Алван Фишер. Общий вид на Ниагарский водопад. 1820
Рафаэль Пил (1774–1825) Арбузы в утреннем свете 1813. Холст, масло. 52,6x65,4
Рафаэль Пил был одним из первых американских художников, всерьез занявшихся натюрмортом. Он стал продолжателем национальной реалистической традиции, испытавшей влияние фламандской манеры с ее правдивой передачей форм предмета.
Искусство Пила интересно причудливым натурализмом, и хорошим свидетельством этого является данная картина. На полотне в подчеркнуто материалистической манере изображены разломанные арбузы, зияющие внутренности которых привлекают взгляд. С безукоризненной точностью рисунка и продуманным колористическим единством мастер выписывает форму плодов и блестящей склянки. Его работа несет в себе не только остроту научного наблюдения, но и пикантное изящество композиции.
Однако Пил заходит слишком далеко, он утрирует художественные средства так, что очертания предметов становятся излишне выразительными, а цвета — кричащими. И тогда в облике этих красивых арбузов появляется оттенок гротеска, что выдает скрытую насмешку автора над ожиданием публики увидеть приятную картину. Таким образом, натюрморт может выглядеть одновременно аппетитным и отталкивающим.
Томас Салли (1783–1872) Даниэль ла Мотт 1812–1813. Холст, масло. 92,3x73,8
Томас Салли был одним из лучших реалистов своего времени, самые удачные работы он создал в молодости, до 1820-х, а затем его живописный стиль испортился вследствие коммерческой работы.
Портрет Даниэля ла Мотта проникнут духом подлинного романтизма, охватившего тогда художественную среду. На картине изображен один из представителей высшего круга американской интеллигенции. В образе Даниэля воплощен эфемерный идеал свободного человека, меланхоличного, глубоко погруженного в тревожную мысль. Салли придал модели возвышенно-благородный облик, на смену классицистическому величию и спокойствию приходят эффектная поза, небрежность в одежде. Чувство взволнованности присутствует и в пейзаже: на ясное небо надвигаются тяжелые грозовые тучи, сильный ветер растрепал волосы героя. Экспрессия природы символизирует страдание и внутренний конфликт в душе человека.
Бенджамин Уэст (1738–1820) Автопортрет 1819. Картон, масло. 82,2x65
Бенджамин Уэст явился одним из тех художников Америки, в работах которых впервые объединяются настоящее профессиональное мастерство и в полной мере сложившийся «местный колорит».
За год до смерти он написал этот «Автопортрет», придав своему облику солидность, строгость и достоинство — качества, присущие чисто американскому типу образов. Зритель видит картину всецело сформировавшегося творца, в ней нет той дилетантской неумелости и подражательности европейским образцам, которые проглядывались в живописи колониального периода. Уэст изображает себя рисующим набросок, его рука уверенно держит карандаш, лицо сосредоточенное и хмурое. Эмоциональная выразительность подчеркивается глубокими, рельефными морщинами персонажа, внимательным и цепким взглядом исподлобья.
Живописная манера мастера суховата, но не лишена изящества. Значительное внимание он уделяет богатству фактуры, трактовке складок, единству композиции, использованию сочного локального колорита. Выбирая весьма заурядные цвета, художник умудряется сделать так, чтобы картина не выглядела скучной и поверхностной. Подобная цветовая гамма, построенная на игре оттенков, говорит о высоком колористическом даровании автора.
Чарльз Бёрд Кинг (1785–1862) Пять мужчин из племен омаха, ото, канза (коу), миссури и поуни 1821. Холст, масло. 71,1x91,8
Чарльз Бёрд Кинг, чей стиль формировался на основе лучших традиций американского парадного портрета, привык изображать почтенных светских персон в соответствующем антураже. Индейцы представлялись в то время неотесанными и грубыми дикарями, но живописец облагородил их образы, добавив европейские черты. В своих заметках он характеризовал аборигенов как «людей с достойными манерами, высокорослых, мускулистых, с грозными лицами и строгими римскими носами».
На групповом портрете изображены несколько членов делегации индейцев, прибывшей в Вашингтон в конце 1821 на встречу с президентом для урегулирования территориального вопроса. В центре помещен один из вождей с топором войны и президентской медалью мира, которая являлась признаком статуса и надевалась на все официальные мероприятия. Художник романтизирует образы индейцев как дикарей с разукрашенными лицами и орлиными перьями на головах. Стоит отметить и использованный им интересный колористический прием: мазками сепии Кинг набрасывал контур фигур, теплыми тонами земли добавлял структурные элементы, а детали одежды писал чистыми цветами — киноварью, ультрамарином, берлинской лазурью, умброй.
Представители диких племен настолько заинтересовали американцев, что заказы на выполнение подобных полотен поступали отовсюду. Мастер создал целую серию портретов представителей этого экзотического народа для Томаса МакКеннея, ведавшего торговлей с индейскими племенами, что впоследствии сформировало ядро Национальной портретной галереи индейцев.
Джордж Кэтлин (1796–1872) Ваа-ро-нии-са, воин, вождь племени 1832. Холст, масло. 73,7x60,9
Джордж Кэтлин, родившийся в Пенсильвании, в юности мечтал стать адвокатом и даже получил диплом юриста в Уилкс-Барре. Затем счел это напрасной затеей и решил стать живописцем. В 1820-е он был известен как портретист знаменитых личностей своей эпохи, но рисковый и любознательный нрав потянул художника на Дикий Запад.
Настоящую славу он завоевал изображениями индейцев, долгое время живя среди них в Северной и Южной Америке. Свои трудные и опасные путешествия в области, занятые племенами, для исследования их самобытной культуры и обычаев Кэтлин начал в 1829. Он работал как художник, ученый, а также фиксировал особенности этого народа и его жизни в литературных заметках, делал эскизы портретов, зарисовывал охоту на бизонов, пляски, погони на каноэ за дикими зверями.
Так и не получив серьезного специального образования, Кэтлин остался на уровне любителя. Его живопись считалась примитивной, неизящной по рисунку, неумелой по колориту и композиции. Однако следует заметить, что художник обладал способностью к глубокому чувствованию человеческой натуры, изображения людей проникнуты искренностью, образы героев наполнены подкупающей простотой. В данном портрете вождя племени его неискусному автору удалось правдиво выразить гордый и свободолюбивый характер персонажа, передать усталый и мудрый взгляд из-под полуопущенных век.
Джордж Кэтлин (1796–1872) Форт Юнион, устье реки Йеллоустоун, 2000 миль от Сент-Луис 1832. Холст, масло. 28,5x36
В данном полотне воплотился талант Кэтлина и как исследователя, и как превосходного пейзажиста. Посреди широких равнин, на берегу реки, расположился форт Американской меховой компании, возведенный для защиты от дикарей. В реальности это была внушительная крепость в 300 футов, с пушками и вооруженными бастионами, но на картине среди захватывающего живописного вида она выглядит незначительной. Зритель видит величественную, грандиозную панораму, на которой маленькими и далекими точками распределились поселения индейцев. Три одинокие фигуры на вершине холма символизируют беспомощность и в то же время свободу человека, затерянного среди бескрайних просторов.
Кэтлину, непрофессиональному живописцу, было присуще своеобразное восприятие природы. Он был художником насыщенной композиции и четкой формы. Зеленые равнины показаны сглаженными плоскостями и переданы с оптической ясностью. Неправдоподобно яркий цвет и искусственность построения работы подчеркнуты тем, что все объекты переднего и дальнего планов тщательно прописаны.
Чарльз Кромвель Ингам (1796–1863) Портрет Фиделии Маршалл 1840. Холст, масло. 91,4x74
Чарльз Кромвель Ингам был ирландского происхождения и художественному мастерству обучался в Дублине. Его творчество достигло расцвета в Нью-Йорке, куда автор эмигрировал в возрасте 20 лет. Почти сразу он оказался в первых рядах местных живописцев, выполняя портреты юных леди из бомонда. Изображая своих героинь, мастер отказался от салонной эффектности, вымученных улыбок и поз и обратился к передаче взволнованного состояния.
В данной работе нет и оттенка трезвости и практицизма, характерных для реалистического портрета. Рафинированный образ девушки, погруженной в свой душевный мир, мягко выступает из окутывающего ее теплого сумрака. Художник тонко подчеркивает психологические особенности модели, ясный и целомудренный взгляд, изящество сложенных рук. Нежная фарфоровая кожа выделяется чистотой на фоне алой шали. Аккуратными, осторожными мазками автор передает фактуру платья. В этом полотне проявились все основные черты стиля Ингама: пристальное внимание к деталям, тонкость линий, точная живописная техника и разнообразие колористической гаммы.
Джон Микс Стэнли (1814–1872) Охота на буйволов в юго-западных прериях 1845. Холст, масло. 102,9x154,3
Джон Микс Стэнли, осиротев в 12 лет, с детства зарабатывал на жизнь написанием портретов и лавочных вывесок. Трудная судьба поставила его в ситуацию постоянной борьбы за выживание. Свидетельством его закаленного, сильного характера стал последующий выбор батальных и агрессивных сцен. Художник создал множество картин на тему военной кампании полковника Стивена Уоттса Кирни во время Американо-мексиканской войны 1846–1848. Но большую часть своего творчества он посвятил быту индейцев. Мастер изображал воинов команчей, предпринимая опасные путешествия по Панамскому перешейку, которые явились настоящим испытанием силы воли.
На данном полотне запечатлена сцена погони племени за испуганными буйволами. Внимание зрителя привлекает передний план, где индеец пронзает настигнутого зверя. Жестокости происходящего вторят динамика композиции и бурные контрасты освещения. Тревожность и драматический накал подчеркиваются мрачно клубящимися облаками, предвещающими скорую бурю. Публика того времени привыкла видеть идиллические панорамные пейзажи, но в этой работе художник намеренно обманывает ожидания зрителя и превращает американскую природу в площадку театрализованного и кровожадного зрелища. Для усиления эмоциональной атмосферы Стэнли использует популярный прием резких эффектов светотени, придавая пейзажу фантастический и мистический характер. Все эти черты говорят о том, что образцом для подражания ему служили картины Тёрнера, находившегося в зените славы.
Джеймс Гамильтон (1819–1878) Сцена на Гудзоне (Рип ван Уинкль) 1845. Холст, масло. 96,6x145,1
Джеймс Гамильтон, шотландец по происхождению, в 15 лет переехал в Соединенные Штаты Америки, учился в Академии изящных искусств в Пенсильвании и одновременно подрабатывал иллюстратором книг и журналов. В зрелый период творчества художник обратился к написанию морских пейзажей, особенно он любил яркие световые эффекты и передачу беспокойной атмосферы, за что и был прозван американским Тёрнером.
Прославился Гамильтон именно как маринист, и даже лесной пейзаж не обходился у него без изображения реки или озера. Не стала исключением и «Сцена на Гудзоне», в которой был использован прием двухчастной композиции. Из пышной и таинственной чащи открывается вид на плавные изгибы названной реки. Мощность и тяжеловесность природы на первом плане контрастирует с легкостью холмов, расплывающихся в туманной дымке вдалеке. Охотник отдыхает в «объятиях» зарослей, рядом с ним — собака и необходимые вещи. Включение в пейзаж бытовых элементов явилось новинкой в американской живописи, говорящей о безусловном влиянии голландской традиции.
Ландшафтные полотна Гамильтона отличаются романтизированным изображением девственной природы Америки. Он достиг высокой степени художественного мастерства, однако окружающий мир на его полотнах все еще кажется средством декорации. Пестрая выписанность и подчеркнутая торжественность делают картины мастера эмоционально поверхностными. Природа приукрашивается согласно заранее установленной идеальной норме, а реальные наблюдения натуры заменяются стандартными схемами композиции.
Неизвестный пуэрториканский художник Мальчик со статуэткой птицы 1830–1850. Холст, масло. 55,3x45,4
Изобразительное искусство Пуэрто-Рико находилось под сильным влиянием прославленных художников Испании, и данный портрет вполне подтверждает этот факт. Автор полотна стремится подражать живописной свободе европейского искусства — плавным переливающимся мазкам и мягкой тональности цвета. Мастер пытается передать наивность и нежность ребенка, следуя чистоте и непосредственности детских портретов Веласкеса.
Образ создан в ненавязчивой манере, он наполнен искренностью, подкупающей простотой. Мальчик предстает перед зрителем как «маленький взрослый», он робко прижимает к себе игрушку, но выражение его лица совсем не по-детски серьезное и печальное, а глубокий взгляд выдает острый ум и наблюдательность.
Несмотря на явные анатомические погрешности и непропорциональное соотношение головы и тела, заметно хорошее владение традиционной техникой европейской живописи в построении красочного слоя — подмалевок, корпусная прописка и завершающие лессировочные слои, придающие произведению эскизность и воздушность.