Адольф Гуард. Юнга. 1887

Карлос де Хас (1826–1898) Пейзаж. Вторая половина XIX века. Холст, масло. 74,5x111

Карлос де Хас — художник-пейзажист, родившийся в Бельгии, живший в Испании и много путешествовавший по другим европейским странам, чем определяется разнообразие мотивов в его творчестве. Пейзажная живопись, широко распространенная во многих государствах Старого Света на протяжении нескольких столетий, в Испании XIX века все еще считалась второсортным жанром, необходимым лишь для создания соответствующей среды в картинах на исторические сюжеты.

Де Хас, познакомившийся в поездках с новейшими реалистическими тенденциями в живописи, начал работать в этом ключе. Вернувшись в Испанию, он смог изменить общепринятое отношение к пейзажу. После того как одна из картин художника получила первый приз на Национальной выставке, за ним закрепилась роль самостоятельного жанра, а самому живописцу была предложена должность преподавателя в Академии изящных искусств Сан-Фернандо. Свои эпические по духу композиции, важное место в которых часто отводилось состоянию неба, мастер размещал на полотнах весьма скромного размера.

Отличительные и новаторские черты пейзажной живописи де Хаса — это работа с натуры и повышенное внимание к освещению, что легко обнаруживается и в данной работе. Композиционной доминантой картины становятся высокое дерево и группа расположенных прямо за ним. Эти решительные вертикали вступают во взаимодействие с беспокойными, смело написанными облаками, занимающими большую часть пейзажа. Подобный характер неба и тревожная атмосфера воспринимаются как своеобразная дань минувшей эпохе романтизма, которую сменил реализм.

Теодюль Огюстен Рибо (1823–1891) Натюрморт с кувшином, тыквой, сливами, вишней и инжиром. Около 1860. Холст, масло. 60,4x73,5

Французский художник Теодюль Огюстен Рибо — представитель реализма. Натюрморт был одним из его излюбленных жанров, мастер следовал традициям голландского и испанского натюрморта XVII века. Чрезвычайно важной для него была работа со светотенью, резкое противопоставление освещенных и затемненных участков на холсте, подобное живописи Хусепе Риберы.

Натюрморт Рибо помимо изображенных предметов содержит в себе незримое присутствие человека, который недавно оставил это место. Все на картине лишено первозданности, нетронутости: от тыквы отрезан кусок, инжир разделен пополам, а на переднем плане несложно заметить косточки от съеденной вишни. Этим же приемом пользовались старые голландские мастера в своих знаменитых «завтраках», наполненных символикой vanitas, элементы которой указывали на тщетность и суетность жизни, преходящность радости и благополучия. К ванитас у Рибо относится не только ощущение человека, не оставившего после себя ничего, кроме раскиданных объедков, но и изображение плодов, имеющих определенное символическое значение. Так, вишня, инжир и сливы связаны с грехопадением.

Содержательная сторона искусства соседствует у мастера с формальными качествами современного ему периода, особенно это проявляется в работе с фактурой. Художник, наносящий краску в один слой, не пытается скрыть разнонаправленные мазки кисти, а формирует с их помощью поверхность предметов.

Томас Фрэнсис Дикси (1819–1895) Офелия. Около 1864. Холст, масло. 30,5x25,5

Томас Фрэнсис Дикси — английский художник Викторианской эпохи. Он специализировался на жанровых и исторических сюжетах, а также любил изображать сцены и персонажей из произведений У. Шекспира.

Картина «Офелия» интересным образом перекликается с творчеством существовавшего в то же время направления прерафаэлитов. К нему относились художники, активно боровшиеся с любыми проявлениями академизма. Их собственные чаяния были обращены к искусству Раннего Возрождения, мастерам XV века, творившим до Рафаэля (отсюда и название). Некоторые из прерафаэлитов возрождали старые техники живописи, большинство использовало средневековые и возрожденческие сюжеты, в том числе, как и Дикси, часто изображало героев Шекспира. При этом идеалом красоты часто становилась рыжеволосая девушка.

Однако несмотря на сходство в выборе модели и сюжета, эта «Офелия» коренным образом отличается от творчества прерафаэлитов. Дикси — приверженец классического стиля Академии, противниками которого они являлись. Он идеализирует модель, прорабатывает малейшие детали в тонкой манере, сглаживает мазок, решает картину в спокойном, неярком колорите. Все эти средства используются для достижения той отвлеченной, несуществующей «классической» красоты, что всегда была целью академической живописи.

Эдуардо Замакоис и Забала (1841–1871) Шуты, играющие в петанк 1868. Дерево, масло. 46x35,6

Эдуардо Замакоис и Забала — испанский художник, родившийся в Бильбао и переехавший в столицу, где поступил в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо. Затем он учился в Париже, его картина «Буффон XVI века» имела успех на Салоне в 1867. На родине мастер получал награды Национальной выставки, участвовал в оформлении комнат Альфонса XII в Королевском дворце в Мадриде. Творчество Замакоиса и Забала, находящееся в русле академической традиции, состояло из различных жанровых сцен и часто носило высмеивающий католичество, антиклерикальный характер, также художник неоднократно обращался к изображению шутов.

На данной картине, написанной во время его пребывания во Франции, герои изображены в ярких костюмах, резко контрастирующих с покрытой рельефом стеной и мостовой, которые, в свою очередь, решены в нарочито блеклых, неярких серо-голубых и охристых тонах. Шуты показаны за игрой в петанк, ее суть заключается в том, чтобы подбросить металлический шар как можно ближе к маленькому деревянному шару — кошоннету. Зритель видит, что один из персонажей измеряет расстояние между шарами для определения победителя. В этом произведении проявляются формальные признаки, присущие всему творчеству мастера: использование чистых насыщенных цветов, внимание к деталям, сочетание элементов историзма и реализма.

Раймундо де Мадрасо (1841–1920) Портрет Федерико де Мадрасо, пишущего картину 1875. Холст, масло. 56x38

Династия Мадрасо обеспечила академическое искусство Испании рядом более или менее значительных художников, принадлежащих к разным поколениям. Раймундо, творивший в стиле академического реализма, завершает линию ее известных мастеров.

На картине изображен его отец Федерико де Мадрасо — портретист, придворный живописец Изабеллы II, директор музея Прадо и президент Академии Сан-Фернандо. Он начинал учиться изобразительному искусству у своего отца, представителя неоклассицистической живописи Хосе Мадрасо-и-Агудо, а сам впоследствии обучал Раймундо.

Следует отметить, что портрет отца художник написал в более смелой и аскетичной манере, чем большинство других своих работ. Центрами притяжения для взгляда зрителя становятся рука героя и его сосредоточенное на работе лицо, которое Раймундо не побоялся изобразить, как и все прочие элементы полотна, с помощью широких, пастозных, разнонаправленных мазков. Великолепное владение техникой и изрядная доля сентиментальной изысканности в полотнах сделали его востребованным в буржуазной среде Испании и Франции.

Рогелио де Эгускиза (1845–1915) Портрет Кармен Гаминде де Уртадо 1881. Холст, масло. 118,3x63,3

Рогелио де Эгускиза — испанский художник, обучавшийся в 1860–1862 в Школе изящных искусств в Париже. Окончив ее, он совершил путешествие по странам Европы — Англии, Бельгии, Голландии и Германии, после чего вернулся в Испанию, где занялся работой над жанровыми произведениями и портретами высокопоставленных лиц.

«Портрет Кармен Гаминде де Уртадо» относится именно к этому периоду творчества мастера. На нем представлена одна из принадлежащих к светскому обществу дам — типичное для академической салонной живописи изображение. Здесь художник стремится наиболее точно передать внешность модели, не преследуя цели проникновения в ее внутренний мир. Он тщательно и деликатно выписывает черты женщины, отражая тончайшие нюансы теней, падающих на ее бледное лицо. Большое внимание Эгускиза уделяет роскошному туалету, передавая материал платья, тонкое кружево воротника, легкую шаль. Колорит, использованный мастером, очень спокоен и сдержан, он состоит из холодных пастельных оттенков; отвлекающие внимание яркие акценты отсутствуют. Нейтральный фон перекликается с цветом перчаток дамы. Тот факт, что она успела снять лишь одну из них, вносит в полотно легкий элемент спонтанности, освобождает композицию от навязчивой преднамеренности.

Хосе Эченагусиа (1844–1912) Самсон и Далила 1887. Холст, масло. 183,7x200,8

Один их первых известных миру баскских художников наряду с Эдуардо Замакоисом и Забала и Игнасио Сулоагой, Хосе Эченагусиа по прозвищу Эчена был далек от новейших импрессионистических и модернистских тенденций своего времени. Несмотря на радикальные изменения, происходившие в мире изобразительного искусства, он оставался приверженцем консервативного академизма. Живописец предпочитал исторические и мифологические сцены, его привлекало изображение восточной жизни.

Ветхозаветный судья Самсон знаменит необыкновенной силой и борьбой с филистимлянами, которые, в свою очередь, мечтали расправиться с ним. Однажды они подослали к герою свою соплеменницу Далилу, чтобы соблазнить его и выведать секрет загадочной силы. После недолгого сопротивления Самсон открыл тайну, рассказав, что вся его сила сосредоточена в волосах. Красавица усыпила мужчину с помощью вина, а поджидавший неподалеку филистимлянин сбрил его волосы, сделав абсолютно беззащитным и неспособным сопротивляться врагам.

В данной картине жест Самсона, накручивающего прядь на палец, указывает, что художник изображает его прямо в момент открытия тайны. Далила склонила голову и выжидающе прислушивается к словам героя. Очевидно, что Эчена использовал ветхозаветную сцену как очередной повод изобразить множество деталей роскошной жизни Древнего Востока. Он выписывает драгоценные украшения, богатые одежды, узоры ковров и фресковых декораций, пытаясь воплотить в полотне Восток своей мечты.

Поль Гоген (1848–1903) Стирающие женщины в Арле 1888. Холст, масло. 74x92

Поль Гоген — один из наиболее значимых для последующего развития искусства представитель постимпрессионизма наряду с Полем Сезанном и Винсентом Ван Гогом.

Картина с изображением стирающих женщин была выполнена мастером во время недолгого проживания у Ван Гога в Арле, где тот мечтал создать сообщество живописцев-единомышленников. В формальном отношении оба творца стремились к нестандартным колористическим решениям, а в сюжетном плане их наиболее привлекало изображение жизни простых людей, как можно более далеких от нравов парижан. Ван Гог считал Арль, его природу и жителей как нельзя лучше подходящими для использования в качестве живописной натуры. Хотя Гоген был неудовлетворен жизнью в Арле, за эти несколько месяцев им обоим удалось создать ряд полотен, обменяться опытом и в определенной степени повлиять друг на друга. Так, например, мотив стирающих женщин вполне можно считать заимствованным у Ван Гога, поскольку это один из его излюбленных сюжетов.

Краски Прованса не стали откровением для мечтавшего о насыщенности и изобилии цветов юга Гогена, однако именно Арль стал последней ступенью на пути к окончательному прощанию с цивилизацией и отъезду на Таити, здесь заметны его устремления. Наиболее важным для художника было показать неразрывную связь изображаемых им персонажей с истинным естеством жизни, с природой, которая воспринималась им как высшая ценность. Фигуры стирающих женщин сложно отделить от окружающей среды. Они не акцентируются объемом и не отбрасывают теней, их тела образованы текучими линиями, сформированными по тем же законам, что и очертания волн в реке и островки зелени на земле, сосуществующие в едином ритме с ними. Вдохновленный характерным для искусства Японии и других неевропейских стран подходом к цвету, Гоген пришел к оригинальному колористическому решению. Отказываясь от плавных переходов, он столкнул спокойные пастельные оттенки, которыми написана река, с сильными и насыщенными цветами отражающегося в воде солнца. Несмотря на интенсивность, цвета у художника не локальны: плоскости создаются путем совмещения нескольких оттенков одного цвета.

Мэри Кэссет (1844–1926) Сидящая женщина с ребенком на руках 1890. Холст, масло. 81x65,5

Мэри Кэссет — художница из Америки, прожившая большую часть жизни во Франции, являющаяся представительницей импрессионистической живописи. Она была дружна с Эдгаром Дега, в Париже работы Кэссет не раз выставлялись вместе с произведениями других импрессионистов.

Сцены материнства становятся лейтмотивом ее зрелого и позднего творчества. В работах подобного рода Кэссет опиралась на традиции изображения Мадонны с Младенцем в эпоху Возрождения, стремилась передать неразрывность их связи, избегала лишней сентиментальности.

Светлые пастельные тона, плавные линии, мягкие движения кисти наполняют данное произведение устойчивым ощущением глубокого внутреннего спокойствия, уверенности и нежности. Художница не показывает лицо матери, поэтому единственным «окном», открывающим зрителю картину, становится фигура ребенка, которая выделяется теплотой колорита. Лицо малыша с выразительными ярко-голубыми глазами может показаться печальным, однако близость с матерью, поза с вытянутой рукой и склоненной головкой создают атмосферу надежности, когда любые огорчения, даже если они и имеют место, легко будут преодолены.

Хоакин Соролья (1863–1923) Целование мощей 1893. Холст, масло. 103,5x125,5

Хоакин Соролья — один из ведущих представителей импрессионизма в Испании, наиболее известный изображением беззаботных сцен, происходящих на солнечном валенсийском побережье. Однако подобные работы, наполненные светом и яркостью красок, появились лишь в зрелый период творчества художника. Начинал он с создания полотен, более близких по технике исполнения к академическому реализму, часто поднимая в них социальные проблемы.

Картина «Целование мощей» уже предопределяет будущий, будто спонтанный по своей легкости характер мазка Сорольи, однако ее колорит очень сдержан, даже золотые украшения, присущие пышным католическим церквям, написаны приглушенно. Располагая фигуры людей в глубине полотна на одной линии, мастер привнес в работу повествовательный элемент и эффект театральной мизансцены, развивающейся во времени.

Художник запечатлел эпизод из жизни простых людей. Небольшая группка, очевидно, небогатых прихожан молится в церкви с надеждой на то, что поклонение мощам неизвестного зрителю святого поможет справиться с жизненными невзгодами. Типичный ритуал сопровождается на картине Сорольи отнесенной в левую сторону сценой, изображающей пожилую женщину, дающую деньги мальчику-служке. Композиционно противопоставляя их фигурам героинь, склоненных к реликварию в руках священника, мастер объединяет мотивы молитвы, надежды и ответного воздаяния за ее обретение.

Анри ле Сидане (1862–1939) Канал Брюгге 1899. Холст, масло. 60,5x73

Анри ле Сидане — французский художник, чьим учителем в Школе изящных искусств был Александр Кабанель. Мастер не завершил академическое образование, променяв его на свободу живописных экспериментов. Его работы относятся к постимпрессионистическому направлению — интимизму (от латинского «intimus» — «самый глубокий, тайный, сокровенный, искренний, задушевный»). Художники-интимисты изображали жанровые и пейзажные сцены, где намеренно подчеркивалась двумерность пространства, а на первый план выходила работа со светом и цветом.

«Канал Брюгге» — типичное для творчества Сидане полотно, в котором живописная среда строится на основе ряда оттенков, принадлежащих одной цветовой гамме. Для изображения осеннего вечера в Брюгге художник избирает теплые и насыщенные карминово-красные, бордовые, коричневые, золотистые тона. Увядающая листва здесь становится волшебным проводником мерцающего света на погружающуюся во тьму набережную, причем это характерно как для крон деревьев, так и для поблескивающих на мрачной глади канала опавших листьев. Типичный для Сидане будто трепещущий мазок, развившийся из импрессионистической манеры художников прежних лет, придает живописной ткани особый род подвижности.

Отличительной чертой мастера является своеобразное одомашнивание уличных сцен, его пейзажи всегда носят камерный характер, создают свойственное, скорее, интерьерам ощущение уюта. Мир природы и города у Сидане не противопоставлен человеку, а соразмерен и, можно сказать, подчинен ему, существует исключительно для него. Эти черты проявляются и в данном полотне, где осень не кажется холодной, а поздний вечер — пугающе темным и гнетущим, несмотря на отсутствие прохожих и освещения.