназначенную для гравировки поверхность металла зачищают мелкозернистой наждачной бумагой и полируют полировочной пастой ГОИ. Полировочную пасту можно заменить масляной краской – окисью хрома, энергично растирая ее на металле кожаным тампоном или просто куском кожи. Углубленные участки при необходимости полируют деревянными палочками с нанесенной пастой ГОИ. Интересный эффект получают контрастированием полированных выпуклых мест и матовых углублений и наоборот – полированных прорезей на матовом фоне. Можно произвести матирование фона при помощи разнообразных матиков. Фон каждого изделия прорабатывают матиками с одинаковой насечкой рабочей части. Самим же рабочим частям матиков, в целях повторения сложно изогнутых контуров изображения, придают различную форму.

 

6.8. Чернение

Очень древний и часто неотделимый от представления о гравировке и декоративной отделки ювелирных украшений из драгоценных металлов способ отделки это чернь. Она применяется уже тысячи лет. Изделия, покрытые чернью, обнаруживались на территории нашей страны при раскопках курганов Северного Приморья. Находки датируются VIII–V веками до н. э. Сущность этого процесса сводится к нанесению на необходимые части украшения легкоплавкого сплава черного цвета – непосредственно черни. Этим способом украшают изделия из золота, серебра и различных сплавов меди. Приготовление и нанесение черни – процесс очень кропотливый, но его результат воздает сторицей.

Для приготовления черни следует запастись графитовым тиглем с крышкой и следующими материалами: чистые серебро, медь и свинец, желтый порошок серы тонкого помола. В качестве флюса можно применять буру, хлористый аммоний или поташ с поваренной солью. Исходными веществами для приготовления черни служат сернистое серебро, сернистая медь и сернистый свинец. Их получают сплавлением чистых металлов с серным порошком в графитовых тиглях при температуре 300–400 °C. Для выхода одного килограмма черни необходимо сначала получить сплавлением сернистые соединения серебра, меди, свинца. Соблюдают следующие пропорции:

1) сернистое серебро: на 97,8 г чистого серебра – 20 г порошка серы;

2) сернистая медь: на 800 г чистой меди – 250 г порошка серы;

3) сернистый свинец: 837 г свинцовой стружки и 163 г серы.

На следующем этапе полученные отдельно сернистые соединения металлов измельчают в порошок, и смешивают в пропорции: 111,2 г сернистого серебра; 466,6 г сернистой меди; 422,2 г сернистого свинца, а затем засыпают в холодный графитовый тигель, покрывают слоем сухого древесного угля. Сплавление производят в разогретой от 650 до 800 °C муфельной печи. Через 30–40 минут после начала плавки в тигель добавляют флюс – 284 г хлористого аммония (нашатырь), после чего дальнейшую плавку продолжают, накрыв тигель крышкой. Когда состав полностью расплавится, его достают из печи и выливают в подогретую до 300 °C свинцовую посуду (изложницу), вместе с которой сплав медленно остывает. Готовая к применению считается чернь, измельченная в тонкий порошок.

Наносят чернь на тщательно подготовленную поверхность, т. е. с углубленным гравированным рисунком. Гравированный рисунок выполняется без глянца для лучшего сцепления черни с металлом, из которого изготовлено изделие. Глубина рисунка колеблется в пределах от 0,2 до 0,3 мм и зависит от размеров изделия и площади углубления. Поверхность изделия, которая не предназначена для покрытия чернью, полируется, она не должна содержать в себе рисок, царапин и других дефектов. Сама же подготовка заключается в шлифовке мельчайших неровностей тонкой шкуркой и смачивании поверхности водным раствором поташа, буры и поваренной соли. На влажную поверхность насыпают порошок черни и дают поверхности просохнуть. Окончательное закрепление черневого состава происходит в муфельной печи при температуре 300–400 °C.

Можно наносить чернь и мокрым способом. Такая чернь представляет собой пастообразную кашицу, разведенную раствором хлористого аммония, буры и поваренной соли. В этом случае чернь наносится кисточкой или шпателем, что заведомо удобней, при этом чернь попадает лишь в те места, где вы желаете ее иметь. Чтобы чернь ровнее легла на металл, поверхность углублений должна быть предварительно обезжирена. Углубления должны быть заполнены черневой массой до краев, причем массу слегка утрамбовывают шпателем, им же снимают и излишки черни. Затем фильтровальной бумагой или ватным тампоном удаляют излишки влаги из черни. Если чернь попала в ненадлежащее ей место, то ее аккуратно удаляют.

Далее следует предварительная просушка на печи, в результате которой из смеси выпаривается вода. Просушенные изделия помещают в печь и обжигают в тех же условиях, при 300–400 °C. Ход процесса, происходящего в печи, нужно внимательно контролировать, потому что при перекаливании имеющаяся в расплаве сера выгорает, и чернь становится пористой. Брак исправляют нанесением в дефектные места новой порции черни с последующим обжигом в печи.

Совершенно нормально, если расплав черни выйдет за рамки углублений на поверхность. Эти, вполне естественные, недостатки аккуратно зачищают шабером или опиливанием напильником до проявления рисунка. Для опиливания ювелирных украшений используются мелкие надфили или рифели. Чтобы не повредить контуры изображения, сразу после его вырисовывания грубую зачистку прекращают и дальнейшую шлифовку производят тонкой шкуркой. По замыслу, в конце фон можно либо отполировать, либо матировать матиком или чеканом-конфарником.

При желании гравированные изделия можно полностью или частично окрашивать в различные цвета. Участки металла, не предназначенные для окраски, покрывают плотным слоем лака. Например, если решено фон орнамента сделать темным, то покрывают лаком все части орнамента, за исключением фона. После окраски в специальном составе фон почернеет. А можно, наоборот, покрыть лаком фон, тогда окрасится сам орнамент. О том, как произвести окраску и патинирование, можно прочитать в главе «Чеканка» (см. параграф «Декоративная отделка металла»).

В заключении хочется отметить, что чернь, хотя и тесно ассоциируется с гравировкой, великолепно смотрится и в художественной отделке литых, чеканных, басменных и других изделий с рельефной поверхностью, а также в ювелирном деле.

 

7.1. Общие сведения

Монеты, медали нагрудные и медали юбилейные, камеи и некоторые ювелирные изделия, украшенные узорами металлическая посуда и оружие – вот далеко не полный перечень произведений граверно – медальерного искусства, с которыми нам приходится встречаться достаточно часто.

Граверно-медальерное искусство было любимым увлечением не только многих живописцев, скульпторов, но и людей весьма далеких профессий (даже одна из русских цариц в качестве своего рукоделия избрала медальерную резьбу).

Кстати, на художественно-графическом факультете Нижнетагильской Государственной социально-педагогической академии граверным и граверно-медальерным искусством с одинаковым успехом занимаются и юноши и девушки (см. рис. 7.1–7.3).

Рис. 7.1. Шкатулка. Сталь, гравирование, полировка, химическое воронение. Работа В. Шишкина. НТГСПА.

Рис. 7.2. Женское нагрудное украшение. Медь, гравирование, химическое тонирование. Работа Л. Хомяковой. НТГСПА.

Рис. 7.3. Декоративная тарелочка. Латунь, гравирование, химическое тонирование. Студенческая работа. НТГСПА.

В этой небольшой главе будет рассказано о некоторых секретах граверно-медальерного мастерства. Следует только заметить, что быстрых успехов добьется тот, кто уже умеет пользоваться слесарным, чеканным и гравировальным инструментом, кто знаком с работой на металлорежущем станке и гравировальном плоттере с программным управлением, и на пантографе. Создание некоторых предметов невозможно, например, без использования сверлильных и токарных станков. Без умения нарезать резьбу или, скажем, паять.

В граверном деле, как нигде, успех работы и ее трудоемкость зависят от безупречной подготовки инструмента и от знания законов резания. Поэтому именно на эти моменты в статье будет сделан наибольший упор.

Медаль (франц. medaille, от итал. medalia), металлический знак круглой, прямоугольной или другой формы, плоский, различного размера, с двусторонним изображением и (или) надписью в память о каком-либо событии, деятеле или месте. Большинство медалей из золота, серебра, бронзы.

Медали были известны в Древнем Риме, но общепринято, что искусство изготовления медалей началось в XIV–XV веках (Италия, Византия). Ее создателем является Антонио Пизано, или Пизанелло (1397–1455). Не являясь непосредственным изобретателем медали, он выдвинул ее как независимый вид искусства. Пизанелло, резко порвав с традицией, создал совершенно новое, своеобразное искусство, мало имеющее общего, как с монетами античности, так и с теми медалями, которые изготовлялись до него в Италии. Медаль Пизанелло не носит характера монеты. Изготовленная из бронзы или свинца, его медаль ценна исключительно своими художественными достоинствами. Крупные по размеру медали Пизанелло выполнены в технике литья с последующей доработкой штихелями, пуансонами и чеканами, что придает им особую выразительность. Медаль – отчеканенная или отлитая из металла миниатюрная художественная барельефная композиция. Лицевая сторона медали, на которой помещается портрет или главное изображение, называется аверсом, противоположная сторона, дополняющая содержание первой, – реверсом. Наиболее распространенная величина медали – от 60 до 80 мм – определяется размером ладони. Знатоки кладут медаль на ладонь и рассматривают тончайшую игру света на рельефе. По характеру содержания и технике исполнения к медалям близки плакеты или плакетки (в зависимости от размера), но в отличие от медалей они чаще имеют прямоугольную форму. Плакеты, как правило, имеют изображение только с одной стороны. Медаль как государственная или общественная награда вручается за особые заслуги, храбрость, значительные достижения в области науки, культуры, спорта, в память о юбилейных датах, об участии в каких-либо событиях.

Первые произведения русского медальерного искусства относятся к X–XI векам. В этот период русские резчики стали изготовлять штемпели для чеканки золотых и серебряных монет киевских князей. Работа над такими штемпелями требовала чисто медальерных композиционных задач. Учитывая опыт византийских резчиков, русские мастера разработали собственные монетные типы. Монетный тип «златчиков и сребрянников» X века складывался из портрета князя Владимира и изображения Христа-вседержателя, а монет XI века – из портрета князя и родового знака Рюриковичей. Эпиграфика киевских монет хорошо сочетается с изображениями. Что касается портретов, то они представляют собой наиболее оригинальные ранние памятники русской портретной иконографии.

Древние фальшивомонетчики, наносившие ущерб государственному денежному обращению, оказали определенную услугу историкам. Дело в том, что на монетных дворах после выпуска определенного количества монет все специальное оборудование уничтожалось, а фальшивомонетчики, естественно, долго хранили свои штемпели в тайниках. Обнаруженные много веков спустя подпольные монетные мастерские позволили получить более полное представление о технических приемах раннего монетного производства.

Наградные воинские медали своим рождением обязаны России. Их стали делать еще при Петре I, положив в основу старую русскую традицию жалования за ратные подвиги «золотыми». На протяжении нескольких десятилетий Россия была единственной страной, в которой произведения медальерного искусства служили массовыми воинскими наградами. Лишь ко времени наполеоновских войн примеру России последовали другие страны Европы.

В Российской империи существовали медали: «За Полтавскую победу» (1709), «За победу при Франкфурте-на-Одере» (1760), «За победу над шведами на водах финских» (1789), «На заключение мира с Швецией в 1790 г.» (1790), «За победу при Прейсиш-Эйлау» (1807), «За взятие Базарджика» (1810), «В память Отечественной войны 1812 г.» (1813) и т. д. (см. рис. 7.4, 7.5).

Рис. 7.4. Медаль «За Полтавскую баталию». 1709 г. Россия. Отдел нумизматики Эрмитажа.

Рис. 7.5. Константиновский рубль. 1825 г. Россия. Отдел нумизматики Эрмитажа.

Золотая медаль. «За особые успехи в учебе», вручается с 1992 выпускникам средних общеобразовательных школ и профессиональных учебных заведений Российской Федерации. Золотой медалью награждались выпускники русских гимназий (после 1820 г.) и средних школ СССР (после 1944 г.; положение о золотой медали и ее названия менялись). С 2009 года упразднены льготы на поступление в вузы выпускникам, получившим в школе золотую медаль за отличную учебу.

 

7.2. Металлы для изготовления знаков и ювелирных украшений

Золото – химический элемент – красивый желтый металл. Тяжелый, мягкий, пластичный, химически инертный. Применяется в основном в виде сплавов с другими металлами, что повышает его прочность и твердость. Используется для изготовления ювелирных изделий (в сплаве с медью) и в различных отраслях промышленности (в сплавах с серебром, платиной). Золото является всеобщим эквивалентом стоимости.

Серебро – химический элемент – сверкающий белый металл, обладает наибольшей среди металлов электрической и тепловой проводимостью, отражающей способностью, высокой химической стойкостью. В природе встречается в виде самородков и соединений («серебряный блеск», хлораргирит). Применяется в виде сплавов. Используется для изготовления ювелирных изделий и в электронной промышленности.

Мельхиор – (от нем. Melchior искаженное французское название mail-lechort, от имени изобретателей сплава – Майо и Шорье) является сплавом меди с никелем (5–30 %), иногда с добавками железа (0.8 %) и марганца (1 %). Мельхиор отличается высокой коррозионной стойкостью, хорошо обрабатывается давлением в холодном и горячем состоянии. Применяется в промышленности для изготовления точных приборов, а также для ювелирных изделий.

Латунь – (от нем. Latun) сплав меди с цинком (до 50 %), часто с добавками алюминия, железа, марганца, никеля, свинца и др. элементов (в сумме до 10 %). Латунь хорошо обрабатывается давлением, характеризуется достаточной прочностью, высокой пластичностью и стойкостью к коррозии.

Бронза – (от франц. Bronze, итал. bronzo) – сплав на основе меди, в котором главными добавками являются олово, алюминий, бериллий, кремний, свинец, хром (кроме цинка – латунь и никеля куниаль, мельхиор, нейзильбер). В зависимости от преобладающей добавки бронзы бывают соответственно оловянные, алюминиевые, бериллиевые и т. и. Бронзы обладают высокой прочностью, пластичностью антикоррозионной стойкостью, применяются для отливки художественных и ювелирных изделий.

Нейзильбер – (от нем. neusilber – «новое серебро») сплав меди с 5–35 % никеля и 13–45 % цинка. Характеризуется коррозионной устойчивостью, повышенной прочностью и упругостью после деформации, удовлетворительной пластичностью в горячем и холодном состоянии. Применяется в промышленности для изготовления деталей точных приборов, медицинских инструментов, паровой и водяной арматуры, а также ювелирных изделий.

Томпак – (от франц. Тошрас, от малайского – tambaga – медь) – латунь содержащая 3–12 % цинка (остальное – медь). Обладает высокой коррозионной стойкостью. Применяется для изготовления биметалла – сталь-латунь, деталей конденсационно – холодильного оборудования, а также ювелирных изделий.

Штамповка – один из способов обработки металлов давлением, основанный на их пластичности, т. е. свойстве изменять свою исходную форму под действием приложенных сил (давления). Основное отличие штамповки от других видов обработки металлов давлением (прокатки, прессования, волочения, ковки) – необходимость использования специального инструмента – штампа. В зависимости от температуры обрабатываемой детали штамповка может быть горячей и холодной. Различают несколько видов штамповки (ковка в штампах (горячая), холодная объемная штамповка, листовая штамповка) отличающихся по применяемому оборудованию и способу обработки заготовки.

Чеканка – способ выполнения фигурного рельефа на поверхности детали с помощью местной деформации основного металла детали путем воздействия специального инструмента. После чеканки поверхность детали полностью повторяет поверхность инструмента. Различают чеканку как один из способов штамповки в чеканочном штампе и чеканку с помощью набора специального ручного инструмента – чеканов.

Литье – способ получения изделий из различных материалов путем затвердевания расплавленного материала в специальной форме. Используют различные виды литья – в разные формы (металлические, песчаные); литья под давлением и др.

 

7.3. Методы механической и ручной обработки изготовления знаков и ювелирных украшений

Гравирование – способ механической обработки резанием предназначенный для получения точного, мелкого, объемного рисунка на изделии. Применяется в основном в художественных работах.

Шлифовка – механическая обработа поверхности для устранения следов обработки режущим инструментом и для получения зеркального блеска. На знаках применяется для создания зеркальной поверхности как эмалей так и металлических частей.

 

7.4. Инструменты и материалы

Прежде всего, несколько слов о рабочем месте. Резать можно за любым столом, лишь бы он был достаточно прочен, но лучше воспользоваться конструкцией, предложенной в главе «Гравирование». Очень важно подобрать правильное освещение: мягкий свет – естественный или искусственный – должен падать спереди. Резкий свет, отраженный от металла, быстро утомляет зрение, глубокие черные тени на рельефе мешают работать.

Главным инструментом гравера, как вы уже знаете, является штихель. Они такие же, как для плоскостного и обронного гравирования. Штихеля применяют как для «обирания» фона (например, в декоративных блюдах), так и для «лепки» формы в медальерных барельефных композициях. Под медальерные штихеля для удобства подкладывают небольшую латунную пластину, позволяющую работать штихелем наподобие рычага.

Чтобы облегчить и ускорить выборку большого количества металла, пользуются зубильцами. Если же отдельные мелкие элементы композиции трудно вырезать на необходимую глубину штихелями и зубильцами, используют фигурные пуансоны. По ним ударяют молотком и осаживают металл. Наиболее ходовые пуансоны имеют квадратное сечение 6×6 мм и длину около 75 мм. В зависимости бойку пуансона придают соответствующую форму.

Металл для гравирования. Пластинки для мелких работ можно приготовить из листовой латуни, меди, мельхиора, не прибегая на первых порах к драгоценным металлам. Размер их примерно 60×100 мм, толщина от 0,8 до 3 мм.

Выровненные пластинки крепят на деревянные бруски несколько большего размера – так будет удобнее работать. Их набивают гвоздиками или ставят на расплавленный сургуч. Отверстия под гвозди зенкуют, чтобы шляпки не выступали над поверхностью пластинки. Пластинки шлифуют среднезернистой шкуркой с маслом и тщательно протирают. Перед тем как нанести карандашный или переводной рисунок, поверхность металла покрывают тонким слоем белой акварели, темперы или гуаши.

 

7.5. Первая проба резца

Начальные работы должны быть, естественно, не слишком сложными. И все-таки с первых шагов нужно учиться резать не только прямые линии, но и кривые и окружности. С учетом этого пожелания выбираются подходящие рисунки. Проще начать, пожалуй, с орнаментов, содержащих завитки, розетки, круги.

Рисунки и орнаментальные композиции, предварительно отработанные на бумаге, переводят на загрунтованную поверхность металла с помощью копировальной бумаги. Затем контуры рисунка прорезаются на металле тонким шпицштихелем.

Вначале берутся за маленькие круги, изменяя направление движения резца (по часовой стрелке и против) с переходом на каждый новый круг. Гравирование кривых линий позволяет отрабатывать целый комплекс профессиональных движений: кисть правой руки продвигает штихель вперед, левая рука удерживает и поворачивает пластинку навстречу резцу, большой палец правой руки направляет движение резца.

Штихель берется в правую руку так, чтобы его ручка упиралась в ладонь, а большой и указательный пальцы крепко охватывали резец в 15–20 мм от носка. Остальные пальцы поддерживают клинок и ручку штихеля сбоку и несколько снизу. Не нужно зажимать резец мертвой хваткой. Его держат цепко, но чутко, стараясь ощутить кистью малейшие изменения в положении резца по мере следования за узорами. Особенно чутко надо ощущать движение резца при выходе его из металла на поверхность. Не надо стремиться первое время любой ценой удержать штихель от срыва. Первейшая и главная задача начинающего резчика – научиться понимать и чувствовать металл через резец.

С учетом высказанных пожеланий начнем первое практическое занятие. Удобно расставив локти на столешнице, указательным и средним пальцами левой руки придерживаем брусок с металлической пластинкой. Пальцы располагаем так, чтобы большой палец правой руки упирался в кончик указательного пальца левой, а носок штихеля проходил бы между расставленными пальцами. Такой прием помогает начинающему граверу удерживать штихель от соскальзывания, а на случай срыва резца предохраняет от ранения левую руку. Штихель вводим на нужную глубину в металл, под углом 40° к плоскости, и быстро опустив инструмент вниз до угла в 5-10° (до величины угла отрыва), начинаем гравирование. Чтобы не уставала рука, и не терялся контроль над резцом, за один заход вначале режут штрихи не более 3 мм длиной. Периодически нужно делать разминку пальцев и проверять остроту резца.

Овладев в определенной мере приемами резьбы, можно создать какую-нибудь вещь, украсив ее гравировкой. Для начала, например, сделать тарелочку или пепельницу из латуни или меди. Композицию рисунка можно позаимствовать из книг или, что, конечно, лучше, но труднее, сделать самостоятельно. Зарисовав, например, какие-нибудь местные достопримечательности. При разработке собственных композиций можно отталкиваться и от смежных искусств – прорезной резьбы по бересте, хохломской росписи, брать за основу памятники декоративно-прикладного искусства.

Узор гравируют прежде на плоской пластине, а форму с загнутыми краями придают позже, по окончании гравирования. Круглую пластину многократно несильными ударами киянки простукивают по периметру на деревянном березовом чурбачке со скругленными краями.

Даже простая форма и несложный узор благодаря богатым декоративным свойствам металла могут быть очень интересными. Если же красоту металла подчеркнуть дополнительной обработкой, например, полированием, химическим тонированием, воронением и другими приемами, то впечатление еще более усилится (см. рис. 7.1–7.4).

Для нанесения рисунка на некоторые изделия применяют способ накатки с помощью стального колесика, на котором выгравировано изображение. Заготовку вращают, и при соприкосновении с ней изображение переходит по окружности на изделие.

Гравирование лазерным лучом. Этот вид гравюры вжигается в металл лазерным лучом после сканирования и цифровой обработки рисунка (см. описание выше). Лазер управляется компьютером.

 

7.6. Защитно-декоративные покрытия

Посеребрение (серебрение) – нанесение серебряных покрытий (обычно гальваническим способом) толщиной от долей микрон до нескольких микрон на изделия для защиты от коррозии, повышения отражательной способности и декоративных целей. Для лучшего сцепления серебра с основным металлом (медь и латунь) производится амальгамирование путем погружения деталей в раствор азотнокислой закиси ртути и азотной кислоты или цианистой ртути и цианистого калия. Помните! Цианистый калий очень опасный и смертельный для жизни яд!!!

Позолота – покрытие изделий тонким слоем золота (обычно гальваническим способом) толщиной от долей микрон до нескольких микрон для защиты от коррозии, повышения отражательной способности и декоративных целей.

Золочение – покрытие изделий веществами, имитирующими золото. Например, для золочения латуни используют погружение предварительно обезжиренной детали в раствор бисульфита натрия. Затем после промывки в чистой воде деталь выдерживают в растворе уксуснокислой меди, подогретой до 36–40 °C. В зависимости от времени выдержки латунная деталь окрашивается от светло-золотистого цвета до цвета червонного золота и даже красновато-фиолетового оттенка. После окрашивания деталь промывают водой и сушат на воздухе.

Патинирование – (от патина – окисная пленка, образующаяся в результате окисления на поверхности деталей из меди, бронзы или латуни) процесс искусственного окрашивания поверхностей деталей из латуни, бронзы и меди (см. выше), в светлые или темные оттенки коричневого цвета.

Расчистка – частичное снятие защитно-декоративного покрытия с поверхности ювелирного изделия, подчеркивающее его рельеф и фактуру. Расчистка чаще всего производится с помощью мягкого полировального круга и абразивной пасты.

Горячие эмали – декоративное покрытие ювелирных изделий, основанное на бесцветном стекловидном расплаве кварца, соды, мела, карбоната магния и окиси свинца. Эмалирование производится в муфельной печи при температуре 600–800 °C. Окрашивание эмалей производится внесением специальных добавок-красителей (окислов металлов) при их приготовлении перед нанесением на деталь. Различают прозрачные и глухие эмали.

Холодные эмали – декоративные покрытия ювелирных изделий, основанные на применении промышленных лако-красочных материалов. Нанесение эмали на деталь и ее сушка производится при комнатной температуре.

Гравирование (травление) – называется способ воспроизведения, с помощью химических средств рисунков, орнаментов, надписей на поверхности металлических предметов. Травление производится двумя способами:

1) можно покрыть веществом, на которое действует протрава, все линии и поверхности рисунка;

2) можно, наоборот, защитить от действия кислот все промежутки, оставляя линии и поверхности рисунка свободными. Если затем покрыть всю поверхность кислотой, то в первом случае рисунок получится слегка рельефным, а во втором рисунок выйдет углубленным.

Художественное травление металла впервые стали применять средневековые оружейных дел мастера. Украшения на их изделиях не уступали тем, что выходили из-под рук искусных ювелиров. Травлением оружейники заменили один из трудоемких процессов – ручную гравировку, не утратив при этом художественных прежних качеств.

Издавна для декорирования изделий из металла применяли химическое травление в винном уксусе и органических кислотах. В России эту технику использовали мастера из Златоуста для нанесения орнамента на холодное оружие и домашнюю утварь (см. рис. 7.6).

Она позволяла воспроизводить изображение практически любой сложности. Однако получить глубокий рельеф без потери качества изображения не удавалось, поэтому применялась и резцовая гравировка.

Например, для железа и стали рекомендуется следующая смесь: 400 части воды, 2–3 капли азотной кислоты, 15 ч каломели (двухлористой ртути) и 1 ч виннокаменной кислоты.

Протравливаемый предмет опускают в глиняную глазированную кюветку (ванночку), в которую наливают соответствующий растворитель и т. д. (Различные составы травления металлов можно при желании найти в специальной литературе). Применяется в гравировании и фототравление металла, например московской фирмой «Дамаск».

Рис. 7.6. Старинный пистолет и пороховница. Гравирование, травление. Златоустовский оружейный завод. XVII в.

 

Гравюра (франц. gravure), вид графики, в котором изображение является печатным оттиском рельефного рисунка, нанесенного на доску гравером. Оттиски также называют гравюрами. В Европе возникла на рубеже XIV–XV веков. Различают гравюру выпуклую, когда краска покрывает поверхность выпуклого рисунка [как правило, это гравюра на дереве (ксилография) или на линолеуме (линогравюра)], и углубленную, когда краска заполняет углубления (преимущественно гравюра на металле: акватинта, меццо-тинто, мягкий лак, офорт, пунктирная манера, резцовая гравюра, сухая игла и т. д.). Наряду со станковыми гравюрами (эстампами) распространена книжная гравюра: иллюстрации, заставки и т. д. (см. рис. 8.1, 8.2).

Многие книги выходят с рисунками. В особенности издания по естественно-историческим наукам нуждаются в иллюстрациях. Перо естествоиспытателя тут должно идти рука об руку с карандашом художника. Некоторые учебные руководства, предназначенные для юношества, немыслимы без чертежей и рисунков. Таковы, например, учебники – по геометрии, физике, зоологии и пр. Влияние иллюстраций для наглядной популяризации идей выше, чем влияние живописи.

Рис. 8.1. Альбрехт Дюрер. «Самсон убивает льва». Офорт на железной пластинке. 1496–1497 гг. Музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина.

Рис. 8.2. И. И. Нивинский. Река Яуза. Офорт. 1920-е годы.

Применение светописи к гравированию представляет одно из любопытных усовершенствований в области графических искусств. Оно заключается в том, что фотографический негатив механическим способом, благодаря светописи, переводят на гравировальную доску гравера или из кости заготовку. Это делается так. Для резьбы обычно употребляется пальмовое дерево как наиболее твердое и удобное для гравирования. Фотографический негатив можно иметь с какого угодно предмета или явления природы. Получив негатив, гравер переводит его на пальмовую доску. Предварительно пальмовая доска покрывается (окрашивается) цинковыми белилами. Когда они высыхают, их сверху покрывают раствором серебра. Теперь на эту доску кладут фотографический негатив и выставляют на свет от 15 минут до часа. В это время работает свет: он переводит негатив на доску гравера. Этот процесс передачи рисунка можно считать одним из чудеснейших явлений в природе. Итак, солнечный свет с поразительным искусством и точностью на пальмовой доске нарисовал, допустим, портреты Альбрехта Дюрера или Иоганна Гутенберга. Имея превосходное изображение гениального изобретателя, гравер гравирует их, то есть режет на дереве, выражаясь их техническим языком. Чтобы сохранить для читателей черты оригинала, граверу остается рабски копировать подлинник.

Искусство гравирования основано на той закономерности, что чем толще черные штрихи и чаще расположены, тем сильнее они обозначают отсутствие света, то есть тень, и наоборот, чем тоньше штрихи и реже расположены, тем ярче обозначают световые места. Искусно комбинируя штрихами, гравер обозначает на рисунке все градации света и тени и достигает таким образом рельефного изображения, в данном случае портрета. Работа гравера – одна из самых кропотливых и усидчивых. Про него можно сказать, что сколько он просидит, столько и награвирует. Иногда работу целого дня можно прикрыть кончиком пальца. Войдите в мастерскую гравера, особенно вечером, когда он работает при электрическом освещении. Вы увидите следующую картину. За рабочим столом, где лежат разные гравировальные инструменты, сидит гравер, согнувшись и наклонив голову над деревянной пальмовой дощечкой, клише. Не отрывая от нее глаз, он режет то одним, то другим штихелем. Возле гравера, за особыми столами, работают и его, например, унцукульские ученики. Перед электролампой на подставке стоит стеклянный шар, наполненный водою. Лучи света благодаря этому шару концентрируются на определенной точке, смотря по желанию гравера. Закручивая винт у подставки, гравер может приподнять или опустить стеклянный шар и направить свет прямо на рисунок – на пальмовую или из дикой яблони доску. В результате получается ослепительный пучок света, так что становятся видны мельчайшие детали рисунка. Гравер надевает на глаза зеленый зонтик, наглазник, который предохраняет зрение (см. рис. 6.32). Для гравирования употребляются штихеля – разной формы и толщины, по номерам, начиная с 1-го и кончая 20-м и даже больше. Чтобы иметь понятие о штихеле, представьте себе перочинный ножик, который имеет косой срез в сторону, наружу. Штихелем проводят на дереве черту – сверху вниз, при этом штихель работает точно соха: на дереве получается углубленная борозда. Штихель проводит борозду самую тонкую, тоньше человеческого волоса. Чем выше номер штихеля, тем он толще режет. В старину работали перочинным ножом.

Английский гравер Бэуик первый ввел для гравирования грабштихель, который гораздо практичнее ножа: в то время как там борозда вырезается в два приема руки, штихель режет ее в один прием. Этот же гравер стал выпиливать доски для гравирования не вдоль ствола, как было прежде, а поперек, потому что сопротивление дерева, распиленного поперек, по всем направлениям одинаково. Напротив, если дерево распилено вдоль ствола, тогда сопротивление при гравировании получается разное: слабое – вдоль волокон и сильное – поперек волокон. Кроме того, при поперечной распилке каждая точка на поверхности доски «сидит» крепче, нежели при продольной распиловке, потому что древесные волокна находятся глубоко в дереве и тянутся сверху вниз, тогда как при продольной распиловке гравирование происходит только на верхнем слое волокон, которые легко отстают и отпадают. При поперечной распиловке основание каждой точки на поверхности доски коренится глубоко в дереве, а при продольной – оно лежит почти на самой поверхности доски. В том месте портрета, где показана тень, гравер проводит соответствующие тонкие параллельные бороздки – получаются (при тиснении) толстые жирные штрихи; наоборот, в световых частях портрета проводит широкие близко стоящие друг к другу борозды – получаются (при тиснении) тонкие штрихи. Кропотливо вырезав весь портрет, гравер срезает поля, и клише готово. Если клише при помощи особого валика смазать типографской краской, то эта последняя покроет только выпуклые рельефные места, тогда как борозды будут не покрыты: туда краска не проникнет. Теперь стоит только на клише положить лист белой бумаги и тиснуть, чтобы получить портрет или какой-нибудь другой награвированный рисунок. Деревянное клише при печатании скоро портится. Чтобы его увековечить, с дерева клише переводят на медь – при помощи гальванопластики.

Офорт – графическая техника глубокой печати. Материалом для создания авторской печатной формы служит металл (главным образом медь и цинк). Eau forte – в буквальном переводе с французского – крепкая водка; так раньше называлась азотная кислота, употребляемая для травления металла. В данном случае наименование техники дала травящая жидкость.

В старых и современных руководствах и пособиях по офорту нет единого и исчерпывающего определения офорта как графической техники. В большинстве случаев к офорту относится углубленная гравюра на металле, выполненная способом травления. Сюда обыкновенно причисляются все разновидности гравюры на металле, связанные с травлением. В самых старых руководствах офортом называется лишь манера травленого штриха.

Все другие разновидности углубленной гравюры на металле подробно описываются в пособиях по офорту, но как бы выделяются в особую группу: их не относят к манерам техники офорта и не всегда считают самостоятельными техниками.

Приведенные выше определения техники офорта следует считать ограниченными, устаревшими, не соответствующими современному состоянию и задачам искусства офорта; нет никакой надобности сохранять их, они лишь вносят путаницу в теорию и практику графики. Назрела необходимость более современного, четкого, более исчерпывающего определения офорта как графической техники.

Но следует предостеречь начинающих офортистов от недооценки, способов гравирования, которые придают различный облик углубленной гравюре на металле и в конечном счете определяют его манеры. Уместно напомнить, что травленый штрих издавна дополнялся сухой иглой, а некоторые старые манеры (например, карандашная) всегда соединяли в себе приемы травления и механического гравирования. И, конечно, не случайно в литературе по гравюре на металле появились термины: механические манеры (сухая игла, меццо-тинто), химические манеры (офорт, мягкий лак, акватинта и др.) и, наконец, комбинированные манеры (карандашная, пунктирная).

Современный художник, конечно, сочтет анахронизмом искусственное, насильственное изъятие сухой иглы из арсенала средств офорта. И, разумеется, не исключено появление в нашей графике не только новых манер в известных нам техниках, но также появление новых графических техник.

Подводя итоги сказанному, следует констатировать, что в творческой практике и теории параллельно существуют два определения техники офорта.

По старому определению офорт – это углубленная гравюра на металле, выполненная способом травления.

Сюда включаются манеры: травленый штрих, мягкий лак, акватинта, лавис, резерваж., а иногда и карандашная манера. Такое определение чаше всего встречается в научно-исследовательской, музейной работе, в искусствоведении. В данном случае другие способы гравирования по металлу носят название: резцовая гравюра, гравюра сухой иглой, гравюра способом (манерой) меццо-тинто и т. д.

Новым, более современным и расширенным является определение офорта как углубленной гравюры на металле. Включающей в себя манеры, связанные с травлением, а также ряд механических манер.

Здесь офорт понимается как техника, объединяющая все известные в современной графике химические, механические и комбинированные манеры гравирования на металле (например, с применением лазерного луча), за исключением резцовой гравюры, являющейся самостоятельной техникой. Такое толкование, более правильно отражающее состояние и задачи искусства офорта, прочно входит в нашу жизнь.

Термин «офорт» применим только к гравюре на металле, а встречающееся у нас иногда выражение «офорт на картоне» – неграмотно; следует говорить: «гравюра на картоне», «гравюра на оргстекле» и т. д.

Напомним, что основная манера техники офорта также носит наименование «офорт» (или травленый штрих).

Интересно отметить, Петр I был не только плотником, кузнецом, литейщиком и т. д., но будучи в Амстердаме в 1698 году, выполнил несколько офортов в мастерской гравера Шхонебека. Придавая гравированию большое значение, Петр I издал специальный указ о развитии гравировального искусства и пригласил в Россию в качестве учителей голландцев Шхонебека и Пикара.

Гравюра на меди или металле отличается от гравюры на дереве манерой работы: гравюра на меди углублена в доску, так что каждая точка представляет углубление, каждый штрих – бороздку, гравюра на дереве рельефно возвышается на доске. Гравирование на меди идет очень медленно: иногда хорошая большая гравюра поглощает собою десятки лет упорного кропотливого труда. И не один гравер ослеп за гравюрой на меди. Такая гравюра отличается чистотою и изяществом рисунка.

В XVIII веке в русской гравюре все еще сохраняется преобладание резца. Выдающимися граверами того времени были братья Зубовы. Младший из братьев – Алексей исполнил резцом и офортом 114 гравюр, главным образом собственного сочинения. Хорошим гравером был поэт и художник Т. Г. Шевченко. В середине XVIII века центром гравирования становится «Грыдывальный департамент» при Академии наук. Впоследствии художественные классы Академии наук были преобразованы в Академию художеств, в которой в свою очередь были созданы гравировальные классы.

Из русских граверов на дереве европейскую славу снискал себе Серяков. С 1847 года Серяков стал посещать классы Академии художеств. Через пять лет ему разрешили держать испытания для получения звания свободного художника по гравированию на дереве. Это была гравюра с этюда Рембрандта – «Голова старика». Затем Серяков работал в Париже и, вернувшись в Россию, получил звание гравера-академика. То, что рука гравера вырезает на дереве, можно получить с помощью цинкографии, химическим путем. Вместо пальмовой доски берется цинковая пластинка, и на нее переводится рисунок. Как известно, рисунок на цинке вытравляется азотной кислотой; после нескольких вытравливаний он становится выпуклым, рельефным.

Новым стимулом для развития офорта в России была организация в 1871 году «Общества русских аквафортистов».

Группа передовых художников объединилась, чтобы средствами художественной печати широко распространять и популяризировать произведения искусства. Деятельное участие в выпуске альбомов гравюр приняли Крамской, Ге, Мясоедов, Савицкий, М. Клодт, Шишкин и другие. Общество выпустило в свет пять альбомов, но после распалось, так как многих художников не могло удовлетворить только лишь воспроизведение в офорте своих живописных работ.

Знаменательным событием была организация в 1894 году графической мастерской в Академии художеств, руководителем которой стал В. В. Матеэ – отличный мастер, подлинный патриот гравюры и замечательный педагог. Большая заслуга Матэ состоит также в том, что он увлек искусством офорта Серова, создавшего лучшие в русском искусстве гравюры. Среди многочисленных учеников Матэ выделяются: Пятигорский, Беляшин, Быстренин и другие. В начале XX века видная роль в искусстве офорта также принадлежит С. Иванову, Шиллинговскому, Кругликовой, Нивинскому, Масютину, Доброву и другим.

Многие из этих мастеров, а также некоторые ученики Матэ внесли большой вклад в развитие советского изобразительного искусства. Следует особо отметить большую роль смелого и вдумчивого мастера офорта Нивинского, творческое наследие которого до сих пор недостаточно оценено. Велика заслуга в развитии советского офорта замечательного мастера и крупного теоретика Г. Верейского.

Впрочем, современные известные граверы своими тщательными работами гравюру на дереве настолько приблизили к гравюре на меди, что иногда трудно бывает отличить одну от другой.

Но особенно заметным стал подъем искусства офорта у нас в стране в послевоенный период. Офорт почти окончательно освобождается от репродукционных тенденций, широко целеустремленно проводятся эксперименты, восстанавливаются старые и вводятся новые манеры и приемы работы, на современной основе оборудуются мастерские. Характерным становится распространение из традиционных центров по всем республикам и множеству городов страны.

В ряды офортистов вливаются выпускники созданных в художественных и педагогических институтах графических факультетов. Общий подъем искусства офорта был убедительно отражен на первой Всесоюзной выставке офорта в 1959 году и на последующих всесоюзных и республиканских выставках эстампа.

Заключая краткий исторический обзор, следует остановиться на важном моменте искусства офорта.

Никогда еще не создавалось таких благоприятных условий для развития офорта, какие имеются в современном российском искусстве. Давно остались позади споры о пределах форматов и технических возможностей офорта, отметены несостоятельные утверждения об узости и ограниченности техники. Появились компьютеры, гравировальные плоттеры (см. выше), различные программы CD систем и т. д., которые являются незаменимыми помощниками в создании гравюры и офорта на металле. Следует все же подчеркнуть, что машина никогда не заменит творчество художника-графика!

Наши офортисты на практике доказали, какие разнообразные и гибкие средства имеются для создания самых миниатюрных и «камерных» офортов и самых больших и монументальных.

В гравюре и офорте чрезвычайно велика роль практической работы, личного опыта, эксперимента, в которых проверяются, закрепляются и пополняются сведения, почерпнутые из пособий и указаний руководителей. Но в конечном итоге все технические познания, все практические навыки должны быть подчинены творческим целям. Художественное мастерство состоит в единстве творческого и технического процессов, когда замысел произведения рождается с учетом определенной техники, а не приспосабливается к ней в ходе работы. Такое отношение к делу рождает высокое творческое напряжение художника, необходимые во всех без исключения стадиях работы над офортом.

Многочисленные и смелые поиски в технике офорта и гравюры обещают новые творческие находки.

 

8.1. Материалы, инструменты

Существует два типа гравюры: глубокая и высокая. При глубокой краска задерживается в углублениях, а с выпуклых частей доски ее удаляют. Для получения оттиска бумага увлажняется и на специальном станке прокатывается под большим давлением. Влажная бумага вдавливается в углубления доски и краска к ней прилипает. При работе над высокой гравюрой краска накатывается специальным валиком на выступающие части рельефа и печать производится при помощи пресса.

Работая над глубокой гравюрой, мастер углубляет, вынимает те места, которые на оттиске должны быть черными, а на высокой гравюре, наоборот, белыми.

Глубокая гравюра имеет следующие виды: гравюра (штихелем) резцом (рис. 8.3).

Рис. 8.3. Гравировальные штихели.

Рис. 8.4. Гравировальные иглы.

Гравюра иглой (сухая игла) рисунок 8.4; гравюра пунктиром; меццо-тинто, или черная гравюра; вытравная гравюра, или офорт.

Высокая гравюра подразделяется на обронную, гравюру на дереве (ксилография), продольную гравюру, торцовую, гравюру на линолеуме.

Виды глубокой гравюры. Гравюра является декоративным способом обработки металла. Способ этот не связан с моментами конструирования, формирования самого предмета. Гравюра обогащает его внешний вид и используется для обработки поверхности.

Начало гравюре резцом положено в XV веке во Флоренции. Величайшим мастером резцовой гравюры был Лука Лейденский, творивший в конце XV – начале XVI вв. Гравюру резцом лучше всего резать на медной, цинковой или стальной доске (так называют мастера металлические пластины). Со стальной доски можно сделать наибольшее количество оттисков. Выполненный на бумаге рисунок переносится через копировальную бумагу, предварительно покрытую тонким слоем кислотоупорного лака. Полученный рисунок обводится иглой, после чего мастер сразу приступает к его гравированию резцом или вытравливанию кислотами, чтобы сделать рисунок более четким.

Доску с процарапанным по лаку рисунком погружают на короткое время в азотную кислоту, которая растворяет металл в обнаженных иглой местах. Затем лак смывают, и на доске выступает хорошо заметный рисунок, гравировать по которому намного легче.

Если в гравировании были допущены ошибки, их исправляют следующим образом. При неправильно проведенном неглубоком штрихе, его заглаживают специальной гладилкой; если ошибочная линия прорезана глубоко, металл снимают специальным шабером. Полученную впадину выбивают с изнанки молотком, положив доску на плоскую гладкую наковальню.

Гравюра режется штихелями. Однако здесь применяется еще один вид штихелей – грабштихель, стержень которого имеет ромбовидное сечение (см. рис. 8.3). После соответствующей заточки им можно прорезать линии любой ширины, в зависимости от их глубины. Чем глубже прорезана линия, тем она шире. При выбирании стружки грабштихелем по сторонам остаются небольшие заусенцы, их удаляют шабером.

Гравюра иглой (сухая игла). Обработка доски в этом случае производится не резцом, а стальными или алмазными иглами, которые закрепляют в деревянные рукоятки (см. рис. 8.4). Работая иглой, гравер царапает поверхность доски. Штрих от иглы получается очень малой глубины. При этом металл не срезается, а перемещается. Выступающие по краям штриха заусенцы не снимают, так как именно они и придают своеобразие этой гравюре. При печатании, в рваном крае штриха и в заусенцах остается краска, которая сообщает линии на отпечатке особую мягкость и некоторую размытость. Число оттисков этой гравюре не превышает 30 штук, так как штрихи сглаживаются.

Метод гравюры пунктиром. Заключается в том, что рисунок гравируется не штрихом, комбинацией правильных точек, то более мелких, то крупных. Более мелкие и редкие точки дают на оттиске иллюзию света, а более крупные и сгущенные – тени. Переходы получаются мягкие, создающие приятное впечатление. Точки воспроизводятся путем выбивания острым специальным молоточком или пуансоном с различно заостренным рабочим концом – более острым или тупым. В результате точки по величине и глубине получаются неодинаковыми. Размещая их по поверхности рисунка, добиваются различной густоты тона. Иногда точки наносятся сквозь лак, что дает возможность смягчить резкость их контуров действием кислоты.

Меццо-тинто или черная манера. Этот вид изобретен в XVII веке. Для получения гравюры необходима шероховатая металлическая доска, дающая на отпечатке ровный черный цвет. Современный способ обработки шероховатой поверхности получается при натирании поверхности доски крупнозернистым кварцевым песком при помощи стеклянного куранта. Песок при вращательном движении куранта оставляет на доске мельчайшие риски и углубления, которые создают достаточно равномерную поверхность, хорошо удерживающую краску. Затем стальным специальным инструментом – гладким полированным планиром и острым трехгранным шабером – сглаживают, или выскабливают в большей или меньшей степени, шероховатость доски в тех местах, которые на оттиске должны быть светлее фона. Чем глаже пятно, тем меньше на нем задерживается краска и тем светлее она будет на эстампе. Таким образом, гравер работает над теми участками доски, которые должны стать белыми или светлыми, а черные у него уже есть в готовом виде. При черной манере гравер отправляется от черного к белому и работает только над высветлением тех или иных участков рисунка. Таким способом получают очень мягкие переходы тона и светотени.

Офорт, или вытравная гравюра. Офорт можно назвать гравюрой только условно, так как в процессе его изготовления гравирование как процесс отсутствует и рисунок на доске не режется резцом, а травится азотной кислотой. Обычно после травления гравер усиливает или подчеркивает отдельные штрихи и линии резцом или иглой.

Самый ранний из известных образцов офорта выполнен немецким мастером Дюрером в начале XV века. Ранние гравюры Дюрера выполнены на железных пластинах (см. рис. 8.1). Он первым начал применять в работе иглу. Величайшим офортистом был Рембрандт, творивший в XVII веке, и гениальный Гойя (XVII–XIX вв.)

Технология штрихового офорта заключается в следующем. Металлическую доску покрывают тонким слоем кислотоупорного лака. Затем на нее через копировальную бумагу переводят заранее подготовленный рисунок. Твердым карандашом обводят только основные контуры рисунка. Затем, сняв бумагу, по основным линиям выполняют стальной иглой весь рисунок.

Офортные иглы, вделанные в деревянные рукоятки, имеют различную толщину и степень заострения. Закончив нанесение рисунка, оборотную сторону и края доски покрывают тем же лаком и погружают в плоский сосуд с азотной кислотой, которая травит металл в обнаруженных от лака местах. Затем доску хорошо промывают и высушивают.

Рассматривая полученный рисунок, мастер закрывает лаком те линии и штрихи, которые в результате травления получили достаточную глубину и на оттиске должны быть самыми светлыми. Остальной рисунок, не закрытый лаком, подвергают повторному травлению, более глубокому. Операция повторяется несколько раз, пока на гравюре не получится целая градация штрихов различной глубины, в зависимости от продолжительности травления. Чем глубже вытравлена линия, тем чернее она получится на оттиске. Закончив травление, лак смывают керосином и делают пробный оттиск. Если на нем обнаруживают недостатки, их исправляют на доске последующим травлением, резцом или иглой.

Виды высокой обронной гравюры. Обронная гравюра применялась для изготовления различных книжных украшений – заставок, концовок и т. п. Изготовлялась она из латуни, меди, цинка, стали. К этому виду гравюры относят гравировку пуансонов, которые служат оригиналом для отливки типографского шрифта. Это очень трудоемкий и ответственный процесс, требующий навыка и высокого мастерства. Заготовка пуансонов представляет собой стальной стержень квадратного сечения, на торце которого гравируется в зеркальном изображении литера, знак или цифра. Рисунок наносится иглой посредством специального прибора – калибра, который дает возможность прочерчивать вертикальные, горизонтальные и наклонные линии под определенным углом и точным расстоянием между ними.

Для работы гравер применяет достаточно большой набор инструментов: надфили, рифлевки, пуансоны, зеки, и др. Главным инструментом является штихель. Законченный пуансон закаливают и в специальном прессе отжимают медную матрицу, которая затем служит формой для отливки шрифта.

Гравюра на дереве (ксилография). Гравюры на дереве бывают продольными, когда слои дерева лежат в плоскости доски, и торцевыми, когда слои дерева расположены перпендикулярно к обрабатываемой поверхности.

Продольная гравюра является древней техникой, берущей начало в XV веке. Для продольных гравюр применяют доски с маловыраженной слоистостью, например, древесину груши, яблони, сливы, березы, липы. Доску подготавливают столярным способом. Толщина ее после обработки доводится до 20–25 мм, т. е. до высоты типографского шрифта, для удобства использования ее при печати – печатается она вместе с текстом.

Рисунок переводят на бумагу обычным способом, через копировальную бумагу или рисуют от руки. Для удобства резьбы всю доску иногда покрывают разведенной тушью – на темном фоне лучше виден вырез рисунка. Иногда сложный рисунок выполняют на тонкой бумаге и наклеивают на доску клейстером. Режут рисунок в этом случае вместе с бумагой.

Для производства продольных гравюр в качестве инструмента применяют специальные ножи с различными профилями режущей части, а также полукруглые стамески. След от стамески по форме получается такой же, как и от болштихеля, а стружка, вырезанная ножом, имеет треугольное сечение.

При резьбе продольных гравюр режущий инструмент двигается в различных направлениях относительно слоев древесины – то вдоль, то поперек. Он встречает разное сопротивление, затрудняющее проведение плавных линий в соответствии с рисунком. Кроме того, и сама линия в различных частях имеет неодинаковую прочность при печати. Главным образом это относится к тонким линиям, которые быстро сминаются, а линии, проведенные поперек слоев, – выкрашиваются.

Торцовая гравюра, применяющаяся с XVIII века, не имеет тех недостатков, которые свойственны продольной гравюре. Она режется во всех направлениях одинаково, благодаря чему линии получаются равномерными, не выкрашиваются и выдерживают довольно большое давление при печати. Торцовая гравюра режется штихелем тех же типов, что и металлическая, только угол его заточки делается острее. Для предохранения штрихов на поверхность доски под штихель кладут деревянную подкладку, которая служит опорой для выемки стружки. При работе доску удерживают указательным и средним пальцем левой руки.

Для торцевой гравюры употребляют твердую плотную древесину, например, самшит. Чурки самшита распиливают на кружки толщиной 30 мм и хорошо просушивают. Затем они опиливаются в прямоугольную форму. Для работы используются куски без сучков и косых слоев, хорошо заметных на срезе по своей светлой, как бы атласной, окраске. Косые слои при резьбе выкрашиваются или мочалятся. Отдельные прямоугольные куски склеиваются столярным клеем или клеем ПВА в доски необходимого размера, хорошо обтачиваются и шлифуются с обеих сторон. Небольшие сучки и другие дефекты высверливают и в отверстия загоняют пробки из хорошего самшита. Так же исправляют ошибки при резьбе. Чтобы доски не коробились и не растрескивались, их скрепляют болтами, пропущенными в толще доски, или стальными трубками 6 мм в диаметре. Трубки загоняют в ряд параллельных отверстий. Грунт под рисунок делают из сухих белил, растертых на яичном белке с добавлением квасцов.

Гравюра на линолеуме. Материалом для этой гравюры служит линолеум толщиной около 3 мм. Поверхность линолеума тщательно шлифуется пемзой с водой. Рисунок переводится обычным способом, через копировальную бумагу или наносится от руки. Подготовленный кусок линолеума прибивается или приклеивается на доску, чтобы при работе не прогибался. Режут его узкими полукруглыми стамесками с U-образным или V-образным профилем, вырезая и углубляя те места, которые должны быть на оттиске белыми.

 

8.2. Технология изготовления

Затачивание резцов и игл. Научиться умело точить инструмент – это одно из условий успеха в этом сложном и интересном искусстве. Точат только режущую, переднюю часть инструмента. Боковые плоскости резца не точат. Вначале точат инструмент на мелкозернистом точильном камне; на мягких камнях заточку ведут с водой, на твердых – с деревянным маслом, смешанным пополам с керосином.

Штихель ставят режущей плоскостью на поверхность бруска и затачивают равномерными движениями вперед и назад. Нельзя сваливать инструмент в стороны во время затачивания, особенно надо следить за тем, чтобы не заминалось и не крошилось острие резца.

Заканчивают заточку на оселках, на куске толстой гладкой кожи, смазанной шлифовальной пастой. Иглы затачивают на крупнозернистом бруске с чистым керосином, затем на мелкозернистом точильном камне с водой. Для окончательной заточки иглы используют тонкую наждачную бумагу.

Перевод рисунка на гравированную доску. Рисунок переводят в зависимости от характера рисунка круглой или граненой иглой. Иногда наносят рисунок без предварительного перевода, в этом случае рисунок приобретает особую выразительность, связанную со свободным и непринужденным исполнением. Рисовать иглой прямо на доске сложно, нужно иметь для этого большой опыт и мастерство, молодому любителю этого искусства не обойтись без перевода на доску готового рисунка.

Рисунок-оригинал, выполненный в размер гравировальной доски, помещают на гладкую доску и накладывают сверху лист кальки, закрепив кнопками. Взяв перо и тушь, копируют основные контуры рисунка. Затем одну из сторон кальки натирают мягким графитом, накладывают на печатную форму, прикрепив кальку к медной доске кусочками воска, и переводят, не слишком сильно надавливая карандашом или тупой гравировальной иглой, следя за тем, чтобы не было пропусков; на доске остается след в виде небольшого углубления. Рисунок-оригинал сохраняют для дальнейшей работы.

Гравирование.

Переведенный на грунт рисунок несколько углубляют таким образом, чтобы игла затронула поверхность металла. Затем грунт (лак) удаляют с доски. Для этого доску смачивают керосином или скипидаром и мягкой щеткой или тряпкой удаляют грунт. Доску, очищенную от грунта, чистят древесными опилками и смахивают их щеткой, после чего доску еще раз промывают ацетоном. Таким образом, подготовленная доска готова к дальнейшему гравированию.

Положив доску на кожаную подушку и придерживая ее левой рукой, приступают к гравированию. Чтобы преодолеть естественную на первых порах робость и некоторую скованность, необходимо поработать некоторое время на пробных досках, выполнить несколько простых упражнений на загрунтованных обрезках металла, используя при гравировании различные резцы и нанося линии и штрихи в самых различных вариантах.

Для начала работы необходимо знать, что закругленные линии легче гравировать резцами квадратного сечения, а прямые – более сплюснутыми, треугольными или ромбическими. Овальные и полукруглые резцы удобны для углубления штрихов и гравирования прямых линий. Резцами с узким лезвием режут более глубокие линии, а резцами квадратного и полукруглого сечения – более мелкие, по ширине и т. д.

Для гравирования самых тонких и паутинных линий в резцовой гравюре применяют очень острые и тонкие иглы, не оставляющие заусенцев. Вообще же для гравюры резцом более типичны относительно мелкие штрихи. Богатый тональный диапазон достигается не столько глубиной порезки, сколько за счет использования резцов различного сечения.

Короткими штрихами можно достичь очень тонкой моделировки формы изображаемого предмета, передачи фактуры разнообразных материалов. Большой выразительности можно добиться, применяя только контурную линию или пунктирную штриховку.

Во время гравирования штихель кладут на стол, взяв из ящичка для хранения штихелей и игл, и берут его всеми пальцами, придерживая ручку крепко мизинцем, а клинок лежит между средним, указательным и большим пальцем, смотри, например, рисунки: 6.26, позиция 2; 6.36, позиции 3, 4, 5. При резьбе большой палец лежит крепко на доске, кисть движется и нажимает на ручку. Режут короткими движениями вперед, передвигая после движения резца и большой палец, который служит опорой на доске и не дает резцу срываться. Резец следует держать в максимально пологом положении по отношении к плоскости доски и вести его так, чтобы пальцы слегка скользили по доске.

При гравировании закругленных линий левой рукой поворачивают доску навстречу хода резца. Если во время гравирования по краям штрихов образуются заусенцы, их следует обязательно удалить четырехгранным шабером.

Во время гравирования чаще всего встречаются помехи двух видов: либо резец срывается с поверхности доски, выскакивает из штриха, либо, наоборот, зарывается вглубь на столько, что иногда обламывается его конец. Это объясняется неправильным положением резца в ручке или слишком тупым или острым углом заточки резца.

Набивание доски краской.

Готовую краску для оттиска наносят на доску круглой щетинной кистью, но лучше использовать тампон. Для изготовления тампона вытачивают или вырезают из дерева колодку грибовидной формы, на широкую часть которой накладывают вату или волос, и обвязывают мягкой кожей, у ручки края кожи стягивают шнурком.

Слегка подогрев доску, тампоном набивают приготовленную краску и с силой вдавливают ее в углубления рисунка на доске, внимательно следя за тем, чтобы размягченная от тепла краска плотно заполняла штрихи на всю их глубину. Лишнюю краску сначала снимают с доски кусочком картона, поставив его на ребро, а потом протирают накрахмаленной марлей, после чего легким поглаживанием ладони руки, натертой порошком мела, кончают протирку доски тряпкой, намоченной в соленой воде или в 10 %-ном растворе поташа. Если в отдельных местах доски краска будет сниматься с большим трудом, следует доску слегка подогреть и снять прилипшую краску. Случайно исчезнувшую краску из углублений рисунка набивают вновь и вытирают тряпкой.

Печатание.

Когда доска будет окончательно подготовлена, на доску пресса (талер) помещают ровный лист цинка или оцинкованного железа толщиной не более 1 миллиметра. На нем карандашом обводят положение доски и листа бумаги. Подогретую доску (печатную форму) кладут на талер лицевой стороной вверх, а на нее помещают увлажненный лист бумаги правой стороной к награвированной поверхности доски (рис. 8.5).

Доску и бумагу накрывают плотным сукном или войлоком, что облегчает мягкий натиск на доску, кроме того, сукно или войлок впитывает в себя излишнюю влагу из бумаги.

Вертикальными винтами станка устанавливают необходимое давление и начинают плавно, не останавливаясь, вращать маховое колесо, пропуская между валами талер вместе с лежащими на нем доской, бумагой и сукном. Маховик останавливают, как только печатная форма и бумага полностью выйдут из-под верхнего вала на противоположный конец станка (рис. 8.6). Когда гравюра прошла под валом, приподнимают сукно, осторожно и медленно снимают бумагу. После каждого очередного оттиска печатную форму набивают краской, вал и талер протирают мягкой тряпкой, смоченной в ацетоне.

Рис. 8.5. Печатание. Схема расположения на талере: 1 – офортная доска; 2 – верхний вал; 3 – офортная бумага; 4 – талер.

По первому пробному оттиску намечают исправления и дальнейшую работу над доской. Небольшие и средней величины доски можно печатать и без станка. Для этого берут кусок плотного картона и в нем вырезают отверстие, в которое доска должна входить совершенно свободно. На стол рисунком вверх кладут печатную форму, набитую краской, а сверху – картон с прорезью таким образом, чтобы он надавил на края сырой бумаги, и доска втиснулась бы в прорезь. Сверху сырую бумагу покрывают сухой вощеной бумагой и притирают костяным или деревянным срезом отполированной пластины.

Рис. 8.6. Снятие гравюры с печатной формы.

Готовые сырые оттиски снимают, просушивают и прикрывают с лицевой стороны тонкой прокладочной бумагой. Оттиски укладывают в стопку между листами сухого картона, а сверху кладут груз. Доски по окончании печати нужно тщательно промыть керосином или скипидаром, чтобы краска не оставалась в штрихах, насухо вытереть и обернуть в плотную бумагу. При длительном хранении лицевую сторону досок грунтуют лаком или воском.

 

8.3. Противопожарные и санитарные правила

Использование в работе легковоспламеняющихся и горючих веществ, а также нагревательных приборов обязывает к строгому соблюдению следующих правил пожарной безопасности:

а) постоянно следить за исправностью электропроводки и нагревательных приборов;

б) иметь на рабочем месте лишь потребное на день работы количество огнеопасных жидкостей (керосина, бензина, бензола и т. д.). остальные запасы держать в кладовой (на складе) с соблюдением всех правил хранения;

в) грязные и промасленные тряпки и бумажные отходы держать в железных ящиках с крышкой;

г) копчение факелом металлических досок производить только в специально оборудованном для этого месте;

д) по окончании работы проверять выключение электроприборов, газа, и света;

е) иметь в граверной и офортной мастерской огнетушители.

Для предохранения работающих от вредных испарений, ожогов и травм необходимо:

а) иметь исправную вентиляцию во всех помещениях и оборудовать специальные вытяжные устройства в помещениях для травления и копчения досок. Травить металл при неисправной вентиляции категорически воспрещается;

б) кислоты и летучие вещества хранить в сосудах с надежными пробками. Своевременно заменять грязные опилки и тряпки. Ежедневно производить уборку всех помещений;

в) предохранить защитными устройствами (кожухами) шестеренную передачу печатного станка и диск механического точила;

г) иметь в мастерской аптечку, в которой должны быть перевязочные материалы и средства от ожогов и отравлений.

Другие практические советы. И, наконец, рекомендуется воспользоваться следующими советами.

1. Работать в граверной и офортной мастерской следует в спецодежде (халате, комбинезоне и т. п.). Во время травления рекомендуется пользоваться резиновыми перчатками. При вытирании доски имеет смысл пользоваться кожаными перчатками лишь на первой стадии работы – удаления краски начерно. Весь дальнейший процесс проделывается без перчаток, чтобы рука лучше улавливала податливость краски и безошибочно регулировала нажим. Для того чтобы быстрее отмыть руки от краски, перед началом работы их рекомендуется натереть жидким мылом или специальной пастой.

2. Для более удобного и экономичного использования жидкостей следует в пробки, которыми заткнуты бутылки, вставить трубочки, сделанные из обрезков, например, гусиного пера, от соков или шариковых ручек.

3. Тампоны очищаются от присохшего к ним грунта на листе чистой бумаги, положенном на теплую плиту. Хранить кожаные тампоны следует в блюдцах, на дно которых наливается немного машинного масла.

4. Чтобы нанести наждачный порошок на войлочный круг, внешний обод круга смазывают жидким столярным клеем. Затем вставив стержень в отверстие, круг прокатывают в длинном и узком деревянном ящике, на дно которого насыпан наждачный порошок. Когда клей подсохнет, весь процесс повторяют еще раз.

5. Для окрашивания бумаги водяными красками и настоем чая не удовлетворяет офортистов, так как красящие вещества размываются при замачивании бумаги и стискиваются во время печати.

Для окрашивания бумаги рекомендуется применять чернила из дубового орешка, разбавленные водой. После высыхания эти очень светостойкие чернила совершенно не размываются и не стискиваются. Приготовление чернил очень несложно. Дубовые орешки, или галлы, имеющие вид шариков желтовато-белого оттенка, вырастают на нижней стороне дубовых листьев. Собирать их надо в конце августа или в сентябре. Размельчив орешки, через марлю или сито отжимают из них сок. Отстоявшийся в стеклянном сосуде сок приобретает чистый золотисто-коричневый цвет. Разбавляя этот сок водой в различных пропорциях, получают составы красивых и чистых желтых оттенков. Натянутая на доску офортная бумага окрашивается при помощи широкого флейца. Для придания чернилам более холодного серого оттенка в них добавляют несколько кристаллов железного купороса. Чем больше купороса, тем темнее и холоднее становятся чернила. Разбавленные водой чернила с купоросом дают очень разнообразные оттенки серого цвета. Если осенью не найти свежих дубовых орешков, можно собрать на земле прошлогодние и вываривать их в воде не менее часа. Иногда прибегают также к вывариванию дубовой коры. Чернила, полученные вывариванием, менее интенсивны, но вполне пригодны для окрашивания бумаги.

6. Для просушивания досок при выкрывании рекомендуется пользоваться подставками.

7. Совершенно обязательно все процессы работы записывать и производить только в отведенных для этого местах. Завершив тот или иной процесс, следует тотчас прибрать рабочее место. Особенно важно сливать кислоты и другие жидкости только в соответствующие сосуды. Такая аккуратность в работе особенно важна в коллективных мастерских. Малейшая неосторожность, пренебрежение этими правилами могут привести к непоправимым последствиям в работе студентов, дизайнеров, рабочих и других.

 

9.1. Общие сведения

Сам термин «инкрустация» имеет латинское происхождение: incrustation – покрывать. Инкрустация – это техника декорирования изделий путем врезания в поверхность (или насекания) различных материалов: металла, кости, драгоценных пород дерева и т. д. Очень часто для этого используются драгоценные и цветные металлы.

Сейчас этот вид художественного творчества снова возрождается во многих регионах России и есть все основания для того, чтобы в рамках данной книги остановиться на этом вопросе.

При открытии в 1922 году гробницы фараона Тутанхамона было обнаружено много хорошо сохранившихся изделий из мебели и прикладного искусства. Например, трон Тутанхамона – это деревянное кресло, обшитое листовым золотом, на фоне которого сверкают инкрустации из фаянса, цветного стекла и камней. Подлокотники ажурны и выполнены в виде крылатых змей, поддерживающих эмблему фараона. Передние ножки завершаются львиными головами из чеканного золота. Копия трона имеется в Париже (Лувр).

А вот, например, Гомер так описывает в знаменитой «Илиаде» изготовление богом-кузнецом Гефестом боевого щита герою Ахиллу:

Для инкрустации только небольшой части бронзового щита легендарный мастер использовал три разных металла: золото, олово и серебро. Щит был выполнен с таким мастерством, что в произведениях более поздних авторов он иносказательно стал означать непревзойденное произведение искусства.

Долго археологам не удавалось найти изделие, в котором с таким блеском была использована техника инкрустации одного металла другими. И только после раскопок гробниц в Микенах удалось найти бронзовые кинжалы, относящиеся к XVI веку до н. э. На поверхностях клинков были изображены сцены охоты на льва, стремительно бегущие дикие лошади, кошка, охотящаяся в зарослях папируса на уток (рис. 9.1).

Рис. 9.1. Деталь кинжала «Охота кошки на уток». Древняя Греция, Микены, XVI в. до н. э.

Всего два металла были использованы в композициях – золото и серебро. Но благодаря тому, что художник использовал золото различных тональностей – от темно-желтого до почти белого, изображения обрели необыкновенную живописность. Древний мастер учел и то, что бронза со временем покрывается темно-зеленой патиной, а золото и серебро сохраняют первоначальный цвет и чем дальше, тем контрастнее выявляются на темном фоне бронзы.

История декоративной отделки стали в России.

Кроме перечисленных выше декоративных отделок, получила широкое распространение инкрустация, заключавшаяся в том, что на стальное оружие накладывались золотые или серебряные орнаменты и надписи; наряду с этим производилось огневое золочение.

Значительное место в декоративной отделке стального белого оружия занимало тауширование, или так называемая золотая насечка. Сущность этого процесса заключалась в том, что в специально подготовленную поверхность металла, предварительно насеченную канавками, зачеканивалась в виде узоров или орнаментов золотая или серебряная тонкая проволока, которую потом посредством шлифования сравнивали с поверхностью изделия. Интересны примеры декоративной отделки изделий из стали, относящиеся к раннему периоду развития ремесел в Древней Руси. Шлем князя Ярослава Всеволодовича (IX–X вв.) изготовлен из цельного листа стали и декорирован чеканными накладками из серебра (см. рис. 4.5).

Производство оружия и военных доспехов на Руси к концу XII века получило особое развитие.

Рис. 9.2. Топорик князя Андрея Боголюбского. Сталь. Насечка серебром с гравировкой, позолотой и чернью. ХII-ХIII век.

Мастера-оружейники изготавливали мечи, боевые топоры, копья, сабли, ножи, щиты и кольчуги. Сохранившийся до наших дней декоративный топорик (см. рис. 9.2), владельцем которого историки считают князя Андрея Боголюбского, является образцом сочетания оружейной и ювелирной техники ХII-ХIII веков. Местом его производства исследователи считают Суздальскую Русь. Как известно из истории, внук Владимира Мономаха, Андрей Боголюбский поставленный на княжение своим отцом, Юрием Долгоруким, в Звенигород (близ Киева), самовольно ушел в Суздальскую землю, где он родился и правил ранее. После смерти в 1157 году Юрия Долгорукого, он стал Великим князем, но в Киев не переехал, а остался править в Суздальском княжестве, куда и переместился центр Руси. С тех пор Киев потерял значение столицы. Недалеко от г. Владимира в селе Боголюбово князь Андрей построил великолепный каменный дворец и поселился в нем. Отсюда его прозвище – Боголюбский. При Андрее Боголюбском г. Владимир, куда он перенес столицу княжества из Суздаля, становится крупным ремесленно-торговым центром. Город населяют тысячи искусных русских мастеров – архитекторы, строители, каменщики, резчики, ювелиры, живописцы. Не последнюю роль среди них играют кузнецы и мастера-оружейники.

Топорик, изготовленный суздальскими мастерами, легок, хотя и выполнен из стали. Он обладает звоном внутри полого обуха. На щеках обуха и на одной стороне лезвия изображена буква «А», что и дало основание историкам предположить, что князь Андрей Боголюбский имел к нему какое-то отношение. Поверхность металла покрыта насечками и на эти насечки (в горячем состоянии) набито листовое серебро, поверх которого нанесен орнамент гравировкой, позолотой и чернью с изображением дракона и птиц. Историк Б. Рыбаков в своем исследовании отмечает, что «… детали орнамента находят себе аналогии в русских вещах XII века. Так, например, сюжет двух птиц, сидящих у дерева, хорошо известен по ряду изделий. Своеобразный меандр (на теле змея в инициале на лезвии) имеется на колтах из Тереховского клада, а городчатый орнамент лезвия известен по эмалям XII века».

Из ранних памятников гравирования на стали, напоминающего резьбу, относится рогатина Бориса Александровича Тверского, изготовленная и декорированная в 1255 году.

Дошедшие до нас образцы художественной обработки стального оружия свидетельствуют о высоком искусстве древних русских мастеров, традиции этого искусства охранялись и развивались в дальнейшем знаменитыми тульскими и Златоустовскими оружейниками. Еще в допетровскую эпоху был создан Московский оружейный приказ, а с XVIII века уже работали казенные оружейные заводы в Туле, Златоусте, Сестрорецке, Ижевске. Тульский и Златоустовский заводы достигли высокой культуры в области художественной обработки стали. Работы этих заводов славятся не только в нашей стране, но и далеко за ее пределами.

Златоуст широко известен не только производством высококачественной стали, но и образцами декоративной отделки различных стальных изделий. В начале XIX века при Златоустовском оружейном заводе был создан декоративный, или, как его тогда называли, «украшенный», цех. В цехе насчитывалось более ста рабочих – художников, граверов, насекальщиков, резчиков по кости и дереву и других. Наиболее широко цех развернул работу в 60-х годах XIX века. В это время в Златоуст были завезены образцы испанского оружия: толедские клинки и навахи, декорированные золотой и серебряной насечкой и богатой гравировкой.

Златоустовские мастера изучили привезенные образцы и в последующей работе не только достигли уровня толедских мастеров, но и превзошли их, как по качеству стали, так и в искусстве декоративной отделки стальных изделий.

В Златоусте был восстановлен способ варки булатной стали, который был известен в России еще в XVII веке.

Кузнецы Оружейной палаты изготовляли булатные клинки и другие виды оружия, отличавшиеся особой твердостью и вязкостью, а также исключительной способностью принимать и держать заточку. Пройдя термическую обработку, они получали очень красивый декоративный рисунок, состоящий из особых узоров: полосок, сеток или волнистых сплетающихся линий, переливающихся как шелк или муар.

Развитие способов декоративной отделки холодного оружия тесно связано с методами обработки булатной стали, использованные для декоративной отделки различного оружия. Муаровые узоры булатной стали прекрасно дополнили художественную насечку золотом и серебром. Золотая насечка – один из древних приемов декоративной отделки стали в России, и в частности в Златоусте, – стала развиваться в 60-х годах XIX столетия; ею особенно увлекались Златоустовские мастера художественной обработки металла.

На стальное изделие, обычно на клинок сабли или ножа, наносился контур рисунка, по которому специальным зубильцем делались бороздки. В образовавшуюся канавку укладывалась скрученная золотая или серебряная тонкая проволока (толщиной примерно 0,2 мм); в утолщениях орнамента прокладывалось несколько проволочек. Проволока зачеканивалась медным молотком в сталь, где удерживалась заусенцами, образовавшимися при изготовлении канавок. Такой прием назывался углубленной насечкой. После этого изделие полировали, и зачеканенную проволоку сравнивали, таким образом, с поверхностью стали.

Большого расцвета насечка достигла у оружейников Дагестана, они украшали ею клинки шашек, сабель, кинжалов и металлические части кремневых ружей. Мастера насечки (бейху уста) вначале гравировали или вырубали небольшим зубильцем узор, затем в углубления вкладывали и вколачивали жгутики золота или серебра. Чтобы рисунок контрастно выделялся на стали, ее воронили.

Искусными мастерами насечки, как вы уже узнали, были русские оружейники. Но их деятельность не ограничивалась только украшением оружия. В Государственном Историческом музее в Москве хранятся щипцы для раскалывания орехов, выполненные во второй половине XVIII тульскими мастерами. В этом небольшом изделии применены сразу два вида насечки: низкая («заподлицо») и высокая. При низкой насечке в металле вырубались гнезда-углубления, в которые вбивались вставки из более мягкого металла (см. рис. 9.3, 9.4). При высокой насечке гнезда не вырубались, и накладки из цветного металла рельефно выступали над поверхностью декорируемого изделия (см. рис. 9.5).

Постепенно трудоемкую технику насечки стали применять все реже и реже, но и сегодня есть мастера, например не только у нас в России, но и в Индии и в Дамаске (Сирия), из рук которых выходят прекрасные изделия из металла. Изделия из дамасской стали, украшенный насечкой и гравировкой – всегда славились во всем мире.

Применяют и другой способ нанесения насечки, которая в данном случае называется выпуклой. Он заключается в том, что на изделие, например из золота, ювелиры наносят мельчайшие зубчики, располагаемые в соответствии с предварительно размеченным орнаментом. Эти зубчики прихватывают проложенную в бороздках серебряную проволоку.

Насечка металлом по дереву – своеобразный вид декоративного народного искусства, встречающийся на территории нашей страны в Дагестане и в Закарпатье, краях чрезвычайно богатых самыми различными ремеслами. Особую известность получили изделия с насечкой, изготовленные в высокогорном дагестанском селении Унцукуль. Хотя давность унцукульского промысла не превышает 240 лет, слава этого оригинального ремесла уже в конце позапрошлого века перешагнула границы Кавказа и России (см. рис. 9.7–9.8).

Унцикуль, село в Дагестане. Производство художественных деревянных изделий с насечкой из серебра или мельхиора (промысел с 1-й половины XIX века, а с 20-х годов XX века фабрика художественной обработки дерева). Трости, портсигары, коробки, шкатулки, стаканы, украшенные геометрическим линейным узором.

Разнообразие свойств различных материалов, в том числе и металлов, служит основой, как вы уже поняли, возникновения инкрустации, одним из видов которой является насечка (инкрустация). Суть этой техники художественной обработки металла заключается в том, что на металлических предметах гравированием, чеканкой или травлением наносятся углубления, которые затем заполняются другими металлами, имеющими контрастный цвет и тональность. Художественная выразительность насечки достигается не только рисунком, органически связанным с поверхностью украшаемого предмета, но и противопоставлением естественного цвета одного металла другому или других материалов.

 

9.2. Материалы и инструменты

Если вы захотите заняться насечкой, вам не понадобится ни золото, ни серебро. Кубачинские мастера, обучая учеников, используют для насечки стали латунь и алюминий. Пригодны и другие мягкие и вязкие металлы, палитра которых достаточно разнообразна. Медь, латунь, сталь и алюминий перед применением необходимо отжечь, чтобы они стали более мягкими и вязкими Олово и свинец нужно расплавить в широкой металлической посуде, отлить листы, затем проковать молотком на наковальне до требуемой толщины. Для линейных элементов насечки можно применять проволоку различных сечений.

Основными элементами инкрустации являются также плоские круглые бляшки, гибкая полоса для насечки, гибкая полоса для контурных дорожек. Для отделки насечки подойдут чеканы и штихели. Нужно будет изготовить и специальные инструменты – зубильца и канфарники (см. главу «Чеканка»). Делают эти инструменты из инструментальной стали и закаляют, см. выше главу «Гравирование металлов». Если инструментальной стали нет, изготовьте зубильца и канфарники из старых сверл, кернеров, метчиков или надфилей. Правда, сталь у них хоть и прочная, но хрупкая. Поэтому ее следует слегка отпустить, нагрев на открытом огне до появления соломенного цвета побежалости. Угол заточки клиновидной режущей части зубилец и канфарников будет зависеть от твердости насекаемого металла – для работы по твердой стали, бронзе и чугуну примерно 70°, для стали средней твердости – 60°, для меди и латуни – 45°, для алюминия – 35°. Под рукой всегда должно быть два молотка: один для работы с зубильцами и канфарниками, другой для вбивания насекаемых элементов и проковки инкрустированной поверхности.

Если к первому молотку особых требований не предъявляется, лишь бы он был достаточно тяжелым, а рукоять удобно лежала в руке, то у второго боек нужно тщательно отшлифовать, отполировать, а затем закалить, чтобы на поверхности инкрустации не появились всякие случайные вмятины, которые трудно удалять.

Все работы производятся на наковальне – это массивная стальная плита, укрепленная на толстом кряже. Используют также любые другие наковальни, всевозможные оправки из массивного металла. Например, кольцо или перстень насаживают на массивный стальной стержень, который закрепляют в тисках. Отдельные небольшие плоские предметы закрепляют на мастике в полушаре из чугуна, имеющем вверху углубления. Шар располагают на кожаной гравировальной подушке (см. рис. выше).

Осваивать приемы насечки нельзя сразу на изделии. Сначала нужно потренироваться на небольших кусочках металла. Только после того, как вы поймете, в чем заключается сущность этой техники, и добьетесь прочного соединения металлов, можно попытаться украсить насечкой какую-то вещь.

Учебную насечку нужно выполнить на листовом металле толщиной не менее 3 мм. При этом металл, украшаемый насечкой, должен быть тверже металла, применяемого в качестве вставок. Например, изделие из стали и бронзы можно инкрустировать медью, латунью, оловом, свинцом. Медь и латунь – алюминием, свинцом, оловом.

 

9.3. Насечка «заподлицо»

Вначале попробуйте выполнить насечку линии «заподлицо» (рис. 9.3). Положите стальную пластину на наковальню и проведите на ней карандашом какую-либо кривую линию. Установите зубильце в начале линии, нанесите по нему несколько равномерных и достаточно сильных ударов, чтобы его острие вошло в металл примерно на 1 мм. При этом запомните число и силу ударов. Установив зубильце на линии рядом с прорубленным углублением, нанесите то же число ударов и с той же силой. Тогда глубина канавки на всем протяжении будет одинакова. Понятно, что таким подсчетом придется заниматься только вначале. В дальнейшем рука как бы автоматически будет наносить нужное число ударов (см. рис. 9.3, позиции 3 и 4; рис. 9.4).

Готовую канавку обработайте канфарником с треугольным или четырехугольным сечением. При вхождении канфарника в металл образуются острые заусенцы – это нам и нужно. Чтобы заусенцы были более острыми, Канфарник нужно держать под углом к поверхности металла. Причем направление движения канфарника постоянно меняйте, наклоняя его то в одну, то в другую сторону.

Рис. 9.3. Инструменты и последовательность насечки «заподлицо» проволокой: 1 – зубильце (вид спереди и сбоку), канфарники с различными сечениями рабочей части; 2 – прорубание канавки зубильцем; 3 – нанесение заусениц в канавке; 4 – вколачивание проволоки в канавку. Рисунок Г. Я. Федотова.

Затем возьмите латунную проволоку, равную по толщине прорубленной канавке. Наложив конец проволоки на край канавки, легкими ударами молотка с полированным бойком постепенно вколачивайте проволоку в канавку, пока она не заполнится до конца. Затем более сильными ударами молотка нужно проковать всю инкрустированную поверхность, чтобы сгладить неровности. После проковки всю поверхность металла, чтобы она была идеально ровной, необходимо обработать шабером или напильником.

В заключение отшлифуйте поверхность и отполируйте наждачной бумагой, укрепленной на деревянном бруске, а затем полировочной пастой – например, пастой ГОИ.

 

9.4. Низкая насечка

Инкрустировать «заподлицо» линейные элементы сравнительно просто, гораздо сложнее выполнять низкую насечку розеток, бутонов, лепестков, фигур человека и животных, потому что для каждого вставного элемента нужно вырубить гнездо (рис. 9.4)

Вырежьте из тонкой латуни задуманную вставку, наложите ее на поверхность стальной пластины и обведите остро отточенным простым карандашом или чертилкой. Вдоль всего контура сделайте зубильцем зарубки на глубину примерно 0,5 мм. Затем в пределах контура снимите зубилом слой металла на ту же глубину. Особенно тщательно выравнивать дно гнезда не обязательно. Канфарником насеките на дне углубления с заусенцами. Наложите латунную вставку и сильными ударами молотка с полированным бойком вколотите ее в гнездо. Поверхность пластины тщательно прокуйте, сведя до минимума бугорки и вздутия. Затем обработайте поверхность напильником и отполируйте. Но на этом работа зачастую не оканчивается. Обычно мастер берет в руки штихели и украшает вставку гравированным рисунком (см. рис. 9.4).

 

9.5. Высокая насечка

Не менее интересна высокая насечка (см. рис. 9.5).

Соединять элементы высокой насечки с поверхностью украшаемого металла намного проще: отпадает необходимость вырубать гнезда. Вырезанный из латуни или меди элемент орнамента наложите на стальную пластину и обведите карандашом.

Рис. 9.4. Последовательность насечки «заподлицо» вставки из листового металла: 1 – прорубание канавки по контуру; 2 – вырубание гнезда; 3 – насекание заусениц на дне металла 4 – вколачивание вставки. Художник Г. Я. Федотов.

Рис. 9.5. Последовательность выполнения высокой насечки: 1 – насекание заусениц; 2 – проковка накладки; 3 – обработка накладки резьбой.

Латунный ключ с алюминиевой насечкой и стальной значок с высокой латунной насечкой (учебные работы). Рисунок Г. Я. Федотова.

Канфарником насеките поверхность пластины внутри рисунка, ограниченного карандашной линией. Затем снова наложите элемент на свое место и сильными ударами молотка прокуйте его, начиная с середины и постепенно переходя к краям. После тщательной проковки два металла соединяют друг с другом так прочно, что не посвященному человеку трудно поверить, что для их соединения не были применены скрепляющие материалы. Попробуйте сковырнуть латунную накладку ножом или каким-нибудь другим острым инструментом. Если насечка выполнена по всем правилам, у вас ничего не получится. Теперь срубите зубилом накладку и рассмотрите место соединения. Вы увидите, что углубления от канфарника плотно забиты латунью. Значит, спайка двух металлов произошла благодаря тому, что более мягкая латунь, прокованная молотком, проникла в углубления, нанесенные на сталь. При этом стальные заусенцы под давлением металла слегка согнулись и словно крючками зацепили латунь. Прочность такого соединения проверена веками. Из дошедших до нашего времени изделий с насечкой не выпала ни одна вставка!

Линии в технике высокой насечки выполняют так же, как и при насечке «заподлицо». Вначале зубильцем делают небольшую канавку, канфарят, а затем вбивают проволоку. Чтобы линия выступала над поверхностью, проволока должна быть достаточно толстой и вмещаться в канавку только наполовину.

Чтобы насечь точку, пробойником с круглым сечением пробейте в металле углубление. Дно его обработайте канфарником для получения заусениц. Затем в углубление вбейте небольшой отрезок проволоки. Для инкрустации «заподлицо» отрезка проволоки должно хватить только на заполнение углубления, для высокой насечки длина отрезка несколько больше.

Когда все элементы высокой насечки закреплены на поверхности металла, чеканами и штихелями им придают необходимую форму, как это обычно делается при работе над гравированным рельефом. Например, в растительном орнаменте различными чеканами придают бутонам форму полусферы, а резцами обрабатывают лепестки.

Высокой насечкой инкрустируют только тщательно отшлифованные и отполированные изделия, потому что после выполнения насечки отполировать инкрустированную поверхность будет почти невозможно.

Иногда в насечке металлы меняются местами: мягкий служит основой для инкрустирования, а более твердый идет на вставки. Во всем остальном техника насечки остается неизменной, только заусенцы насекают не на инкрустируемом изделии, а на внутренних поверхностях вставок. Стальную проволоку насекают не канфарником, а зубильцем.

 

9.6. Декоративная отделка насечки по металлу

Изделие можно патинировать, то есть придать фону или отдельным элементам желаемую тональность. Чаще всего патинируют фон, делая его более темным. При этом элементы насечки контрастно выступают на фоне. Если стальное изделие, инкрустированное латунью нагревать паяльной лампой или горелкой, в тот момент, когда сталь станет иссиня-черной, латунь приобретает теплый золотистый оттенок. Контраст этих двух цветов придаст изделию особую красоту. Конечно, термическому патинированию не следует подвергать изделия, инкрустированные оловом, свинцом и алюминием. Олово и свинец расплавятся, а алюминий просто-напросто перегорит.

Присмотревшись к технологии, вы замечаете, что у мастера под рукой несколько листов стали разных размеров и форм (см. рис. 9.6). Он берет круглую или квадратную заготовку и принимается за работу. На стальной поверхности он вырезает пересекающиеся тонкие бороздки. Для этого он использует штихель, или резец из прочной закаленной стали. С его помощью мастер гравирует рисунок задуманного узора.

Справившись с первым этапом, мастер кладет заготовку на регулируемый деревянный верстачок со смоляной подложкой. На следующем этапе он служит опорой и своего рода амортизатором для заготовки.

Теперь начинается инкрустирование. Держа одной рукой золотую или серебряную проволоку, мастер аккуратно вбивает ее в стальную заготовку. Постепенно вырисовывается узор: удивительный арабесковый орнамент или узоры из геометрических фигур, птицы и цветы или панорама дагестанских селений Кубани и Унцукуль. Некоторые умельцы сочетают несколько таких элементов в одном большом узоре.

Рис. 9.6. Пример декоративной отделки изделия.

Следующий этап – закрепление, а для этого мастеру понадобится зубильце пошире. Легкими ударами он завершает инкрустирование золотой проволоки в бороздки на стали.

Контраст достигается на следующем этапе, называемом воронение. Заготовку погружают в раствор каустической соды и калиевой селитры при 800 °C, в результате металлическая основа окисляется и становится иссиня-черной. На таком бархатистом фоне золотые узоры дагестанского искусства выделяются особенно четко.

На завершающем этапе мастер на золоте создает рельеф. Теперь узоры оживают. Все мельчайшие детали, например перья птицы или лепестки цветка, обретают форму. Ну а полировка изделия кусочком агата придает золотым нитям сильный блеск, так что они четко выделяются на черном фоне. И перед нами – настоящий шедевр!

Уникальными и изысканными изделиями, украшенными золотыми и серебреными узорами, мы можем любоваться благодаря мастерам, которые донесли дагестанское, индийское и дамасское искусство из древности до наших дней.

При отделке таушировки всю поверхность гладко шлифуют и затем полируют. Если для основы берут сталь, то она тонируется в сине-серый цвет. Иногда насечку на изделии дополнительно рассекают туповатым зубилом. Углубления от рассечки придают всей работе своеобразный характер. Такой прием применен на китайском железном шлеме из Оружейной палаты, присланном в подарок русскому царю в 1637 году.

 

9.7. Таушировка с последующей наводкой

Для того чтобы скрыть отдельные ряды проволоки и придать орнаменту большую слитность и цельность, применяют последующую наводку. Золотой амальгамой слегка наращивают рельеф и придают своеобразный эффект всему рисунку, как бы написанному кистью. Амальгаму аккуратно накладывают по линиям рисунка, и изделие нагревают для испарения ртути, при этом всегда помните, пары ртути ядовиты. Операцию можно повторять несколько раз для получения желаемого рельефа.

Кроме насечки золотом, серебром и драгоценными сплавами применяют и обычные цветные металлы и их сплавы (медь, латунь и др.). В последнее время были проделаны опыты насечки рисунков на стали алюминием. Алюминиевая проволока хорошо держится в насечке, легко полируется и образует красивый своеобразный по цвету светлый рисунок на темном стальном фоне, несколько напоминающий насечку серебром.

Интересна в технологическом отношении насечка серебром и мельхиором (никелевый сплав) по твердым породам дерева – самшиту, кизилу, абрикосу. Эта техника издавна применялась в аварском ауле Унцукуль (Дагестан) для декорирования различных бытовых изделий (седла, трости, шкатулки, полки и т. и.).

В настоящее время Унцукульская художественная фабрика, расширяя ассортимент изделий, применяет эту технологию и для ювелирных изделий.

 

9.8. Насечка металлом по дереву

В наши дни насечка металлом по дереву широко применяется мастерами декоративно-прикладного искусства. Ассортимент изделий очень разный. Сюда входят ступки, бокалы, вазочки, женские украшения, блюда, шкатулки, орнаментальные и сюжетные панно. Наряду с древесиной кизила, абрикоса и груши применяется дерево грецкого ореха, яблони (старых засыхающих деревьев). Такое сравнительно малое число применяемых пород объясняется просто: в северо-восточном Дагестане нет другой пригодной для насечки древесины. Практически же можно использовать любое плотное, твердое и вязкое дерево: ясень, клен, граб, бук, вяз и даже березу. Все эти породы хорошо обрабатываются на токарном станке и прекрасно полируются.

Древесина пригодна только хорошо просушенная, влажность ее не должна превышать 20 %. В противном случае по мере высыхания насечной металл будет вытеснен сжимающимся деревом. Места, предназначенные для насечки, не должны иметь сучков, трещин и неровностей.

Выбрав одну из перечисленных пород дерева, сделайте заготовку, имеющую форму будущей вещи. Если это чашка, бокал, ваза или трубка, то внутреннюю часть их пока выбирать не надо, потому что тонкие стенки при насечке легко разрушатся. Эта операция делается уже после завершения насечки. А вот толстостенная тарелка, панно или трость могут иметь еще до насечки полностью законченные формы.

Трости выстругиваются из веток, токарные изделия вытачиваются, трубки вырезаются из чурбачков, панно и шкатулки делаются из обрезков досок. Заготовка обрабатывается рашпилем, драчевым напильником, рубанком. Для выглаживания поверхности дерева употребляется цикля и наждачная бумага различной зернистости.

Характер узора может быть самым различным. Для Унцукуля типичен орнамент, образованный циркулем (см. рис. 9.7, 9.8).

Это волнистые линии, круги, различные розетки, зигзаги. Приобретенный навык позволяет создавать более сложные сюжетные композиции.

Работы гуцульских учащихся. Западная Украина. Известен также в Западной Украине гуцульский стиль художественной обработки дерева (см. рис. 9.9, 9.10).

Рис. 9.7. Насечка металлом по дереву. Изделия унцукульских мастеров.

Рис. 9.8. Шкатулка. Дерево. Металл. Изделие у нцукульских мастеров.

Его своеобразие заключается в соединении плоскорельефной резьбы с трехгранно-выямчатой, особой манере композиционного построения орнамента, формах изделий, приемах исполнения. В резьбу вводят инкрустацию бараньим рогом, перламутром, бисером, металлом и разноцветным деревом. Для гуцульской резьбы и инкрустации характерен в основном геометрический орнамент, состоящий из ромбов, квадратов, кругов, полосок, полукругов и сложных розеток. Особенно распространена она в Львовской и Ивано-Франковской областей. Учащиеся школ и ОПТУ добились высоких результатов в овладении гуцульской резьбой и инкрустацией.

Рис. 9.9. Косметичка. Дерево, металл, цветная пластмасса. Учебная работа учащихся СПТУ.

Рис. 9.10. Шкатулка. Дерево, металл, цветная пластмасса. Учебная работа учащихся СПТУ.

 

9.9. Материалы и инструменты

Металл для насечки должен быть мягким, хорошо полирующимся. Поэтому чаще всего применяется мельхиор, томпак, латунь, красная медь, алюминий. Исходным материалом служит проволока, которая вальцуется, то есть плющится, прокатываясь между металлическими валиками вальцов. Проволоку можно и не прокатывать, а просто плющить молотком на наковальне, но это хуже.

Ширина полученной ленты зависит от толщины проволоки. Проволока сечением 0,5–1,0 мм дает ленту шириной 2–3,5 мм.

Инструменты . Предметы под инкрустацию могут быть изготовлены токарным, столярным и комбинированным способами. В зависимости от этого нужны соответствующие инструменты и оборудование. Следует помнить, что инкрустация выглядит сочнее на выпуклых и сферических поверхностях. Поэтому плоскости нужно будет слегка заовалить от центра к краям напильником или рубанком.

Из специальных приспособлений (рис. 9.11) нужно выделить нож-резец для подготовки канавок под проволочную дорожку. Удобен нож-косячок, наточенный, как сапожный нож, издавна применяемый резчиками по дереву. Ножом-косячком делают продольные прорези. Для удобства работы лучше сделать деревянную ручку.

Рис. 9.11. Резцы для инкрустации.

Канавки по окружности вставок выполняют циркулем резцом (рис. 9.12). Для этого годится обычный слесарный разметочный циркуль. Его ножки нужно укоротить и заточить. При необходимости таким инструментом можно сделать прорезь любого диаметра или дуги. При вращении игла циркуля резца вдавливается в дерево и разрушает его. Поэтому начало прорези часто не совпадает с ее окончанием. Чтобы этого избежать, под ножку циркуля следует подложить шайбу с отверстием для иглы.

Рис. 9.12. Циркуль-резец и слесарные ножницы.

Листы металла и срезанные от их кромок узкие полоски для инкрустации выпрямляются деревянным молотком (киянкой) из прочной, твердой породы: дуба, бука, граба, березы.

Углубление под бляшку выполняют перовым сверлом. Его вставляют в дрель или коловорот, которым и производят вращение. Можно поступить проще – не сверлить углубление, а сделать вмятину под бляшку. Для этого удобно использовать пуансон.

Элементы инкрустации вколачивают в древесину легким металлическим молотком на длинной ручке.

Обрезание проволоки и полосок металла производят небольшими слесарными ножницами (см. рис. 9.12). Обычные слесарные ножницы используют для нарезания тонких металлических лент – материала будущей инкрустации. Выполнение частой насечки требует быстроты и сноровки, и здесь необходимы специальные легкие ножницы с пружинными ручками.

Для скручивания проволочных элементов можно применить острогубцы-кусачки. В работе потребуется пинцет для удержания мелких деталей инкрустации.

 

9.10. Процесс выполнения инкрустации с насечкой

Процесс выполнения инкрустации с насечкой имеет свои технологические особенности этапов: подготовка рисунка и перевод его на деревянную основу, вколачивание элементов инкрустации, шлифование инкрустированной поверхности, окраска деревянной поверхности водным раствором протравы, высветление металлических элементов, прозрачная отделка. Рассмотрим несколько подробнее каждый из элементов.

Подготовка рисунка и перевод его на основу.

Элементы композиции должны быть четкими, подчиненными пластике металлической проволоки. Мелкие случайные изломы контуров обобщаются, т. к. их невозможно изогнуть в плавном ритме полосы металла. В инкрустации, также как в графике, линия имеет большое изобразительное значение. Она играет существенную роль в эмоционально-образном звучании композиции.

Очертания элементов должны быть ясными, как бы льющимися одним потоком, строго подчиненными общему ритму проволоки, изгибающейся в энергичные упругие формы.

Подготовительный рисунок к инкрустации целесообразнее выполнить в теплый тон белилами на темной бумаге. Можно использовать для этого коричневые или черные листы из комплектов для аппликации. На них можно рисовать не только краской, но и цветными карандашами светлых тонов (белым, желтым, оранжевым).

Перевод сложного рисунка на основу можно осуществлять по-разному, в зависимости от характера украшаемой поверхности. Если поверхность плоская или слегка заоваленная, то переводят его обычным путем – через копировальную бумагу. Замечено, что передавливать контуры рисунка на предмет через копировальную бумагу лучше не карандашом, а какой-либо заостренной палочкой. Ведь карандашом можно «забить» рисунок или испортить его случайной, неверной линией. Палочка может быть костяной или деревянной, сделанной из прочной породы (самшит, бук, дуб, граб или береза). Удобны также чернильные стержни от шариковых ручек, только паста из них должна быть израсходована, иначе жирные линии погубят рисунок.

Если инкрустированный предмет представляет собой поверхность вращения или не сложный рисунок, то орнамент можно перерисовать с эскиза непосредственно на древесину.

В этом случае избранный узор сначала воспроизводится на дереве карандашом. Контур рисунка должен быть четким, простым и выразительным, внутреннее заполнение – более мелким.

Вколачивание элементов инкрустации.

Процесс выполнения инкрустации из металла на деревянной поверхности зависит от характера вставки, так как бляшки, гвоздики, продольную контурную проволоку и штрихи насечки вколачивают по-разному.

Рассмотрим подробно последовательность исполнения каждого из перечисленных элементов.

Бляшки . Способ их врезания в дерево зависит от их формы. Если бляшки круглые, задача решается просто. На место, где их будут крепить, сверлами типа «перка», вставленными в ручную дрель, делают круглые углубления по диаметру бляшки. Глубина гнезда должна равняться примерно 3/4 толщины металлической вставки. Бляшку вкладывают в готовое углубление. Иногда в мягком и тонком металле шилом делают накол. Главное, чтобы при этом бляшка не прогнулась, а оставалась ровной. Если бляшки из прочного металла и их шилом не проколоть, отверстия нужно сделать тонким сверлом, а затем, чтобы закрепить на изделии, в отверстия вколачивается отрезок сплющенной проволоки, образующий точку. Удобнее проколоть (или просверлить) сначала одно отверстие, в него забить проволоку, а затем делать второе. Чтобы заклепки не были заметны на металлическом теле бляшки, они должны быть из одинакового металла. Чем плотнее и тверже дерево, тем проволока короче, и, наоборот, чем мягче материал, взятый за основу, тем проволока должна быть длиннее (например, для липы не менее 10–15 мм).

Чтобы бляшки держались прочно, не дребезжали и не отскакивали, диаметр прокалываемого отверстия должен быть равен сечению проволоки, которая идет на закрепление металла к основе. При вколачивании проволока несколько расплющивается и наглухо скрепляет бляшку с основой. Еще одно условие: если гвоздики отрезают от слишком упругой и твердой проволоки, они не будут держать бляшку, так как легко войдут в дерево, не расклепавшись под ударами молоточка. Поэтому, чтобы гвоздики прочно держали бляшку, нужно проволоку предварительно отжечь. Став мягкой, она при вколачивании легко расклепается. Это особенно важно, если основа предмета сделана из мягкой древесины. При вбивании проволоки в отверстия не нужно слишком усердствовать, так как может сильно прогнуться плоскость металла и ее не удается вышлифовать. Работа будет небрежной.

Бляшки можно не только заклепать, но и приклеить. Работа от этого будет идти с перерывами – клей должен сохнуть. Но при этом есть преимущества. Отпадает необходимость просверливать толстые бляшки, подбирать гвоздики того же цвета, не нужно следить за тем, чтобы при вколачивании гвоздиков не прогнуть бляшку и т. д.

Для склеивания дерева с металлом можно рекомендовать нитроцеллюлозный клей, синтетические клеи типа БФ, «Момент», эпоксидную смолу, и некоторые другие, способные отвердевать при комнатной температуре. Эти универсальные клеи успешно склеивают различные материалы, обеспечивают высокую прочность соединений.

Если бляшка не круглая, а другой формы, ее вырезают ножницами, опиливают заусенцы, накладывают на предмет и аккуратно обводят ножом. Затем узкой стамеской делают углубление по ее форме и толщине. Закрепляют так же, как и круглые вставки.

Некоторую сложность представляет закрепление бляшек на поверхностях вращения. Вставленную в лунку бляшку слегка ударяют по выступающим краям, изгибая по форме поверхности, а затем закрепляют обычным путем с помощью проволоки или клея. На рис. 9.13 дан ряд последовательных операций по закреплению бляшек в дереве с помощью гвоздиков.

Рис. 9.13. Эскизы закрепления бляшки гвоздиками.

Гвоздики. Круглые гвоздики используют не только в качестве заклепок на бляшке. Они непременный дополнительный декор к дорожкам, насечкам, круглым вставкам. Иногда только гвоздики заполняют большие плоскости предметов или обозначают контур изобразительного мотива.

Точеные вставки делают так. Шилом накалывают отверстие в нужном месте, в него вставляют торцом круглую проволоку. Лишнюю часть проволоки срезают небольшими слесарными ножницами или кусачками, а затем ударом молотка загоняют в дерево выступающий край. Удар должен быть не слишком сильным, иначе верхний торец проволоки утонет в дереве. При шлифовке напильник или наждачная бумага не зацепит металл, не высветлит его, и грязно-окисный цвет гвоздиков будет портить общее впечатление. Лучше, чтобы каждый гвоздик едва заметно выступал над поверхностью дерева. При шлифовке излишек снимется, и плоскости гвоздиков будут сверкать чистым цветом металла. Это условие относится и к другим элементам инкрустации: полоскам, бляшкам, насечкам.

Несколько последовательно расположенных точек от гвоздиков могут образовать любой узор, дополняющий, например линейный.

Продольные проволочные вставки . По линиям продольных контуров ножом-косячком делают углубленную прорезь, а канавки под окружности и дуги прорезают циркулем-резаком или вертикальными проколами торцевого ножа. В плоскости резания нож должен быть вертикальным; если нож наклонится, во-первых, может сколоться древесина, во-вторых, в косую прорезь значительно труднее вколотить металлическую полоску (см. рис. 9.14).

Рис. 9.14. Схема соединения металлических полосок на острый угол.

В проделанную прорезь вставляют ребром и постепенно вколачивают тонкую полоску металла, отрезанную от листа. Инкрустация выглядит более качественно, если металлический контур тянется непрерывной нитью без разрывов с одним соединительным швом. Это создает впечатление цельности изображения и говорит о профессионализме мастера.

Вколачивать нужно аккуратно, чтобы лента полностью вошла в древесину. На поверхности должна быть видна только блестящая линия. Здесь есть некоторые технологические особенности:

1. При срезании с кромки листового металла узкая лента под ножницами скручивается в спираль. Перед вколачиванием в дерево ее нужно выровнять и выпрямить деревянным молотком на поверочной плите или на наковальне.

2. Если металл полоски слишком мягкий и при вколачивании мнется и не входит в прорезь, можно слегка постучать по полоске на поверочной плите маленьким металлическим молоточком. Металл нагартуется, станет более жестким и легче войдет в дерево.

3. Чтобы металл прочнее держался в деревянной основе, нужно полоску при вколачивании вдоль волокон брать шире той, которая вбивается поперек волокон или под углом к ним. Это особенно важно в работе с мягкими породами: ольхой, осиной, липой.

4. Чтобы полоса равномерно, без загибов, не заминая дерева, заходила в прорези и прочно держалась в них, нужно ширину развала прорезей делать равной сечению металла, а глубину прорези – несколько больше, чем ширина вколачиваемой ленты.

5. При соединении полосок металла на острый угол (например, при выполнении очертания листка – рис. 9.14) необходимо перед вбиванием их в дерево расклепать соединяющиеся концы. Иначе толщина пластинок не позволит грамотно выполнить такого рода элементы инкрустации.

6. Продольные прорези под дорожку можно выполнять не только косячком, но и торцевым ножом.

По карандашным рисункам делается надрез резцом или ножом. Надрез должен быть достаточно глубоким, чтобы лента при вколачивании не смялась и в то же время заподлицо проникла в древесину. Обычно при работе моток ленты надевается на указательный палец левой руки. Конец ленты вставляется в надрез дерева, отрезается ножницами и вколачивается легкими ударами небольшого молотка. За отрезком следует другой отрезок, постепенно образуя задуманный художником рисунок (см. рис. 9.15).

Рис. 9.15. Этапы выполнения насечки.

Более толстая и прочная проволока контура закрепляет тонкие линии заполнения, удерживает их от выпадения.

Помимо линейных элементов, существуют и другие. Узор может быть выполнен вколоченным в заготовку подкрашенным деревом, костью, пластмассой. Операцию эту выполнить легче, если перечисленным материалам придана цилиндрическая форма. Этот технологический прием очень часто применяют мастера-косторезы и гуцульские мастера (см. рис. 9.9, 9.10).

Выполнение насечки – трудоемкое и капризное дело, но декоративный эффект ее очень велик.

Первые насечки надо выполнять предельно внимательно, не торопясь, соблюдая последовательность всех рассмотренных операций.

Приемы выполнения насечки требуют большого навыка. Вначале почти каждая пластинка будет загибаться под ударом молотка. Так бывает у всех начинающих. Чтобы сделать хорошую инкрустацию, нужно основательно потренироваться и вбить не одну сотню насечек. Опыт приобретается постепенно. В конце концов, пластинки под ударом молотка начнут входить без загиба, и работа доставлять наслаждение.

На начальной стадии обучения нередко при выполнении насечки поперек волокон промежутки дерева между соседними полосками металла выкрашиваются. Бывает, что они выкрашиваются еще при накалывании прорези торцевым ножом.

Причин этого дефекта несколько:

– для выбранной породы древесины насечка выполняется слишком часто;

– лезвие ножа не отполировано;

– наколка прорези выполняется не вертикально, а под наклоном.

Любой из этих причин достаточно, чтобы вызвать названный дефект. Чтобы исправить инкрустацию с выкрошившимися элементами, придется прибегнуть к шпатлеванию поверхности.

Научившись вколачивать в предмет рассмотренные нами элементы, можно составлять разнообразные композиции (см. рис. 9.16).

Рис. 9.16. Инкрустация насечкой – «цветы».

Гравировка бормашиной.

Успешная гравировка по инкрустированной поверхности древесины, кости и рога зависит от режущих боров и навыка мастера. Наиболее широко распространена гравировка бормашиной глазков (окружностей с ярко выраженным центром) и прямых линий, из которых составляют рисунок. Глазки и кружочки выполняют специальными самодельными борами – выкрутками, которые могут иметь до трех ободков – окружностей (рис. 9.17).

Рис. 9.17. Набор самодельных боров для инкрустации и гравировки: а – выкрутки, б – выкрутки-резцы, в – выкрутка бесцентровая.

Узор, наносимый выкруткой, может быть плоским и с поднутрением. Во время работы выкрутка должна находиться в положении, строго перпендикулярном обрабатываемой поверхности (рис. 9.18, а). Прямые и скругленные линии проводят бормашиной с помощью специально выполненного приспособления – колесика (рис. 9.18, б). При гравировке резец ведут на себя.

Рис. 9.18. Положение при инкрустации и гравировке (выкрутки) – а, гравировального колесика – б.

 

9.11. Шлифование инкрустированной поверхности

После набивки орнамента поверхность заготовки опиливается заподлицо напильником с мелкой насечкой, не оставляющей на металле борозд. Затем шлифуется мелкой шкуркой, навернутой на деревянный брусок, а поверхности вращения обматывают шкуркой и прокручивают в ладонях – до устранения на дереве и металле всех царапин и неровностей.

При условии, если механических приспособлений для шлифовки в мастерской нет, поверхность отшлифовывается вручную.

После шлифовки металлическую и древесную пыль смахивают щетинистой щеткой. Ни в коем случае нельзя допускать удаление пыли пальцами или ладонью, так как при этом почти неизбежны порезы рук об острые края металлических инкрустаций. Краска при тонировании не ляжет на жирные пятна, оставленные пальцами и ладонями. При шлифовании изделие надо придерживать через чистую ткань.

Затем изделие может быть покрыто нитролаком. Для этой цели используют лаки марок НЦ-222, НЦ-228, имеющие повышенную светостойкость и хорошие физико-механические характеристики. Покрытие лаком НЦ-222 можно выполнять многослойным (10–15 слоев), при этом получают ровную, умеренно блестящую поверхность.

Отшлифованное изделие можно натереть воском с помощью жесткой щетки, а в углублениях и других трудно доступных местах наносят его кисточкой. Предварительно воск разбавляют удвоенным количеством скипидара. Затем изделие сушат при комнатной температуре в течение суток. После просушки изделие полируют (вощат) волосяной щеткой или суконкой до блеска. Иногда восковое покрытие защищают слоем бесцветного лака.

Эти покрытия предохраняют поверхность металла от окисления и дают возможность выявить красивую структуру дерева. Изделия, на которые будет действовать влага и солнечный свет (например, трости), лучше покрывать лаком. А предметы интерьера смотрятся лучше, если они натерты воском.

Перед покрытием светлые породы дерева могут быть окрашены морилкой в темно-коричневый цвет, контрастно подчеркивающий блеск светлого полированного металла, например смотрите некоторые из учебных работ российских студентов (рис. 9.19, 9.20).

Рис. 9.19. Декоративное панно, выполненное техникой инкрустации и насечкой металлом. Учебная работа студента художественного училища.

Рис. 9.20. Деревянный нож для резки бумаги. Металлические вставки. Алюминий. Учебная работа студента художественного училища.

При изучении приемов насечки наберитесь терпения и не остывайте при временных неудачах. Только практика научит вас чувствовать металл, дерево с металлом, другими материалами и успешно использовать их свойства.