КАВАТИНА — см. Ария.

КАДЕНЦИЯ. Если вам придется слушать — в концертном зале или по телевизору — концерт для фортепиано, скрипки или виолончели с оркестром, обратите внимание на конец его первой части. Звучит реприза (что это такое, объясняется в рассказе о сонате). Слышатся те музыкальные темы, на которых композитор построил первую часть. То сочетаются, то противостоят друг другу оркестр и солирующий инструмент. Вот, кажется, уже совсем скоро завершение… Но дирижер вдруг опускает палочку. Оркестр умолкает, и начинается виртуозное соло. Это своего рода фантазия на темы концерта. Сольный инструмент проявляет в ней все свои возможности. И быстрые пассажи, и мощные аккорды, и певучие и энергичные мелодии сменяют одна другую. К заключительному аккорду каденции присоединяется, по знаку дирижера, оркестр, и уже вместе все музыканты завершают часть.

Когда-то, в XVIII веке, композиторы не сочиняли каденций. Каждый солист импровизировал ее во время исполнения. Бетховен первый стал сочинять каденции к своим концертам. Вслед за ним так стали поступать и другие композиторы. И каденция приобрела более органичный характер, стала лучше сливаться с формой всего сочинения.

У слова «каденция» (от латинского cadere произошли итальянское cadenza и французское cadence, что означает окончание) есть и другое значение: это заключительный гармонический и мелодический оборот, завершающий небольшой музыкальный эпизод, придающий ему законченность. В этом смысле чаще употребляется слово каданс, то есть французский вариант термина.

КАМЕРНАЯ МУЗЫКА. В старину, когда не было концертных залов, филармоний, инструментальная музыка и небольшие вокальные произведения исполнялись, в основном, в домах любителей музыки. Собирались несколько друзей-музыкантов, расставляли подставки для нот — пульты, вынимали из чехлов и футляров скрипки, альты, виолончели, а иногда и флейты и гобои, кто-то садился за клавесин, и начинался домашний концерт. Звучали сонаты, трио, квартеты. Иногда кто-нибудь пел под аккомпанемент клавесина или других инструментов. Среди слушателей обычно было лишь несколько человек родственников и знакомых.

Музицировали таким образом и в скромных домиках ремесленников, и в аристократических салонах. Отсюда-то и пошло выражение — камерная музыка (camera по-итальянски — комната), то есть музыка, предназначенная для исполнения не в большом зале театра или в церкви, а в комнате, музыка домашняя.

Понятно, что в комнате нельзя было играть симфонии, исполнять оперы или оратории. Поэтому камерными называли произведения, написанные для небольшого числа исполнителей — сольные инструментальные пьесы, дуэты, трио, квартеты, песни и романсы, которые можно было исполнить в домашних условиях. И хотя со временем камерная музыка вышла из гостиных в концертные залы, старое название ее сохранилось. Впрочем, и сейчас ее стараются исполнять не в больших концертных залах, где обычно звучат симфонии и оратории, а в меньших по размеру камерных залах.

КАМЕРТОН. Как проверить, правильно ли настроены фортепиано, скрипка, виолончель? Как показать хору, поющему многоголосное произведение без сопровождения, а капелла, звуки, с которых он должен начать петь? Для этого существует специальный прибор — камертон.

Иногда камертон сделан из металла в виде изогнутой пластинки. На месте изгиба есть рукоятка с шариком на конце. Если легонько ударить по камертону каким-нибудь твердым предметом, то свободные концы начинают дрожать — вибрировать — и слышится звук.

Другой вид камертона — маленькая трубочка, которая издает звук, если в нее подуть. Обычно камертоны делаются так, что они издают звук ля первой октавы. Однако имеются камертоны, настроенные и на другие звуки.

КАМЕРТОН

Зная совершенно точно, как звучит одна нота, можно правильно настроить и все остальные. Поэтому камертон очень нужен многим — настройщикам роялей и скрипачам, певцам, поющим без аккомпанемента, и дирижерам хоров.

КАНОН. По-гречески канон значит правило, образец. В жизни нам довольно часто встречается это слово. Мы говорим: «По строгим канонам…». Или употребляем понятие канонический в смысле образцовый, подчиняющийся самым строгим правилам. В музыке значение этого термина значительно уже. Так называется многоголосная пьеса, в которой все голоса исполняют одну и ту же мелодию, но не вместе, а вступая поочередно, иногда от одного и того же звука, иногда — от разных. Собственно говоря, канон — это музыкальная пьеса или ее эпизод, построенный на непрерывно проводимой имитации. Пример такого эпизода — дуэт Ленского и Онегина в сцене дуэли в опере Чайковского «Евгений Онегин». Еще недавно неразлучные друзья, они стоят один против другого с пистолетами в руках. Мысли их одинаковы («Враги! Давно ли друг от друга нас жажда крови отвела?»), поэтому мелодия одна и та же; но они уже не вместе, они противники — и поэтому их мелодии не совпадают по времени, звучат каждая сама по себе. Так тонко, психологически обоснованно использовал композитор старинную полифоническую форму.

Особая разновидность канона — бесконечный канон. Мелодия в нем может повторяться сколько угодно раз, переходя от окончания вновь к началу.

КАНТАТА — см. Оратория.

КАНТЕЛЕ — см. Гусли.

КАНТИЛЕНА. Так от латинского cantilena — распевное пение — называется широкая, свободно льющаяся мелодия. Прекрасные образцы кантилены есть в операх Глинки, Чайковского, в операх и ораториях Прокофьева и Шостаковича, в произведениях итальянских композиторов. Можно назвать этим словом и многие русские народные песни.

КАПЕЛЛА. Всем любителям музыки хорошо известны такие хоровые коллективы, как Ленинградская академическая капелла им. М. И. Глинки, Республиканская хоровая капелла им.

А. А. Юрлова. Однако слово капелла — cappella — в переводе с итальянского означает «часовня». Какое же отношение имеет часовня к хору?

В католических храмах вот уже много веков богослужение сопровождается музыкой. В соборах и крупных церквах издавна сооружались органы. Органисты импровизировали, сопровождали своей игрой пение хора, и богослужение получалось очень торжественным, производило сильное впечатление на молящихся. А ведь это и нужно было церковникам. Но в маленьких церквах, часовнях органов не было. Хору там приходилось петь без сопровождения. Поэтому со временем пение без инструментального аккомпанемента и стали называть: «как в часовне». По-итальянски — á cappella. А самый хор стали называть капеллой.

Теперь это слово расширило свое значение. Им иногда называют не только хоровой, но и инструментальный коллектив. Например, Капелла бандуристов Украинской ССР.

КАПЕЛЬМЕЙСТЕР. В XVIII веке крупные аристократы часто заводили у себя целый штат музыкантов — оркестр, хор, солистов-певцов. Такой штат тоже стал называться капеллой (см. о капелле предыдущий рассказ), а его руководитель — капельмейстером. Например, композитор Гайдн больше тридцати лет прослужил капельмейстером в капелле князя Эстергази.

Первоначально обязанности капельмейстера были очень разнообразны. Он должен был не только руководить всеми музыкантами, подбирать репертуар и сочинять музыку, но и следить за состоянием музыкальных инструментов, за нотной библиотекой, давать уроки пения, в общем заниматься всем, что соблаговолит поручить ему господин.

Со временем у капельмейстера остались преимущественно дирижерские обязанности. Еще позднее руководителя симфонического оркестра капельмейстером называть перестали: этот термин относился до недавнего времени только к дирижерам военного духового оркестра. Теперь же это название совсем вышло из употребления.

КАПРИЧЧИО. Итальянское слово «capriccio» означает каприз, прихоть. В музыке оно или его производные встречаются довольно часто: так называют пьесы, свободные по построению, капризного, изменчивого характера. Таково, например, Итальянское каприччио Чайковского, написанное под впечатлением его поездки в Италию. В этом оркестровом каприччио использованы разнообразные народные напевы и ритмы, благодаря которым создается красочная картина веселого итальянского карнавала.

Иногда употребляют не итальянскую, а французскую форму этого термина — каприс (caprice). Широко известны скрипичные каприсы Паганини — виртуозные, причудливые пьесы. Могли вы слышать и Вальс-каприс Антона Рубинштейна, написанный для фортепиано, но звучащий часто в оркестровом варианте.

КАСТАНЬЕТЫ. Это своеобразный музыкальный инструмент ведет свое происхождение из Испании. Под задорное щелканье кастаньет пляшут испанцы болеро, сегедилью, хоту.

Кастаньеты принадлежат к числу ударных инструментов симфонического оркестра. Применяют их довольно часто, как правило, в танцевальных эпизодах: в испанских увертюрах Глинки «Арагонская хота» и «Ночь в Мадриде», в испанских танцах из балетов Чайковского и Глазунова. В опере Бизе «Кармен» во втором акте героиня танцует под кастаньеты, которыми она выстукивает замысловатый ритм.

КАСТАНЬЕТЫ

Настоящие испанские кастаньеты делаются из дерева твердых пород — черного дерева, самшита, кокосовой пальмы. По форме они напоминают раковины и соединены попарно шнурком, который стягивается вокруг большого пальца. Техника игры на кастаньетах довольно сложна. Испанские танцовщики учились ей с детства.

В оркестре применяется упрощенная разновидность кастаньет: две пары деревянных раковин, насаженных на концы рукоятки.

КВАРТЕТ.

Вы, конечно, знаете эту басню И. А. Крылова. Называется она «Квартет». Слово это имеет не одно значение. Как и название интервала — кварта (об интервалах вы, наверное, успели прочитать) — оно происходит от латинского quartus — четвертый. Что называют словом «квартет»? Прочтите снова строки басни: «затеяли сыграть квартет…» Значит, прежде всего квартет — это название произведения. Произведения многочастного (первая часть которого написана, как правило, в сонатной форме) и предназначенного для четырех — отсюда и quartus — исполнителей. Наиболее часто квартеты пишут для двух скрипок, альта и виолончели. Крылов имел в виду именно такой квартет: «басом» раньше называли виолончель. Называется он струнным, так как рассчитан на исполнение одними только струнными инструментами. Струнные квартеты писали Бетховен, Чайковский, Бородин, Шостакович и многие другие композиторы.

Квартеты для другого состава инструментов встречаются значительно реже. Например, фортепианный — для скрипки, альта, виолончели и фортепиано. Бывают и квартеты для духовых инструментов. В операх довольно часто встречаются квартеты вокальные — ансамбли, в которых участвуют четыре действующих лица оперы. Например, в последнем акте оперы Верди «Риголетто» есть квартет Герцога, Джильды, Маддалены и Риголетто.

СТРУННЫЙ КВАРТЕТ

Участники исполнения квартетных пьес тоже называются квартетом. Так, существовал одно время вокальный квартет сестер Федоровых, которые пели специально для них сделанные четырехголосные обработки народных песен. Но наиболее распространены, конечно, струнные квартеты в составе двух скрипачей, альтиста и виолончелиста.

Квартеты носят иногда имена великих музыкантов. Так, один из старейших коллективов в нашей стране — квартет имени Л. Бетховена. Большой известностью пользуются квартет имени А. П. Бородина, ленинградский квартет имени С. И. Танеева. За последние годы сложились квартеты имени С. С. Прокофьева и имени Д. Д. Шостаковича.

КЛАВЕСИН — см. Фортепиано.

КЛАВИКОРДЫ — см. Фортепиано.

КЛАВИР. У этого слова два значения. Одно — общее название всех клавишных инструментов. Им пользовались раньше, в основном до XIX века, когда были распространены клавесины, клавикорды, клавицимбалы, спинеты. Позднее, когда был изобретен рояль, общим названием для рояля и пианино стало фортепиано. Это слово передает то главное качество, которым рояль и пианино отличаются от клавесина и его современников — на них можно менять динамику звука, играть то громче (форте), то тише (пиано). А слово клавир осталось в другом значении. Это — сокращение длинного немецкого слова клавираусцуг (Klavierauszug — дословно — извлечение для клавира). Так называются переложения для фортепиано оркестровых и симфонических произведений, опер, балетов, оперетт. Постепенно для удобства вторую половину этого чересчур длинного слова произносить перестали, и теперь в нотном магазине вы можете услышать: «Покажите мне, пожалуйста, клавир „Пиковой дамы“», «А клавир „Лебединого озера“ к вам не поступал?»

Определение «клавирная музыка» означает, что имеется в виду музыка, написанная для любых клавишных инструментов, чаще всего — предшественников рояля. В наше время она, как правило, исполняется на фортепиано.

КЛАРНЕТ. Звучит увертюра-фантазия Чайковского «Франческа да Римини». Отбушевали в оркестре адские вихри, и в затаенной тишине слышится грустное пение кларнета-соло. Это рассказ Франчески о ее трагической судьбе.

КЛАРНЕТ

Кларнет — один из самых певучих и виртуозных деревянных духовых инструментов. Его диапазон — от ре (иногда ре-бемоль) малой октавы до ля — си-бемоль третьей октавы — делится на несколько отрезков (регистров), имеющих разные тембры. Нижние ноты кларнета мрачные, средние матовые, тусклые, высокие — светлые и звонкие. Самые высокие звуки кларнета — резкие, даже пронзительные. В соответствии с характером музыки композиторы используют тот или иной регистр инструмента.

Возможности кларнета очень велики. Ему доступно и выразительное пение, и блестящие виртуозные пассажи. Он может играть еле слышно, легчайшим пианиссимо, но может и поразить сильным полным звуком. «Рассказ» Франчески Чайковский поручил кларнету, играющему в том регистре, который своим мягким, глубоким тембром напоминает звучание человеческого голоса. А в начале Пятой симфонии Чайковского два кларнета в низком регистре исполняют скорбную мелодию, которая благодаря тембру низких звуков кларнета создает мрачное, зловещее впечатление.

Есть несколько разновидностей кларнета. Кроме основного, существует малый кларнет с диапазоном на кварту выше обычного, отличающийся пронзительным звуком, а также бас-кларнет, звучащий октавой ниже обычного. Тембр бас-кларнета сочный, звенящий, а в низком регистре мрачный, угрюмый.

КЛЮЧ. Много разных значений имеет это слово. Ключ — родник с чистой, свежей и прохладной водой. Ключ от замка, которым запирают квартиру, ворота или чемодан. Гаечный ключ, без которого не починить велосипеда, не исправить системы водяного отопления. Наконец, самый интересный ключ — ключ к шифру, при помощи которого можно прочесть таинственное послание.

Вот это последнее значение слова ключ больше всего напоминает его музыкальный смысл. В самом деле: чтобы прочесть какие-то ноты, ключ совершенно необходим, иначе запись их окажется зашифрованной. Посмотрите, например, такую строчку:

Несмотря на простоту мелодии, ни один музыкант не сможет воспроизвести ее, пока в начале нотных линеек (они называются «нотный стан» или «нотоносец»), на которых расположились ноты, не будет поставлен какой-то ключ. Ведь какие именно здесь написаны ноты, неизвестно! Видно только, как они соотносятся между собой (и то приблизительно: мы можем лишь догадываться, где интервалы между звуками большие, а где малые), да определен их ритм. А теперь поставим ключ:

Сразу все стало ясно (конечно, для того, кто знает ноты). Правда? Вы можете сказать, что и первую запись расшифровали так же? Будете неправы. Ее можно прочесть и так:

Выйдут другие ноты, другая октава, другая тональность и даже другой лад.

Так что же такое ключ? Это знак, который всегда ставится в начале нотного стана и указывает положение на нем одной из нот, а в зависимости от нее и всех остальных.

В далеком прошлом ключей применялось очень много, и наиболее распространены были ключи, определяющие положение ноты до первой октавы.

Зачем было нужно много ключей? Судите сами: на пяти линейках нотного стана и между ними можно удобно записать всего одиннадцать звуков. В музыке же применяется гораздо больше. Для остальных нужно приписывать дополнительные линейки, а это очень загромождает запись и затрудняет чтение. Выход, конечно, нашелся. Наиболее распространена в те далекие времена была вокальная музыка. Но ведь диапазон человеческого голоса довольно ограничен. Значит, каждому исполнителю можно удобно записать его партию, если расположить ее соответствующим образом. Например, сопрано — это высокий голос. Поет он, в основном, в первой, а часто и во второй октаве. Баритон, наоборот, звучит вниз от определяющей ноты до. Поэтому ключ до для сопрано и баритона располагается не одинаково. Сопрановый — на первой линейке, чтобы можно было записывать ноты вверх, баритоновый, напротив, на пятой: его партия, записанная на тех же пяти линейках, читается значительно ниже. А между ними, соответственно на второй, третьей и четвертой линейках помещаются меццо-сопрановый, альтовый и теноровый ключи.

Сопрановый

Меццо-сопрановый

Альтовый

Теноровый

Баритоновый

Завитушка в середине знака каждый раз определяет положение ноты до первой октавы. Конечно, этими ключами пользовались не только певцы. Они были удобны и некоторым инструментам. Так, до сих пор сочинения для альта и его партия в оркестровых партитурах записывается в альтовом ключе. Применяется иногда и теноровый ключ. Но постепенно с развитием и все более широким распространением инструментальной музыки оказалось, что все эти ключи еще не дают достаточно удобной записи, не охватывают крайних регистров. Тогда появились другие ключи, определяющие положение ноты соль первой октавы и фа малой октавы. Из нескольких таких ключей теперь наиболее употребительными являются басовый и скрипичный. Они удобны тем, что как бы «сцеплены» между собой нотой до первой октавы, которая оказалась расположенной на первой нижней добавочной в скрипичном ключе и на первой верхней добавочной — в басовом. Вместе эти ключи дают возможность записать практически весь используемый звукоряд и поэтому стали универсальными. Вот они (завитки обоих ключей показывают положение на нотном стане определяемых ими нот):

Остается сказать только, как появились такие значки: , , . Это очень сильно изменившиеся в течение времени латинские буквы С (то есть до), G (соль) и F (фа).

КОБЗА. Всем хорошо известно имя замечательного украинского поэта Тараса Григорьевича Шевченко. А знаете ли вы, что сборник своих стихов он назвал «Кобзарь»? Почему? Что хотел он сказать этим?

КОБЗА

Много веков назад появились на Украине кобзари. Это были странствующие певцы, часто слепые. Но слепота не мешала им видеть зло, которое творилось вокруг, беды, которые обрушивались на простых людей. Обо всем этом, о судьбе народной, о борьбе украинцев с угнетателями пели кобзари, аккомпанируя себе на кобзе — инструменте, от которого и пошло их прозвание.

Потому и Тарас Шевченко называл себя кобзарем: ведь он тоже воспевал простых людей, призывал бороться с угнетением и произволом.

Итак, инструментом кобзарей, особенно распространившемся в XVI и XVII веках, была кобза — струнный щипковый инструмент с корпусом, похожим на корпус лютни, и с небольшим, слегка отогнутым назад грифом. Играли на ней при помощи плектра.

БАНДУРА

В XVIII веке кобза уступила место похожему на нее, но более сложному и совершенному инструменту — бандуре, у которой не один, а два набора струн. Более длинные, басовые, настроенные по квартам и секундам, располагаются прямо, на корпусе и грифе. Короткие, называемые приструнками, расположены на корпусе веерообразно и настроены по ступеням гаммы, а в наши дни часто по полутонам.

По сию пору бандура — любимый украинский инструмент. На Украине организована Государственная капелла бандуристов. Существуют и самодеятельные ансамбли бандуристов.

КОДА. Итальянское слово coda означает хвост, конец, шлейф. Таким «несерьезным» термином в музыке называют дополнительное заключительное построение, следующее иногда в музыкальной пьесе после основного заключительного раздела.

В коде обычно закрепляется, утверждается главная тональность произведения, звучат его основные темы.

КОЛОКОЛА. Заканчивается опера Глинки «Иван Сусанин». Народ, собравшийся на Красной площади, празднует победу над поляками. Знаменитый хор «Славься» звучит торжественно и мощно, а в самом конце к нему присоединяется колокольный звон. Гремит, переливается он под сводами театрального зала.

Неужели настоящие колокола? Конечно, нет. Такие колокола, какие раньше висели на церковных звонницах, какие вы можете увидеть и услышать в кино или представить по знаменитому Царь-колоколу в Кремле, невозможно поместить в оркестре. Оркестровые колокола — это небольшие металлические трубки или пластинки, подвешенные на перекладине. Их заставляют звучать, ударяя колотушкой, обтянутой кожей (следовательно, колокола — ударный инструмент). Применяют их, главным образом, в музыке для театра, там, где нужно изобразить колокольный звон — в «Иване Сусанине», в «Борисе Годунове» Мусоргского, в «Сказке о царе Салтане» Римского-Корсакова. И звон получается самый настоящий, потому что оркестровые колокола очень точно воспроизводят звучание настоящих колоколов. Колокола вошли в оркестр в эпоху Великой французской революции. Впервые их использовал в своих произведениях композитор Керубини.

ОРКЕСТРОВЫЕ КОЛОКОЛА, ТРУБЧАТЫЕ С ПЕДАЛЬНО-ДЕМПФЕРНЫМ УСТРОЙСТВОМ

КОЛОКОЛЬЧИКИ. Как и колокола, это тоже ударный инструмент, но в отличие от колоколов, звук колокольчиков слабый, нежный, прозрачный.

КЛАВИШНЫЕ КОЛОКОЛЬЧИКИ

Колокольчики — это набор металлических пластинок разной величины, укрепленных на деревянных брусках. Пластинки расположены, как клавиши на фортепиано. Играют на них палочками или молоточками. Иногда колокольчики имеют клавиатуру, посредством которой извлекается звук. Композиторы используют этот инструмент в особых случаях. Делиб, например, в опере «Лакме» применил колокольчики в аккомпанементе арии главной героини, там, где она поет о звоне волшебного колокольчика. Римский-Корсаков в «Золотом петушке» вводит их для того, чтобы придать музыке необычайный, фантастический колорит.

КОЛОРАТУРА. По-итальянски «coloratura» — значит украшение. Украшения в музыке — это виртуозные пассажи, трели и другие похожие на них «музыкальные орнаменты», которые расцвечивают основную мелодию арии или — реже — романса.

Как правило, колоратуры встречаются в произведениях, написанных для самого высокого, легкого и подвижного женского голоса — колоратурного сопрано. Так, все вы, наверное, не раз слышали арию Царицы ночи из оперы Моцарта «Волшебная флейта» или арию Антониды из оперы Глинки «Иван Сусанин». Но бывают колоратуры и в произведениях, написанных для других голосов. Например, ария дона Базилио «Клевета» в опере Россини «Севильский цирюльник» написана для баса, но богато «изукрашена» колоратурами.

Особенно характерны колоратуры для опер итальянских композиторов. Итальянские певцы издавна славились своей виртуозностью, и с самых давних времен в итальянской музыке сложилась традиция расцвечивать вокальную музыку разными украшениями. В XIX веке эта традиция отчасти сказалась и в сочинениях композиторов других стран.

Встречаются колоратуры и в русской музыке. Вспомните арию Людмилы из оперы Глинки «Руслан и Людмила». В партии Снегурочки в опере Римского-Корсакова колоратурные пассажи подчеркивают холодность, фантастическое происхождение дочери Мороза и Весны. А в романсе Алябьева «Соловей» колоратура подражает птичьим трелям.

КОЛОРАТУРНОЕ СОПРАНО — см. Сопрано и Колоратура.

КОМПОЗИТОР. Было время, когда этим словом называли любого, кто занимался композицией, к какой бы области искусства это ни относилось. Ведь латинское composito означает — сочинение, составление. Термин compositor можно перевести как сочинитель, составитель и отнести его к чему угодно, даже к составлению (композиции!) изящных букетов.

Однако, уже начиная с XVI века, этот термин все чаще стал употребляться в смысле «сочинитель музыки» (сначала говорили, как правило, «композитор музыки»). Сейчас у него имеется только одно это значение.

Очень трудно стать настоящим композитором. Для этого нужно посвятить всю свою жизнь музыке: с детства учиться играть на рояле, хорошо знать все музыкальные науки — теорию музыки, гармонию, полифонию, оркестровку, историю музыкального искусства. Нужно изучить произведения всех крупных композиторов прошлого и современности, понять особенности их творчества; изучить особенности звучания всех музыкальных инструментов. Только тогда можно сочинять настоящую хорошую музыку. Разумеется, если есть творческое дарование. Те, кто хочет стать композитором, учатся в музыкальном училище и в консерватории на теоретико-композиторском факультете.

КОМУЗ. Это самый известный, самый распространенный среди киргизских народных инструментов. И внешне и по звучанию он напоминает домру. У него грушевидный корпус с длинным грифом. Струн у него, как и у домры, три. Две крайние бывают настроены в унисон или октаву, а средняя — всегда на квинту или кварту выше. На средней и исполняется мелодия, крайние же служат для аккомпанемента. Таким образом, комуз — многоголосный инструмент.

Исполняют на комузе кюи — инструментальные пьесы, связанные по содержанию с киргизскими легендами и преданиями. Используется комуз и как аккомпанирующий инструмент.

КОМУЗ

КОНКУРС. Это слово, без сомнения, всем хорошо знакомо. Широко распространены конкурсные экзамены, притом не только в вузы, но и, скажем, в музыкальные школы. Вам, наверное, приходилось слышать: «Там большой конкурс — десять человек на место» или, напротив: «В этом году конкурса почти нет — полтора человека!» А вместе с тем и совсем другое: «Выступает лауреат международных конкурсов», «…победитель всесоюзного конкурса…».

МЕДАЛЬ ЛАУРЕАТА МЕЖДУНАРОДНОГО КОНКУРСА ИМЕНИ П. И. ЧАЙКОВСКОГО

Латинское слово «concursus» означает столкновение. В музыке, вообще в искусстве, так называют творческое соревнование. Бывают конкурсы среди композиторов — например, на лучшую комсомольскую песню, на лучшее произведение к важной юбилейной дате. Такие конкурсы проводятся под девизами: жюри не знает участников. Ноты присылаются в конвертах, на которых каждый пишет свой девиз, а в других, маленьких конвертах, под тем же девизом сообщает свою фамилию. Вскрываются эти конверты только после того, как конкурс проведен. Такой порядок введен, чтобы обеспечить полную беспристрастность жюри, чтобы все участники находились в равном положении и громкое имя автора того или иного произведения никак не влияло на тех, кто должен оценить представленные сочинения.

Значительно большее распространение имеют другие конкурсы — исполнителей. Они проводятся в форме открытых концертов в несколько туров. В первом туре участвуют все, пожелавшие принять участие в конкурсе. Ко второму туру допускается лишь часть наиболее интересных участников. На нем идет еще более строгий отбор. Остается несколько самых ярких, самых талантливых. На третьем туре между ними по системе баллов происходит распределение мест: победителя, лауреатов, дипломантов. Лауреатами называются те, кто награждены премиями, дипломантами — получившие почетные дипломы.

Есть много традиционных, то есть регулярно проводимых конкурсов. Например, конкурс Маргерит Лонг и Жака Тибо во Франции: в нем принимают участие пианисты и скрипачи в память выдающихся музыкантов пианистки Лонг и скрипача Тибо. Или конкурс имени Фридерика Шопена в Варшаве — для пианистов. Но самый представительный, самый ответственный и почетный, безусловно, конкурс имени П. И. Чайковского, который проводится каждые четыре года в Москве. Первый конкурс имени П. И. Чайковского состоялся в 1958 году. Его победителями стали американский пианист Ван Клиберн и советский скрипач Валерий Климов. Теперь в этом конкурсе принимают участие не только пианисты и скрипачи, но и виолончелисты и певцы.

КОНСЕРВАТОРИЯ. В 1537 году в Неаполе открылся приют для сирот и беспризорных. В нем детей кормили, одевали и обучали различным ремеслам, а также пению: многочисленным храмам Италии требовалось множество певчих для церковных хоров.

Это заведение, которое на русском языке принято называть приютом, по-итальянски определялось словом conservatorio от латинского слова conservare — охранять, сохранять.

На протяжении XVI и XVII веков в Италии было открыто много таких приютов. Постепенно преподавание музыки стало занимать в них основное место, и название консерватория, потеряв свой первоначальный смысл, стало означать музыкальное учебное заведение.

В нашей стране первая консерватория открылась в 1862 году в Петербурге. Ее основателем был Антон Григорьевич Рубинштейн — прекрасный композитор и выдающийся пианист, неутомимый пропагандист музыкальной культуры, музыкальных знаний.

Одним из первых учеников Петербургской консерватории стал Петр Ильич Чайковский. По окончании ее он был приглашен в качестве профессора в основанную в 1866 году Московскую консерваторию. Оба этих старейших музыкальных учебных заведения дали России много превосходных музыкантов различных специальностей.

До Великой Октябрьской социалистической революции в консерватории принимали учеников разного возраста. Рядом с бородатыми молодыми людьми можно было встретить мальчиков в коротких штанишках, девочек с косичками. Например, на одном курсе уже в начале XX века учились гениально одаренный мальчик Сережа Прокофьев и успевший получить специальность военного инженера Николай Яковлевич Мясковский, впоследствии один из крупнейших советских композиторов-симфонистов.

Для поступления в консерваторию тогда требовалось наличие музыкальной одаренности и, разумеется, определенный уровень профессиональной подготовки. Взрослые ученики (студентами их тогда не называли) часто совмещали музыкальные занятия с обучением в университете или службой. Для младших существовали так называемые научные классы, в которых ученики получали общее образование, примерно такое же, какое давала гимназия.

Это положение сохранялось и некоторое время после революции. Так, Дмитрий Дмитриевич Шостакович поступил в консерваторию в 1919 году, когда ему было всего тринадцать лет. Однако уже в середине 20-х годов система обучения в консерваториях изменилась. С тех пор и поныне консерватория — высшее музыкальное учебное заведение, куда принимают лишь тех, кто имеет среднее образование.

Выпускают консерватории музыкантов-инструменталистов, певцов, дирижеров, а также композиторов и музыковедов. Срок обучения на любом из факультетов — пять лет. Наиболее одаренные студенты, имеющие склонность к научно-творческой деятельности, остаются в аспирантуре, которая имеется при нескольких крупнейших консерваториях Советского Союза. А всего их в нашей стране — более двадцати пяти.

КОНТРАБАС. Самый низкий по звучанию среди струнных смычковых инструментов, контрабас играет очень важную роль в симфоническом оркестре. Это своего рода музыкальный фундамент, на который опирается звучание всех остальных инструментов.

Диапазон контрабаса — от ми контроктавы до соль первой октавы. Чтобы не писать слишком много добавочных линеек, условились записывать партию контрабаса октавой выше его подлинного звучания.

Как сольный инструмент контрабас выступает редко. На нем очень трудно добиться остроты и точности интонации, так как он слишком большой и громоздкий. Играть на нем приходится стоя или сидя на специальном очень высоком табурете, а для того, чтобы заставить вибрировать его струны, приходится приложить немалые усилия.

КОНТРАБАС

Тем не менее некоторые контрабасисты достигают настоящей виртуозности и играют сложные пьесы, часто — написанные для виолончели. Таким контрабасистом-виртуозом был Сергей Кусевицкий, прославившийся как выдающийся дирижер.

Среди советских контрабасистов наибольшей известностью пользуются имена И. Ф. Гертовича — первого советского контрабасиста-солиста, а из молодых музыкантов — Александра Михно, лауреата Международного конкурса контрабасистов, и Михаила Кикшоева, лауреата Всесоюзного конкурса.

Контрабасы популярны в эстрадных оркестрах и ансамблях. Там, как правило, на них играют щипком — пиццикато.

КОНТРАЛЬТО. Так называется самый низкий женский голос глубокого грудного бархатистого тембра. Раньше он назывался альтом, по аналогии со струнным инструментом.

Голос этот встречается редко, да и композиторы используют его тоже не часто. Нередко к нему обращался Чайковский. Так, он написал для контральто партию Ольги в «Евгении Онегине» и Полины в «Пиковой даме».

В некоторых операх контральто исполняет партии юношей. Так, специально для великолепной певицы-контральто Воробьевой-Петровой Глинка создал партию Вани — приемного сына Сусанина — в опере «Иван Сусанин», а также молодого хазарского хана Ратмира в «Руслане и Людмиле». Римский-Корсаков поручил контральто партию гусляра Нежаты в «Садко» и пастуха-певца Леля в «Снегурочке». Песни Леля, пожалуй, наиболее популярны среди контральтового репертуара, особенно третья: «Туча со громом сговаривалась…».

Иногда, если в театре нет певицы-контральто, эти партии поручают голосу, наиболее близкому к нему — меццо-сопрано.

Диапазон контральто от фа малой октавы до фа второй октавы.

КОНТРАФАГОТ — см. Фагот.

КОНЦЕРТ. Вы включаете радио и слышите: «Передаем концерт по заявкам. Чайковский. Первый концерт для фортепиано с оркестром». Слово концерт было произнесено два раза, но с разным значением. Каково же оно в каждом случае?

Латинское concertare означает состязаться. Итальянское concerto — согласие. В музыке концертом стали называть произведение, в исполнении которого участвуют солист и оркестр. Они как бы состязаются друг с другом: виртуозная партия солиста противопоставлена красочному звучанию оркестра. Как правило, инструментальные концерты состоят из трех частей и создаются по тому же принципу, что и сонаты (в рассказе о сонате вы можете прочесть об этом подробнее). Встречаются также концерты, состоящие из большего количества частей, бывают они и одночастными.

Множество концертов написано для рояля, скрипки, виолончели с оркестром. Есть концерты и для других инструментов — для духовых, для баяна, домры и т. д. Вы могли услышать и концерт для голоса с оркестром. Его написал советский композитор Рейнгольд Морицевич Глиэр.

Иногда композиторы пишут концерты не для одного, а для двух или трех солирующих инструментов. Тогда концерт так и называется: двойной или тройной…

Что же касается другого значения термина концерт, то оно означает такое исполнение музыкальных произведений, на котором присутствует публика. Так же называют, кроме того, исполнение музыкальных произведений по радио и телевидению, хотя передачи там часто ведутся из студий, в которых никакой публики не бывает.

Концерты могут быть разные: симфонические и камерные, хоровые и эстрадные, сольные и смешанные.

КОНЦЕРТМЕЙСТЕР. Слово концертмейстер, такое похожее на два других, о которых вы можете прочесть на страницах этой книжки — капельмейстер и хормейстер — также состоит из двух слов: концерт и мастер (по-немецки meister). Имеет оно два значения.

В оркестре так называется самый лучший из музыкантов какой-либо группы оркестра, который словно ведет за собой участников этой группы. Если в симфоническом произведении встречается сольный эпизод для какого-то инструмента, то исполняет его именно концертмейстер.

Концертмейстер главной группы симфонического оркестра — группы первых скрипок — считается концертмейстером всего оркестра. Это положение очень ответственное и почетное. Концертмейстер — первый помощник дирижера, его правая рука. Обычно, когда после исполнения какого-то произведения дирижеру аплодирует публика, он, деля свой успех со всем оркестром, обращается к концертмейстеру отдельно, пожимает ему руку, благодаря за помощь. Бывают случаи, когда концертмейстер оркестра даже заменяет внезапно заболевшего дирижера за пультом.

А еще концертмейстером называют пианиста, который работает с учащимися — скрипачами, вокалистами, виолончелистами и т. д. Такой концертмейстер — помощник педагога — руководит ими, помогает разучивать свои партии, находить верную трактовку произведения. Несколько иная роль у концертмейстеров, которые аккомпанируют певцам и инструменталистам — мастерам своего дела. Здесь они выступают как равноправные участники единого ансамбля.

КОРНЕТ. Все дети, играющие на рояле, знают «Неаполитанскую песенку» из «Детского альбома» Чайковского. Эту музыку композитор поместил и в балет «Лебединое озеро». Только там под нее танцуют, и называется она «Неаполитанский танец». Мелодию танца играет медный духовой инструмент корнет. Корнет звучанием напоминает трубу и имеет такой же диапазон. Он более виртуозен, чем труба, но звук его слабее.

КОРНЕТ С ПОРШНЕВЫМ МЕХАНИЗМОМ

Корнет играет главную роль в духовом оркестре. В симфоническом он встречается реже. Кроме соло в «Лебедином озере», Чайковский поручил двум корнетам, играющим в терцию, нежную мелодию в «Итальянском каприччио».

КСИЛОФОН. В 1874 году французский композитор Сен-Санс написал произведение, названное им «Пляска смерти». Когда ее исполняли в первый раз, некоторых слушателей охватил ужас: они услышали стук костей, как будто в самом деле плясала Смерть — страшный скелет с черепом, глядящим пустыми глазницами, с заржавленной косой в руках.

КСИЛОФОН

Как же добился композитор такого впечатления? Он ввел в оркестр ксилофон — ударный инструмент, состоящий из деревянных брусков. Играют на них при помощи двух деревянных палочек. Диапазон ксилофона — от до первой до до четвертой октавы. Звук сухой, щелкающий, звонкий. Конечно, в наши дни он никого не пугает. Очень эффектно звучат на ксилофоне быстрые скерцозные пьесы, которые нередко исполняют ксилофонисты в сопровождении рояля.

КУЛЬМИНАЦИЯ. Латинское слово «culmen» означает в переводе вершина, высшая точка. В музыкальном произведении кульминацией называется эпизод, в котором достигается наивысшее напряжение, то есть наиболее эмоционально воздействующий момент, к которому подводит логика построения всей пьесы. Кульминаций может быть несколько на протяжении большого сочинения. Тогда одна из них является главной (ее называют иногда центральной или генеральной), а остальные — «местными».

Кульминация есть в любой мелодии. Обычно это — один из ее верхних звуков, подчеркнутый большей продолжительностью и сильной долей такта.

КУПЛЕТ. Видели вы когда-нибудь, как идут солдаты? Сначала они молча печатают шаг под команду командира, а потом над строем взвивается звонкий голос, запевающий бодрую солдатскую песню. Он поет несколько строф, а потом все подхватывают ее дружным хором.

То, что поет один — солист, — это запев песни. Обращали вы когда-нибудь внимание на то, как сложена песня? Особенно такая песня, которую можно петь многим вместе — на демонстрации, в походе или вечером у пионерского костра. Она словно делится на две части, которые потом несколько раз повторяются. Эти две части — запев или, иначе, куплет (французское слово couplet означает строфа) и припев, по-другому называемый рефреном (это слово тоже французское — refrain). В хоровых песнях часто запев исполняется одним только певцом, а хор подхватывает припев. Состоит песня не из одного, а как правило, из нескольких куплетов. Музыка в них обычно не меняется или изменяется очень немного, а вот слова каждый раз другие. Припев же всегда остается неизменным и по тексту, и по музыке. Вспомните любую пионерскую песню или какую-нибудь из тех, что вы поете, выступая летом в поход, и проверьте сами, как она построена.

Форма, в которой пишется подавляющее большинство песен, называется поэтому куплетной формой.