Кит. Маска. XIX век

Фигура человека, возникающая из цветка лилии 600–900. Керамика, пигмент. 21x5,4x4,3

Во многом остающаяся до сих пор загадочной культура майя еще долго будет хранить тайны и поражать своими творениями искусства. Но и имеющиеся знания о ней позволяют сделать некоторые выводы. Один из них — для скульптуры майя характерны изображения человека, рождающегося из цветка водяной лилии. Отдельной большой и увлекательной темой могло бы стать исследование представления человека о своем происхождении из водной стихии. Эти верования бытовали (и во многих ареалах бытуют до сих пор) у народов, не контактировавших между собой, причем в поразительно схожих вариантах и разных областях интеллектуальной деятельности (например, античный миф о Венере, родившейся из морской пены).

Бруклинская статуэтка данного жанра выполнена наиболее сложно и изысканно. С художественной точки зрения она восхищает грациозностью и изяществом. Истолкование символического значения фигурки представляет трудность из-за отсутствия достаточных общих сведений. Поскольку водяная лилия в космологии майя связана с подземным миром, изваяние, возможно, символизирует возрождение после смерти.

Фигура, изображающая жизнь и смерть 900-1250. Камень. 158,4x66x29,2

Эта фигура — образец не только скульптуры ацтеков, но и их философии. Спереди она воплощает Жизнь, со спины — Смерть. Идея их полной взаимосвязи и взаимозависимости пронизывает все искусство ацтеков. С одной стороны — элегантная, в натуральную величину мужская фигура, венчаемая конической шляпой, и, как было принято у ацтеков, в юбке; с противоположной — эта же фигура со скелетом, исполненным в технике рельефа. На теле Жизни изображена система узоров, в том числе колосья и кошачьи головы (символы плодородия и земли). Они покрывают все изваяние — плечи, руки, живот, ноги. Вероятно, это дает представление о татуировках, которые в изобилии украшали тела ацтеков. Высказывалось предположение, что зрачки глаз и ушные раковины на скульптуре первоначально были украшены золотом и драгоценными камнями, они, возможно, утрачены в эпоху конкистадоров, интересовавшихся только драгоценностями. Однозначного ответа на вопрос, каково назначение круглого отверстия на животе, нет. Поскольку статуя была явно храмовой, то считается, что оно служило для вложения подношений, потому имеет такую четкую форму круга. Однако возражением против данной гипотезы является его малый размер.

Лежащий ягуар 1440–1521. Камень. 12,7x27,9x14,6

Этот лежащий ягуар — прекрасный пример натуралистической скульптуры ацтеков. Каждая часть животного тщательно исполнена, в том числе нижняя, где подушечки лап вырезаны в технике невысокого рельефа.

Для ацтеков данный хищник символизировал власть, мужество и войну. Например, высшие по чину воины назывались ягуарами и орлами. Правители ассоциировали себя с одним из главных божеств — Тескатлипокой; это имя значит «Дымящееся (или Огненное) зеркало», ягуар у которого был в услужении. Цари также изображались носящими шкуры зверя или сидящими на них. Кроме того, как ночной охотник ягуар был связан с опасностью и тьмой.

В настоящее время неизвестно, почему и для кого были вырезаны подобные натуралистические изображения животных и растений. Возможно, они помещались в храмы или дворцы, но, может быть, находились в домах знати. Не исключено, что эта скульптура пребывала в месте, где обучали военному искусству.

Погремушка «Ворона» XIX век. Дерево, краска, хлопковый шпагат. 14, 0x35,6x10,2

Данная фигурка называется погремушка «Ворона», поскольку вырезана в форме этой птицы. Она происходит из мест обитания народа цимшиан, племени американских индейцев Канады Белла-Белла.

Такого рода предметы с точки зрения музыки принадлежат категории шумовых инструментов с неопределенной высотой звука (как всякие другие трещотки, погремушки и ударные). Подобные изделия можно видеть в других собраниях. В музее Метрополитен (США, Нью-Йорк), например, они отнесены к разряду музыкальных инструментов, в Бруклинском музее такая фигурка представлена лишь как образец пластики.

Любопытен дизайн погремушки. Тело вороны подобно лодочке, в ней поместилась фигурка человека — шамана. Так его всегда воспринимают аборигены Северной Америки. В скульптуре также можно разглядеть трех лягушек: одна — во рту у ворона, другая — напротив рта шамана, третья — у его ног. Это земноводное служит примером существа, ведущего двойную жизнь. Она чувствует себя как дома и на суше, и в воде. Этого состояния она достигла благодаря замечательному процессу трансформации. Для индейцев лягушка олицетворяет воду, отражая такие ее качества, как податливость, текучесть и способность легко приспосабливаться к изменениям. Лягушка без труда уживается со своим окружением — так вода принимает форму сосуда, в который ее помещают.

Подобные погремушки — непременный атрибут вождя племени, обязательная часть его наряда, особенно во время отправления культовых обрядов. Существует большое разнообразие таких изделий. Их в большом количестве изготавливают в наше время, удовлетворяя спрос туристов на индейские сувениры.

Роксана Свенцелл (род. 1962) Создание детей для индейского рынка 2004. Керамика, краска. 59,7x21,6x43,2

Роксана Свенцелл — американская индианка, профессиональный скульптор и художник, родом из племени Пуэбло (США, штат Нью-Мексико). Ее изваяния передают широкий спектр эмоций и настроений, особенно выразительны женские образы. В своем искусстве мастер стремится к установлению гармоничного сочетания мужского и женского начал. Она не ограничивается простым воспроизведением индейских художественных традиций, создав, по сути, свой стиль и систему приоритетов. Хотя основой и источником вдохновения является родная культура Свенцелл, ее искусство универсально и обращено ко всем людям.

Скульптура изображает женщину племени Пуэбло, сидящую, вытянув вперед босые ноги и положив на них руки. Она в традиционном для данного стиля черном платье, одно плечо оголено, с белым поясом. Лицо героини — повидимому, автопортрет. Взгляд устремлен вверх: она следит за установленной на голове вазой, чтобы та не опрокинулась — так носят посуду представительницы этого племени. Из сосуда появляются два младенца, третий стоит у нее на плече и тянется рукой к родившимся на свет, четвертый сидит на коленях у женщины в полном блаженстве. Скульптура — оригинальная манифестация силы материнства.

ЕВРОПЕЙСКОЕ ИСКУССТВО

Антуан-Луи Бари. Лежащий тигр. Без даты

Нардо ди Чионе (1343-1 365/1366) Мадонна и Младенец на троне со святыми Зиновием, Иоанном Крестителем, Репаратой и Иоанном Евангелистом. Середина XIV века. Дерево, темпера, золото. 196,9x100,3

Нардо ди Чионе — член семьи флорентийских живописцев, самым известным из которых является Андреа ди Чионе (Орканья). Вазари в своих знаменитых жизнеописаниях итальянских художников о Нардо говорит кратко, тогда как Андреа посвящает отдельную главу. К тому же он ошибочно считает, что полное имя творца — Бернардо, в действительности его звали Леонардо. Мастерская семьи Чионе после чумы в 1348 стала самой важной во Флоренции.

Данный алтарный образ был создан, вероятнее всего, для Дуомо (кафедрального собора), отсюда — выбор святых. На переднем плане два тезки — Иоанн Креститель и Иоанн Богослов с традиционными атрибутами. Креститель с тростниковым крестом указывает на Младенца Христа и в этой мизансцене, безусловно, произносит свою главную фразу: «Ессе Agnus Dei» (с латинского — «Вот Агнец Божий»). Иоанн Богослов предстает здесь именно как евангелист, то есть автор четвертого Евангелия, а также «Откровения»: он преклонного возраста и со знаком учености — книгой (именно в его Евангелии содержатся приведенные слова Крестителя). Вторая пара святых тоже неслучайна: они являлись покровителями Флоренции. Репарата — дева-мученица из Кесарии, умершая, как считается, во времена преследования христиан при императоре Деции в III веке. Она была святой старого кафедрального собора в городе, пока на его месте не воздвигли новый (1293). Из ряда ее атрибутов в данном случае выбран стяг с белым полотнищем и красным крестом — символ Воскресения, опять-таки ввиду эпидемии чумы. Зиновий (умер около 417), еще будучи молодым человеком, обратился в христианство и стал епископом Флоренции. Он изображен с епископским посохом.

Андреа Бусати (1503–1528) Мадонна с Младенцем и святыми Иоанном Крестителем и Николаем Толентийским. До 1500-х. Дерево, темпера, масло. 72,1x111,1

Андреа Бусати — итальянский художник венецианской школы, письменных свидетельств о деятельности которого не сохранилось. Есть информация, что в 1528 он подписал завещание. Три известные его картины обнаруживают влияние Джованни Беллини и в еще большей степени Чимы да Конельяно. В сравнении с персонажами Чимы фигуры Бусати кажутся схематичными, с более пухлыми лицами, складки их одежд не столь плавные, второстепенные элементы — животные и архитектурный декор — более формализованные, колорит и освещение суше.

Бруклинская картина представляет традиционный сюжет итальянской живописи Возрождения. Подобные сцены Мадонны и Младенца со святыми получили название «Sacra conversatione» (с итальянского — «Святое собеседование»). Святые узнаются по традиционным атрибутам: Иоанн Креститель с тростниковым крестом, Николай Толентийский, новый для современников монах-августинец, — в черной рясе своего ордена, на груди у него звезда — указание на звезду или комету, которая, согласно житию (составленному в связи с канонизацией, в 1446), явилась в момент его рождения. Книга в руке указывает на проповедническую деятельность, цветок лилии символизирует чистоту и святость. Если образ Иоанна Крестителя, этого раннего христианского святого, идеализированный, то в облике Николая Толентийского, жившего еще сравнительно недавно, можно отметить портретные черты.

Выбор для «собеседования» именно Николая Толентийского можно объяснить тем, что он являлся одним из покровителей Венеции — может, и не родины художника, но, во всяком случае, города, с которым тот был профессионально связан. Еще более конкретная причина изображения святого на картине — то, что он считался защитником от чумы. Известно, что в конце XV — начале XVI века Венецию потрясло несколько эпидемий «черной смерти». Больных свозили на остров Лаззаретто-Веккьо, где был устроен первый чумной лазарет. Можно предположить, что если на заднем плане дан вид Венеции, то место на переднем, отделенном проливом, и есть названный остров, на котором столь желательно присутствие Николая Толентийского. Но все это, конечно, представлено художником (если предположения вообще верны) весьма условно.

Ян Корнелис Вермейен (1500–1559) Портрет Жана де Корондле. Около 1530. Дерево, масло. 78,1x62,2

Ян Корнелис Вермейен — нидерландский живописец, гравер, инженер и архитектор. Мастер религиозных картин и портретов, он сформировался под влиянием Яна Скорела и Яна Госсарта. После смерти в 1530 покровительницы Маргариты Австрийской художник поступил на службу к Марии Венгерской и отправился в Аугсбург. В 1535 вместе с императором Карлом V он поехал в Испанию и Тунис.

Приобретя известность как портретист, Вермейен получал много заказов от представителей высшего света. Так появились два портрета канцлера Жана де Корондле (второй — в собрании Королевского музея изящных искусств в Брюсселе). Их интересно сравнить. Хотя черты лица героя различны (можно даже усомниться, что это один человек), они производят одинаковое впечатление. Зритель оказывается в обществе, безусловно, значительной личности: проницательный взгляд, интенсивная внутренняя интеллектуальная жизнь, официальное облачение — черная мантия и шапочка. Даже второстепенные детали на картинах схожи: в правой руке — пара перчаток, левая свободна, ее жест на брюссельской работе более естественен, не столь загадочен, как на бруклинской (вряд ли теперь можно в точности установить, что он выражает).

Ян Питер Брейгель (1628 — после 1682) Цветы в узорчатой вазе. Около 1670. Холст, масло. 187,3x11 8,4

Ян Питер Брейгель — поздний (младший) представитель самой многочисленной династии европейских художников, основателем и крупнейшей фигурой которой был Питер Брейгель Старший.

Нидерланды — родина натюрморта. Для расцвета этого жанра было много причин и в первую очередь высокий уровень жизни в этой стране в XVI веке. Картины ярко свидетельствуют об этом. В среде художников культивировалась резко очерченная специализация. Мало того, что мастера делились, например, на жанристов и создателей натюрмортов, в каждой из этих сфер деятельности наблюдалось еще более мелкое дробление. Жанр натюрморта подразумевал множество видов (для них разработана даже специальная терминология): «Завтраки», «Сервированные столы», тональный, ученый, иллюзионистический, роскошный натюрморт и другие.

Цветочный натюрморт стал одним из самых излюбленных. Причину его популярности можно найти в особенностях быта нидерландского общества — в традиции иметь сады, загородные виллы или комнатные растения, а также в благоприятных природных условиях для цветоводства.

Жан-Жозеф-Ксавьер Бидо (1758–1846) Бегущий поток в Сан-Косимато 1788. Бумага, наклеенная на холст, масло. 31,1x49,8

Французский пейзажист Жан-Жозеф-Ксавьер Бидо обучался искусству живописи, пейзажу и натюрморту, в течение шести лет в Лионе, впоследствии жил в Провансе, в Швейцарии, наконец переехал в Париж. Под влиянием художника Клода Жозефа Верне он начал писать пейзажи на открытом воздухе.

Бруклинское произведение относится к тому счастливому периоду времени, когда Бидо в компании кардинала де Берни отправился в Италию и, покоренный ее великолепной природой, остался там на несколько лет. Мастер писал в стиле неоклассицизма, но, когда тот перестал быть модным, его положение ухудшилось, поэтому свои дни Бидо закончил в ужасной нищете.

Горные речки и ручейки дали живописцу возможность присмотреться, полюбить и мастерски передать контрасты природы, где обнаженные породы омываются стремящимися потоками воды и создаются завораживающие вихри, воспроизвести которые на картине было увлекательнейшей задачей. Бруклинская работа — подлинный шедевр художника. Восхищают красочная палитра, богатство оттенков водной стихии, динамизм. Все передано с поразительной реалистичностью, но вместе с тем это не холодная фотография: пейзаж согрет теплом души Бидо.

Констан Труайон (1810–1865) Пасущаяся корова; собака, лающая на нее. Около 1852–1863. Холст, масло. 71,8x89,5

Констан Труайон — французский художник-анималист и пейзажист, близкий к барбизонской школе. В юности он расписывал фарфор на Севрской фабрике, как пейзажист дебютировал на Салоне в 1833. Ранние работы автора откровенно ретроспективны и подражают искусству барокко.

Представленная картина относится к тому периоду творчества мастера, когда он, по признанию специалистов, создал свои лучшие произведения. С любовью и вдохновением живописец передает жизнь деревни, подчиненную естественному ритму смены времен года, чередованию сельских работ. Современному зрителю это и подобные полотна художника кажутся совершенно бесхитростными. И действительно, что может быть проще сюжета с пасущейся коровой и лающей на нее собакой? Именно подобные сцены часто изображали голландцы, поразившие в свое время живописца, у них была такая же цель — привнести в дома городских жителей образы и настроения сельской жизни, с ней связаны представления о покое, умиротворенности, мире.

Произведением искусства эту картину делает замечательное мастерство, с которым художник воспроизвел животных и пейзаж с его цветом и светом.

Жан-Франсуа Милле (1829–1896) Пастух, пасущий свое стадо. Начало 1860-х. Холст, масло. 105,4x124,5

Юность французского художника Жан-Франсуа Милле прошла в маленькой деревушке Грюши в Нормандии. Сын крестьянина, он помогал отцу в хозяйстве и полевых работах. Родители выделили молодому человеку средства и позволили заниматься живописью. В 1837 он переехал в Париж, где поступил в обучение к Полю Деларошу. Однако значительно большее воздействие на формирование стиля художника оказали посещения Лувра и внимательное изучение полотен старых мастеров. С?840 Милле начал выставлять картины в Салоне.

В 1849 он вместе с семьей поселился в деревушке Барбизон, близ Фонтенбло, которая привлекла его уединенностью и живописными окрестностями. Главными для мастера стали темы крестьянской жизни и природы.

Будучи ребенком фермеров, Милле понимал как возрождающую силу цикла времен года, так и пугающую перспективу разорения по прихоти природы. С конца 1840-х он посвятил свою карьеру отображению в картинах одновременно героической и суровой судьбы крестьян. Картины художника на эти темы вызвали презрение консервативных критиков.

В данной работе живописец наделяет пастуха внушительной монументальностью, помещает его на передний план, где тот возвышается над линией горизонта. При этом герой тяжело опирается на посох, черт лица не видно, рот открыт — то ли от боли, то ли от усталости. И хотя пастух пасет свое стадо, высохшая трава наводит на мысль, что стоит засуха и, следовательно, неминуемы трудные времена для всех крестьян и для него в частности.

Встречается и символическое толкование сюжета полотна: пастух ассоциируется со Спасителем, стадо — с его паствой — известное уподобление в раннехристианском искусстве.

Эдгар Дега (1834–1917) Портрет мадемуазель Фиокр в балете «Ручей». Около 1867–1868. Холст, масло. 130,8x145,1

Эдгар Дега — один из самых выдающихся представителей французского импрессионизма. Отвечая на вопрос, почему он любит писать балет, мастер сказал: «Меня называют живописцем танцовщиц; не понимают, что танцовщицы послужили мне предлогом писать красивые ткани и передавать движения».

Этот портрет — первая картина художника, открывшая большую серию работ, посвященных танцовщицам и театральным сценам. Вот как об этом говорил его современник Эдмон Гонкур: «Вчера после обеда я побывал в мастерской художника Дега. После многих попыток в самых разнообразных направлениях он полюбил современность, а в современности он остановил свой выбор на прачках и танцовщицах. ‹…› Следующими идут танцовщицы. Это фойе балетной школы, где на фоне освещенного окна фантастическими силуэтами вырисовываются ноги танцовщиц, сходящих по маленькой лесенке, и ярко-красные пятна ткани среди всех этих белых раздувающихся облаков, и забавная фигура учителя танцев. И прямо перед нами, схваченные на месте, грациозные, извивающиеся движения и жесты маленьких девушек-обезьянок. Художник показывал нам картины, время от времени подкрепляя свои объяснения движениями, имитируя то, что на языке балета называется арабеск, — и в самом деле очень забавно видеть его, показывающим балетные движения, соединяющего с эстетикой учителя танцев эстетику художника…»

Эжени Фиокр была знаменитой в свое время парижской балериной. На этой картине она (в центре, в синем платье) изображена в перерыве репетиции — недалеко от балерины можно увидеть снятые пуанты. При создании полотна Дега впервые в своем творчестве сочетает монументальный стиль, присущий исторической живописи, и сюжет из современной ему театральной жизни. Работа была показана на парижском Салоне в 1868.

Забытый в наши дни балет Лео Делиба «Ручей» с его экзотическим сюжетом из грузинской жизни (Фиокр исполняла роль грузинской принцессы) был очень популярен, его даже выбрали для открытия парижского театра Гранд-опера в 1875.

Примечательно, что обаяние Эжени привлекло не только Дега: вскоре, на Салоне в 1870, был представлен скульптурный бюст балерины работы Ж.-Б. Карпо (Лувр, Париж). И если художник запечатлел артистку в театральном образе и несколько уставшей, то ваятель — какой она была в жизни. Критик Ж. Кастаньяри писал о «парижской мордочке, такой восхитительно тонкой и дерзкой», плечах и спине, глядя на которые «вздрагиваешь, настолько правдиво и интимно передано тело».

Жюль Бретон (1827–1906) Бретонская крестьянка, держащая свечу. Около 1869. Холст, масло. 30,5x22,9

Жюль (полное имя при рождении — Жюль Адольф Эме Луи) Бретон — французский художник, жанрист и пейзажист, приверженец реализма. Сюжеты его картин заимствованы из народной жизни, большинство произведений носит идиллический характер, они изображают пастухов или крестьян в поле, но их исполнение отличается реализмом.

Этим трогательным образом пожилой бретонки, своей соотечественницы, живописец передает глубокую религиозность, столь характерную для народа названной провинции. Фигура помещена на монохромном фоне, подчеркивающем накрахмаленные складки ее высокого белого воротника и головного убора. Если Франция оказалась открытой для индустриального прогресса, который в XIX веке подчинил себе все виды человеческой деятельности и стимулировал все жанры искусства (импрессионизм возник как реакция на этот прогресс), то Бретань сохранила старинный уклад жизни и глубокую религиозность.

На пальце руки, в которой женщина держит зажженную свечу, — обручальное кольцо. Можно предположить, что все мысли героини и, быть может, молитва (другой рукой она перебирает четки) — о покойном муже.

Творчество художника можно сопоставить с живописью Милле. Напрашиваются и литературные параллели, например, с Бальзаком: бруклинская картина могла бы стать иллюстрацией к какому-нибудь эпизоду цикла «Сцены из провинциальной жизни».

Жан Батист Камиль Коро (1796–1875) Молодые спартанки 1868–1870. Холст, масло. 42,5x74,8

Жан Батист Камиль Коро — французский художник и гравер эпохи романтизма. Два жанра — пейзаж и портрет — были его страстью (до наших дней дошло более 2000 картин), в них он достиг огромного мастерства и оказал влияние на европейскую живопись, явившись, в частности, одним из предтеч импрессионизма.

Бруклинское полотно Коро — пример соединения в одной работе пейзажа и портрета. Начиная с 1830-х художник стал включать в свои пейзажи античных мифологических персонажей. В этом он оказался верным последователем академистов. Не все с пониманием относились к данному увлечению. Писатель Эмиль Золя, автор романа «Творчество», прототипами героев которого, а порой и самими героями были современные ему французские живописцы, так оценил подобные произведения: «Я любил бы Коро безгранично, если бы он согласился раз и навсегда уничтожить нимф, которыми он населяет свои леса, и заменить их крестьянками… Мне в тысячу раз дороже маленькие карманные этюдики, эскизы, сделанные им в полях, лицом к лицу с могущественной природой».

В 1860-е художник часто изображал свою любимую модель — Эмму Добинье. Он писал ее в одеждах разных восточных народов. На этой картине она облачена в античный наряд и предстает в образе молодой спартанки, лежа на шкуре леопарда, быть может, ею и побежденного. О тонкой душевной организации героини говорит струнный щипковый инструмент, предшественник лютни, в руках. На заднем плане танцуют три девушки.

Альфред Сислей (1839–1899) Наводнение в Морэ 1879. Холст, масло. 54x71,8

Французский живописец Альфред Сислей, представитель импрессионизма, по происхождению англичанин. Главной темой его творчества являлся пейзаж. При жизни искусство мастера подвергалось жесткой критике, популярность пришла к нему только после смерти.

Исторические документы свидетельствуют, что в 1870-х в городах на Сене и ее притоках, например в Луане, несколько раз случалось наводнение. Это стихийное бедствие, конечно же, принесло страдания местным жителям. Между тем, Сислей в ряде картин на тему наводнения — серия полотен под названием и «Наводнение в Пор-Марли» — запечатлел не разрушительную силу стихии, а довольно спокойный пейзаж с «высокой» водой. Нет на них ни человеческих бедствий, ни собственно разрушений, обычных в такой ситуации. В этом, можно сказать, проявился оригинальный подход живописца к теме. Как и в других его импрессионистических пейзажах, в представленном восхищает игра красок, их оттенков, освещение, колорит.

Сислея часто называют «художником воды», его кисти принадлежит большое число полотен с видами рек, каналов, прудов и других водоемов Франции. Если изучить все наследие мастера, то можно констатировать — главным, что интересовало его, были вода и небо. Живописец запечатлел их в различном состоянии и в разное время года. Особенность его стиля в том, что он намеренно сводит весь колористический строй картины к одной-единственной краске — голубой, но находит в ней необычайное разнообразие оттенков. Именно это можно видеть на бруклинском холсте.

Клод Моне (1840–1926) Прилив в Пурвиле 1882. Холст, масло. 66x81,3

Клод Моне — выдающийся французский живописец, глава художественной школы импрессионистов.

Представленная картина — одна из серии работ, написанных им в 1882 на небольшом приморском курорте Пурвиль в Нормандии (Северная Франция). Это место вдохновило мастера на создание ряда произведений с изображением побережья при различном состоянии природы и освещении, творений необычайно поэтичных, истинно импрессионистических. Данное направление в искусстве получило название от одной из работ Моне — «Impression. Soleil levant» (с французского-«Впечатление. Восход солнца»).

Живописец был очарован видами скалистого берега и открывающимся с него морем. Здесь стояли постройки, некогда служившие домиками таможенникам; им важно было, чтобы пространство просматривалось как можно дальше, теперь они заброшены и, как все забытое, овеяны неким романтическим флером. Подобное настроение и передал Моне на своих картинах с видами этих мест. Если в других полотнах он запечатлел здешнее идиллическое спокойствие (например, «Прогулка к утесу в Пурвиле», 1882, Чикагский художественный институт), то на бруклинской картине схвачен миг бурного моря: мощная волна движется по холсту горизонтально, берег покрыт дикой растительностью, что передано мазками ярких красок — красных, желтых, зеленых, синих…

Анри-Жозеф Арпиньи (1819–1916) Маслобойня в Бьюли 1891. Холст на картоне, масло. 31,8x44,4

Живописец Анри-Жозеф Арпиньи также считается одним из ведущих французских акварелистов своего времени. Его основные работы — пейзажи, изображения детей, портреты. Стиль и манера письма Арпиньи не претерпели за время его деятельности существенных изменений. В 1840-е он сблизился и, можно сказать, примкнул к барбизонской школе — группе художников, поселившихся в местечке Барбизон и посвятивших себя, главным образом, пейзажной живописи. Их объединяло желание сблизить природу и искусство. Однако пейзажи Арпиньи в отличие от работ барбизонцев были более естественными, он не стремился внести в них символический элемент, как в некоторой мере делали барбизонцы. Несколько позже определенное влияние на мастера оказал Камиль Коро. Первый успех пришел к Арпиньи на парижском Салоне в 1861.

Художник прожил очень долгую жизнь и не утратил творческой энергии. Яркое свидетельство тому — этот очаровательный пейзаж, написанный им уже на склоне лет, передающий очарование жизни вдали от цивилизации. Элегическое настроение создает вид заброшенной хижины.

Хоакин Соролья-и-Бастида (1863–1923) Астурийский пейзаж 1903–1904. Холст, масло. 61,9x94,6

Испанский живописец Хоакин Соролья-и-Бастида — крупнейший представитель импрессионизма в Испании. Его детство было очень трудным — мальчик рано потерял родителей, остался сиротой, воспитывался в семье тети, работал в мастерской ее мужа, кузнеца по профессии. Увлекшись в 14 лет живописью, Соролья-и-Бастида сразу очень ярко проявил свой талант. Ему удалось пройти полагавшиеся академические стадии обучения, и в 1885 он получил от Испанской Академии в Риме стипендию на четырехлетнюю учебу в этом городе. Молодой человек побывал в Париже, познакомился с современной живописью, из которой выделил для себя произведения Жюля Бастьена-Лепажа и Адольфа Менцеля. В 1888 он вернулся в Валенсию, в 1890 переехал в Мадрид. Дальнейшая судьба художника — непрерывное восхождение к вершинам славы и мировому признанию. Его работы получили признание критиков на парижских Салонах, кульминацией стала экспозиция картин на Всемирной выставке в Париже в 1900, за которую Соролья-и-Бастида был награжден Почетной медалью и орденом Почетного легиона, стал Почетным членом художественных академий Парижа, Лиссабона и Валенсии. Последующая его деятельность была отмечена званием Офицера ордена Почетного легиона. Конец карьере живописца положил инсульт, случившийся с ним в 1920, в момент, когда он писал очередную картину.

Бруклинский холст — произведение зрелого творца, который ранее был известен видами пляжей родной Валенсии, создававшими радостное настроение и пользовавшимися успехом у зрителей. Но художник покинул песчаное побережье Средиземного моря и отправился в северную провинцию Астурия, чтобы запечатлеть зеленый колорит (таким он видится ему) тех мест: реки, их холмистые берега, дома местных жителей. На этой картине очень поэтично переданы полюбившиеся Соролья-и-Бастиде виды: белые домики с красными черепичными крышами, окруженные растительностью. Обращает на себя внимание необычайное разнообразие палитры в передаче оттенков зеленого цвета, всегда разного у травы долин и листвы разных пород деревьев. Во всем чувствуется рука большого мастера.

Пьер Огюст Ренуар (1841–1919) Виноградник в Кань 1908. Холст, масло. 46,4x55,2

Французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма Пьер Огюст Ренуар известен в первую очередь как мастер светского портрета. Он первым из импрессионистов снискал успех у состоятельных парижан. С середины 1880-х художник отходит от эстетических принципов данного направления и обращается к классицизму. В его творчестве начиная с этого времени ощущается влияние манеры Жана Огюста Доминика Энгра.

Кань-сюр-Мер — курортный городок недалеко от Ниццы. Это место, где Ренуар прожил последние годы жизни и много раз запечатлел его виды на своих картинах, всегда необычайно поэтичных. Он считал, что нет в мире ничего прекраснее заросшей камышами долины маленькой речки Кань, ему нравилось, что здесь вдали горы. «Нужно, чтобы они оставались тем, чем Бог их создал, фоном, как у Джорджоне!» — говорил живописец. Сменив несколько домов, он купил там виллу Колетт.

В эти годы Ренуар часто в качестве модели писал свою повзрослевшую дочь Габриэль. Можно предположить, что и на данном холсте именно она, хотя ее лица не видно.

Время, когда создавалось произведение, принято называть красным периодом в творчестве мастера, это, конечно, условно. Но основанием явилось то, что с 1903 в палитре художника начинают доминировать красные тона. Их разнообразие поразительно!

Еще одно немаловажное обстоятельство наложило отпечаток на стиль, вернее, почерк (в прямом смысле слова) живописца — в это время он страдал от артрита. Болезнь усугублялась, каждый штрих давался ему все больнее, в конце концов, Ренуар вынужден был привязывать кисть к руке и рисовать таким образом. Быть может, из-за этого недуга штрихи, которыми наложены краски на холст, становятся более схематичными, «выпрямляются».

Картина выполнена в жанре пейзажа, но, как всегда, Ренуар в отличие от своего друга Клода Моне населяет его людьми.

Йожеф Риппл-Ронаи (1861–1927) Женщина с тремя девочками. Около 1909. Холст, масло. 61,3x93,3

Йожеф Риппл-Ронаи, венгр по происхождению и, очевидно, француз по строю искусства, вошел в историю как художник большого и разностороннего дарования.

Можно констатировать досадные обстоятельства, по крайней мере, одно: наше современное восприятие явлений культуры, живописи в частности, не доставляет окончательного эстетического удовлетворения, пока зритель не решит для себя, к какому роду (стилю, классу, виду, направлению или течению) данное произведение относится, итогом и предтечей чего является. Эта мания для всего отыскать «полочку» и разместить все творения на них порой препятствует констатации очевидных вещей, как в случае с Риппл-Ронаи. Следует признать, что это выдающийся мастер, создавший замечательные образы (особенно в жанре портрета), обладавший разнообразной техникой и манерой письма. Именно такое разнообразие затрудняет отнесение его творчества какому-то одному направлению. Живописец был тесно связан с европейскими художественными течениями конца XIX–XX веков, знаком с такими видными деятелями французского изобразительного искусства того времени, как Поль Серюзье, Морис Дени, Эдуард Вюйяр, Пьер Боннар, Пьер Пюви де Шаванн, Поль Гоген и Аристид Майоль. Его связывают с группой «Наби» и стилем Сецессион. Вопрос, правда, в том, кто на что (или что на кого) влиял? Стили эти формировали живописца или художник формировал их?

Бруклинская картина (о ее сюжете можно только строить предположения) — яркий образец декоративного стиля автора. В его наследии имеются несколько работ, на которых запечатлена подобная сцена — взрослая женщина (вероятно, мать) беседует (наставляет или каким-то образом порицает) с девочками (быть может, своими дочерьми). Мизансцены на полотнах схожи, и это указывает, что в них было нечто дорогое сердцу художника.