Леонардо да Винчи

(1452–1519)

Леонардо да Винчи – идеал ренессансного «универсального человека». Он один из величайших представителей итальянского искусства эпохи Возрождения, живописец, скульптор, музыкант, поэт, архитектор и ученый.

Сочетая разработку новых средств художественного языка с теоретическими обобщениями, Леонардо да Винчи создал образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам Высокого Возрождения. Гуманистический идеал женской красоты особенно ярко воплощен в знаменитом портрете Моны Лизы.

Деятельность Леонардо да Винчи как ученого и инженера отмечена многочисленными открытиями, проектами, экспериментальными исследованиями в области математики, естественных наук, механики. Великий итальянец обладал поразительным техническим предвидением. Его проекты, которые не могли быть реализованы из-за отсутствия соответствующей технологической базы, намного опередили свое время.

Леонардо да Винчи родился в селении Анкиано около городка Винчи между Флоренцией и Пизой. Он был внебрачным сыном нотариуса Пьеро да Винчи.

В 1466 году Леонардо был отдан в обучение к известному флорентийскому живописцу и скульптору Андреа Вероккьо. В эти годы вырабатывается творческий метод будущего мастера, основанный на внимательном изучении природы, смелом эксперименте и серьезных познаниях в области точных наук. Живопись Леонардо называл «наукою и законной дочерью природы…», всем наукам предпочитая математику.

В 1472 году Леонардо окончил обучение у Вероккьо и был записан в цех флорентийских художников. Его интересы уже тогда не ограничивались живописью. По словам Вазари, «он был первым, кто еще юнцом поставил вопрос о том, как использовать реку Арно, чтобы соединить каналом Пизу и Флоренцию».

Одна из первых самостоятельных работ молодого художника – «Мадонна с цветком», или «Мадонна Бенуа» (около 1478). Летом 1481 года художник получает заказ на алтарный образ «Поклонение волхвов» для монастыря Сан Донато.

Когда ему было 30 лет, его отправили к герцогу Милана в качестве музыканта. К тому времени Леонардо был красив собой, прекрасно сложен, обладал огромною физической силой, был сведущ в рыцарских искусствах, верховой езде, танцах, фехтовании.

Герцог быстро разобрался в талантах Леонардо и дал ему задание исполнить конный памятник основателю династии Сфорца. Однако, несмотря на двенадцать лет, затраченных Леонардо на разработку проекта, эта монументальная бронзовая статуя так и не была отлита.

Семнадцать лет, проведенных в Милане (1482–1499), – период высшего расцвета гения Леонардо. На службе у миланского герцога Лодовико Моро он числился как «Леонардо из Флоренции – инженер и художник».

Начало его деятельности в Милане было явно удачным. По контракту от 25 апреля 1483 года ему вместе с братьями Амброджо де Предис доверили исполнение роскошной иконы, предназначенной для алтаря капеллы Непорочного Зачатия церкви Сан-Франческо Гранде.

Затем Леонардо работает больше как инженер. Герцог поручил ему наблюдение за реконструкцией системы водопровода и канализации.

Тогда же Леонардо увлекся анатомией. Он познакомился с известным ученым-анатомом Марко Антонио делла Торре и сделал несколько иллюстрации к его анатомическому атласу. Его карандашные рисунки потрясают точностью передачи мельчайших деталей человеческого тела.

В 1485 году художник завершает картину «Мадонна Литта», создав один из наиболее поэтических образов ренессансного искусства. Между 1483–1494 годами Леонардо написал одну из своих наиболее прославленных картин «Мадонну в гроте».

В 1496 году Леонардо начинает работу над своим наиболее крупным произведением – фреской «Тайная вечеря» в монастыре Сайта Мария делле Грацие. Тема «Тайной вечери» ярка, открыта и отличается простотой. Так и восприняли фреску ее первые зрители.

В начале 1500 года Леонардо покинул Милан и возвратился во Флоренцию. Здесь он продолжает свои научные занятия, живописью же занимается мало. Единственно, что мастер написал в эти первые годы после своего возвращения во Флоренцию, были ныне утраченные Мадонна и картон св. Анны.

Не имея крупных заказов во Флоренции, Леонардо был принужден поступить на службу к Чезаре Борджа. Но жизнь у Борджа, использовавшего Леонардо лишь как военного инженера, не удовлетворяла мастера, искавшего более широкое поле деятельности. Поэтому 5 марта 1503 года он возвращается во Флоренцию.

Первой крупной художественной работой Леонардо во Флоренции была роспись в зале Большого Совета в Палаццо Веккио. В качестве сюжета Леонардо избрал битву при Ангиари, закончившуюся победой флорентийцев над ломбардскими войсками.

Это произведение Леонардо стоит у истоков батального жанра в искусстве нового времени. В полной драматизма и динамики композиции, эпизоде битвы за знамя, дан момент высшего напряжения сил сражающихся, раскрыта жестокая правда войны.

Около 1503 года Леонардо выполнил портрет Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо Джокондо.

Весной 1506 года Леонардо уезжает в Милан, где с небольшими перерывами остается до 1513 года. Он по-прежнему интересуется научными проблемами, совмещая занятия наукой с деятельностью художника. В 1508–1512 годах Леонардо работал над памятником маршалу Тривульцио.

Во время пребывания во Флоренции в 1510 году мастер пишет «Святую Анну с Марией и младенцем Христом».

В 1513 году Леонардо вызвал в Рим его покровитель Джулио Медичи, и он оставался там до 1517 года. После этого художник отправился во Францию по приглашению короля Франциска I. Там он жил в королевском замке в Югу, неподалеку от города Амбуаза.

В это время Леонардо особое внимание уделял механике и рисунку. Именно в Югу он составил основу своего «Трактата о живописи», оказавшего огромное влияние на теорию искусства.

Важнейшим источником для изучения воззрений да Винчи служат его записные книжки и рукописи (около 7 тысяч листов), написанные на разговорном итальянском языке.

Умер Леонардо да Винчи 2 мая 1519 года в Югу и был похоронен в замке Амбуаз.

 

Микеланджело

(1475–1564)

Когда говорят, что Микеланджело – гений, то выражают не только суждение о его искусстве, но и дают ему историческую оценку. Гений, в представлении людей XVI века, являл собой некую сверхъестественную силу, воздействующую на человеческую душу, что в романтическую эпоху будет называться «вдохновение».

Божественное вдохновение требует одиночества и размышления. В истории искусства Микеланджело – первый художник-одиночка, ведущий почти непрерывную борьбу с окружающим миром, в котором он ощущает себя чужим и неустроенным.

Микеланджело родился 6 марта 1475 года в небольшом городке Капрезе в семье градоправителя Кьюзи и Капрезе ди Лодовико ди Лионардо ди Буонарроти Симони.

Отец отдал сына в школу Франческе да Урбино во Флоренции. Мальчик должен был учиться склонять и спрягать латинские слова у этого первого составителя латинской грамматики. Но учеба не давалась Микеланджело. В конце концов, отец смирился с художественными наклонностями сына и отдал его в обучение в мастерскую художника Доменико Гирландайо. Год спустя Микеланджело переходит в школу скульптора Бертольдо ди Джованни.

Молодого художника заметил Лоренцо Великолепный, оказавший ему покровительство. Уже в 1490 году стали говорить об исключительном даровании совсем еще юного Микеланджело Буонарроти.

В двадцать один год Микеланджело отправляется в Рим, а затем в 1501 году снова возвращается в родной город. Он мечтает о создании самой прекрасной статуи не для папской столицы, а для своей любимой Флоренции. Начиная работу, Микеланджело, после долгих раздумий, остановился на одном из героев библии – юноше Давиде, победителе гиганта Голиафа.

16 мая 1504 года скульптура была установлена на площади Синьории около входа во дворец. День установки Давида стал национальным праздником флорентийцев.

В 1505 году папа Юлий II вызывает к себе Микеланджело. Он решил еще при жизни создать себе достойную гробницу. По первому договору с папой Микеланджело исполнил в 1506 году большую статую «Победителя». Вскоре после смерти папы его наследники заключили 6 мая 1513 года новый договор с Микеланджело. Для этого второго проекта Микеланджело исполнил «Моисея» и фигуры двух рабов. Эти статуи известны под названиями «Связанный раб» и «Умирающий раб». Они не вошли в окончательный вариант надгробия. В последнем варианте все его художественное значение определяется фигурой «Моисея».

«Моисей» – одна из самых прославленных статуй Микеланджело. Он работал над ней с 1513 по 1516 год. Грандиозный по своим размерам – 2,55 метра высоты, – «Моисей» вполне закончен автором, отполирован до полного блеска даже мельчайших деталей.

Микеланджело неохотно согласился с данным ему в 1508 году Юлием II поручением расписать свод Сикстинской капеллы в Ватикане.

Создание этой росписи было для художника мучительным и сложным. Микеланджело приходилось самому строить леса, работать лежа на спине. Кондиви рассказывает, что, расписывая Сикстинскую капеллу, «Микеланджело так приучил свои глаза смотреть кверху на свод, что потом когда работа была закончена и он начал держать голову прямо, почти ничего не видел; когда ему приходилось читать письма и бумаги, он должен был их держать высоко над головой. Понемногу он опять стал привыкать читать глядя перед собой вниз».

В 1516 году папа Лев X поручает Микеланджело разработать проект фасада церкви Сан-Лоренцо, построенной Брунеллески. Это стало первым архитектурным заказом Микеланджело. Он проводил длительное время в каменоломнях, подбирая мрамор для предстоящих работ, но в 1520 году папа аннулировал договор. После того как папа решил отказаться от строительства нового фасада, Джулио Медичи призвал к себе Микеланджело и попросил его сделать проект капеллы в Сан-Лоренцо, где должны были находиться надгробия семьи Медичи. Микеланджело сделал проект, который понравился кардиналу.

В 1524–1526 годах Микеланджело руководил возведением купола над капеллой, создал фигуры «Дня», «Ночи», модель «Речного божества», надгробную статую Лоренцо Урбинского, «Согнувшегося мальчика», а также «Мадонну с младенцем». Позднее, в 1531 году, скульптор создал статуи «Вечера», «Утра», фигуру Джулиано Медичи.

В 1524 году Микеланджело приступает к строительству библиотеки Лауренцианы.

Падение Флорентийской республики ознаменовало собой самый тревожный период в жизни Микеланджело. Художник навсегда покидает Флоренцию, ставшую столицей герцогства Тосканского, и переселяется в Рим. Спустя год папа Павел III назначает его «живописцем, скульптором и архитектором Ватикана», а в 1536 году Микеланджело приступает к росписи алтарной стены Сикстинской капеллы. Он создает свое самое знаменитое произведение – картину «Страшный суд», законченную им в 1541 году.

В центре композиции святые окружают молодого и грозного Христа. Они толпятся у его трона, предъявляя доказательства испытанных ими мучений. Они требуют, именно требуют, а не просят, справедливого суда… Повинуясь его жесту, из недр земли встают умершие, чтобы предстать перед судом. С железной неотвратимостью поднимаются они ввысь, часть из них вступает в рай, а часть низвергается в ад…

Окончив «Страшный суд», Микеланджело достиг вершины славы среди современников. Папы и короли сажали его рядом с собой.

С 1542 по 1550 год Микеланджело создает последние свои живописные произведения – две фрески Капеллы Паолина в Ватикане.

В последние годы Микеланджело интенсивно занимается архитектурой. Он занимается проектом церкви Сан-Джованни деи Фьорентини, набрасывает план Капеллы Сфорца в церкви Санта-Мария Маджоре, строит Порта Пиа, придает перспективно-монументальный вид площади Капитолия.

Два последних скульптурных создания Микеланджело – «Пьета» во Флорентийском соборе и «Пьета Ронданини». Над первым произведением скульптор работал с 1550 по 1555 год, над вторым с 1555 года практически до самой смерти 18 февраля 1564 года.

В 1536 году 61-летний Микеланджело познакомился с 47-летней поэтессой Витторией, которая сумела завоевать его глубокую дружбу. Виттория Колонна происходила из старинного и могущественного римского рода. Она глубоко интересовалась наукой, философией, вопросами религии, политики и общественной жизни. Виттория является единственной женщиной, имя которой прочно связывают с Микеланджело.

Микеланджело умер 18 февраля 1564 года. Тело его погребено в церкви Сайта Кроче во Флоренции.

 

Рафаэль

(1483–1520)

Выдающийся мастер барокко Лоренцо Бернини считал Рафаэля первым среди великих и уподоблял его «большому морю, вбиравшему в себя воду всех рек».

С классической ясностью и возвышенной одухотворенностью Рафаэль воплотил жизнеутверждающие идеалы Возрождения. Художник синтезировал достижения предшественников и создал свой идеал прекрасного, гармонически развитого человека в окружении величавой архитектуры или пейзажа.

Рафаэля в определенной степени можно считать первым современным портретистом, имевшим технические возможности достичь убедительного сходства и, что не менее важно, готовым выразить индивидуальность модели, подавив свою собственную. Само имя Рафаэля в дальнейшем превратилось в нарицательное имя идеального художника.

Рафаэль Санти родился 6 апреля 1483 года в семье придворного поэта и живописца урбинских герцогов Джованни Санти.

Отец стал первым учителем Рафаэля, и с раннего детства смог привить мальчику вкус к прекрасному, познакомить его с миром современного искусства.

После смерти отца, примерно в течение пяти лет, мальчик учился в мастерской придворного живописца урбинских герцогов Тимотео Вити. В 1500 году Рафаэль отбыл в Перуджу, где поступил в мастерскую Перуджино.

В 1503 году Перуджино перебрался со своей мастерской во Флоренцию, куда следом за ним осенью 1504 года приехал Рафаэль. Благодаря Перуджино Рафаэль сблизился с архитектором и строителем Баччо д'Аньоло, в мастерской которого собирались живописцы, скульпторы и зодчие Флоренции.

За четыре года пребывания во Флоренции Рафаэль создал знаменитые картины мадонн.

Художник обретает свой стиль, впитав лучшие влияния школы Перуджино и великих флорентийцев, он придает своим картинам неожиданную и особо чарующую ясность, понятность, доступность, обретя этими работами заслуженное и широкое признание. Он готов к новым, еще более значительным свершениям».

В 1507 году Рафаэль написал картину «Положение во гроб», завершающую его флорентийский период. Заказ на это произведение он получил от знатной умбрийской дамы Аталанты Бальоне. Тема была выбрана ею самой и связана с гибелью ее сына.

В 1508 году Рафаэль был приглашен папой Юлием II в Рим для росписи парадных апартаментов в старом Ватиканском дворце. Впоследствии они стали знаменитыми «станцами» (комнатами) Рафаэля.

С этого времени начинается новый этап творчества Рафаэля, отмеченный небывалым взлетом его артистической карьеры к вершинам славы и известности.

Молодому живописцу предстояло решить сложнейшую задачу: сочетать живопись с архитектурой. Эта задача, требовавшая исключительной изобретательности и высокого мастерства, была решена Рафаэлем с поразительным блеском. Фрески Станца делла Сеньятура явились подлинным триумфом для Рафаэля, современники признали их великим чудом; особую известность приобрели фрески Рафаэля «Афинская школа» и «Диспут. Сам папа Юлий II принадлежал к числу поклонников таланта Рафаэля.

С 1511 по 1514 год Рафаэль расписывает следующее помещение – «Станцу д'Элиодоро», и, наконец, в 1515–1517 годах – «Станцу дель Инчендио».

В 1513 году папа Юлий II умер, и на папский престол вступил Лев X. Пользуясь дружеским расположением этого папы, художник стал ведущей фигурой культурной жизни Рима, организатором и исполнителем живописных и архитектурных работ в Ватикане.

1510-е годы были временем создания лучших портретных работ Рафаэля. К числу наиболее известных принадлежит портрет папы Юлия II (1511). Наибольшего успеха Рафаэль достигал в случае, если характер и облик модели были близки к направленности его искусства, как в случае с портретом графа Бальдассаре Кастильоне. В поздних портретах художник стремится к более конкретной характеристике модели. Таковы «Портрет кардинала» (около 1518), «Портрет папы Льва X с кардиналами Людовике деи Росси и Джулио деи Медичи» (около 1518).

Где-то около 1515 года Рафаэля посетили в Риме «черные монахи» – бенедиктинцы, представители далекого монастыря из глухого городка Пьяченце. Они заказывают ему картину «Сикстинская мадонна». Рафаэль впервые самолично натягивает на подрамник огромный холст, без малейшей помощи учеников пишет свой шедевр. «Сикстинская мадонна» – это апофеоз его гигантского творчества и одно из величайших мировых творений.

После смерти Браманте в 1514 году Лев X назначил Рафаэля главным архитектором на строительстве нового собора св. Петра. Вообще последние пять лет жизни Рафаэль активно занимается архитектурой, увлеченно изучая античные постройки Рима.

Первая постройка Рафаэля сделана до 1514 года. Сначала он создал маленькую церковь Сайт Элиджо дельи Орефичи (начата в 1509 году). Неоконченная снаружи, но прекрасно сохранившаяся внутри, церковь поражает скупостью, почти аскетизмом примененных в ней чисто архитектурных средств. Затем к церкви Санта Мария дель Пополо Рафаэль по поручению папского банкира Киджи пристроил великолепно отделанную капеллу.

Важный вклад сделан Рафаэлем в дворцовую архитектуру. В палаццо дель Аквила он разработал новый тип фасада: внизу – просторная ордерная аркада, вверху – оштукатуренная целостная плоскость стены, украшенная лепниной, нишами со скульптурой и расчлененная редкими богато обрамленными окнами бельэтажа.

Еще один новый тип фасада создан Рафаэлем в палаццо Пандольфини во Флоренции. Здесь Рафаэль отразил характерные черты своего дарования и воплотил лучшие современные представления об архитектуре частного городского дома.

О частной жизни Рафаэля известно немного. Еще при жизни вокруг личности художника возник ореол славы и всеобщего поклонения.

В 1514 году художник написал один их своих шедевров – «Даму под покрывалом». Никто не знает имени женщины, написанной Рафаэлем, но легенда утверждает, что перед нами – возлюбленная художника, прекрасная Форнарина. Она была простой женщиной и всю жизнь Рафаэль вынужден был скрывать свои отношения с ней. Есть основания полагать, что черты лица прелестной римлянки повторены Рафаэлем в «Сикстинской мадонне», в Марии Магдалине («Св. Цецилия») и «Мадонне в кресле».

Современники характеризовали Рафаэля, как одаренного, живущего в роскоши и богатстве человека, при этом скромного и доброго, умеющего вести себя в обществе, поддерживать ученую беседу, обладающего приятной наружностью и утонченными манерами. Он всегда был окружен любовью и почитанием.

Рафаэль умер неожиданно, после недолгой болезни, в день своего рождения – 6 апреля 1520 года. Согласно завещанию, Рафаэля похоронили в Пантеоне, среди великих людей Италии.

 

Рембрандт ван Рейн

(1606–1669)

Рембрандт занимает совершенно особое место в живописи. Как никто другой, он сумел раскрыть внутренний мир обычного человека, передать на холсте его сложные душевные переживания. Он не первый обращается к духовному миру своего зрителя, но это глубоко созерцательное, философское обращение, совсем не сходное с внезапной аффектацией, лавиной чувств, которые обрушивает на зрителя барокко.

Первую биографию художника составил Ян Ордере, бургомистр Лейдена: «Сын Гармена Герритса ван Рейна и Нельтхен Виллемс, родился в Лейдене 15 июля 1606 года. Родители поместили его для изучения латинского языка в школу Лейденского университета, имея в виду поступление его впоследствии на городскую или государственную службу, чтобы потом он мог оказывать им помощь. Но вскоре обнаружилась природная склонность мальчика к искусству живописи и рисования, так что родители вынуждены были взять его из школы и, чтобы развивать дальше его талант, отдали его живописцу для обучения первоначальным правилам. Потом они решили перевести его к Якобу Изаксу ван Сваненбурху, чтобы мальчик учился у него дальше. Там он оставался три года и сделал такие успехи и так усилилась любовь его к искусству, что всех приводили в восторг работы юноши, обещавшего стать замечательным живописцем. Отец тогда счел за лучшее отдать его для дальнейшего усовершенствования к уже известному художнику Питеру Ластману, жившему в Амстердаме. Здесь он пробыл около шести месяцев, стал совершенно самостоятельным мастером, а вскоре – одним из величайших художников своего века».

Во время учебы у Ластмана в 1623 году Рембрандт близко сошелся с художником Яном Ливенсом, ставшим его другом и спутником на многие годы. Несколько месяцев он занимался у известных художников того времени братьев Яна и Якоба Пинасов.

Вместе с Ливенсом Рембрандт вернулся в Лейден, где проработал с 1625 до 1631 года. Некоторое время у художников была даже общая мастерская.

В 1631 или начале 1632 года Рембрандт приезжает в Амстердам. Он живет у торговца картинами Хендрика ван Эйленбюрха, который покровительствует ему, устраивает заказы на портреты, что создает молодому художнику репутацию модного преуспевающего мастера.

Рембрандт быстро приобретает известность, написав «Урок анатомии доктора Тюль па».

Первый успех приносит художнику многочисленные заказы и учеников, известнейшими из которых впоследствии стали Герард Доу и Карел Фабрициус. В 1634 году Рембрандт удачно женился на недавно осиротевшей дочери бургомистра – Саскии Ван Эйлинбург, из богатого фрисландского рода. Эта женитьба доставила ему самую избранную клиентуру столицы Голландии.

К 1630-м относится целый ряд портретов жены Саскии. Она была его самой любимой моделью. Так, на картине «Флора» Рембрандт изобразил Саскию незадолго до рождения их сына Титуса. Не менее интересен и «Автопортрет с Саскией» (1634). Поднимая бокал и обратившись к тем, кто смотрит на картину, художник как бы предлагал зрителям разделить его безмерную радость и счастье. Саския послужила моделью и для знаменитой «Данаи», а в одном из слуг художник изобразил самого себя.

В 1642 году любимая Саския умерла. Рембрандт очень переживал уход жены, но тем не менее именно в эту пору он написал самую знаменитую свою картину «Ночной дозор», заказанную корпорацией амстердамских стрелков в 1642 году. Это был групповой портрет членов гильдии. Однако многие заказчики остались недовольны картиной. Они заплатили равную цену, но лиц некоторых в картине невозможно было рассмотреть. Рембранд потерял множество дорогих заказов.

Но он продолжает работать. В память о жене он пишет знаменитую картину «Давид и Ионафан» (1643), своеобразную сцену прощания двух людей, расстающихся навеки.

В начале пятидесятых годов художник создает один шедевр за другим: «Вирсавия» (1654), «Портрет Яна Сикса» (1654), «Польский всадник» (1655–1657), «Титус за чтением». Именно в пятидесятые годы Рембрандт, являющийся величайшим мастером офорта, создает многие из лучших своих произведений: «Христос, исцеляющий больных» (так называемый «Лист в сто флоринов», около 1649), «Три креста» (1653–1660), портреты Лутмы (1656) и Харинга (1655), «Поместье весовщика золота» (1651).

Однако денежные дела шли все хуже. Кредиторы все более притесняли Рембрандта за растущие долги. В 1656 году прошла опись имущества художника, а вскоре в гостинице «Королевская корона» происходит его распродажа. В 1660 году был продан дом. Пришлось перебраться на окраину Амстердама. Именно, там на бедной улице Канал Роз, прошли последние десять лет жизни мастера. Но художник не пал духом и в последнее десятилетие жизни создает такие шедевры, как «Заговор Юлия Цивилиса» (1661), «Синдики» (1662). Основной картиной этого периода стало «Возвращение блудного сына» (1669), самое проникновенное его произведение.

К 1666 году у Титуса ван Рейна дела пошли настолько хорошо, что он сумел оплатить и недавние свои, и застарелые отцовские долги, да еще в придачу одарить отца новыми холстами и печатным станком. Но не долго радовался художник успехам сына.

«Во вторник, 8 октября 1669 года, погребен ван Рейн, художник с Розенграхт, напротив Долгоф…», – гласит последний из документов, относящихся к жизни Рембрандта – запись в церковной книге Вестеркерк.

 

Иоганн Себастьян Бах

(1685–1750)

Иоганн Себастьян Бах – крупнейшая фигура мировой музыкальной культуры. Он прославился как композитор и как музыкант-органист, клавесинист. Философская глубина содержания и высокий этический смысл произведений Баха поставили его творчество в ряд шедевров мировой культуры. Непревзойденный мастер полифонии, он обобщил достижения музыкального искусства переходного периода от барокко к классицизму, создав бессмертные шедевры, стоящие над временем.

Бах творил почти во всех известных в его время музыкальных жанрах. Он писал для органа, оркестра, хора, клавира. Известно больше пятисот его сочинений.

Иоганн Себастьян Бах родился в марте 1685 года в небольшом немецком городке Эйзенахе. Первые навыки игры на скрипке он получил от отца, скрипача и городского музыканта.

В пятнадцать лет Иоганн решил начать самостоятельную жизнь и переехал в Люнебург. Окончив гимназию в 1703 году, он получил право поступить в университет. Но Баху не пришлось использовать это право, так как нужно было добывать средства к существованию.

В течение своей жизни Бах несколько раз переезжал из города в город, меняя место работы. Почти каждый раз причина оказывалась одна и та же – неудовлетворительные условия работы, унизительное, зависимое положение. Но как бы ни была неблагоприятна обстановка, он постоянно изучал музыку не только немецких, но также итальянских и французских композиторов.

Вопреки преклонению придворного общества перед иностранной музыкой, Бах с особой любовью изучал и широко использовал в своих произведениях народные немецкие песни и танцы.

В то же время Бах был лучшим среди своих современников исполнителем на органе и клавесине: в импровизациях за органом его мастерство было непревзойденным.

Наибольшие триумфы как органист-импровизатор Бах пережил в 1731 и 1736 годах в Дрездене, в 1732-м в Касселе и в 1747 году в Берлине при посещении Фридриха II.

Музыка Баха требовала максимального использования всех пальцев обеих рук. Новые условия потребовали сменить старую «трехпальцевую» аппликатуру. Великий музыкант разрабатывает новые принципы смены и подкладывания пальцев.

С 1708 года Бах обосновался в Веймаре. Здесь он служил придворным музыкантом и городским органистом. В веймарский период композитор создал свои лучшие органные сочинения. Среди них известнейшая Токката и фуга ре минор, знаменитая Пассакалия до минор. Эти произведения значительны и глубоки по содержанию, грандиозны по своим масштабам.

В 1717 году Бах с семьей переехал в Кетен. При дворе принца Кетенского, куда он был приглашен, не было органа. В обязанности композитора входило руководить небольшим оркестром, аккомпанировать пению принца и развлекать его игрой на клавесине.

Бах все свободное время отдавал творчеству. Созданные в это время произведения для клавира представляют собою вторую после органных сочинений вершину в его творчестве. В Кетене были написаны двухголосные и трехголосные инвенции. Бах закончил также 24 прелюдии и фуги, составившие первый том большого труда под названием «Хорошо темперированный клавир». В этот же период была написана и знаменитая «Хроматическая фантазия и фуга» ре минор.

Из Кетена в 1723 году Бах переехал в Лейпциг, где остался до конца своей жизни. Здесь он занял должность кантора (руководителя хора) певческой школы при церкви Св. Фомы. Бах был обязан обслуживать силами школы главные церкви города и нести ответственность за состояние и качество церковной музыки. Ему пришлось принять стеснительные для себя условия.

В Лейпциге Бах создал свои лучшие вокально-инструментальные композиции: большую часть кантат (всего Бахом написано около 250 кантат), «Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею», Месса си минор.

Месса и «Страсти» Баха – это монументальные произведения концертного характера. В их исполнении участвуют солисты, хор, оркестр, орган. По своему художественному значению кантаты, «Страсти» и Месса представляют собою третью, самую высокую вершину творчества композитора.

Наряду с крупными вокально-инструментальными произведениями Бах продолжал писать музыку для клавира. Почти в одно время с Мессой был написан знаменитый «Итальянский концерт». Несколько позже Бах закончил второй том «Хорошо темперированного клавира», куда вошли новые 24 прелюдии и фуги.

Помимо огромной творческой работы и службы в церковной школе, Бах принимал активное участие в деятельности «Музыкальной коллегии» города. Это было общество любителей музыки, которое устраивало концерты светской, а не церковной музыки для жителей города. С большим успехом Бах выступал в концертах «Музыкальной коллегии» как солист и дирижер.

Он был не только творцом и исполнителем, но и замечательным педагогом, воспитавшим славную плеяду учеников.

Композитор был дважды женат. В 1707 году его избранницей стала кузина Мария Барбара Бах. В 1720 году она умирает, оставив четырех малолетних детей. Через год Бах женится второй раз на Анне Магдалене Вилькен. Она отличалась большой музыкальностью, обладала прекрасным слухом и красивым, сильным сопрано. От обоих браков Бах имел более двадцати детей, считая умерших во младенчестве. Но только девять из них пережили отца.

Подросшие сыновья – Вильгельм Фридеман, Филипп Эммануил, Иоганн Христиан – оказались талантливыми музыкантами. Хорошо пела и старшая дочь Баха. Для своей семьи Бах сочинял вокальные и инструментальные ансамбли.

В конце сороковых годов здоровье композитора ухудшилось, резко упало зрение. Две неудачные операции по удалению катаракты привели к полной слепоте. Но и тогда он продолжал сочинять, диктуя свои произведения для записи. За несколько дней до смерти Бах неожиданно прозрел, но вскоре с ним случился удар, от которого он скончался 28 июля 1750 года.

 

Вольфганг Амадей Моцарт

(1756–1791)

Музыка Моцарта являет высочайшее достижение эры классицизма по совершенству мелодий и форм. Он написал более 600 сочинений: 41 симфонию и 27 концертов для фортепиано, множество камерных и инструментальных пьес. Но наибольшую известность получили его оперы, а также цикл из трех симфоний.

Во всех этих жанрах Моцарт проявил себя как реформатор, он обогатил их содержание, обновил выразительные средства искусства. Сейчас оперы Моцарта ставят на лучших сценах мира, а его сочинения входят в репертуар крупнейших музыкантов современности.

Отец гения, Леопольд Моцарт, был известным музыкантом, педагогом и композитором в австрийском городе Зальцбурге. Его школа скрипичной игры пользовалась популярностью во многих странах Европы. Из семи детей от брака Леопольда и Марии Анны Моцарт о стались живы только двое: дочь Мария Анна (1751) и сын Вольфганг, появившийся на свет 27 января 1756 года.

Дочь проявила столь несомненный музыкальный талант, что отец рано начал заниматься с нею на клавире. Это произвело большое впечатление на мальчугана, которому было около трех лет. Он также усаживался у клавира и мог подолгу развлекаться подбиранием терций. В четыре года отец начал разучивать с ним на клавире некоторые менуэты и пьесы. Вскоре в нем пробудилось стремление к самостоятельному творчеству. Пяти лет Вольфганг сочинял маленькие пьесы, которые проигрывал своему отцу с просьбой записать их на бумаге.

К шести годам маленький музыкант уже исполнял сложные виртуозные произведения. Незаметно даже для отца, мальчик овладел игрой на скрипке и органе. Талант сына рождает надежду семейства на более обеспеченную жизнь. Отец решает везти шестилетнего мальчика с его талантливой сестрой в концертное путешествие.

Семья Моцартов посетила сперва Мюнхен, Вену, а затем крупнейшие города Европы – Париж, Лондон. В Лондоне Вольфганг близко познакомился с известным музыкантом Иоганном Христианом Бахом – младшим сыном великого композитора Иоганна Себастьяна Баха. Несмотря на различие в возрасте, Бах вел с ним длительные беседы о музыке, играл с Моцартом в четыре руки.

Год с лишним прожила семья Моцарта в Лондоне, за это время дети дали много концертов как для широкой публики, так и при королевском дворе. Но этим концертные триумфы не завершились. Получив приглашение из Голландии, Моцарты посетили Гаагу, Амстердам и другие города. Девять месяцев они провели в Голландии.

Вольфганга называли «чудом XVIII века». Мальчик был мал ростом, худенький, бледный. Одетый в расшитый золотом придворный костюм, в завитом и напудренном парике он походил на волшебную куклу.

Моцарты вернулись в Зальцбург в конце 1766 года.

В 1770–1773 годах отец с сыном посетили крупнейшие города Италии – Рим, Милан, Неаполь, Венецию, Флоренцию. В самом начале поездки Вольфганг начал занятия с самым известным европейским педагогом композиции Дж. Б. Мартини.

Концерты же юного Моцарта проходили с потрясающим успехом. Поражали сложность и разнообразие этих выступлений. Программа концертов бывала зачастую целиком составлена из произведений самого исполнителя. К этому прибавились выступления в качестве дирижера, певца-импровизатора.

Поразили итальянцев и фантастически тонкий слух Вольфганга, и его гениальная память. Находясь в Риме в Сикстинской капелле во время исполнения многоголосного хорового произведения, Моцарт запомнил его и, придя домой, записал. Произведение это считалось собственностью церкви и исполнялось всего два раза в год. Выносить ноты из церкви или переписывать их запрещалось под страхом тяжелого наказания. Но перед чудесным музыкантом отступила даже церковь: ведь Моцарт не выносил нот и не списывал их, он только запомнил!

Избрание Вольфганга в члены Болонской академии было еще более необычным фактом. Его недолгие занятия с Мартини привели к поразительным результатам. За полчаса гениальный мальчик написал очень трудное многоголосное сочинение. Впервые в истории Академии ее членом стал столь юный композитор. Талант Моцарта одержал еще одну блестящую победу.

Но, несмотря на поразительные успехи, все попытки молодого музыканта найти работу в Италии оказались безуспешны. Гениального юношу, как когда-то и чудо-ребенка, никто из важной и всесильной знати не сумел оценить по-настоящему.

Не достигла цели и поездка в Вену летом 1773 года. Не сбылась надежда получить для Вольфганга должность при императорском дворе. В Вене Моцарт написал шесть струнных квартетов, а по возвращении в Зальцбург – симфонии № 25 и № 29, беспрецедентные по масштабам и по уровню мастерства.

Пришлось вернуться на родину. Правитель Зальцбурга граф Колоредо назначил юного Моцарта дирижером своего оркестра. От своих слуг, кем был в его глазах Моцарт, Колоредо требовал полного подчинения. Граф запрещал ему даже выступать в концертах без разрешения. В период с 1774 до середины 1777 года музыкант лишь однажды в начале 1775 года покинул Зальцбург, совершив поездку в Мюнхен на премьеру своей оперы-буфф «Мнимая садовница». В это время Моцарт также создал несколько месс, все скрипичные концерты, шесть фортепианных сонат, несколько оркестровых серенад и дивертисментов и первый из больших концертов для фортепиано с оркестром.

С величайшим трудом получив отпуск, Вольфганг едет в 1777 году в Париж. Но и в Париже не нашлось места для Моцарта. Его попытки устроить концерт или получить заказ на оперу остались без результата. Моцарт был в отчаянии. Его снова ожидала ненавистная служба в Зальцбурге.

В ноябре 1780 года Моцарт выехал в Мюнхен, где несколько месяцев сочинял и готовил к постановке оперу на сюжет из греческой мифологии. 29 января 1781 года премьера оперы «Идоменей, царь Крита» прошла с большим успехом. Этот успех окончательно утвердил Моцарта в его стремлении не возвращаться к зависимому положению придворного музыканта. Он принял решение покончить со своей службой даже ценой потери материального благополучия.

В марте 1781 года архиепископ вызвал Моцарта в Вену, куда зальцбургский двор выехал для участия в торжествах по случаю вступления на императорский престол Иосифа II. Больше в Зальцбург музыкант не вернулся.

Моцарт избрал жизнь свободного художника. «Счастье мое начинается только теперь», – писал он отцу. В последующие годы Моцарт зарабатывал преподаванием, публикацией своих произведений, выступлениями в аристократических салонах или в открытых концертах, сочинением музыки по заказам. В 1787 году он получил должность «камерного музыканта» – за сравнительно хорошее жалованье писал танцевальную музыку для придворных балов.

Доходы Моцарта были велики, он имел слуг и собственный выезд. Тем не менее из-за расточительного образа жизни и неумения вести финансовые дела Моцарт часто испытывал материальные трудности.

4 августа 1782 года Моцарт женился на двадцатилетней певице Констанце Вебер. Констанца была веселой, жизнерадостной, привлекательной девушкой. Семейная жизнь музыканта сложилось в основном счастливо, хотя из шести детей четверо умерли в младенчестве. Старший сын, Карл Томас, музыкантом не стал. Младший сын, Франц Ксавер, вырос в неплохого композитора.

По заказу Немецкого театра в Вене Моцарт пишет комическую оперу «Похищение из сераля». Создать национальную оперу на родном немецком языке было заветной мечтой композитора. Опера Моцарта была восторженно принята слушателями.

Успех «Похищения из сераля» снова открыл Моцарту двери дворцов и салонов венской знати. Он быстро установил связи с различными меценатами, вошел в более близкое соприкосновение с профессионалами-музыкантами, заслужившими громкое имя и европейскую известность. Состоялось знакомство двух великих композиторов Гайдна и Моцарта. В знак глубокого уважения к музыкальным заслугам своего старшего современника Моцарт посвятил ему шесть квартетов.

В аристократических, общественных и домашних кругах Вены культивировалась тогда инструментальная музыка – симфоническая и камерная, – и Моцарт написал за эти годы между «Похищением из сераля» и «Свадьбой Фигаро» (1782–1786) пятнадцать концертов для различных инструментов.

1 мая 1786 года в Вене состоялась премьера «Свадьбы Фигаро» и поначалу опера встретила восторженный прием публики. Но неприязнь императора и придворных кругов к новшествам Моцарта сказалась на судьбе оперы: как и «Похищение из сераля», она после нескольких представлений была снята с репертуара венского театра.

«Свадьба Фигаро» по музыкально-драматическим новаторским принципам представляет собой новое явление в истории музыкального театра. Моцарт создал в «Свадьбе Фигаро» реалистическую комедию, в которой каждое действующее лицо имеет свою индивидуальную музыкальную характеристику, раскрывающуюся с разных сторон на протяжении всей оперы.

Большим событием для Моцарта стал громадный успех «Свадьбы Фигаро» в Праге, где эта опера приобрела значение классического шедевра и вошла в постоянный репертуар театра. Дирекция пражского оперного театра предложила Моцарту написать оперу на сюжет по собственному выбору.

Пребывание Моцарта в Праге было счастливым. Там его ценили и понимали, он много и с громадным успехом выступал, слушал чешскую народную музыку, с большим увлечением работал над «Дон Жуаном», который вызвал восторг исполнителей. Премьера «Дон Жуана» в Праге состоялась 29 октября 1787 года.

Как оперное произведение «Дон Жуан» – высшее достижение Моцарта. Оперу уже нельзя отнести к какой-либо определенной жанровой категории. «Дон Жуан» представляет собой синтез и взаимопроникновение высокой музыкальной трагедии и оперы-сериа.

В течение лета 1788 года Моцарт написал три последние и величайшие симфонии. Симфония ми-бемоль мажор, проникнута танцевальными ритмами и интонациями. Лирико-драматическая симфония соль минор – самая популярная из симфоний Моцарта, по своей задушевности и лирической взволнованности представляет собой уникальное явление в симфонической музыке XVIII века. Монументальная симфония до мажор, получившая название «Юпитер», с грандиозным финалом, сочетает сонатную форму с тройной фугой. Ее финал демонстрирует поразительное полифоническое мастерство композитора.

Последняя опера Моцарта «Волшебная флейта» – одно из величайших созданий его гения. Опера эта представляет собой глубокую философскую сказку; в музыке ярко противопоставляются образы света и тьмы, с гениальной психологической проникновенностью выражены чувства влюбленных.

Премьера «Волшебной флейты» состоялась незадолго до смерти Моцарта. Еще до окончания оперы Моцарт получил заказ на Реквием при довольно странных обстоятельствах, казавшихся долгое время загадочными. К нему явился человек, одетый в черное, заказал Реквием и скрылся. Моцарт его больше не видел.

Реквием – произведение, достойное гениального композитора. Написанный на традиционный латинский текст заупокойной мессы, он по своей музыке выходит за рамки богослужебного культа. Средствами хора, вокального квартета и симфонического оркестра Моцарт воплощает глубочайший мир человеческих чувств и переживаний.

Скончался Моцарт в ночь с 4 на 5 декабря 1791 года, на тридцать шестом году жизни. За несколько часов до смерти он напевал песенку Папагено «Известный всем я птицелов» из «Волшебной флейты».

 

Людвиг Ван Бетховен

(1770–1826)

«Музыка должна высекать огонь из людских сердец», – говорил Людвиг ван Бетховен, чье творчество принадлежит к высшим достижениям человеческого гения. Бетховен был не только величайшим композитором, но и замечательным пианистом. Поэтому столь выразительны его сонаты, которые современники называли «инструментальными драмами». Он ввел здесь особую форму, основанную на повторении мелодических циклов. Тем самым усиливалась основная мысль сонаты и нарастал драматизм передаваемых разнообразных чувств.

Умение Бетховена соединять в одном произведении элементы разных жанров стало не только его открытием, но и особенностью музыки его последователей. Его творчество оказало большое влияние на развитие музыкального искусства.

Людвиг ван Бетховен родился в декабре 1770 года в Бонне в семье придворного музыканта.

Отец принуждал Людвига заниматься музыкой: обнаружив незаурядный талант ребенка, он заставлял его часами просиживать за клавесином. Слава маленького Моцарта не давала ему покоя. По семь-восемь часов в день отец заставлял несчастного ребенка играть упражнения. А иногда у него появлялось желание позаниматься с ним и ночью. В восемь лет маленький Бетховен дал первый концерт в городе Кельне, а затем и в других городах. Отец, видя, что не может больше ничему научить сына, перестал с ним заниматься.

До десятилетнего возраста Людвиг посещал начальную школу, где главным предметом занятий являлась латынь, а второстепенными – арифметика и немецкое правописание. Среднего образования Людвигу не удалось получить: в семье царила нужда, и десяти лет мальчик уже остался вне школы. Однако через несколько лет юный Бетховен самостоятельно научился бегло читать по-латыни, переводил речи Цицерона, овладел французским и итальянским языками.

В десять лет Бетховен начал овладевать тайнами композиторской техники, учась у Нефе искусству контрапункта и генерал-баса. Вскоре он поступил в придворную капеллу в качестве органиста.

В 1787 году Бетховен едет в Вену, чтобы встретиться с Моцартом, услышать его советы. Бетховен играл в присутствии прославленного композитора свои произведения и импровизировал. Моцарт был поражен смелостью и богатством фантазии юноши, необычайной манерой исполнения, бурной и порывистой.

Чтобы заработать на жизнь, Бетховен служил в оперном театре, играя в оркестре на альте, выступал с концертами, давал бесчисленное количество уроков. Несколько лет Бетховен играл в замечательной Боннской капелле.

Значительное событие в жизни и деятельности Бетховена – концертная поездка в Прагу, Дрезден и в Берлин (1796). Творчество и исполнительское мастерство Людвига привлекли общее внимание. В Берлине гениальные импровизации Бетховена при дворе и в «Певческой академии» вызвали необычайный восторг.

Как виртуоз, Бетховен занял первое место в музыкальной жизни не только Вены, но и всех немецкоязычных стран.

Бетховен выступал преимущественно в салонах венской знати. Он сразу выделился там не только гениальной игрой, но и независимым, бескомпромиссным характером. Резкий и прямой, Бетховен не терпел любого насилия над собой и в горделивом сознании своей гениальности не щадил сановных меценатов.

Он обладал несравненной технической ловкостью и быстротой. Манера его сидеть за фортепиано отличалась благородством и спокойствием. Спокойным оставалось и лицо. Пальцы Бетховена были очень сильны, но не длинны, с широкими «подушками», руки не очень растянуты (едва брал одной рукой дециму). Употреблял педаль он значительно чаще, чем написано в нотах. В чтении с листа Бетховен не имел соперников.

Несмотря на шумный пианистический успех, Бетховен считал себя в первую очередь композитором. В 1796 году он, наконец, решился опубликовать свои первые фортепианные сонаты.

В 32 сонатах, образующих в совокупности самую ценную часть фортепианного наследия Бетховена, полней всего отразилась его творческая эволюция.

Вехи этой эволюции отмечают три популярнейшие сонаты – «Патетическая», «Лунная» и «Аппассионата». Лирико-драматическая сущность «Патетической» и «Лунной» характерна для первого периода творчества Бетховена. Второй период запечатлен в пламенной выразительности «Аппассионаты».

Очень интенсивно протекало музыкальное развитие Бетховена в первое десятилетие пребывания в Вене. За эти годы он создал свыше 100 произведений в разных жанрах: 17 фортепианных сонат, 9 сонат для скрипки с фортепиано, 3 фортепианных концерта, 2 сонаты для виолончели с фортепиано, музыку к балету «Творения Прометея» – единственному у Бетховена! В 1800 году он закончил Первую симфонию. Вслед за ней была задумана Вторая. Но между ними пролегла полоса жестоких испытаний, преисполненных трагизма личных переживаний. Бетховен ощутил ослабление слуха. Врачи не сумели помочь ему и, быть может, ускорили течение болезни. Болезнь настигла мастера в зените славы. Меценаты назначили ему солидную пенсию.

Шесть месяцев он прожил почти в уединении в Хайлигенштадте, предместье Вены. Здесь композитор сочинил Вторую симфонию, полную энергии, динамики, словно залитую солнечным светом. И здесь же родилась у него мысль о самоубийстве…

Бетховен не покончил с собой. Гигантским усилием воли он переборол малодушие. Отныне страданию в личной жизни противостоит безмерная радость творчества. Третьей симфонией, задуманной в дни кризиса, открывается новый период в творчестве Бетховена, знаменующий еще более высокий взлет его могучей фантазии.

Второй творческий период длился около десятилетия: от Третьей (1804 год) до Восьмой симфонии (1812 год). Это было бурное время. Революционная Франция стала бонапартистской. Начались захватнические войны Наполеона. Именно в это время окрепла героико-драматическая тематика в музыке Бетховена. Он воплощал ее в Третьей («Героической») и в Пятой симфониях, в увертюре «Эгмонт» и в Пятом фортепианном концерте, в сонате «Аппассионата» и в опере «Фиделио».

«Героическая» симфония начинает собой новую эру симфонической музыки. Это грандиозное творение превышает известные до того времени симфонии не только своими размерами, но и количеством тем, многообразием эпизодов, сложными связями. Пятая симфония, пожалуй, наиболее популярная из всех симфоний Бетховена. Нередко ее называют наиболее совершенной, лучшей из всех. Сам Бетховен не разделял такого мнения: он предпочитал «Героическую».

Личная жизнь его так и не удалась, хотя у Бетховена было много друзей среди женщин. Вероятно, в период 1806–1809 годов завязывается тесная дружба между композитором и Терезой Брунсвик. Отношения эти до сих пор остаются невыясненными; но нет никакого сомнения в том, что эта выдающаяся женщина всю жизнь была предана Бетховену и одно время отвечала на его страстное чувство.

С годам изменился облик Бетховена. Теперь он сторонится светского общества. Добрый, приветливый, незлобивый, он в гневе не знает пощады, страстно ненавидя фальшь и ложь.

В это десятилетие формируется поздний стиль его творчества – возвышенный, свободно импровизационный, с преобладанием интеллектуального начала над чувственным. Таковы последние 5 струнных квартетов или 5 его фортепианных сонат. А также два самых монументальных произведения– «Торжественная месса» (1818–1823) и Девятая симфония, в которой Бетховен использовал голоса солистов и хора (1822–1824).

Вершиной творчества Бетховена справедливо считается Девятая симфония, законченная в 1824 году. Полная революционного оптимизма, величественная симфония венчает творческий путь великого композитора, сумевшего преодолеть личные горести и страдания, сохранить непоколебимую веру в человечество и его прекрасное будущее и пронести эту веру сквозь трудную жизнь. Первое исполнение Девятой симфонии в Вене в 1824 году ознаменовалось триумфом. Правда, глухой композитор не слышал ни своей музыки, ни бурных взрывов аплодисментов…

В декабре 1826 года Бетховен простудился и слег. Ближайшие три месяца он тщетно боролся с недугом. 26 марта, когда над Веной громыхала снежная буря с молнией, умирающий внезапно выпрямился и в исступлении кулаком погрозил небесам. То была последняя схватка Бетховена с неумолимой судьбой.

Бетховен намного опередил свое время. Его музыка была и будет источником вдохновения для многих поколений.

 

Никколо Паганини

(1782–1840)

Паганини вошел в историю музыки как самый выдающийся скрипач всех времен и народов. Его имя уже при жизни было овеяно легендами. Он так расширил исполнительские возможности инструмента, применял такие неслыханные приемы, достиг такой виртуозности, размаха, выразительности, силы страстей и воздействия на публику, что его игра в сочетании с необычной, «демонической» внешностью рождала миф о колдовстве. «Его совершенное исполнение выходит за пределы человеческого понимания», – писал выдающийся композитор Феликс Мендельсон-Бартольди.

Никколо Паганини родился 27 октября 1782 года в Генуе, в семье торгового агента Антонио Паганини и его жены Терезы Боччардо.

У Никколо почти не было детства. Мальчик всегда помнил себя в непрерывных истощающих занятиях на скрипке. Природа наделила Никколо необыкновенным даром – слухом, доведенным до предела чувствительности. Отец рано подметил одаренность Никколо и уверился в мысли, что сын сможет завоевать славу, а значит и принести много денег. Но для этого мальчику следует заниматься, не щадя себя.

Первым более или менее серьезным педагогом Паганини стал генуэзский поэт, скрипач и композитор Франческо Ньекко. Паганини рано стал сочинять – уже в восьмилетнем возрасте он написал скрипичную сонату и ряд трудных вариаций.

Постепенно слава о юном виртуозе распространилась по всему городу, и на Паганини обратил внимание первый скрипач капеллы собора Сан-Лоренцо Джакомо Коста. Уроки проходили раз в неделю, и более полугода Коста наблюдал развитие Паганини, старался передать ему профессиональные традиции.

После занятий с Костой Паганини смог, наконец, впервые выйти на эстраду. В 1794 году начинается его концертная жизнь.

Новый учитель Паганини – виолончелист, прекрасный полифонист Гаспаро Гиретти, привил юноше отличную композиторскую технику.

Два выступления Паганини в Парме прошли с огромным успехом, и молодого виртуоза пожелали послушать при дворе герцога Фердинанда Бурбонского. Отец Никколо понял, что настала пора эксплуатировать талант сына. Взяв на себя роль импресарио, он предпринимает поездку по Северной Италии. Состоялись выступления юного музыканта во Флоренции, а также в Пизе, Ливорно, Болонье и наиболее крупном центре Северной Италии – Милане. И всюду огромный успех. Никколо жадно впитывал новые впечатления и под жесткой опекой отца продолжал много заниматься, совершенствуя свое искусство.

В этот период родились многие из его прославленных каприччо. Каприччо Паганини совершили переворот в скрипичном языке, скрипичной выразительности. Он добился предельной концентрации выразительности в сжатых построениях, что станет характерным для всего его творчества, в том числе и исполнительского стиля.

Когда Паганини было предложено занять место первого скрипача в Лукке, он его с радостью принял. С энтузиазмом Паганини отдался работе. Ему было поручено руководство городским оркестром. Он широко использует разрешение концертировать: с небывалым успехом выступает в Пизе, Милане, Ливорно. Восторг слушателей кружит голову, пьянит ощущение свободы. Приходят и увлечения иного порядка, которым он отдается так же пылко и страстно.

В это бурное время приходит и первая любовь. И ей скрипач отдается весь, без остатка, как и всему, что он делал. Почти на три года имя Паганини исчезает с концертных афиш.

В конце 1804 года скрипач возвращается на родину, в Геную, и несколько месяцев занимается лишь сочинением. А затем снова едет в Лукку – в герцогство, которым правил Феличе Бачокки, женатый на сестре Наполеона Элизе. Три года служил Паганини в Лукке камерным виртуозом и дирижером оркестра.

Отношения с княгиней Элизой постепенно приобрели не только официальный характер. Паганини создает и посвящает ей «Любовную сцену», специально написанную для двух струн («ми» и «ля»). Другие струны во время игры со скрипки снимались. Сочинение произвело фурор. Затем княгиня потребовала произведение только для одной струны. «Я принял вызов, – говорит Паганини, – и спустя несколько недель написал военную сонату «Наполеон» для струны «Соль», которую исполнил на придворном концерте 25 августа». Успех превзошел самые смелые ожидания.

Прошло почти три года службы, и Паганини начали тяготить отношения с Элизой, двором, ему вновь захотелось артистической и личной свободы. Однако Элиза не выпускала Паганини из поля своего зрения. В 1808 году она получила во владение Тосканское герцогство и Паганини был вынужден вернуться на придворную службу в его столицу Флоренцию еще на четыре года.

Покинув Флоренцию, Паганини переезжает в Милан. Рецензия на концерт Паганини в октябре 1813 года в «Ла Скала», появившаяся во влиятельной «Лейпцигской музыкальной газете», познакомила Европу с именем Паганини.

В родной город он приезжает с концертами в конце 1814 года. Пять его выступлений триумфальны.

В конце 1816 года Паганини уехал на концерты в Венецию. Во время выступления в театре он познакомился с певицей хора Антонией Бьянки и взялся обучать ее пению. Паганини увозит девушку с собой в концертные поездки по стране и все более привязывается к ней.

11 октября 1821 года состоялось его последнее выступление в Неаполе, и на два с половиной года Паганини выключается из артистической жизни. Состояние его здоровья так плохо, что он вызывает к себе мать и перебирается в Павию. Туберкулез, лихорадка, кишечные боли, кашель, ревматизм и другие заболевания терзают Паганини.

Через два с половиной года, окрепнув, Паганини дает концерты в Павии, затем в родной Генуе. Он почти здоров, остался – теперь уже на всю жизнь – «невыносимый кашель».

Паганини вновь сближается с Антонией Бьянки. Они вместе выступают. Их связь приносит Паганини сына – Ахилла.

Преодолевая болезненное состояние и мучительный кашель, Паганини интенсивно сочиняет для своих будущих выступлений новые произведения – «Военную сонату» для скрипки с оркестром, исполняемую на струне «Соль» на тему из оперы Моцарта «Свадьба Фигаро», – в расчете на венскую публику, «Польские вариации» для исполнения в Варшаве и три скрипичных концерта, из которых наибольшую известность приобрел Второй концерт со знаменитой «Кампанеллой», ставшей своеобразным музыкальным символом артиста.

В начале марта 1828 года Паганини с Бьянки и Ахиллом отправляются в далекий путь в Вену. Почти на семь лет покидает Паганини Италию. Начинается последний период его выступлений – время наиболее интенсивной концертной деятельности. Кроме того, в столице Австрии он много сочиняет. Здесь рождается сложнейшее произведение – «Вариации на австрийский гимн» и задумывается знаменитый «Венецианский карнавал» – венец его виртуозного искусства.

С августа 1829 года, когда Паганини приехал во Франкфурт, по начало февраля 1831 года продолжалось турне по Германии. За 18 месяцев скрипач играл в более чем 30 городах, выступил в концертах, различных дворах и в салонах почти 100 раз. Это была небывалая по тем временам активность исполнителя. Паганини чувствовал себя на взлете, выступления проходили с огромным успехом, он почти не болел.

Весной 1830 года Паганини концертировал в городах Вестфалии. И здесь исполняется его давнее желание – Вестфальский двор жалует ему титул барона. Титул передается по наследству, а именно это и надо было Паганини: он думает о будущем Ахилла.

В январе 1831 года Паганини дает последний концерт в Германии – в Карлсруэ, и в феврале он уже во Франции. Два концерта в Страсбурге вызвали такой восторг, который напомнил итальянский и венский приемы.

В конце декабря 1836 года Паганини выступает в Ницце с тремя концертами. В октябре 1839 года Паганини последний раз навещает родной город Геную. Он в чрезвычайно нервном состоянии, еле держится на ногах. Последние пять месяцев Паганини не мог выйти из помещения, у него опухли ноги, и он оказался настолько истощен, что не мог взять в руку смычок.

Никколо Паганини скончался в Ницце 27 мая 1840 года.

Ни один артист в то время не пользовался такой популярностью, как Паганини. Хотя гонорары в XIX веке значительно уступали нынешним, музыкант оставил после себя несколько миллионов франков.

 

Петр Ильич Чайковский

(1840–1893)

Тонкий психолог, мастер-симфонист, музыкальный драматург, Чайковский раскрыл в музыке внутренний мир человека, создал высочайшие образцы опер, балетов, симфоний, камерных произведений.

Очень многое из того, что сделал композитор, можно определить словом «впервые». Он создал новый симфонический жанр – трагическую симфонию, новый для русской оперы жанр – лирико-психологическую драму. В историю музыки Чайковский вошел и как реформатор жанра балета, открыв эру симфонического балета.

Петр Чайковский родился 25 апреля 1840 года в заводском поселке Воткинск, что в Удмуртии, в семье горного инженера, директора Камско-Воткинских заводов Ильи Петровича Чайковского.

В десятилетнем возрасте мальчика отдали учиться в петербургское Училище правоведения, которое готовило чиновников для департамента юстиции. Музыка все больше заполняла его жизнь. Петя берет уроки музыки у итальянца Пиччиоли, слушает оперы и концерты с друзьями-правоведами.

В 1855 году Чайковский начинает брать уроки у известного пианиста Рудольфа Кюндингера, а с 185 8 года – заниматься теорией музыки с его братом Августом.

В 1859 году Петр занимает пост чиновника Министерства юстиции.

Осенью 1861 года Петр Ильич поступает в Музыкальные классы, которые в следующем году были преобразованы в Петербургскую консерваторию. По теории музыки он занимается у Н. И. Зарембы, а композицией – у А. Г. Рубинштейна. Чрезвычайно довольный учеником, Рубинштейн сделал его своим стипендиатом, а с 1864 года поручил вести занятия в классе гармонии.

В 1865 году Чайковский окончил консерваторию с серебряной медалью. В январе следующего года, приняв приглашение Н. Г. Рубинштейна, музыкант переехал в Москву, чтобы стать профессором Московской консерватории.

Все лето 1866 года он работает над своей Первой симфонией, которую назовет «Зимние грезы». Это будет первая симфония, созданная русским композитором, получившим у себя на родине, в России, профессиональное музыкальное образование.

Решающую роль в ближайших творческих планах композитора сыграла его дружба с драматургом А. Н. Островским, с которым Чайковский познакомился в Артистическом кружке. Скорее всего драматург сам же и предложил молодому композитору своего «Воеводу» как сюжет для оперы.

Первое представление «Воеводы» состоялось 30 января 1869 года в Большом театре в Москве. Опера имела успех у публики. Композитора вызывали 15 раз и поднесли ему лавровый венок. Однако композитор, недовольный суровой критикой оперы в прессе, забрал партитуру из театра и позднее, в 1870-е годы, сжег ее. Так же критично оценил композитор и следующую свою оперу, «Ундину».

Для новой оперы Чайковский искал трагедийный сюжет и остановился на трагедии И. И. Лажечникова «Опричник». Премьера оперы состоялась в столице 12 апреля 1874 года. Постановка была скудная, декорации набирались из других спектаклей, но «Опричник» имел большой успех. И критика отнеслась к «Опричнику» с симпатией.

Значительное место в творчестве композитора того времени заняли программные симфонические произведения – увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта» (1869), фантазия «Буря» (1873, обе – по В. Шекспиру), фантазия «Франческа да Римини» (по Данте, 1876), в которых особенно заметна лирико-психологическая, драматическая направленность творчества Чайковского. Тогда же композитор создает первые в русской музыке классические образцы разных жанров – симфонии (1872, 1875, 1877), струнного квартета (1871, 1874, 1876), фортепианного концерта (1875, 1880, 1893), пишет романсы, фортепианные произведения («Времена года», 1875–1876 и др.).

Драматичен по своему характеру также созданный в эти годы балет «Лебединое озеро» (1877). Премьера балета в московском Большом театре (20 февраля 1877 года) прошла с успехом, и спектакль стоял в репертуаре до 1883 года.

В декабре 1876 года начинается переписка Чайковского с Надеждой Филаретовной фон Мекк. Эта незаурядная женщина сыграла важную роль в судьбе композитора. Одной из первых она по достоинству оценила гений Чайковского. С ее стороны это было не просто преклонение – материальная помощь богатой меценатки позволила музыканту оставить консерваторскую практику и полностью посвятить себя творчеству.

8 июля 1877 года Петр Ильич женится на двадцатилетней Антонине Милюковой. «Это бедная, но добрая девушка с безупречной репутацией, которая меня любит», – так ее охарактеризовал композитор. Однако вскоре после бракосочетания Чайковский один уезжает из Москвы в Каменку, к сестре. Дальнейшие годы будут омрачены всевозможными попытками исправить свою ошибку и законно разорвать отношения с Милюковой.

Женитьба, нервное заболевание, вызванное напряженной работой, послужили причиной отъезда Чайковского в конце 1877 года из Москвы за границу. В Италии композитор завершил Четвертую симфонию и оперу «Евгений Онегин».

Четвертая симфония впервые прозвучала в Петербурге в конце 1878 года и получила весьма благожелательные отклики.

К марту 1879 года Петр Ильич завершает «Орлеанскую деву» и отправляется из Парижа в Москву на премьеру «Евгения Онегина».

Первая пушкинская опера Чайковского ставится во многих городах России, ей аплодируют пражане, в Гамбурге она с успехом идет под управлением Густава Малера.

В начале восьмидесятых годов им создано блестящее, ярко народное по языку «Итальянское каприччио» для симфонического оркестра, продолжившее традиции испанских увертюр Глинки. В те же годы Чайковский впервые обратился к жанру трио и написал свое известное сочинение для рояля, скрипки и виолончели, посвященное памяти Н. Г Рубинштейна.

В 80-е годы композитор пишет большое количество разнообразных симфонических и камерных произведений. Впервые он обращается к жанру симфонической сюиты. Дальнейшее развитие получают симфонии: программная симфония «Манфред» (1885), Пятая симфония (1888). Появляются новые увертюры – «1812 год» (1880), «Гамлет» (1888).

В 1885 году Чайковский покидает Москву и поселяется в окрестностях города Клина – в Майданове, затем во Фроловском, а с 1891 года на окраине самого Клина.

Начиная с 80-х годов его имя становится популярным не только в России, но и за рубежом. Чайковский с большим успехом выступает как дирижер симфонических концертов и опер, совершает ряд концертных поездок по городам Европы, где исполняются его произведения.

Новый, 1890 год открылся для Чайковского премьерой «Спящей красавицы» в Мариинском театре.

В марте 1890 года, прожив 44 дня во Флоренции, Чайковский создал одно из величайших чудес во всей истории мирового музыкального искусства – оперу «Пиковая дама».

В течение 1891–1892 годов Чайковским созданы светлая, солнечная по характеру камерная лирическая опера «Иоланта» на сюжет драмы датского писателя Герца и балет «Щелкунчик» по сказке Гофмана (в обработке Дюма). Они были одновременно показаны впервые в декабре 1892 года.

В 1893 году появилась Шестая симфония («Патетическая», как назвал ее сам автор) – вершина симфонического творчества композитора. «В симфонию эту я вложил, без преувеличения, всю мою душу», – говорил композитор и считал ее одним из «наиискреннейших» своих произведений.

Симфония была впервые исполнена в Петербурге под управлением автора. Через несколько дней Чайковский тяжело заболел. Болезнь оказалась смертельной. В ночь с 25 на 26 октября 1893 года композитор скончался. Жизнь великого русского музыканта оборвалась в расцвете сил, когда он был полон новых творческих замыслов.

 

Огюст Роден

(1840–1917)

Огюст Роден относится к тем художникам, творчество которых перевернуло мир. Многие считают Родена крупнейшим скульптором современности.

Роден отказался от точного соответствия фигуры оригиналу и стал основываться исключительно на собственном настроении, поставленной задаче, личности позирующего человека. Роден всегда стремился передать действие, изображал как бы остановленное мгновение, движение, которое совершалось на глазах у зрителя.

Огюст Роден родился 12 ноября 1840 года в Париже. Отец его был мелким служащим, мать – горничной.

В 1854 году Огюст поступил в школу рисования и математики, готовившую мастеров декоративно-прикладного искусства. Впоследствии Роден высоко отзывался о своем педагоге Лекоке де Вуабодрак. Под его руководством Огюст в совершенстве овладел техникой рисунка.

С 1864 года Огюст посещает курсы А. Бари – выдающегося скульптора-анималиста. Первое значительное произведение молодого скульптора – «Человек со сломанным носом» (1864), чуждое официальным требованиям, не было допущено в парижский Салон.

В 1864 году он женится на бедной девушке Розе Вере. В 1866 году у них родился сын Огюст-Эжен, и в это время мастерскую наполняют композиции с фигурками детей: «Мать и дитя», «Материнская нежность», «Венера и Амур».

Трудное положение вынуждает Родена стать одним из помощников преуспевающего скульптора А. Каррье-Беллеза. Роден выполняет значительную часть работы, хотя в качестве автора фигурирует его патрон.

В 1871 году вместе с Каррье-Беллезом, получившим большой заказ в Бельгии, Роден выезжает в Брюссель. Вскоре работу возглавил местный мастер ван Расбург, и Роден продолжает свою деятельность уже под его руководством.

В 1876–1877 годах он исполняет статую «Бронзовый век», вкладывая в произведение более общий смысл – идею пробуждения человечества. Появление статуи в Салоне сопровождалось грандиозным скандалом. Злобствующая критика обвинила скульптора в том, что он прибег к муляжу – снял слепок с натурщика. Только вмешательство целой группы художников, обратившихся к министру изящных искусств, смогло положить конец незаслуженным обвинениям. Вслед за «Бронзовым веком», купленным Люксембургским музеем, Роден создает статую «Иоанн Креститель» (1878) – образ мыслителя-проповедника, полный величавого спокойствия.

В 1880 году Роден получает заказ правительства на оформление главных дверей Музея декоративного искусства в Париже. Скульптор решает выполнить «Врата ада», украсив их бронзовыми барельефами по мотивам «Божественной комедии» Данте. Позднее замысел неоднократно менялся, появился и ряд образов, не связанных с произведением Данте.

Роден вступил в пору расцвета своего таланта. Близка к завершению основная часть «Врат ада», созданы бессмертные «Три тени», «Кариатида», «Ева». И, наконец, появляется знаменитый «Мыслитель»…

В 1884 году муниципалитет Кале обратился к Родену. Речь шла о сооружении монументе знаменитым гражданам города, отличившимся в 1347 году при осаде города англичанами. Весной 1889 года скульптор заканчивает всю группу. Но лишь 3 июня 1895 года, памятник был открыт – не хватало денег. После открытия памятник сразу стал знаменитым. О «Гражданах Кале» много писали. Посмотреть на творение великого скульптора приезжали со всех уголков Франции.

В 1883 году в мастерскую Родена пришла красивая сероглазая девушка, которая хотела учиться скульптуре – Камилла Клодель. Она стала сначала ученицей, а затем и помощницей мастера. В 1885 году учитель лепит Клодель, назвав портрет «Аврора», в следующем году появилась «Мысль».

В 80-е – начале 90-х годов появляются удивительные по красоте и лиризму произведения, также связанные с Камиллой, которая не только позировала для многих из них, но и вдохновляла скульптора при их создании. Они поражают искренностью в передаче чувств.

Но помимо радостной темы любви здесь порой звучат и тревожные и даже скорбные ноты, предвестники неизбежной разлуки: «Любовь убегает!», «Скорбь», «Данаида», «Плачущая», «Скорбящая!», «Прощание», «Меланхолия» и другие. Может быть, Роден уже предчувствовал разрыв с Камиллой, произошедший около 1897 года.

После долгого перерыва, в 1890 году, скульптор лепит портрет Розы Вере, вероятно, то был своеобразный акт примирения. Он возвращается к Розе, но только 29 января 1917 года брак Родена с Розой Вере был оформлен официально, а через две недели, 14 февраля 1917 года, ее не стало.

Но до этих событий еще далеко. В девяностые годы формируется европейская слава Родена. Он признан теперь государством, наградившим его орденом Почетного легиона, становится известным за границей. Все большее число молодежи – французов и иностранцев – стремится работать в мастерской художника или же хотя бы пользоваться его советами, изредка показывая ему свои работы.

Из ведущихся новых работ центральное место занимает «Бальзак». Выполненный в 1897 году, он стал одной из последних крупных работ стареющего мастера. Другой, еще более обширный замысел скульптора – проект «Башни труда», должен был воплотить в себе мечту художника о монументальном творчестве. Но лишь группа «Благословение» – два крылатых гения, склонившиеся вниз, – была осуществлена художником в уменьшенном размере.

Между тем здоровье художника катастрофически ухудшается. Еще в 1912 году Роден, полный сил, совершает поездку в Италию, где посещает Рим; итальянцы устраивают ему невиданный прием, в его честь иллюминуют Капитолий. В 1914 году, перед войной, Роден едет в Англию, где его почитатели организуют выставку его работ. В Париж скульптор возвращается летом 1915 года.

10 июля 1916 года с ним происходит первый удар. Он поправляется медленно и уже больше не работает. Последние месяцы своей жизни Роден проводит почти безвыездно в Медоне. 17 ноября 1917 года он заболевает воспалением легких и вскоре умирает.

 

Константин Сергеевич Станиславский

(1863–1938)

Гениальный актер Станиславский был и гениальным режиссером-новатором, определившим своим постановочным искусством генеральную линию режиссерской эстетики XX века. Константин Сергеевич разработал методологию актерского творчества, технику органичного перевоплощения в образ – «систему Станиславского».

Станиславский впервые утвердил на русской сцене принципы режиссерского театра, отмеченного единством художественного замысла, подчиняющего себе все элементы спектакля, целостностью актерского ансамбля, психологической обусловленностью мизансцен.

Константин Сергеевич Алексеев (Станиславский) родился в Москве 5 января (старого стиля) 1863 года в многодетной (всего у него было девять братьев и сестер) семье фабриканта и промышленника Сергея Владимировича Алексеева.

Гимназию Костя не любил, его угнетала система так называемого классического образования, с обязательным изучением латыни и греческого, что требовало бесконечной зубрежки. В 1880 году он ушел из гимназии, так и не закончив курса.

Много лет проработал Константин на золотоканительной фабрике отца, став опытным специалистом-инженером, а позднее и одним из директоров. Для изучения усовершенствованных машин он не раз ездил во Францию и добился их внедрения на своей фабрике.

Однако настоящим призванием Станиславского оказался театр. В 1888 году он становится одним из руководителей Московского общества искусства и литературы. Именно оно и стало основой будущего Художественного театра. Решение о его организации было принято Станиславским в 1897 году после встречи с писателем и критиком В. Немировичем-Данченко. Во время продолжительной беседы они наметили концепцию театра совершенно нового типа.

На следующий год постановкой трагедии А. Толстого «Царь Федор Иоаннович» в Москве открылся Художественный театр. В самом начале спектакли шли в небольшом зале особняка Станиславского в Леонтьевском переулке, но вскоре театр переехал в специально построенное здание поблизости от Тверской.

Станиславский много играл в театре: земский врач Астров в «Дяде Ване», полковник Вершинин в «Трех сестрах», Сатин в пьесе «На дне», князь Иван Шуйский в «Царе Федоре Иоанновиче», барин Ракитин в «Месяце в деревне», аристократ Абрезков в «Живом трупе».

В первое десятилетие Художественного театра было немало постановок, осуществленных Станиславским совместно с Немировичем-Данченко. На сцене шли пьесы Чехова и Горького, в которых писатели изображали реальную жизнь. Перед зрителями разворачивались хорошо знакомые события повседневной действительности, не было сложных декораций, язык пьес был максимально приближен к современному. Впервые в театре из «разводящего» по сцене режиссер был превращен в идейного руководителя и истолкователя художественного произведения. Новая методика работы способствовала созданию коллектива– ансамбля актеров-единомышленников.

Впоследствии, рассказывая о программе Художественного театра, Станиславский называл ее подлинно революционной: «Мы протестовали и против старой манеры игры, и против театральности, и против ложного пафоса, декламации, и против актерского наигрыша, и против дурных условностей постановки, декораций, и против премьерства, которое портило ансамбль, и против всего строя спектаклей, и против ничтожного репертуара тогдашних театров».

В канун революции 1905 года Станиславский оказался на идейно-творческом перепутье. Было решено отправиться на гастроли за границу. Они сыграли огромную роль в развитии мирового сценического искусства. Запад впервые познакомился с русским театром, спектакли которого превратились в неслыханный триумф мхатовской театральной системы.

В 1910 году, оторванный от своего театра длительной болезнью, Станиславский углубляется в изучение «жизни человеческого духа» актера на сцене. В 1911 году он читает первоначальные наброски системы Максиму Горькому, и получает одобрение писателя-друга.

Станиславский считал, что актер должен «сделать чувства, мысли героя своими собственными, жить жизнью персонажа как своей». Играя в спектакле, артист должен воссоздать перед зрителем процесс рождения образа.

Подобная методика позволила Станиславскому по-новому прочитать многие традиционные образы. Так, поставленная им комедия Бомарше «Безумный день, или Женитьба Фигаро» из развлекательной пьесы превратилась в трагедию человека, не понятого окружающими.

Свои идеи Станиславский обкатывает в так называемой Первой студии, созданной в 1912 году. Спектакли студии «Гибель «Надежды» Гейермакса и «Сверчок на печи» по рассказу Чарлза Диккенса имели выдающийся успех. По признанию самого Станиславского, они обнаружили в молодых исполнителях «дотоле неведомую нам простоту и углубленность передачи» и наглядно доказали плодотворность применения принципов его системы.

И сам Художественный театр стал своеобразной экспериментальной театральной площадкой.

В 1918 году Станиславский возглавил оперную студию при Большом театре. Позже на ее основе был создан музыкальный театр, который сейчас носит его имя.

В 1922 году Художественный театр во главе со Станиславским уезжает за границу, где проводит два года (1922–1924). Четырехлетие 1924–1928 годов можно смело назвать периодом нового расцвета режиссерской деятельности Станиславского. В эти годы им созданы такие блестящие спектакли, как «Горячее сердце» (1926), «Дни Турбиных» (тогда же), «Безумный день, или Женитьба Фигаро» (1927) и сыгранный в дни десятилетия Октября «Бронепоезд 14–69» Вс. Иванова. Старый мастер показал себя не только блистательным постановщиком, но и артистом-гражданином, идущим «в ногу с тревожным веком».

Однако напряженная работа подорвала здоровье режиссера. 19 октября 1928 года во время исполнения роли Никиты Вершинина в пьесе «Бронепоезд 14–69» у Станиславского случился тяжелый сердечный приступ, после которого врачи запретили ему выходить на сцену.

Однако Станиславский не прекратил режиссерскую и преподавательскую деятельность. Он организовал студию начинающих актеров, в которой занялся совершенствованием своей системы.

Вокруг Художественного театра образовалось несколько студий, из которых впоследствии выросли будущие театры имени Моссовета и имени Е. Вахтангова.

Умер Станиславский 7 августа 1938 года.

 

Артуро Тосканини

(1867–1957)

В конце девятнадцатого столетия Италия дала миру музыки величайшего дирижера современности – Артуро Тосканини. В двадцатом столетии, богатом замечательными дирижерами, именно Тосканини стали считать образцом, идеалом дирижера – наставника оркестра. Благодаря ему деятельность дирижера приобрела огромный вес, незыблемый авторитет.

Тосканини умел создать спектакль, в котором все элементы: пение, игра, оркестр – соединились в единое гармоническое целое. Его отличал яркий артистический темперамент, исключительная музыкальная память. Как в опере, так и на концертной эстраде он достигал огромной силы и глубины художественного впечатления, поражал энергией и почти гипнотической силой внушения.

Артуро Тосканини родился 25 марта 1867 года в Парме в семье рабочего Клаудио Тосканини.

Уже в раннем детстве он проявил исключительную музыкальную одаренность. Отец мечтал дать сыну образование, подготовить к адвокатской деятельности. Но Артуро любил музыку, и Клаудио уступил, отдав сына в Пармскую консерваторию. В консерватории он написал три оперы, колыбельную для фортепиано.

В 1885 году Артуро окончил консерваторию по классу виолончели у Л. Карини, получив первую премию среди выпускников. В следующем году он участвовал в гастролях итальянской оперной труппы в Рио-де-Жанейро в качестве концертмейстера виолончелей, помощника хормейстера. Здесь и состоялось его первое дирижерское выступление: он наизусть, без репетиции продирижировал оперой «Аида» Дж. Верди.

В 1887–1898 годах Тосканини – главный дирижер оперных театров Турина, Милана и многих других итальянских городов. Он дирижирует премьерами знаменитых опер – «Паяцы» Леонкавалло (1892), «Богема» Пуччини (1896) и другими.

С конца девятнадцатого века имя Тосканини неразрывно связано со знаменитым оперным театром «Ла Скала» в Милане, главным дирижером которого в разные годы он был трижды: в 1898–1903, 1906–1908 и 1921–1929 годах.

В 1898 году Тосканини поставил в «Ла Скала» оперу Вагнера «Нюрнбергские мейстерзингеры», что стало большим событием. В 1906 году дирижер вновь появился в «Ла Скала» и вновь ему рукоплещут зрители. Но проходят два года, и он уходит. Он считает, что не может реализовать всего себя, работа превращается в рутину.

Тосканини уезжает в Нью-Йорк, где имеет огромный творческий и финансовый успех. Популярность дирижера в Америке растет с каждым годом. Но во время Первой мировой войны Тосканини не мог оставаться на чужбине. Артуро взялся дирижировать военными оркестрами. Он приезжал на передовые позиции, чтобы перед боем воодушевлять солдат.

Пока шла война, театр «Ла Скала» был закрыт. Тосканини решает возродить великий театр. Ради этого он отказывается от самых заманчивых турне. Сначала он создает оркестр из учащихся Миланской консерватории, с которым колесит по всей Европе. Обкатав оркестр, Тосканини восстанавливает и сам театр. В «Ла Скала» он и директор, и дирижер, и режиссер.

Девяносто раз дирижировал он спектаклями театра в 1922 году, восемьдесят один раз – в 1923 году. Он поставил в театре 26 новых опер: ни один театр мира не имел такого огромного репертуара. Тосканини, кроме итальянских композиторов, ставил «Пеллеаса и Мелизанду» К. Дебюсси, «Саломею» Р. Штрауса, оперы Р. Вагнера, «Хованщину» и «Бориса Годунова» М. П. Мусоргского.

Дирижер показал свое искусство и в других крупнейших театрах мира. В 1908–1915 годах он работает в нью-йоркской «Метрополитен-опера», где руководил премьерой оперы «Девушка с Запада» Пуччини (1910) и первой в США постановкой «Бориса Годунова» (1913). В 1926–1928 годах Тосканини возглавлял Нью-Йоркский филармонический оркестр, а в 1928–1936 годах был главным дирижером объединенного Нью-Йоркского филармонического оркестра. В 1937–1954 годах под его руководством находится симфонический оркестр Национального радио США (NBC).

Отказавшись сотрудничать с фашистами, захватившими власть в Италии, Тосканини в 1929 году покинул родину.

Именно Тосканини первым исполнил 19 июля 1942 года в США Седьмую («Ленинградскую») симфонию Шостаковича.

После войны в 1946–1949 годах Тосканини работал в Италии. Почти до девяноста лет Тосканини работал, дирижировал новыми сочинениями, записывал музыку на грампластинки.

Умер Тосканини 16 января 1957 года в Нью-Йорке.

 

Федор Иванович Шаляпин

(1873–1938)

Божественная красота голоса Шаляпина покоряла слушателей всех стран. Его высокий бас, поставленный от природы, с бархатистым мягким тембром звучал полнокровно, мощно и обладал богатейшей палитрой вокальных интонаций. В создании емких и сценически выразительных образов певцу помогала его необычайная многогранность: он был и скульптором, и художником, писал стихи и прозу. Искусство Шаляпина перешагнуло национальные границы и повлияло на развитие мирового оперного театра.

Федор Иванович Шаляпин родился 1 ноября 1873 года в Казани в бедной семье крестьянина из деревни Сырцово Вятской губернии Ивана Яковлевича Шаляпина.

С девяти лет пел в церковных хорах, пытался научиться играть на скрипке, много читал, но вынужден был работать учеником сапожника, токаря, столяра, переплетчика, переписчика. В двенадцать лет участвовал в спектаклях гастролировавшей в Казани труппы в качестве статиста. Неуемная тяга к театру приводила его в различные актерские труппы, с которыми он кочевал по городам Поволжья, Кавказа, Средней Азии, работая то грузчиком, то крючником на пристани, часто голодая и ночуя на скамейках.

В Уфе 18 декабря 1890 года он впервые спел сольную партию. Это была роль Стольника в опере Монюшко «Галька». В этот первый сезон он спел еще Фернандо в «Трубадуре» и Неизвестного в «Аскольдовой могиле». Успех окончательно укрепил его решение посвятить себя театру.

В 1894 году он пел в спектаклях, проходивших в петербургском загородном саду «Аркадия», затем в Панаевском театре. 5 апреля 1895 года Федор Иванович дебютировал в партии Мефистофеля в опере «Фауст» Ш. Гуно в Мариинском театре.

В 1896 году Шаляпин был приглашен С. Мамонтовым в Московскую частную оперу, где занял ведущее положение и во всей полноте раскрыл свой талант, создав за годы работы в этом театре целую галерею незабываемых образов в русских операх: Иван Грозный в «Псковитянке» Н. Римского-Корсакова (1896), Досифей в «Хованщине» М. Мусоргского (1897), Борис Годунов в одноименной опере М. Мусоргского (1898). Ряд оперных партий в театре певец подготовил с тогда еще начинающим дирижером и композитором Сергеем Рахманиновым. Творческая дружба объединяла двух великих художников до конца жизни, Рахманинов посвятил певцу несколько своих романсов, в том числе «Судьба» (сл. А. Апухтина), «Ты знал его» (сл. Ф. Тютчева).

С 24 сентября 1899 года Шаляпин – ведущий солист Большого и одновременно Мариинского театров.

В 1901 году в миланском «Ла Скала» он с огромным успехом пел партию Мефистофеля в одноименной опере А. Бойто с Э. Карузо. Мировую славу русского певца утвердили гастроли в Риме (1904), Монте-Карло (1905), Оранже (Франция, 1905), Берлине (1907), Нью-Йорке (1908), Париже (1908), Лондоне (1913–1914).

В годы Первой мировой войны гастрольные поездки Шаляпина прекратились. Певец открыл на свои средства два лазарета для раненых солдат, но не рекламировал свои «благодеяния». Юрист М. Ф. Волькенштейн, который много лет вел финансовые дела певца, вспоминал: «Если б только знали, сколько через мои руки прошло денег Шаляпина для помощи тем, кто в этом нуждался!»

После Октябрьской революции 1917 года Федор Иванович занимался творческим переустройством бывших императорских театров, был выборным членом дирекций Большого и Мариинского театров, руководил в 1918 году художественной частью последнего.

Внешне могло показаться, что жизнь Шаляпина благополучна и творчески насыщена. Он выступает на официальных концертах и для широкой публики, его награждают почетными званиями, просят возглавить работу разного рода художественных жюри, советов театров. Но тут же звучат резкие призывы «социализировать Шаляпина», «поставить его талант на службу народу», нередко высказываются сомнения в «классовой преданности» певца. Все это не вселяло уверенности в завтрашнем дне.

Весной 1922 года Шаляпин не вернулся из зарубежных гастролей, хотя продолжал некоторое время считать свое невозвращение временным.

На чужбине певец пользовался неизменным успехом, гастролируя почти во всех странах мира – Англия, Америка, Канада, Китай, Япония, Гавайские острова. С 1930 года Шаляпин выступал в труппе «Русская опера», спектакли которой славились высоким уровнем постановочной культуры. Особый успех в Париже имели оперы «Русалка», «Борис Годунов», «Князь Игорь».

В 1935 году Шаляпина избрали членом Королевской Академии музыки (вместе с А. Тосканини) и вручили диплом академика. В репертуаре Шаляпина было около 70 партий. Столь же велик был Шаляпин в камерно-вокальном исполнительстве. Здесь он привнес элемент театральности и создал своеобразный «театр романса». Его репертуар включал до 400 песен, романсов и других произведений камерно-вокальной музыки.

В 20–30-е годы XX века им было сделано около 300 грамзаписей.

В апреле 1929 года в Риме состоялась встреча Шаляпина с Горьким. Алексей Максимович предложил певцу вернуться на родину. Жена Федора Ивановича категорически возразила против этого. Да и сам Шаляпин видел, что жестокое время массовых репрессий ломает многие судьбы.

В 1932 году Федор Иванович по предложению немецкого режиссера Георга Пабста снялся в фильме «Дон Кихот». Фильм пользовался популярностью у публики. Уже на склоне лет Шаляпин, тоскуя по России, постепенно терял жизнерадостность и оптимизм, не пел новых оперных партий, стал часто болеть. В мае 1937 года врачи поставили ему диагноз – лейкемия. 12 апреля 1938 года в Париже великого певца не стало.

До конца своей жизни Шаляпин оставался русским гражданином, – он не принял иностранного подданства, мечтал быть похороненным на родине. Его желание исполнилось: прах певца был перевезен в Москву и 29 октября 1984 года захоронен на Новодевичьем кладбище.

 

Пабло Пикассо

(1881–1973)

Пикассо – крупнейший художник XX века и лидер авангардизма – принадлежит к числу гениев мировой живописи. Его взгляды и художественное творчество изменили привычные представления об искусстве, он оказал громадное влияние на художников всех стран. Благодаря своим творческим экспериментам Пикассо создал новый язык искусства. Одним из его крупнейших открытий стал кубизм.

Свое творческое кредо художник определил так: «Я рисую предметы такими, какими я их представляю, а не такими, какими я их вижу».

Пабло Руис-и-Пикассо родился 25 октября 1881 года в испанской Малаге в семье художника дона Хосе Руиса и Марии Пикассо-и-Лопес.

В 1892 году он поступает в художественную школу в Ла-Корунье, где его отец ведет класс рисунка и орнамента.

В сентябре 1895 года Пабло начинает учебу в барселонской художественной школе. Он потрясает профессуру, выполнив за один сеанс этюд натурщика, на исполнение которого был дан целый месяц. Зимой Пикассо пишет свою первую большую композицию в академическом стиле «Первое причастие».

В 1897 году Пабло поступает в Королевскую академию Сан-Фернандо в Мадриде. В том же году на национальной выставке Академии художеств в Мадриде картина «Знание и сострадание» удостоена высокой оценки. Но зимой против воли отца Пабло бросает учебу в Академии.

В 1898 году Пикассо возвращается в Барселону. В это время он занимается с каталонским художником Палларесом.

Начало голубого периода принято относить приблизительно к середине 1901 года, окончание – к концу 1904. Хотя многое из того, что составляет содержание голубого периода, восходит еще к пребыванию художника в Мадриде с февраля по апрель 1901 года: «Женщина в голубом», «Дама в голубом». В это время Пикассо живет то в Париже, то в Барселоне.

Для картин этого периода характерны образы нищеты, меланхолии и печали. Картины написаны в сумрачной, почти одноцветной гамме голубых, синих и зеленых тонов. Фигуры кажутся застывшими, скованными: «Любительница абсента» (1901), «Свидание» (1902), «Старый нищий старик с мальчиком» (1903), «Жизнь» (1903), «Встреча» (1902), «Бедняки на морском берегу» (1903).

Произведение переходного периода – от «голубого» к «розовому» – знаменитая «Девочка на шаре» (1905). Колорит картины построен на простых розовых и голубых тонах, данных в соотношениях сложных и почти неуловимых.

В так называемом «розовом» периоде Пикассо (1905–1906) в фигурах исчезает скованность, тона делаются прозрачнее и воздушнее. Его излюбленными темами в этот период были акробаты, гимнасты и арлекины – «Семейство акробатов с обезьяной» (1905), «Гауклеры, семейство комедиантов» (1905), «Акробат и молодой арлекин» (1905), а также изображения женщин за туалетом – «Туалет» (1906), «Прическа» (1906), «Гарем» (1906). Тогда же были исполнены серии гравюр, в том числе офортов.

В 1907 году Пикассо познакомился с Матиссом. В ту пору он углубленно осваивал наследие Сезанна, о чем свидетельствует «Портрет Гертруды Стайн» (1906), предвосхищающий кубизм и следующую картину «Авиньонские девицы» (1906–1907). Это произведение было по-настоящему революционным, ибо порывало с традиционным способом изображения человеческой фигуры и пространства.

Конструирование массивных грубых геометрических объемов или аналитическое разложение их на сопоставленные плоскости, цветовые и фактурные элементы, рассмотренные с разных сторон с помощью динамичной точки зрения, становится главной задачей художника. Так в 1908–1909 годах Пикассо совместно с Ж. Браком разрабатывают новый стиль – кубизм.

Начиная с 1914 года происходит постепенный отход Пикассо от кубизма. Это проявляется в картине «Художник и его модель», в ряде рисунков. Пикассо ощущает интерес к точным контурам и пластике форм.

В 1917 году художник работал над костюмами и декорациями балета «Парад», поставленного труппой Дягилева.

В 1918 году Пикассо женится на русской балерине Ольге Хохловой. Рождение в 1921 году сына Поля сопровождается возвращением к миру ясных, понятных, чуждых драматической экспрессии форм. Картины отличает изящество линий и настроение сказочной идиллии с утонченным ароматом старины: «Три женщины у источника» (1921), «Мать и дитя» (1922), серия «Мастерская скульптора» (1934).

В 1927 году Пикассо знакомится с Марией-Терезой Вальтер. Он расстается с Хохловой, ив 1935 году Мария-Тереза рожает ему дочь Майю. Надо сказать, что это была далеко не последняя любовь художника. В 1943 году Пикассо знакомится с Франсуазой Жило, родившей Пикассо сына Клода (1947) и дочь Франсуазу (1949). В возрасте восьмидесяти лет, в 1961 году, художник сочетался законным браком с Жаклин Рок.

Начинается время странного искусства Пикассо, получившего титул «мэтра наших кошмаров». Под его кистью рождается целое поколение монстров. Они и похожи и не похожи на людей, у них своя анатомия.

Его реакция на окружающую действительность прорывается в мрачных, гротесковых полотнах «Плачущая женщина» (1937), «Мечты и ложь генерала Франко» (1937), «Кот и птица» (1939). Кульминацией его гнева стала «Герника» (1937) – негодующий протест против всего того, что сделало фашизм возможным. 26 апреля 1937 года немецкая и итальянская авиация до основания разрушили небольшой городок басков Герника. За два месяца Пикассо создает свою картину.

Несмотря на опасность, угрожавшую ему в столице Франции, Пикассо прожил здесь всю оккупацию с 1940 по 1944 год. В 1944 году Пикассо становится членом Французской компартии.

В августе 1944 года Париж освободили. В октябре того же года в Осеннем Салоне, носившем название «Салон освобождения», открыли выставку. В экспозиции особое место уделялось индивидуальному разделу Пикассо – семьдесят четыре полотна и пять скульптур.

Тема войны и мира останется с Пикассо надолго: он создаст картины «Война» и «Мир» для Храма мира в Валлорисе, знаменитый «Голубь мира» (1950) станет эмблемой сторонников мира. В 1951 году художник напишет картину «Война в Корее».

В 1956–1957 годах Пикассо исполняет панно для здания ЮНЕСКО в Париже. Создает ряд произведений для Музея Гримальди в Антибе, который вскоре получает название «музей Пикассо».

До последних лет художник продолжал интенсивно работать. Так, в 1968 году он за семь месяцев выполнил 347 гравюр!

Умер Пикассо 8 апреля 1973 года.

 

Анна Матвеевна Павлова

(1881–1931)

Искусство Павловой представляет собой уникальное явление в истории мирового балета. Павлова впервые превратила академический танец в массовый вид искусства, близкий и понятный даже самой неподготовленной публике. Интерес к творчеству балерины не ослабевает и сейчас – ее ставшее легендарным мастерство по-прежнему считается великим образцом высокого искусства танца.

Легенды окутывают всю ее жизнь с рождения и до смерти. Архивы позволили точно установить дату рождения Анны Павловой: 1 февраля 1881 года по новому стилю. До сих пор ничего точно не известно об ее отце. Вероятно, биологическим отцом Анны является богатый банкир Лазарь Поляков: в 1880 году ее мать, Любовь Федоровна Павлова, была в услужении у семьи Поляковых.

В 1891 году Анна Павлова поступила в императорскую балетную школу. Здесь ее учителями были известные исполнители Е. П. Соколова и П. А. Гердт. В последних классах необыкновенный талант Павловой стал очевидным.

В театр она пришла со званием первой танцовщицы, то есть исполнительницы небольших партий в «двойках», «тройках», «четверках». В театре Анна занималась в классе известного педагога X. Иогансона, а позже-у Э. Чекетти, итальянского мастера, долгое время работавшего в Петербурге. Ее дебют на сцене Мариинского театра состоялся в 1899 году в балете «Дочь фараона» на музыку Цезаря Пуни в постановке Сен-Жоржа и Петипа.

Мастерство Анны Павловой совершенствовалось год от года, из спектакля в спектакль. Вскоре Анна становится второй, а затем и первой солисткой. В 1902 году Павлова создала совершенно новый образ Никии в «Баядерке», истолковав его в плане высокой трагедии духа. Эта трактовка изменила сценическую жизнь спектакля. То же самое произошло и с образом Жизели, где психологизм трактовки приводил к поэтически просветленному финалу. Зажигательный, бравурный танец ее героинь – Пахиты, Китри – был образцом исполнительского мастерства и стиля.

В начале 1903 года Павлова впервые танцует на сцене Большого театра.

В 1905 году она начинает сотрудничество с молодым хореографом Михаилом Фокиным, который стремился к созданию целостного сценического произведения, в котором все компоненты – музыка, хореография, сценография – живут в художественном единстве. Павлова танцует в балетах Фокина «Виноградная лоза» (1906), «Павильон Армиды» (1907), «Евника» (1907), «Египетские ночи», (1908), «Шопениана» (1907). Самым знаменитым номером Фокина и Павловой стала небольшая хореографическая композиция, концертный номер «Лебедь» Сен-Санса.

С 1908 года Анна Павлова начала гастролировать за рубежом. Она стала главной участницей всех «Русских сезонов» Сергея Дягилева в Париже. Здесь она получила мировую известность. В роскошном ансамбле самых крупных исполнительских дарований, представленных Дягилевым в Париже, Анна занимала одно из первых мест.

При участии Павловой родился особый жанр пластической мелодекламации. Естественным было попробовать ставить самой. Такую попытку она предприняла в 1909 году на спектакле в Суворинском театре в честь юбилея ее владельца – А. Суворина. Для своего балетмейстерского дебюта Павлова выбрала «Ночь» Рубинштейна.

Самостоятельное творчество Павловой было встречено с одобрением. Следующими номерами были «Стрекоза» Ф. Крейслера, «Бабочка» Р. Дриго, «Калифорнийский мак». Здесь классический танец соседствовал и переплетался со свободной пластикой. Объединяло их эмоциональное состояние героини.

Петербургская дирекция императорских театров, боясь потерять танцовщицу, применила к ней свой излюбленный метод репрессий. В 1909 году, заключив с ней контракт на оклад в 10 тысяч рублей в год, дирекция одновременно связала ее огромной неустойкой в случае перерыва в выступлениях в течение трех лет. Обладая независимым характером, Павлова уже и раньше имела неприятность с дирекцией и не раз заставляла ее идти на уступки. В 1913 году произошел окончательный разрыв балерины с дирекцией из-за удержанной с нее неустойки, и она уехала за границу.

В 1910 году Анна Павлова создала собственную труппу. Гастрольный репертуар включал балеты Чайковского и Глазунова, «Тщетную предосторожность», «Жизель», «Коппелию», «Пахиту», интересные концертные номера.

Со своей труппой Павлова с триумфальным успехом гастролировала во многих странах мира. Она первой открыла русский балет для Америки, где впервые балетные спектакли стали давать полные сборы. Балерина знакомила всех любителей балета с русским искусством. В ее труппе работали русские балетмейстеры и преимущественно русские танцовщики. С ними она создавала новые хореографические миниатюры, наиболее известные среди которых – «Ночь» и «Вальс-каприз» на музыку А. Рубинштейна и «Стрекоза» на музыку Крейслера.

Где бы ни выступала Анна Павлова, она для всех оставалась русской балериной. В лице Анны Павловой русская балетная школа получила высочайшее признание и славу.

За 22 года бесконечных турне Павлова проехала на поезде более полумиллиона километров, по приблизительным подсчетам, она дала около 9 тысяч спектаклей. Это был действительно труд на износ. Был период, когда итальянский мастер Нинолини изготовлял для Анны Павловой в год в среднем две тысячи пар балетных туфель, и ей их едва хватало.

17 января 1931 года знаменитая балерина прибыла на гастроли в Нидерланды и вскоре почувствовала себя плохо. Судя по всему, артистка сильно простудилась во время поездки поездом по зимней Франции. В ночь с 22 на 23 января 1931 года Павлова умерла от острого заражения крови, занесенного недостаточно хорошо продезинфицированной дренажной трубкой.

 

Коко Шанель

(1883–1971)

«Мода – это нечто, что существует не только в одежде, – говорила Шанель. – Мода витает в воздухе. Она связана с нашими мыслями и нашим образом жизни, с тем, что происходит вокруг нас».

Шанель навсегда останется в истории моды не только потому, что она стала первой женщиной-дизайнером, потеснившей мужчин на Олимпе моды, но и потому, что именно ее модели определили лицо XX века.

Габриель Шанель родилась 19 августа 1883 года в Сомюре. Только через год ее родители– бродячий торговец Альбер Шанель и девица Жанна Деволь сочетались законным браком.

В восемнадцать лет Габриэль перебирается в поселок Варенн-сюр-Алье и вместе с сестрой матери Андриенной (ровестницей Шанель) поступает в качестве служащей в семейство, державшее магазин «У Святой Марии. Приданое и товары для новорожденных». Девушки великолепно шили. Скоро у них появились свои клиенты и в 1903 году Габриэль с Андриенной сняли на улице Пон-Генге дешевую комнату, где стали принимать заказы дам на обновление гардероба.

В 1905 году она дебютировала в кафе «Ротонда» в качестве певицы. Новая актриса знала всего две фривольные песенки: «Кукареку» и «Тот, кто видел Ко ко у Трокадеро». Там к ней и прилепилось прозвище Ко ко. Тогда же Шанель познакомилась с офицером Этьеном Бальсаном, который увез ее в свое поместье в Руайо недалеко от Парижа.

В 1908 году в Руайо появился молодой английский аристократ Артур Кейпел. Он предложил Габриэль заняться производством шляпок. В 1910 году Шанель открывает в Париже собственный магазин по продаже дамских шляпок. Она руководствуется принципом: «Чем меньше излишеств, тем лучше». И вместо вычурных конструкций на голове появляются изящные небольшие изделия. Фрукты, цветы, перья заменяются изящными небольшими лентами, маленьким букетиком и даже просто декоративной заколкой. Очень скоро Шанель пришла к выводу, что драгоценности на шляпе могут быть и искусственными. Главное, чтобы женщина в ней выглядела эффектно.

Уже в 1914 году Шанель открывает еще один магазин на улице Кампон. Он гораздо просторнее первого, и теперь она думает заняться шитьем одежды. Причем сама Коко шить не умела и впоследствии так этому и не научилась. Зато она прекрасно кроила, а затем скалывала свои модели булавками.

Артур Кейпел становится новым любовником Ко ко. Наследник угольных шахт, по словам самой Шанель, был любовью всей ее жизни. К несчастью, он погиб в 1919 году в автомобильной катастрофе.

Летом 1913 года Ко ко открыла бутик в Девиле, в 1915 году в Биаррице. Габриэль быстро превратилась в деловую женщину.

Свою концепцию одежды Шанель начала разрабатывать в то время, когда женщины еще носили корсеты и длинные юбки. Шили же одежду из тяжелых шерстяных тканей, плохо пропускавших воздух. Конечно, такая одежда сковывала фигуру, не позволяла быстро двигаться, заниматься спортом, ездить в автомобилях, которые тогда только начали входить в моду, или кататься по-мужски в седле. Шанель впервые стала шить легкую, удобную одежду свободного покроя. Она говорила о своих моделях, что в них не просто удобно – в них легко впрыгнуть.

Еще в 1914 году она показала платье-рубашку с низкой линией талии. В 1916 году начала выпускать одежду из джерси, дешевого материала, использовавшегося раньше только для нижнего белья. Он был тонким, теплым и позволял женщине свободно двигаться.

В 1918 году она стала производить трикотажные двойки – джемпер и кардиган – сшитый по косой пиджак без фиксированных плеч.

В 1920 году Коко ввела в моду широкие брюки, вдохновившись матросскими клешами. Через два года они вошли в моду как элемент курортных костюмов-пижам. Ее туники из джерси, фланелевые блейзеры и прямые юбки стали необыкновенно популярны на пляжных аллеях.

Она ввела карманы и придумала маленькое черное платье, которое годилось на все случаи жизни. Все зависело от дополнений. И Шанель придумывает яркие блестящие искусственные драгоценности. Она совершает то, о чем даже не мечтали женщины, – разрабатывает приталенные брюки. Она ввела в женский гардероб английские мужские свитера, предложив носить их с простой прямой юбкой, как носят до сих пор.

В 1922 году Шанель создает свои собственные духи и называет их своей счастливой цифрой – «Шанель № 5». Она разрушает устойчивую традицию, когда духи имели четко выраженный аромат, чаще всего цветочный. Коко создает свои духи на основе восьмидесяти компонентов.

Она считала своими друзьями Пикассо и Дягилев, создала костюмы для постановок Ко кто «Антигона» и «Орфей».

Изделия Шанель становятся известны во всем мире. В 1931 году ее специально пригласили в Голливуд, чтобы она придумала одежду для американской кинозвезды Глории Свенсон.

На исходе 30-х годов слава Коко Шанель достигла своего апогея. Шанель имела великолепный салон и прекрасно обставленную квартиру в отеле «Риц», где собрала коллекцию мебели времен Людовика XIV. В 1939 году она закрыла свой дом моды.

После Второй мировой войны Шанель уехала в Швейцарию. Там она начала производство духов. И здесь она тоже стала новатором – придумала простую форму флакона из прозрачного стекла.

В 1953 году Шанель решила вернуться в большую моду, хотя ей исполнился уже 71 год. Теперь Шанель решила шить одежду для всех, причем по качеству она не должна была ничем отличаться от высокой моды. Так, Шанель производит тысячи копий дешевой, но великолепно скроенной одежды. Первый показ ее моделей в 1954 году закончился провалом – французские и английские журналисты назвали коллекцию «меланхолической ретроспективой» и «фиаско». Но она не отступила и начала работать над второй коллекцией. Ее показ принес Шанель долгожданный успех. Основными покупателями ее моделей теперь стали американки. Подчеркнуто практичная одежда пришлась им по вкусу, и они помогли фирме Шанель вернуть былую славу.

Личная жизнь прославленного модельера так и не сложилась, и 10 января 1971 года Шанель умерла одинокой и бездетной.

 

Ле Корбюзье

(1887–1965)

Ле Корбюзье – основоположник направления модернизм, определивший в основном стиль XX века. Идеи Корбюзье во многом повлияли на представления о форме, объеме и пространстве современных архитектурных решений. В историю мировой архитектуры он вошел как экспериментатор, который способствовал распространению принципов функционализма. Согласно этой теории, человек должен жить удобно и комфортно. В послевоенный период широкую известность получила его теория урбанизации, пропагандировавшаяся Международным союзом архитекторов.

Ле Корбюзье – настоящее имя Шарль-Эдуард Жаннере-Гри – родился 6 октября 1887 года в швейцарском городке Ла-Шо-де-Фон в семье владельца часовой мастерской. Отец обучал Шарля граверному искусству. Позднее он зарабатывал на жизнь, гравируя орнаменты на крышках часов.

В тринадцать лет он поступил в Школу прикладных искусств в Ла-Шо-де-Фон. Один из преподавателей школы, Леплатенье, научил Шарля разбираться в шедеврах искусства, заинтересовал архитектурой и привил привычку непрерывно делать эскизы.

В 1907 году он получал уроки мастерства у известного зодчего того времени Йозефа Хофмана в Вене. В 1908–1910 годах Шарль работал в мастерской Огюста Перре в Париже, где учился, как использовать железобетон.

В 1910–1911 годах в Берлине он некоторое время посещал мастерскую Петера Беренса. Первая опубликованная Ле Корбюзье книга явилась результатом этого опыта.

С самого начала архитектурной деятельности Шарля Жаннере в центре находилась проблема жилища. Один из первых домов, построенных им в 1916 году в Швейцарской Юре, снаружи имел обычную форму. Но в нем уже был применен железобетонный каркас, который использовался во всех последующих сооружениях Ле Корбюзье.

В начале 20-х годов архитектор окончательно сформулировал принципы домостроения, которые оформились под названием пуризма. Свою позицию Ле Корбюзье пропагандировал в издававшемся им самим в 1920–1926 годы журнале «Эспри нуово» («Новый дух»), а также в книгах «К архитектуре» (1923), «Градостроительство» (1925) и других.

Он сформулировал пять принципов: дом должен быть на столбах, с плоской крышей, с гибкой внутренней планировкой, ленточными окнами и свободно организованным фасадом.

Однако Ле Корбюзье не пытался придать своим принципам значение нерушимых канонов. И сам он никогда не останавливался в своем развитии, вбирая в себя все новое, что появлялось вокруг него. Он оставался верен своему принципу, что «архитектура – это склад ума, а не ремесла».

Технические проекты, теоретические книги по архитектуре сделали имя Ле Корбюзье известным во всем мире. Он – участник Салонов в Париже, лектор в музее Современного искусства в Нью-Йорке, консультирует проект здания Министерства национального просвещения в Рио-де-Жанейро, в 1928 году создает схему весьма практичного автомобиля.

В 1932 году на осеннем Салоне в Париже Корбюзье представляет свой проект – диораму «Современный город на 3 миллиона жителей», а тремя годами позже – проект реконструкции центра Парижа (так называемый «План Вуазен»).

Практически Корбюзье предложил разрушить средневековый Париж и построить на этом месте новый город из небоскребов с островками зелени и сложной системой транспортных узлов. Это был гигантский урбанистический проект по созданию городов-ульев, где главным становилась не красота, а простота форм и конструкций, возможность их быстрой трансформации. Отголоски этой идеи вертикального города-сада можно видеть в «Плане Вуазен» для Буэнос-Айреса, Алжира, Антверпена.

В 1933 году, проектируя административное здание в Алжире, Ле Корбюзье изобрел систему солнцезащитных выступов, покрывающих стену и придающих ей пространственную глубину. Эта новая система позволила Ле Корбюзье устранить из своих построек черты аскетизма и окончательно отойти от концепции дома-коробки.

После Второй мировой войны международный авторитет Корбюзье кажется незыблемым. Идеи его «Лучезарного города», а также книги «Три человеческих измерения» (1945) ложатся в основу «Афинской хартии», принятой IV Международным конгрессом современной архитектуры (1945).

В 1945 году он создает общественный центр Сен-Дье, а далее в Марселе «жилую единицу» (1947–1952), многоэтажный дом, ставший прообразом для массового жилого строительства по всей планете. В индийском городе Чандигархе (1950–1957) ему, наконец, удается полномасштабно реализовать свои градостроительные замыслы.

Комплекс Капитолия в Чандигархе перекрыт огромной крышей в форме крыльев бабочки, которая дает тень и служит защитой от тропического солнца и дождей. Огромные наклонные карнизы крыши вынесены далеко вперед. Параболические своды-оболочки придают жесткость зданию и перекрывают открытый входной холл, высота которого равна высоте всего здания. Доминирующим символом комплекса является «открытая рука», которая «будет поворачиваться на шарикоподшипниках подобно флюгеру».

Ле Корбюзье считал, что бетон можно рассматривать как искусственный камень и показать его в своем естественном состоянии. Несколько лет спустя в Англии появилось архитектурное направление, так называемый новый брутализм, который исходит из этой тенденции.

В 1950–1955 годах Корбюзье строит весьма своеобразную капеллу Нотр-Дам дю О в Роншане, где соединяет традиционные мотивы готической архитектуры с остросовременными линиями.

Создание капеллы в Роншане относится к периоду нового расцвета творчества Ле Корбюзье в 1953–1964 годах. Спроектированный им павильон фирмы «Филипс» на Всемирной выставке в Брюсселе в 1958 году был перекрыт гиперболо-параболической оболочкой.

Корбюзье беспрестанно экспериментировал, стремился найти оптимальные способы применения материалов, разработать наиболее экономные, поддающиеся стандартизации и индустриальному изготовлению конструкции. Он был прежде всего инженером, для него архитектура была царством точных математических расчетов. Он сам себя называл «поклонником прямого угла».

Умер Ле Корбюзье 27 августа 1965 года в Рокбрюн-Кап-Мартен во французской провинции Прованс.

 

Чарлз Чаплин

(1889–1977)

Этот артист появлялся на киноэкранах всего мира почти полвека. Его герой – «маленький человек», одетый в поношенный костюм, нелепые ботинки и котелок, никогда не унывает и умудряется выкарабкаться из любого несчастья.

Чарлз Спенсер Чаплин родился 16 апреля 1889 года в Лондоне, вырос в ужасающей бедности. Его мать, Ханна Хилл, – актриса мюзик-холла с неудавшейся карьерой. Отец, Чарли, тоже артист, сначала играл мимические сценки, потом стал певцом.

В девять лет Чарли уже выступал в пригородных мюзик-холлах в варьете «Восемь ланкаширских парней», а когда ему было четырнадцать, управляющий «Театра герцога Йоркского» Хэмилтон взял Чаплина на роль рассыльного Билли в пьесе Джиллета «Шерлок Холмс».

В 1906 году Чаплин выступал в номере молодых комиков «Цирк Кейси». Затем оказался в труппе Фреда Карно. Чарли пел, танцевал, жонглировал, делал акробатические номера. Вместе с труппой Карно Чаплин приехал на гастроли в США. Выступления прошли довольно успешно. Во время следующих гастролей в США, в конце 1912 года, фирма «Кистоун» пригласила Чарли сниматься в кинокомедиях за сто пятьдесят долларов в неделю.

Первый фильм Чаплина назывался «Зарабатывая на жизнь». Кроме двух-трех удачных трюков, в этой ленте нет и намека на образ, который он создаст впоследствии. Чарли утверждал, что впервые свой знаменитый костюм, в котором его узнавали повсюду, он надел в фильме «Невероятно затруднительное положение Мейбл» (февраль 1914). По его словам, он хотел соединить противоположное – маленькую шляпу и огромные ботинки, мешковатые брюки и тесный пиджачок. Большие печальные глаза контрастировали с маленькими кокетливыми усиками.

Кинокомедии с участием Чаплина имели успех. Однако режиссеров часто раздражали его советы, и тогда он решил сам снимать фильмы по собственным сценариям. Его первая лента «Застигнутый дождем» оказалась одной из лучших в «Кистоуне».

В 1915 году он снял 12 фильмов для чикагской фирмы «Эссеней», по одному в месяц. Когда срок контракта истек, Чарли отправился в Нью-Йорк.

Чаплин и не подозревал, какой невероятной популярностью пользуются его фильмы в Нью-Йорке, а потому обрушившаяся на него слава буквально ошеломила его. Мечты сбывались. С нищетой и унижениями было покончено навсегда.

Первый же фильм «Контролер универмага», снятый Чаплином в «Мьючуэл», имел большой успех. Вскоре он втянулся в работу и каждый месяц выпускал по одной комедии в двух частях. Из четырех последних лент для «Мьючуэл», сделанных в 1917 году, две считаются шедеврами. Это «Тихая улица» и «Иммигрант».

Закончив работу в «Мьючуэл», он подписал контракт с «Ферст нейшнл», решив при этом построить собственную студию. Первый фильм новой студии назывался «Собачья жизнь» (1918). Киновед Луи Делюк назвал его «первым произведением искусства в кинематографе». Затем он снимает фильм «На плечо!», показывающий бессмысленную жестокость войны.

Тогда же Чаплин женится на юной актрисе Милдред Харрис, но брак оказывается неудачным.

Новой удачей стал фильм «Малыш» (1920). Чаплин потратил на съемку фильма более года, вложив в него 300 тысяч долларов. Некоторые сцены переснимались более ста раз! Во время монтажа фильма началась процедура развода с Милдред Харрис.

Стремясь к творческой самостоятельности, Чаплин вместе с самыми знаменитыми кинематографистами Америки – Дэвидом Гриффитом, Мэри Пикфорд и Дугласом Фэрбенксом – в 1919 году организует кинокомпанию «Юнайтед артистс», финансирующую и прокатывающую их картины. Чаплин снимает для новой компании сентиментальную драму «Парижанка» (1923). Критика была от фильма в восторге, Чаплина называли гением.

«Золотая лихорадка» (1925) – один из лучших фильмов всех времен и народов, с редкой изобретательностью заставляющий романтические и даже трагические ситуации неожиданно переходить в комические. Чаплин и сам считал эту картину шедевром.

Во время съемок Чаплин снова был вынужден жениться – теперь на пятнадцатилетней Лите Грей, которая ждала от него ребенка. Иначе актеру угрожало тюремное заключение сроком до 30 лет! Новый брак просуществовал два года и снова развод и скандал. В итоге Лита Грей получила миллион долларов и солидную пожизненную ренту, а Чарли попал в клинику для нервнобольных.

Из клиники он выходит совершенно седым.

В марте 1928 года Чарли приступает к работе над картиной «Огни большого города». Чаплин удивил Голливуд, когда ввел в фильм звуковое сопровождение и музыку, но без диалогов. «Огни большого города» (1931) строились на сочетании двух сюжетных линий: любви маленького бродяжки Чарли к слепой продавщице цветов и его дружбы с алкоголиком-миллионером. На премьере фильм был принят с восторгом. «Огни большого города» (1931) не сходили с экрана три месяца.

В июле 1932 года он познакомился с актрисой Полетт Годдар. Через четыре года Чаплин начал снимать новый немой фильм «Новые времена» (1936) с Годдар в главной роли. Здесь бродяжка Чарли попадает на американский завод, где вынужден до безумия повторять одно и то же движение у стремительно мчащегося конвейера. Сложную характеристику своего героя актер умудряется дать без слов, без текста, только через изображение, мимику, композицию кадров и музыку.

В 1940 году выходит сатирический фильм Чаплина «Великий диктатор», высмеивающий Гитлера. В годы войны Чаплин как мог боролся против фашизма: писал статьи, произносил речи, появлялся перед солдатами, уходящими на фронт.

В 1942 году происходит разрыв отношений с Полетт Годдар. Тем временем Чаплин ищет актрису на главную роль в фильме «Призрак и действительность». Ему предложили познакомиться с семнадцатилетней Уной О'Нил, дочерью известного драматурга Юджина О'Нила. Природа наделила ее красотой, очарованием и тонким умом. 15 июня 1943 года, Чаплин и О'Нил сочетались браком. Чаплину было тогда пятьдесят пять лет, невесте едва исполнилось восемнадцать. Но брак оказался удачным: Уна скрасила старость великого актера.

Фильм «Месье Верду» (1947) был хорошо встречен публикой, но пресса и многие критики его не приняли. Чаплин показал безработного, вынужденного убивать богатых женщин, за которыми он ухаживал, чтобы прокормить семью. Необычность материала вызвала в США яростную кампанию против Чаплина. На актера обрушились обвинения в том, что он пособник коммунистов.

Чаплин говорил, что «Огни рампы» станут его величайшей и последней картиной. Фильму он придал автобиографические черты. В образе старого клоуна Кальверо, в его нравоучительных афоризмах легко узнаются облик и мысли самого Чаплина. Премьера состоялась в зале студии «Парамаунт».

17 сентября 1952 года Чаплин отплыл с семьей в Англию. Погостив в Лондоне, семья Чаплина обосновалась в швейцарской Лозанне.

В 1957 году вышел фильм Чаплина «Король Нью-Йорка», который был запрещен к показу в США. Вскоре вышла книга Чаплина «Моя автобиография».

В 1966 году он поставил фильм «Графиня из Гонконга» – салонную комедию с участием Софи Лорен, Марлона Брандо и нескольких комиков. Критика признала картину неудачной, однако имя Чаплина обеспечило ей прокат почти во всем мире.

На Каннском фестивале 1971 года он получил специальный приз за творчество в целом и тогда же был удостоен ордена Почетного легиона. На международном кинофестивале в Венеции он получил «Золотого льва» (1972). В 1972 году американская киноакадемия присудила Чаплину «Оскар» «за выдающийся вклад в превращение кино в искусство». В марте 1975 года английская королева возвела его в рыцарское звание.

Чаплин скончался в рождественскую ночь, 25 декабря 1977 года. Его скромно похоронили на кладбище при англиканской церкви в Веве.

 

Сергей Михайлович Эйзенштейн

(1898–1948)

Эйзенштейн – настоящий революционер в искусстве. В театральных постановках он разрабатывал новые принципы организации драматического действия, сближавшие сценическое искусство с цирком и эстрадой. В кинематографе он открывал новые возможности монтажа, ритма, крупного плана, ракурса.

Сергей Михайлович Эйзенштейн родился 22 января 1898 года в зажиточной и культурной семье. Его отец Михаил Осипович был главным архитектором города Риги, мать Юлия Ивановна происходила из купеческой семьи.

В 1908 году Сергей поступает в Рижское городское реальное училище. После училища в 1915 году Сергей становится студентом Петроградского института гражданских инженеров. Весной 1917 года его призывают в армию и зачисляют в Школу прапорщиков инженерных войск, в составе которой он отправляется на фронт.

Противник социальной несправедливости, Эйзенштейн 18 марта 1918 года вступает добровольцем в Красную армию. В сентябре эшелон увозит его на северо-западный фронт. Отец Сергея воюет в это время на стороне белых. Сергей участвует в боях под Петроградом, строит укрепления под Нарвой и на реке Луге, а, кроме того, оформляет и ставит самодеятельные спектакли, рисует плакаты.

После демобилизации в 1920 году его направили учиться в Москву в Академию Генерального штаба на курсы переводчиков японского языка. Но вскоре он ушел работать художником московского молодежного театра «Пролеткульт», где в 1921 году оформил спектакль «Мексиканец» по Дж. Лондону.

С 1921 по 1922 год Сергей – слушатель и режиссер-стажер Государственных высших режиссерских мастерских под руководством В. Э. Мейерхольда. Он оформляет вместе с СИ. Юткевичем спектакли в театре «Мастфор» и в Центральном просветительском театре. С 1923 года Эйзенштейн уже сам руководил театральными мастерскими Пролеткульта, преподавая там различные дисциплины – от эстетики до акробатики.

Свой первый спектакль в театре Эйзенштейн поставил по пьесе А. Н. Островского «На всякого мудреца довольно простоты». По словам критиков, он оставил от пьесы «одни обломки», сохранив лишь фамилии действующих лиц, несколько реплик и отдельные сюжетные ходы. В спектакль были введены эстрадные и цирковые номера, и даже короткометражный фильм. Отрицая традиционное театральное действие, Эйзенштейн заявляет новый принцип его организации, основанной на «свободном монтаже произвольно выбранных, самостоятельных… воздействий (аттракционов)». Под аттракционом он понимал «сильное, ударное воздействие на психологию зрителя, направляющее его мысли и чувства в необходимом художнику направлении».

Эйзенштейн переходит из театра Пролеткульта на Первую фабрику Госкино. Вместе со своими учениками, будущими выдающимися русскими режиссерами Александровым, Штраухом, Пырьевым, он снимает картину «Стачка», вышедшую на экран в 1925 году. Здесь Эйзенштейн получил простор для своих экспериментов в области монтажа. С помощью монтажа он создавал кинометафоры, подобные литературным.

К двадцатилетию революции 1905 года Эйзенштейн снял свою вторую картину – «Броненосец «Потемкин».

Композиция этого немого фильма удивительно стройна и гармонична. Язык образен, метафоричен. Массовые сцены монументальны и динамичны. Новые монтажные приемы создают совершенно неожиданные образы. В фильме Эйзенштейна внезапно вскакивает мраморный лев на террасе Воронцовского дворца в Алупке, а в сцене расстрела восставших матросов над ними натягивают брезент, как общий для всех саван.

Фильм Эйзенштейна сразу по достоинству оценили ведущие кинематографисты мира. Чарли Чаплин назвал «Броненосец «Потемкин» «лучшей кинокартиной мира», американская киноакадемия признала его лучшим фильмом 1926 года, а на Парижской выставке искусств фильм получил высшую награду – «супер-Гран-при».

Эйзенштейн пришел к выводу, что при помощи монтажа можно не только образно, но и логически выражать мысли, а также передавать понятия на особом кинематографическом языке. Из этих взглядов Эйзенштейна сложилась так называемая «теория интеллектуального кино».

К десятилетию Октябрьской революции Эйзенштейн совместно с режиссером Александровым и оператором Тиссэ снял фильм «Октябрь», в котором сделал попытку создать образ Ленина, передать важнейшие события революции.

В 1929 году Эйзенштейн с Александровым и Тиссэ были командированы в Западную Европу и Америку для ознакомления с техникой звукового кино.

Вернувшись в Россию, в 1938 году Эйзенштейн поставил свою первую историческую картину «Александр Невский». Симфоническая музыка С. С. Прокофьева органически сливалась с действием. Артисты Н. К. Черкасов, Н. П. Охлопков, А. Л. Абрикосов, Д. Н. Орлов создали впечатляющие образы русских людей. Новаторское решение массовых сцен в этой картине оставило свой след в развитии мирового кино.

Сергей Михайлович не только ставил фильмы, но и преподавал в Государственном техникуме кино, преобразованном потом в Институт кино, занимался теоретической работой. Ему принадлежит множество статей по теории кино, приемам киномонтажа, работе с цветом и т. д. У него дома постоянно бывали его ученики, молодые режиссеры.

Умер Эйзенштейн от сердечного приступа 11 февраля 1948 года.

 

Уолт Дисней

(1901–1966)

В истории мультипликации был длительный период, когда в этой области безраздельно царствовал американский режиссер Дисней. На него равнялись. Ему подражали. Разработанный им метод поточной, конвейерной технологии производства рисованных фильмов четверть века считался эталоном технического совершенства.

Дисней последовательно осуществлял в своих фильмах принцип антропоморфизма – очеловечивания животных. Особое значение он придавал «актерской игре» персонажей, организовав специальные курсы для подготовки художников-одушевителей. Диснеевская «школа анимации» была позднее признана классической.

Уолтер Элиас Дисней родился 5 декабря 1901 года в Чикаго в семье ирландских переселенцев. Его отец Элиас работал плотником. Мать занималась воспитанием пятерых детей.

К рисованию Диснея влекло с малых лет. На отцовской ферме он изображал животных. Это ему больше всего нравилось и хорошо удавалось. Учиться ему пришлось совсем немного. В Канзас-сити, в Художественном институте, он успел получить самые элементарные знания и навыки рисования с гипсов. В Чикаго он занимался в Академии изящных искусств, где обучали рисованию с натуры.

Шла Первая мировая война. Не попав по причине возраста в армию, Уолт записался в Красный Крест. Во Франции он сел за руль санитарной автомашины.

Вернувшись в Америку, Дисней вместе с другом Юбом Айверксом организовал фирму «Дисней-Айверкс, коммерческие художники». Благодаря Уолту, дела «коммерческих художников» успешно развивались.

Однажды Дисней увидел в газете объявление компании кинорекламы Канзас-сити о приглашении рисовальщика. Посмотрев рисунки, принесенные Уолтом, представитель компании взял его на работу. Вскоре к нему присоединился и Айверкс.

У компании был в запасе старый съемочный аппарат, который стал первым кирпичом в фундаменте творческой и производственной деятельности Диснея. Вскоре Уолт смог приняться за постановку самостоятельного фильма. Он назвал его «Смехограмма». В быстрой смене кратких картинок этого фильма чередовались занятные рекламы и деловые предложения.

Изготовив ролик своего первого фильма, Дисней отнес его управляющему группой кинотеатров. Тот нашел его интересным. «Смехограмма» получила одобрение зрителя, привлекла общее внимание.

В 1923 году Уолт отправляется в Голливуд. Здесь он берется за серию мультфильмов об Алисе. Но только седьмой фильм приносит ему настоящий успех…

Во время поездки из Нью-Йорка в Лос-Анджелес он набросал потрет очередного героя – мышонка Мортимера. Но жене не понравилось это имя, и она уговорила назвать его Микки. Микки Маус сначала «снялся» в «Безумном аэроплане», а затем появился в картине «Пароходик Вилли» (1928) – первом звуковом мультфильме. Вскоре лента была показана в одном из самых больших кинотеатров Нью-Йорка и произвела фурор. Микки Маус мгновенно стал звездой экрана, а режиссер Уолт Дисней – самым известным мультипликатором Америки.

В фильмах Диснея впервые начали двигаться его рисованные герои – кролики, мышата, оленята и другие забавные зверушки. Благодаря мастерству художников животные в фильмах были как живые. Мультфильмы Диснея изготавливались по поточной технологии. Этот метод, основанный на разделении процесса создания фильма на промежуточные этапы, позволял привлечь к работе одновременно большую группу художников разных профилей и тем самым резко ускорить сроки его создания.

В 1929 году Дисней придумал и выпустил мультфильм «Танец скелетов» на музыку К. Сен-Санса, который стал началом новой серии мультфильмов «Забавные симфонии». Здесь под музыку оживали различные предметы.

К началу 30-х годов в кино уже пользовались системой «Техниколор», хотя публика часто возмущалась неестественностью красок. К тому же цвет стоил безумно дорого. Диснея это не остановило. Он снимает при помощи новой технологии мультфильм «Цветы и деревья». Невероятные краски зелени, неба, струй дождя и пожара потрясли не только зрителей. В 1932 году фильм получил «Оскара». В 1933 году за фильм «Три поросенка» по мотивам английской сказки Дисней получил второго «Оскара».

Фильмы, выпущенные в 1-й половине 30-х годов, принесли Диснею не только признание, но и огромные финансовые сборы. Он стал одним из богатейших людей Америки.

Когда Дисней заявил о желании снять полнометражный рисованный фильм, то над ним только посмеялись. Однако замечательный фильм «Белоснежка и семь гномов», вышедший в 1938 году, получил премию «Оскар», а также премию международного кинофестиваля в Венеции. Фильм имел такой потрясающий успех, что специально для Диснея, помимо большого Оскара, отлили еще семь маленьких!

В 1939 году создается студия-фабрика мультфильмов в Бербанксе, где в том же году вышел второй полнометражный мультфильм «Пиноккио», через год появляется «Фантазия», еще через год – «Дамбо», а в 1942 году – «Бэмби», по повести австрийского писателя Ф. Зальтена.

В послевоенные годы на студии Диснея продолжают сниматься полнометражные рисованные фильмы: «Золушка» (1950), «Алиса в стране чудес» (1951), «Леди и бродяга» (1955), «Спящая красавица» (1958), «Сто один далматинский дог» (1961). Уже после смерти Диснея была закончена мульткартина «Книга джунглей» про мальчика Маугли, который вырос в джунглях среди зверей.

Интересно, что студия Диснея настолько хорошо изучила мир животных, что в конце 50-х – начале 60-х годов стала создавать документальные фильмы о животных и путешествиях. Среди них наиболее известны «Люди и страны», «Приключения из жизни». Дисней выпустил даже несколько игровых фильмов, такие как «Робин Гуд», «Остров сокровищ» и «Восемьдесят тысяч миль под водой», создавал фильмы и программы для телевидения.

В 1955 году Дисней воздвиг недалеко от Лос-Анджелеса первый «Диснейленд» – «Страну Диснея», парк развлечений. О создании страны фантазии он начал думать еще в 30-е годы. Однако планы Диснея не встретили поддержки у финансистов, они сомневались в том, что проект сможет окупиться. В итоге Дисней приступил к строительству парка на свои деньги.

Создавая парк, Дисней сам руководил строительством аттракционов. Посылал в африканские джунгли снимать характерные сцены из жизни животных. Экзотические растения привозили сюда из лесов Амазонки, Индонезии, Новой Зеландии. Возводились объекты, копирующие настоящие. Но при этом выдерживался один принцип: все сооружения делались в 1/8 натуральной величины, чтобы придать реальным объектам сказочную условность. Затраты на организацию парка составили 17 миллионов долларов, но уже при жизни Диснея парк аттракционов стал приносить доход. В дальнейшем подобные парки открылись во Флориде, Токио и Париже.

Умер Дисней 15 декабря 1966 года в Лос-Анджелесе. К концу жизни режиссера киностудия имела миллиардный оборот. При этом сам Дисней любил повторять: «Я не снимаю фильмы для того, чтобы делать деньги. Я делаю деньги, чтобы снимать больше хороших фильмов».

 

Мария Каллас

(1923–1977)

Мария Каллас еще при жизни стала настоящей легендой. Она умела взглянуть на многие страницы оперных партитур новым свежим взглядом, открыть в них доселе неизведанные красоты.

Мария Каллас (настоящее имя Мария Анна София Цецилия Калогеропулу) родилась 2 (4) декабря 1923 года в Нью-Йорке в семье греческих эмигрантов.

Необыкновенный талант Марии проявился еще в раннем детстве. В 1937 году она поступает в афинскую консерваторию «Этникон Одеон» к известному педагогу Марии Тривелла. Под ее руководством в 1939 году Каллас подготовила и исполнила в студенческом спектакле свою первую оперную партию – роль Сантуццы в опере «Сельская честь» П. Масканьи.

Затем Мария переходит в консерваторию «Одеон Афион», в класс выдающейся колоратурной певицы Эльвиры де Идальго, которая завершила шлифовку голоса Кал лас.

В 1941 году Каллас дебютировала в Афинской опере, исполнив партию Тоски в одноименной опере Пуччини. Здесь она работает до 1945 года.

В голосе Каллас заключалась гениальная «неправильность». В среднем регистре у нее слышался особый приглушенный, даже как бы несколько сдавленный тембр. Знатоки вокала считали это недостатком, а слушатели видели в этом особое очарование. Сама певица называла свой голос «драматической колоратурой».

2 августа 1947 года двадцатичетырехлетняя певица выступила на сцене театра «Арена ди Верона», самого большого в мире оперного театра под открытым небом. Летом здесь проводится грандиозный оперный фестиваль, во время которого Каллас исполнила заглавную роль в опере Понкьелли «Джоконда». Спектаклем дирижировал Туллио Серафин, один из лучших дирижеров итальянской оперы. Именно по его рекомендации Каллас приглашают в Венецию. Здесь под его руководством она исполняет заглавные партии в операх «Турандот» Дж. Пуччини и «Тристан и Изольда» Р. Вагнера.

В самом знаменитом театре мира – миланском «Ла Скала» – Каллас появилась в 1951 году, исполнив партию Елены в «Сицилийской вечерне» Дж. Верди.

Великий итальянский режиссер Лукино Висконти услышал Каллас впервые в роли Кундри в вагнеровском «Парсифале». Восхищенный талантом певицы, режиссер захотел с ней поработать. В 1954 году такая возможность представилась: в «Ла Скала» Висконти поставил свой первый оперный спектакль – «Весталку» Спонтини с Марией Каллас в главной роли. За ним последовали новые постановки, в числе которых была «Травиата», ставшая началом всемирной славы Каллас. Восторженные зрители наградили Каллас титулом «La Divina» – Божественная, который сохранился за ней и после смерти.

Быстро осваивая все новые и новые партии, она выступает в Европе и Латинской Америке.

Каллас считается одной из лучших исполнительниц роли Нормы в одноименной опере Беллини. В 1956 году в «Метрополитен-опера» специально подготовили для дебюта Каллас новую постановку «Нормы». Эту партию, наряду с Лючией ди Ламмермур в одноименной опере Доницетти, критики тех лет причисляют к высшим достижениям артистки.

На протяжении семнадцати лет Каллас пела практически не жалея себя. Она исполнила около сорока партий, выступив на сцене более 600 раз. Кроме того, она непрерывно записывалась на пластинки, делала специальные концертные записи, выступала на радио и телевидении.

Каллас регулярно выступала в миланском «Ла Скала» (1950–1958, 1960–1962), лондонском театре «Ковент-Гарден» (с 1962-го), Чикагской опере (с 1954-го), нью-йоркской Метрополитен-опера (1956–1958). Зрители шли на ее спектакли не только для того, чтобы услышать великолепное сопрано, но и для того, чтобы увидеть настоящую трагическую актрису. Благодаря ее художественной пытливости ожили на сцене многие забытые образцы музыки XVIII–XIX веков – «Весталка» Спонтини, «Пират» Беллини, «Орфей и Эвридика» Гайдна, «Ифигения в Тавриде» и «Альцеста» Глюка, «Турок в Италии» и «Армида» Россини, «Медея» Керубини.

Из-за чрезмерного напряжения сил, рискованных экспериментов с собственным здоровьем (в 1953 г. она за 3 месяца похудела на 30 кг), а также из-за обстоятельств личной жизни карьера певицы оказалась недолгой. Каллас оставила сцену в 1965 году после неудачного выступления в роли Тоски в Ковент-Гардене.

Имя Марии Каллас тем не менее вновь и вновь появлялось на страницах газет и журналов, часто в связи с ее от ношениями с греческим мультимиллионером Онассисом. Они сходились и расходились, однако их взаимоотношения так и не закончились браком.

Каллас преподает пение в Музыкальной школе имени Джульярда, ставит в Турине оперу Верди «Сицилийская вечерня», снимается в фильме Паоло Пазолини «Медея».

В сентябре 1973 года началась «постлюдия» артистической карьеры Каллас. Десятки концертов в разных городах Европы и Америки снова сопровождались самыми восторженными овациями слушателей.

Последние годы певица жила в Париже. У нее не было детей, она была чрезвычайно одинока и не хотела дожидаться старости. Вероятно, сложное психологическое состояние, в котором она находилась долгое время, и стало одной из причин ее самоубийства 16 сентября 1977 года.

 

Элвис Пресли

(1935–1977)

Он превратился в «икону» современной культуры. По образу и подобию «божественного Элвиса» творятся все новые блестящие карьеры.

С появлением Пресли началась «молодежная эра» – отныне в музыке и моде, на телевидении и в кино стали ориентироваться именно на вкусы подрастающего поколения.

Элвис Аарон Пресли родился 8 января 1935 года в Тупело (штат Миссисипи) в бедной глубоко религиозной семье. Истоки его музыки лежат в негритянской культуре, с которой он познакомился еще в детстве. Каждое воскресенье Элвис с матерью ходил в баптистскую церковь. Видимо, в это время он и познакомился с блюзами и псалмами – жанром духовных песнопений американских негров.

В восемь лет Элвис победил в конкурсе юных талантов на ярмарке штатов Алабама и Миссисипи с песней «Old Shep».

Перепробовав до двадцати лет несколько профессий, он стал водителем грузовика в одной из компаний Мемфиса. А в 195 3 году он зашел в маленькую студию Сэма Филлипса, незадолго до этого организовавшего фирму грамзаписи «Сан», и, заплатив четыре доллара, записал в одном экземпляре пластинку в подарок своей матери. На всякий случай работники студии записали его фамилию – уж очень необычным показался его голос, более похожий на голос чернокожего, чем белого певца. И когда через год Пресли решил попробовать свои силы как певец и снова пришел к Сэму Филлипсу, его вспомнили, отнеслись к нему очень хорошо и дали лучших сессионных музыкантов.

В 1954 году появился первый хит Пресли – «Все в порядке». В то же время он произвел сенсацию на телевидении, где представляли юные дарования. Раскованная манера держаться и особенно шокировавшее взрослую публику покачивание бедрами в такт музыке очень понравились подросткам.

5 марта 1955 года Элвис впервые появился в телеверсии самой популярной кантри-радиопрограммы «The Louisiana Hayride». Спустя всего несколько месяцев в июле его песня «Baby Lets Play House» достигла десятого места в разделе кантри-чартов журнала «Billboard». To был один из первых образцов музыки рокабилли.

Элвис подписал беспрецедентный по тем временам контракт с фирмой «RCA Victor» с самой высокой ставкой гонорара.

К 1956 году стало очевидным, что подростки с особым удовольствием покупают пластинки с новомодным рок-н-роллом. Значит, Элвис Пресли будет петь рок-н-ролл. И фирма «RCA Victor», оттеснив конкурентов, нарекла Пресли королем рок-н-ролла.

В 1956 году прошел дебют Пресли на общенациональном телевидении. Песня «Heartbreak Hotel» в его исполнении возглавила топовую десятку, где она продержалась на вершине целых восемь недель. В том же году Элвис получил шесть «золотых» дисков.

Элвис первым из певцов стал использовать не только свои выигрышные голосовые данные, но еще и тело. В пуританской Америке поведение Элвиса было чем-то неслыханным. Бесстыдные телодвижения Пресли навсегда сокрушили традиционную мораль. На американском телевидении по требованию цензуры певца долгое время показывали лишь до пояса.

В 1957 году Пресли уверенно дебютировал в популярном американском телешоу Эда Салливена. В американском «Топ 40» в этом году побывало сразу шесть альбомов и макси-синглов артиста. Полученные деньги позволяют двадцатидвухлетнему Пресли купить большое поместье Грэйслэнд близ Мемфиса, ставшее его домом на всю оставшуюся жизнь.

В 1958 году Пресли отправляется на службу в армию. В Западной Германии на американской базе Фрайбург он водил джип командира взвода. Через две недели после демобилизации, в марте 1960 года, певец уже работал в студии, записал шесть песен, ставших позднее классикой. Но почти все 60-е годы Пресли не концертировал, основное время уходило на съемки кинофильмов. Во всех ролях он оставался самим собой: экстравагантным и непредсказуемым. Постепенно и в реальной жизни он начинает вести себя как в кино.

О нем самом было создано несколько документальных фильмов, которые имели такой же успех, как и художественные фильмы с его участием.

В 1967 году альбом «How Great Thou Art» с христианскими гимнами и песнями духовного содержания принес Пресли первую премию «Grammy» за «лучшую религиозную запись года». Осенью 1970 года Пресли совершил первое с конца 50-х короткое турне по США. 14 января 1973 года полтора миллиарда зрителей стали свидетелями выступления Пресли в Гонолулу, которое транслировалось напрямую через спутники.

1 мая 1967 года Элвис женился на Присцилле Боле, от брака с которой родилась дочь Лайза-Мария. Но в октябре 1973 года, после бурного судебного процесса, супруги расстались. Это стало для певца серьезной психологической травмой. С этого времени его здоровье начало резко сдавать. Пресли стал прибегать к помощи стимуляторов и антидепрессантов. Врачи прописали Элвису гормональные препараты, что вызвало резкое увеличение веса – до 125 килограммов.

26 июня 1977 Пресли дал свой последний концерт в Индианаполисе на «Market Square Arena». 16 августа того же года подруга Элвиса Джинджер Олден нашла певца на полу ванной в бессознательном состоянии. Пресли доставили в мемфисскую Евангелическую больницу, где он и скончался на следующий день от сердечного приступа.

 

Рудольф Нуреев

(1938–1993)

Нуреев – российский танцовщик, ставший одним из идолов западного балета второй половины XX века. С появлением Нуреева на Западе изменилось отношение к мужскому танцу во всем мире – теперь премьер танцевал наравне с балериной. За свою творческую жизнь Нурееву удалось исполнить практически все ведущие мужские партии классического балета.

Рудольф Нуреев родился 17 марта 1938 года в поезде, идущем на Дальний Восток. Его отец, Хамет Фазлиевич Нуреев, работал на военно-промышленный комплекс, поэтому семья постоянно переезжала с места на место.

В десять лет Рудольф поступил в танцевальный кружок Дворца пионеров города Уфы. Там преподавали бывшие ленинградские танцовщики, которые дали одаренному мальчику профессиональную подготовку. Его талант был очевиден, и преподаватели предлагали ему продолжить образование в Ленинграде.

В августе 1955 года Нуреев поступил в Ленинградское хореографическое училище. За три года он прошел весь курс обучения, усердно наверстывая упущенное. Нуреев занимался у одного из лучших педагогов классического танца тех лет – Александра Ивановича Пушкина, который подготовил с ним программу выпускного класса, а также ряд сольных партий. Сольная вариация Нуреева из спектакля «Корсар» вошла в фильм о русском балете – единственный номер в исполнении учащегося хореографического училища.

После Всесоюзного конкурса артистов балета в Москве и выпускного экзамена о Нурееве заговорили в театральных кругах. К концу лета и Кировский, и оба московских музыкальных театра – Большой и имени Станиславского – предложили ему контракты.

В качестве солиста Кировского театра Нуреев впервые выступил в ноябре 1958 года. Прямо со школьной сцены он попал в исполнители заглавной партии в спектакле «Лауренсия» в паре с Дудинской. Успех оказался огромным.

В 1958–1961 годах Нуреев танцует ведущие партии: Альберта в «Жизели», Форондосо в «Лауренсии», Дезире в «Спящей красавице», Солор в «Баядерке», Базиль в «Дон Кихоте». С ним выступают примы-балерины Кировского театра – Дудинская, Шелест, Кургапкина.

Во время гастролей театра во Франции в 1961 году Нуреев решает остаться на Западе. При посадке в самолет, который должен был доставить его в Москву, он совершил свой самый знаменитый «прыжок к свободе», бросился к полицейским и попросил политическое убежище.

Уже через неделю после побега он с успехом танцевал «Спящую красавицу» в труппе маркиза де Куэваса.

Вскоре Нуреев уехал из Парижа и поселился в Копенгагене, где познакомился с датский танцовщиком классического направления Эриком Бруном. Последний помог Нурееву освоить технику датской школы и стал его другом.

Более пятнадцати лет Нуреев был звездой Лондонского королевского балета и являлся постоянным партнером Марго Фонтейн. Когда они встретились, Фонтейн было 43 года, а Нурееву – 24, но их дуэт – один из самых прославленных во второй половине прошедшего века. В 1963 году известный балетмейстер Ф. Аштон специально поставил для этих выдающихся танцовщиков балет «Маргарет и Арман». Сам же Нуреев возродил для Фонтейн и себя постановку классического балета М. Петипа «Баядерка» на музыку Л. Минкуса.

Нуреев также работал в труппах Соединенных Штатов Америки, Европы и Австралии. Он великолепно танцевал героя в «Сильфиде», принца в «Спящей красавице» и множество других сложных по исполнению партий. За это время Нуреев создал новый мир балета. Он положил конец восприятию танцовщика как вспомогательной персоны.

Нуреев наполнял эротикой сам воздух. «Ему достаточно было пошевелить пальцем ноги, чтобы заставить сердца биться, как тамтамы», – писал один из лондонских критиков.

Для большей выразительности Нуреев выходил на сцену в одном трико и танцевальном бандаже. Его отличало стремление максимально раздеться во время спектакля. Он выходил на сцену с голой грудью в «Корсаре» и в «Дон Кихоте», надевая более тонкое и прозрачное трико, чтобы создать иллюзию кожи. Он хотел показать не просто танец, а всю красоту человеческого тела во время движения.

Нуреев работал и в кино. Он дебютировал в 1977 году, когда Кен Рассел пригласил его на роль легендарного актера немого кино Рудольфа Валентине Интересно, что именно в его честь Нуреев был назван Рудольфом. Затем он снялся в шпионском боевике Джэймса Тобака «Разоблаченный», в фильме «Я – танцовщик», в киноверсии балета «Дон Кихот», где выступил и в качестве режиссера.

В 1983 году после двух лет переговоров артист принял руководство балетной труппой парижского театра «Гранд-опера». Под его руководством балет Парижской Оперы превратился в одну из первых трупп мира. Трехнедельные гастроли 1986 года «Гранд-опера» в Америке в «Метрополитен-опера» в Нью-Йорке стали триумфальными.

Нурееву удалось стать самым богатым человеком в мире балета, с состоянием, оцениваемым в десятки миллионов долларов.

Долгое время Нурееву не удавалось побывать на родине. Перед самой смертью матери, в ноябре 1987 года, Горбачев разрешил артисту краткий визит в Уфу, чтобы проститься с ней.

В 1989 году Нуреев впервые после своей эмиграции приехал в Петербург, где станцевал «Сильфиду» Бурнонвиля. Но возвращение не стало триумфальным. Этому помешали плохое самочувствие, причиной которого стал СПИД, и травмы. Но мастер не сдается: Нуреев начал выступать в качестве дирижера.

В начале ноября 1992 года, вернувшись в Париж, Рудольф попал в больницу из-за непрекращающихся инфекций. Его не стало в сочельник 6 января 1993 года.

 

Джон Леннон

(1940–1980)

Леннон олицетворяет собой целую эпоху в рок-музыке. Знаменитый американский композитор и дирижер Леонард Бернстайн написал после смерти Леннона: «Я уверен, что музыка Леннона будет так же долго жить, как произведения Брамса, Бетховена или Баха… Смерть Леннона образовала огромную пустоту. Мир стал беднее на одну творческую, двигающую силу».

Джон Леннон родился 9 октября 1940 года. Его отец работал официантом на судне. Он довольно хорошо играл на банджо и во время концертов на корабле часто выступал как певец.

Когда Джону было три года, его родители развелись и мать отвезла сына одной из своих сестер. Мэри Смит очень трогательно заботилась о мальчике. Эта женщина вошла в историю «Битлз» как тетя Мими.

Джон быстро схватывал и воспроизводил все, что слышал по радио. Его желание повсюду быть первым привело к идее создания самодеятельного вокально-инструментального ансамбля.

15 июня 1956 года группа «Куорримен» играла на одном из церковных праздников. Члены группы познакомились там с юношей, который владел новыми, еще неизвестными им приемами игры на гитаре. Джон был искренне поражен, как легко и уверенно владеет инструментом этот мальчик по имени Пол Маккартни.

Маккартни охотно вступил в группу Леннона. Пол писал тексты, Джон – музыку, благодаря этому сотрудничеству успехи группы улучшались от концерта к концерту.

В 1957 году, после окончания средней школы, Джон поступил в Художественный колледж, где сблизился с Синтией Пауэлл, которая впоследствии стала его женой.

В 1958 году в группу пришел Джордж Харрисон. Четвертым участником ансамбля был Пит Бест. Позднее его заменил Ринго Стар.

Успех «Битлз» начался с выступлений в гамбургском ресторане «Кайзеркеллер». Ливерпульским музыкантам на первых порах явно не хватало опыта. Однако четверка была тщеславной, часами упражнялась, оттачивая свое мастерство, и наконец добилась расположения и признания со стороны слушателей.

Вернувшись в Ливерпуль, четверка музыкантов продолжала выступать в клубах.

В декабре 1961 года был подписан контракт между «Битлз» и Брайаном Эпстайном, который в то время занимался продажей пластинок. Новому импресарио «Битлз» удалось заинтересовать выпускающий пластинки концерн «Декка». Но оказавшись в студии звукозаписи, «Битлз» очень разволновались и играли неуверенно. Сделка с концерном «Декка» не состоялась.

Свой первый сингл «Битлз» записали 11 сентября 1962 года в студии, принадлежащей английскому концерну грамзаписи «Электрикл энд Мюзикл Индастриз».

26 ноября 1962 года был выпущен второй сингл «Битлз», с песнями «Прошу тебя, прошу» и «Спроси меня почему», занявший в феврале 1963 года первое место в английском хит-параде. Эта пластинка была продана в течение года в количестве 250 000 экземпляров, за что была удостоена награды «Серебряный диск».

Следующий долгоиграющий диск был записан осенью 1963 года. Из четырнадцати песен, записанных на нем, восемь были созданы самими «Битлз»: Леннону и Маккартни принадлежат семь песен, еще одна песня – Харрисону. В песне «Всю мою любовь» Джону удалось достичь такой композиции, которая вошла в историю как образец классической рок-музыки.

18 апреля 1963 года Синтия родила сына, названного в честь матери Джона – Джулианом. Однако отношения супругов к тому времени оставляли желать лучшего.

Третий долгоиграющий диск «Битлз» под названием «Вечер тяжелого дня» состоял полностью из тринадцати песен, написанных Ленноном и Маккартни, и был записан в начале 1964 года.

В 1963 году началась гастрольная деятельность «Битлз». В следующем году они выступали в Париже на сцене «Олимпии», в США, Дании, Голландии, Гонконге, Австралии, Новой Зеландии, Канаде и Англии.

В июне 1965 года «за выдающийся вклад в дело процветания Великобритании» королева наградила музыкантов орденом Британской империи.

В 1966 году Леннон вместе с Маккартни был удостоен премии «Грэмми» за песню «Мишель».

В 1967 году «Битлз» выпустили восьмой диск. Название «Оркестр клуба одиноких сердец сержанта Пеппера» ему дала одноименная песня. Начиная с этого диска, они записывали свои песни только в студии. Теперь «Битлз» уже не могли и думать о выступлениях на сцене. Работа в студии занимала все время.

В истории группы «Битлз» и в развитии рок-музыки этот долгоиграющий диск составил определенную веху. В противоположность песням, созданным и записанным в первые годы творчества, последующие песни «Битлз», начиная с диска «Сержант Пеппер», отличаются ярко выраженной музыкальностью.

Первый двойной альбом «Битлз» был записан с мая по октябрь 1968 года и появился в продаже 22 ноября того же года. С самого начала работы над этим альбомом отошли от привычной традиции. Каждый из музыкантов принес свои собственные песни и представил свою сопровождающую его группу. Когда слушаешь песни из «Белого альбома», не составляет особого труда узнать, кто именно играет. Однако при этом исчезло самое значительное: типичное общее и единое звучание «Битлз». Обе долгоиграющие пластинки альбома стали собранием сольных песен отдельных музыкантов. Эта работа «Битлз» стала первым сигналом о надвигающемся распаде группы.

Новый долгоиграющий диск «Желтая подводная лодка» был записан в первой половине 1968 года и появился в продаже в декабре того же года. 1969 год стал последним в совместной работе «Битлз».

Многие считают причиной распада вторую жену Леннона – Йоко Оно. Джон познакомился с ней в конце 60-х на ее выставке. В 1969 году Джон развелся с Синтией и женился на Оно.

Джон и Йоко были увлечены идеей миротворчества, они повсюду заявляли о своем предназначении выполнить миссию мира во всем мире. Леннона перестали интересовать бывшие друзья и совместная работа. Он целиком погрузился в другую жизнь, все свое внимание сконцентрировал на Йоко и только с ней хотел делать свои альбомы и синглы.

26 ноября 1969 года Леннон вернул свой орден Британской империи премьер-министру с письмом:

«Ваше величество, я возвращаю Вам орден Британской империи в знак протеста против вмешательства Британии в гражданскую войну в Биафре, против поддержки Америки во Вьетнаме и потому, что моя песня «Ломка» терпит неудачу в хит-параде».

Компания за мир, проводимая Джоном и Йоко, осенью 1969 года достигла своего апогея. В двенадцати самых крупных городах планеты они установили рекламные плакаты: «Война будет окончена, если вы этого захотите. Счастливого рождества. Джон и Йоко».

Девятимесячный крестовый поход за мир был завершен, и в знак своей преданности борьбе Леннон записал песню «Счастливого рождества».

Вскоре после смерти «Битлз» Леннон организовал с Йоко Оно группу «Плэстик Оно Бэнд».

В 1970 году Леннон получил вторую премию «Грэмми» за лучший сценарий музыкального фильма «Let It Be». Одним из лучших сольных альбомов Джона стал альбом «Imagine» (1971).

В 1975 году Джон и Йоко поселились в квартире Джона в доме под названием «Дакота». 9 октября 1975 года родился Шон Оно Леннон. С момента рождения сына Джон жил исключительно для своей семьи. После обзорного диска «Shaved Fish», выпущенного в конце октября 1975 года, он долго не записывал новых пластинок. Йоко управляла финансовой стороной жизни, а Джон заботился о доме, квартире, семье, жил дисциплинированно и даже отвык от курения.

Джон Леннон 1980 года мало походил на одного из бунтующих «Битлз» 60-х годов: расчесанные на пробор волосы и никелированные очки создавали впечатление европейского интеллектуала. Противоречивым 70-м годам он хотел противопоставить новое, творчески продуктивное десятилетие. Так возник его последний диск «Double Fantasy», созданный вместе с женой. В общей сложности были записаны двадцать две песни, из которых четырнадцать вошли в названный диск: семь песен принадлежали Джону и семь Йоко. «Double Fantasy» стал концертным диском нового содержания, тематика которого касалась личных проблем, но смысл песен был обращен ко всем людям.

В своем последнем интервью 6 декабря 1980 года Джон Леннон сказал: «Я не чувствую себя сорокалетним. Я чувствую себя ребенком, и у меня еще впереди так много хороших лет жизни с Йоко и моим сыном, по крайней мере, мы на это надеемся. Я думаю, что я умру раньше, чем Йоко, так как и не мыслю свою жизнь без нее дальше».

8 декабря 1980 года около 23 часов Леннон был застрелен перед своим домом в районе Манхэттен. Убийца, психически больной человек, без сопротивления сдался полиции.