Рафаэль Санти. Мадонна с гвоздиками. Около 1506–1507 г.

Паоло Уччелло (Паоло ди Доне) (около 1397–1475) Битва при Сан-Романо Около 1438–1440. Дерево, темпера. 182×320

Паоло Уччелло — итальянский живописец, представитель флорентийской школы кватроченто.

Лондонская картина являет одну из трех сцен цикла «Битва при Сан-Романо». Ее сюжет — Николо да Толентино ведет в бой флорентийское войско. Две другие хранятся в Лувре в Париже и Галерее Уффици во Флоренции. Цикл предназначался для палаццо Медичи, городского дворца самой могущественной флорентийской семьи. Три работы запечатлевают победу флорентийских войск в сражении в 1532.

Среди новаторов раннего флорентийского Возрождения Уччелло, совершенно поглощенный идеями воплощения перспективы в живописи, являлся самой экстравагантной фигурой. Джорджо Вазари писал о нем: «Будучи одаренным от природы умом софистическим и тонким, Уччелло не находил иного удовольствия, как только исследовать какие-нибудь трудные и неразрешимые перспективные задачи». По свидетельствам современников, он был настолько этим увлечен, что дни и ночи рисовал предметы в разных ракурсах, всякий раз усложняя задачу. Когда жена напоминала ему, что пора спать, он, с трудом оторвавшись от своих занятий, восклицал: «Какая сладостная вещь — перспектива!»

Его картины и представленная в частности производят впечатление почти абстрактной ирреальности, демонстрируют волнующую игру дерзких ракурсов сраженных лошадей, длинных копий, строгость геометрических форм. Это вписано в фантастический пейзаж, исполненный в сумрачных тонах. Примечательно, что все, не имеющее отношения к перспективе, оставляет художника равнодушным. Именно поэтому на его картинах нет… неба. Оно как бездонная глубина, не поддающаяся измерениям, совершенно выпадает из поля зрения Уччелло. Горизонт его работ поднят очень высоко, и все пространство отдано земным делам.

Пьеро делла Франческа (Пьеро ди Бенедетто) (около 1416/1420-1492) Крещение Христа 1450-е. Дерево, темпера. 167×116

Пьеро делла Франческа — итальянский живописец и теоретик, представитель Раннего Возрождения.

Среди множества картин западных мастеров на тему крещения Христа данная работа занимает особое место ввиду замечательных художественных качеств, а также исключительной сложности иконографии. В центре — Иисус, стоящий по щиколотку в реке, руки сложены в католическом молитвенном жесте. Рядом — Иоанн Креститель льет воду ему на голову (крещение обливанием). Позади этой группы — раздевающийся мужчина, готовящийся к таинству (намек на крещение множества народа). Над головой Спасителя парит голубь — Святой Дух. На заднем плане — группа людей восточного типа. Неясно, кто они, что означают их позы и жесты, яркая одежда. Еще более загадочны три ангела: они не поклоняются Христу, один, как кажется на первый взгляд, не обращает внимания на главное действие, но при этом устанавливает непосредственный контакт со зрителем и как бы приглашает принять участие в происходящем. Подобные позы и жесты ангелов никогда не встречались в контексте крещения Христа.

Антонелло да Мессина (около 1430–1479) Благословляющий Христос Около 1465. Дерево, масло. 38,7×29,8

Антонелло да Мессина — видный представитель южной итальянской школы живописи Раннего Возрождения. Зрелое творчество мастера являет собой сплав итальянских и нидерландских элементов.

Образ благословляющего Христа является вариантом иконографического типа, получившего определение «Salvator Mundi» (с латинского — «Спаситель Мира»). Христос изображен без державы, символа власти, и не коронованным. Его всепроникающий взгляд и благославляющий жест приковывают внимание. Рука, поднятая над рамой, написана с явным перспективным сокращением. Она должна была поражать современников иллюзией, будто выступает за плоскость картины и направлена непосредственно к стоящему перед ней зрителю. Внимательный взгляд обнаружит, что часть живописного слоя стерта, и под ним видно несколько иное первоначальное положение руки.

Примечательно, что одним-двумя десятилетиями позже подобный образ дважды создаст Ганс Мемлинг. Это доказывает, что не только нидерландские мастера влияли на итальянских современников, было и наоборот.

Сандро Боттичелли (1445–1510) Венера и Марс Около 1485. Дерево, темпера. 69,2×173,4

Боттичелли (Флессандро ди Мариано Филипепи, прозванный Сандро) — великий итальянский художник флорентийской школы эпохи Возрождения.

На представленной картине Венера, античная богиня любви, изображена в полулежачем положении, правой рукой опирающейся на подушку. Она внимательно смотрит на бога войны, лежащего напротив нее. Сцена происходит в миртовом гроте (мирт — растение Венеры). Марс погружен в глубокий сон, который не могут прервать играющие вокруг фавны, самые веселые персонажи полотна, изображенные согласно античной традиции рогатыми, козлоногими и хвостатыми. Они развлекаются с оружием бога: один трубит в раковину Марсу прямо в ухо, другой нахлобучил на голову его огромный шлем, третий, вылезающий из-под руки бога, приспособил себе его нагрудный панцирь. Одним словом, Марс обезоружен.

Очевидно, что картина имеет аллегорический смысл, как и все, связанное с античной мифологией. Основная ее идея — любовь побеждает войну или любовь побеждает все. Эта общая концепция восходит к идеям итальянского гуманиста Марсилио Фичино, который, в частности, утверждал, что Марс выделяется между планетами, ибо делает людей сильнее, однако Венера господствует над ним. Часто в соединении с Марсом или в противостоянии ему она не дает проявить недобрые свойства и смиряет его. Марс же никогда не господствует над Венерой.

Помимо основной идеи многое в работе может быть объяснено в символическом ключе. Например, вокруг Марса вьется рой ос (о них ничего не говорится в мифе). Дело в том, что картина была написана по заказу одного из членов семьи Веспучи, а осы отразили игру слов: «Веспучи» — «Веспа» (с итальянского «vespa» — «оса»).

Филиппино Липпи (около 1457–1504) Мадонна с Младенцем и святыми Иеронимом и Домиником Около 1485. Дерево, масло. 203,2×186,1

Филиппино Липпи — итальянский живописец эпохи Возрождения, мастер флорентийской школы, ученик Сандро Боттичелли, причем некоторые исследователи считают его талант более мощным.

Этот алтарь был написан для погребальной капеллы семьи Ручеллаи в новой церкви Сан-Панкрацио во Флоренции, принадлежавшей валломброзианцам, реформированным бенедиктинским монахам.

Дева Мария, кормящая Младенца Христа, представлена в наиболее древнем иконографическом типе «Virgo Lactans» (с латинского — «Дева Кормящая»). Образ был выражением культа, широко распространившегося в Италии в XIV веке, когда многие церкви провозглашали, что именно у них хранится святая реликвия — молоко Девы Марии.

Образ Богоматери с Младенцем и фигурами святых по обеим сторонам встречается в христианском религиозном искусстве с древних времен. Святой Иероним как переводчик Библии персонифицирует теологическую ученость; живший в пустыне и предававшийся покаянию, он изображен в виде отшельника. Святой Доминик, основатель доминиканского ордена, облачен в его одежду — белую тунику и наплечник под длинный черный плащ с капюшоном. Он держит лилию (знак целомудрия) и книгу (Евангелие).

Детали, на первый взгляд кажущиеся малозаметными и второстепенными, имеют важное символическое значение. Они составляют некие декорации к образам главных героев. Так, на заднем плане позади Девы Марии с Младенцем, далеко на склоне холма, изображена фигура на осле — это, безусловно, муж Марии святой Иосиф. Святой Иероним показан на фоне пещеры, вход в которую охраняет лев, его традиционный атрибут (по легенде, святой излечил зверя, вынув занозу из лапы, и тем самым приручил его). Справа, позади святого Доминика, на дальнем плане изображено здание богадельни — намек на его милосердную деятельность.

Все многочисленные и разнообразные компоненты, важные для алтарного образа, соединены художником в единое гармоничное целое, что делает это творение шедевром итальянского искусства XV века.

Леонардо да Винчи (1452–1519) Мадонна в скалах Около 1491–1509 или 1506–1508. Холст, масло. 189,5×120

По-видимому, творения Леонардо да Винчи обречены на нескончаемые дискуссии по поводу их содержания, истории создания, последующей судьбы, техники письма, генезиса и влияния. Картина «Мадонна в скалах» — не исключение: связана ли она с более ранней луврской работой (1483–1484/85), почему мастер решил написать этот сюжет повторно, создать его второй вариант (серьезные исследователи не называют данное полотно копией)?

В оригинале художник разработал сюжет по заказу францисканского монашеского Братства Непорочного зачатия Девы Марии для часовни церкви Сан-Франческо Гранде в Милане (сохранилась документация об условиях и всех стадиях работы). Живописец изобразил Мадонну, Младенца Христа, поднявшего руку в благословляющем жесте, маленького святого Иоанна и архангела, скорее всего Уриэля, ассоциирующегося с ним. В Национальной галерее хранятся две панели для этого сюжета с изображением музицирующих ангелов, но первоначально они принадлежали луврской картине.

Иконография полотна богата и сложна. Возможно, Мадонна показана в скалах в связи с францисканской теологией, так как святой Франциск получил свои стигматы, молясь Христу возле горы с трещинами и расщелинами. И это только один скрытый смысл отдельного элемента, которых в работе множество.

Джованни (Джамбеллино) Беллини (1430(?)-1 516) Мадонна луговая Около 1500. Дерево, темпера. 67,3×86,4

Джованни Беллини — итальянский живописец, ведущий мастер венецианской школы Раннего Возрождения, крупнейший представитель целой династии художников.

Мадонна с Младенцем изображалась столь часто и с таким количеством вариантов — в интерьере, на пейзажном фоне, в окружении множества святых, донаторов и других «уточняющих» подробностей, что в названии картины стало необходимо указывать какую-нибудь особенность, характерную именно для нее. Так, данный образ Богоматери с Младенцем получил известность как «Мадонна луговая» или «Мадонна на лугу» (сравните с леонардовской «Мадонной в скалах»). Именно тщательно разработанный пейзаж с множеством элементов — человеческой деятельностью, архитектурным мотивом, чудесной передачей воздуха и освещения — делает этот образ уникальным.

Ключевые фигуры тоже несут на себе печать руки мастера. Мадонна молится над спящим на ее коленях Младенцем. Его поза очень естественна и вместе с тем символична: композиция двух фигур не может не вызвать в воображении образ будущего оплакивания Христа — так же одиноко сидящей Девы Марии с мертвым Христом, лежащим у Нее на коленях. Эта аллюзия, безусловно, преднамеренная, но она «вплетена» в картину в высшей степени художественно и проходит в сознании зрителя сопровождающим «мотивом» к основному сюжету работы. Многие, казалось бы, случайные, бытовые детали тоже должны быть истолкованы (традиционно для старых мастеров). Так, слева от Мадонны на заднем плане изображена болотная птица, возможно, кран, она охотится на змей. Вероятно, это олицетворение борьбы Добра со Злом.

Микеланджело Буонарроти (1475–1564) Положение во гроб Около 1500–1501. Дерево, масло. 161,7×149,9

«Положение во гроб» — ранняя незаконченная картина Микеланджело Буонарроти, на которой показано, как тело Христа, снятое с креста, переносится к гробу.

Исследователи отмечают в этой работе некоторые противоречия с традиционной иконографией данного сюжета, которые затрудняют однозначную идентификацию персонажей. Святой Иоанн Евангелист обычно изображается в красном одеянии и с длинными волосами. Значит, здесь он — слева от Христа и участвует в переносе Его тела, хотя, как правило, он не делает этого, а стоит рядом с Девой Марией, поддерживая и утешая Ее. Другие персонажи — вероятно, Никодим (принесший мирру и алоэ, чтобы забальзамировать тело) и Иосиф Аримафеин (богатый член Синедриона и тайный ученик Христа, получивший у Пилата разрешение снять тело с креста). Коленопреклоненная фигура слева — видимо, Мария Магдалина. Образ Мадонны лишь намечен в общих чертах в правом нижнем углу, она всегда — по правую руку Христа.

Джованни (Джамбеллино) Беллини (1430(?)-1 516) Портрет дожа Леонардо Лоредано Около 1501–1502. Холст, масло. 61,6×45,1

Великий художник, второй сын Якопо Беллини, основателя династии, всегда был в эпицентре политической и духовной жизни Венеции. Мастер умер в возрасте 86 лет.

«Портрет дожа Леонардо Лоредано» — один из самых поразительных портретов в европейском искусстве. На этом полотне он представлен в официальном облачении, в котором традиционно изображались правители Венеции на парадных портретах. Работа написана в популярном в то время стиле портретных бюстов, образцами которого были памятники римской скульптуры.

Картина выполнена в самом начале двадцатилетнего правления дожа. Его стальной взгляд не оставляет сомнений в жесткости будущего правления, отмеченного почти не прекращавшейся борьбой Венецианской республики с многочисленными врагами. Портрет обладает магическим воздействием: чем дольше смотришь на него — тем больше он приковывает к себе. Дож не был монархом, царем или королем, но зритель ощущает его исключительность. И это исключительность личности, а не сана.

Тициан Вечеллио (1488/1490-1576) Вакх и Ариадна 1520–1523. Холст, масло. 176,5×191

Работа «Вакх и Ариадна», заказанная для так называемой Алебастровой комнаты во дворце герцога Альфонсо д'Эсте в Ферраре, принадлежит знаменитой серии картин Джованни Беллини, Тициана и Доссо Досси. Герцог пригласил для росписи дворца Микеланджело и Рафаэля, но, не получив их согласия, смирился с кандидатурой еще малоизвестного тогда Тициана. Художник выполнил три работы: «Поклонение Венере» (1518–1520, музей Прадо, Мадрид), «Вакх и Ариадна» и «Вакханалия» (около 1523–1524, музей Прадо, Мадрид). Программа цикла была предложена одним из гуманистов знаменитого интеллектуального окружения герцога. Литературными источниками стали сочинения античных авторов, Катулла и Овидия.

Ариадну, покинутую Тесеем на острове Наксос, явился утешить Вакх. Тициан изображает момент первой встречи героев. Вакх выходит из лесной чащи со своей многочисленной свитой и устремляется к Ариадне, которая пугается его. В этой композиционно сложной сцене все персонажи и их действия объясняются античными текстами. Свита Вакха совершает свои обряды: один сатир демонстрирует, как его обвивают змеи, другой размахивает телячьей ногой, в то время как сатир-малыш тащит за собой голову животного. Овидий в произведении «Фасты» описывает, как Бахус сам покинул Ариадну, чтобы совершить путешествие на Восток. По этой версии встреча, следовательно, является их соединением после его возвращения, что согласуется с присутствием леопардов, которые везут колесницу.

Картина Тициана не только демонстрирует замечательное мастерство еще молодого художника, но и свидетельствует о его широкой эрудиции.

Паоло Веронезе (1528–1588) Поклонение волхвов 1573. Холст, масло. 355,6×320

Трое явившихся с Востока волхвов, следуя за путеводной звездой, отыскали Марию с Младенцем в Вифлееме: «И, войдя в дом, увидели Младенца с Мариею, Матерью Его, и, пав, поклонились Ему; и, открыв сокровища свои, принесли Ему дары: золото, ладан и смирну». В эпоху Возрождения художники и Веронезе в частности изображали дом, где родила Дева Мария, в виде обветшалой постройки — она символизировала Ветхий Завет, заменить который Новым явился в мир Христос. На картине видно, что этот «дом» пристроен к развалинам величественного здания в классическом стиле с триумфальной аркой на заднем плане — указание на Рим. На переднем плане — волхвы со свитой. Помимо евангельских персонажей Веронезе, как обычно, вводит в сцену множество других участников, превращая совершенно в своем стиле возвышенный акт поклонения Младенцу (то есть признания Его Божественной природы) в пышное празднество.

Доминирующей в картине диагонали, которую образует льющийся с небес поток света с фигурками ангелов на нем, «отзывается» другая, прочерченная под прямым углом к этому лучу — из фигур волхвов. Мадонна с Младенцем находятся на пересечении линий — замечательное и уникальное композиционное решение!

Произведение датировано, римские цифры выведены на нижней ступени лестницы (внизу справа). Оно было написано для церкви Сан-Сильвестро в Венеции и оставалось там, пока в XIX веке ее не перестроили. «Поклонение волхвов» — это не алтарный образ, картина висела на стене нефа рядом с алтарем братства святого Иосифа.

Якопо (Робусти) Тинторетто (1518 или 1519–1594) Происхождение Млечного пути Около 1575. Холст, масло. 149,4×168

Якопо Тинторетто — великий художник венецианской школы Позднего Ренессанса.

Произведние было написано по заказу императора Священной Римской империи Рудольфа II для украшения его пражской резиденции. Это одно из лучших полотен мастера на сюжет из античной мифологии. Другое название данного сюжета — «Нрав Геркулеса». На замечательной своими живописными достоинствами картине множество персонажей и деталей, имеющих аллегорическое и символическое значение. В нижней части — амуры, они держат стрелы и зажженный факел — атрибуты пламенной любви. Сеть в руках правого амура, по-видимому, намекает на обман, к которому прибег Юпитер, чтобы обессмертить своего сына. Орел, величественная птица, парящая рядом с богом, считался его посланцем, а порой даже персонифицировал его. Он держит в когтях предмет, похожий на двухконечную вилку, символизирующую пучок языков пламени. Это попытка автора изобразить молнию, признак бога-громовержца. Справа — пара павлинов, они традиционно сопровождают Юнону, богиню неба и покровительницу брака.

Микеланджело Меризи де Караваджо (1573–1610) Ужин в Эммаусе 1601. Холст, масло. 141×196,2

Микеланджело Меризи де Караваджо — итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, один из крупнейших мастеров барокко.

Вскоре после того, как Христос был распят и воскрес, Клеопа и другой его безымянный ученик отправились в Эммаус — селение неподалеку от Иерусалима. По дороге их повстречал Иисус, Он присоединился к ним, но путники Его не узнали. В Эммаусе они пригласили Его в дом, говоря: «Останься с нами, потому что день уже склонился к вечеру». «И Он вошел и остался с ними. И когда Он возлежал с ними, то, взяв хлеб, благословил, преломил и подал им. Тогда открылись у них глаза и они узнали Его; но Он стал невидим для них».

Новаторская трактовка сюжета делает эту картину Караваджо уникальным явлением. Христос предстает на картине безбородым, возбуждение учеников, осознавших, что перед ними Учитель, выражено их экспрессивными жестами и мимикой. Кроме того, Караваджо делает яркий акцент на натюрморте, который имеет символическое значение. Было предпринято множество попыток раскрыть его. Курица на тарелке истолковывается как символ смерти, черный виноград также указывает на нее, а белый является олицетворением Воскресения. Еще одним символом Воскресения является гранат. Яблоки в системе значений «читаются» двояко: и как плоды благодати, и как указание на первородный грех, искупленный кровью Христа. Обращает на себя внимание то, что в реальности весной, когда происходит действие сюжета, такие фрукты не могли быть на столе. Это лишь доказывает их символическое значение.

Картина была написана для римского аристократа и банкира Чириако Маттеи. За работу 7 января 1602 Караваджо получил 150 крон. Позднее произведение приобрел кардинал Сципион Боргезе.

Каналетто (1697–1768) Двор каменщиков Около 1725. Холст, масло. 123,8×162,9

Джованни Антонио Каналь по прозвищу Каналетто — итальянский художник, глава венецианской школы ведутистов (с итальянского «veduta» — «вид»), мастер городского пейзажа в стиле барокко.

Так сложилось, что в Англии оказалось довольно много произведений Каналетто. Это объясняется тем, что многие молодые аристократы, завершая цикл своего обучения, совершали образовательные поездки в Италию. В Венеции они видели множество картин Каналетто с видами города и с удовольствием их приобретали. Кстати, когда художник оказался в Англии и работал в Лондоне, его произведения не пользовались большим успехом, он был вынужден вернуться на родину.

«Двор каменщиков» является одной из лучших работ Каналетто. Представление о нем мастера основывается, в первую очередь, на полотнах, изображающих привлекательные виды Венеции, а этот живописный шедевр по своей тематике в его наследии стоит особняком. На картине изображено не празднество, не торжественный выезд дожа, не регата на Большом канале… Но, тем не менее, перед зрителем все тот же Большой канал, каким он был во времена Каналетто: с рабочим кварталом на берегу. Даже самую прозаическую тему — труд каменотесов — художник воплотил очень поэтично. На заднем плане изображена церковь и колокольня Санта-Мария делла Карита. В 1841 звонница неожиданно обрушилась, не повредив храм, и с тех пор восстановлена не была. Так что картины живописца с ее видами, в частности эта, не только представляют художественную ценность, но и являются документами эпохи.