Живопись XX Века
Рамон Кано Манилъя. Индейская женщина из Оахака. 1928
Хуан Тельес Эльин (1879–1930) Работа. Около 1903. Холст, масло. 142,5x133
Художник из Севильи Хуан Тельес Эльин в конце XIX века обучался в Национальной школе изящных искусств и выполнял заказы на создание авторских полотен и копий творений знаменитых испанских живописцев. Мастер реалистически передает сюжеты повседневной жизни. На холсте изображены четыре женщины разных возрастов с мотками шерсти в руках, две из них увлечены беседой. Лица персонажей даны в разных ракурсах. Пожилая работница на переднем плане, взгляд которой устремлен на зрителя, привычно сматывает готовую пряжу в клубок. У ее ног, уютно устроившись, дремлет собачка. Женские фигуры размещены вдоль диагональной линии. Источник света, находящийся вне пространства картины, рассеивает полумрак комнаты. Произведение решено преимущественно в темных тонах, на фоне коричневого пола и накидок позирующих выделяются яркие нити. Автор делает акцент на светотеневой моделировке лиц и рук своих героинь.
Хулио Руэлас (1870–1907) Критика. Около 1907. Офорт. 19x15
Хулио Руэлас — живописец и график, автор станковых произведений и иллюстраций для передового издания «La Revista Moderna», публиковавшего творения современных писателей и поэтов. Многие из его графических работ близки к стилю ар-нуво. Данная — один из немногих сохранившихся офортов, выполненных во Франции в период 1906–1907. На листе изображен автопортрет Руэласа с монструозным существом, вонзающим свой острый «клюв» в лоб художника. В гротескном облике персонификации критики соединены зооморфные и человеческие, женские и мужские черты. У странного создания цепкие птичьи лапы вместо ног, зоркость его маленьких глаз усиливают стекла пенсне, а голову украшает высокий цилиндр.
Диего Ривера (1886–1957) Улица в Авила 1908. Холст, масло. 129x141
Пейзаж занимает в раннем творчестве Диего Риверы особое место. Художник родился и провел детские годы в наполненном солнечным светом городке Гуанахуато, живописном месте, дающем возможность почувствовать красоту очертаний горных склонов и любоваться яркими сочетаниями цвета небесного свода и черепичных крыш. В Мехико среди его преподавателей был выдающийся пейзажист Хосе Мария Веласко, под руководством которого студент Академии писал натурные этюды в парке Чапультепек. Хорошо знал Ривера и пейзажные работы Херардо Мурильо (Доктора Атля). Позже, живя в 1907–1908 в Мадриде во время стипендиальной поездки, Ривера по совету наставника, Эдуардо Чичарро, путешествовал по провинциям Испании и создал серию зарисовок. Холст из собрания музея представляет вид улицы испанского городка Авила с типичными домиками и фрагментом возведенной в Средние века крепостной стены. Композицию отличают теплый колорит с преобладанием земляных красок, использование контрастных цветовых пятен.
Диего Ривера (1886–1957) Портрет Адольфо Беста Маугарда 1913. Холст, масло. 227,5x161,5
Попав во французскую столицу, Диего Ривера познакомился с новаторскими открытиями мастеров интернациональной парижской школы, с молодыми писателями, в числе которых — русские поэты В. Маяковский и М. Волошин. Наибольший интерес у него вызвал кубизм, чьи принципы получили развитие в работах П. Пикассо, Ж. Брака, X. Гриса и ряда других художников. В произведениях мексиканского живописца все заметней становилась геометризация форм, и в 1913 он начал собственные кубистические опыты, в них формальные поиски сочетаются с колористическим разнообразием.
Кубистическому периоду предшествует портрет соотечественника Риверы, художника и писателя Адольфо Беста Маугарда (1881–1964), выполнявшего в это время зарисовки с археологических находок доколумбовых культур Мексики из музеев Европы. Изящный удлиненный силуэт фигуры Беста Маугарда дан на фоне современного урбанистического пейзажа с дымящими трубами, железной дорогой и высоким колесом обозрения. В решении заднего плана заметна геометрическая стилизация изображенных объектов.
Диего Ривера (1886–1957) Размалывающая зерно 1924. Холст, масло. 90x11 7
Благодаря своей няне Антонии Диего Ривера с раннего детства был знаком с индейским фольклором, поэтичностью и образностью мексиканской народной культуры. Вернувшись на родину после пятнадцатилетнего пребывания в Европе и увлечения французским модернизмом, художник стремился обрести собственный язык, основанный на национальных традициях. В это время складываются приемы создания произведений, успешно реализованные впоследствии в больших циклах стенных росписей общественных зданий: простота и четкость рисунка, локальность цветов крупных красочных пятен, контрастирующих с фоном. После первых опытов монументальной живописи в Национальной подготовительной школе, в 1923 Ривера приступает к росписям Министерства просвещения.
На картине, относящейся к этому периоду творческой жизни мастера, изображена женщина, занятая приготовлением тортильи — тонкой круглой кукурузной лепешки, для которой требовалось вручную растирать зерна на специальном камне. Данная крупным планом фигура индианки, привычно склонившейся над работой, выглядит монументальной, выразителен ее округлый силуэт.
Хоакин Клаусель (1866–1935) Лесной источник осенью. Около 1910. Холст, масло. 89,5x150,8
Увлечение изобразительным искусством изменило путь Хоакина Клауселя, в молодости успешно изучавшего право. Живя в Париже в конце XIX века, он интересовался творчеством импрессионистов, их работой с цветом, приемами передачи световоздушной среды. Вернувшись в Мексику, Клаусель сблизился с художниками, развивавшими принципы пленэрной живописи. Пейзажиста особенно привлекали лес и водоемы, дававшие простор для наблюдения изменений в состоянии природы. В районе Тлалпан он изображал колоритные уголки предгорий в разное время дня. На полотне в красках мексиканской осени запечатлен окруженный рощей водоем с каменистыми берегами. Автор демонстрирует владение импрессионистической техникой — лучи, пробивающиеся сквозь листву, игра света на воде и зелени, рябь на поверхности озера переданы с помощью легких, быстрых мазков. Проработка переходов от зеленого цвета к золотистым и коричневатым оттенкам показывает его мастерство колориста.
Хоакин Клаусель (1866–1935) Поздний вечер на море (Красная волна). Около 1910. Холст, масло. 101x151
Особое душевное состояние человека, наблюдающего за изменчивым морем и световыми эффектами отражения неба в его волнах, Хоакин Клаусель передает во впечатляющих пейзажах. Перед зрителем — одна из его наиболее известных работ. Для этого мексиканского творца характерны интерес к пленэрной живописи, стремление запечатлеть особенности освещения в разное время суток. Во многом становлению его художественного мировоззрения способствовало знакомство с произведениями французских импрессионистов Клода Моне и Камиля Писсарро. Сложное цветовое решение неба, закрытого тучами, толщи воды, морской пены и песчаного берега показывает высочайший уровень мастерства. Картина проникнута экспрессией и романтическим ощущением природы. Она была выставлена на показе полотен мексиканских авторов, приуроченном к столетнему юбилею независимости страны, и пользовалась большим успехом у публики.
Армандо Гарсия Нуньес (1883–1965) Сан-Лукас Хасьенда (Истаксиуатль) 1910. Холст, масло. 29,5x33
Одаренный ученик выдающихся мастеров Хосе Марии Веласко и Херардо Мурильо, Армандо Гарсия Нуньес в 1911 выставил свои работы в Национальной школе изящных искусств и был премирован поездкой в крупнейшие художественные центры Европы — Париж и Мадрид для завершения профессиональной подготовки.
Живописцу удалось передать монументальность и величие пейзажа на данном холсте небольшого формата. Зрителю открывается широкая панорама окутанной синевой гряды с покрытой снегом вершиной вулкана Истаксиуатль, название которого переводится как «Белая женщина» (издалека силуэт горы напоминает фигуру лежащей женщины). Произведение написано в импрессионистической манере, динамичными, широкими мазками. Изысканные цветовые сочетания пастельной гаммы показывают колористический талант мастера.
Анхель Саррага (1886–1946) Дар 1910. Холст, масло. 180x220
После учебы в Национальной школе изящных искусств Мехико у крупнейших художников — Хулио Руэласа, Сантьяго Ребулла и Хосе Марии Веласко Анхель Cappara в середине 1900-х совершил поездку по городам Европы, с целью дальнейшего совершенствования мастерства. Вернувшись в Мексику, он принимал деятельное участие в творческой жизни страны, затем долгое время жил во Франции, где с успехом выставлял свои картины и выполнил ряд монументальных живописных работ, в том числе заказ на оформление зала приемов мексиканского посольства в Париже (1927). Холсты художника «Дар» и «Святой Себастьян» с успехом экспонировались на Осеннем салоне.
В данном аллегорическом произведении Cappara изобразил согбенные фигуры старцев в плащах коричневого цвета и нежные полуобнаженные тела двух юных дев, у ног которых расположена корзина с сочными фруктами. Унылой и немощной старости противопоставлены красота молодости и плодородие земли. Композиционно картина разделена на две части, объединяющим центром служит тяжелая виноградная гроздь, передаваемая девушкой старику, протянувшему руку.
Анхель Саррага (1886–1946) Святой Себастьян 1912. Холст, масло. 185x134,5
Святой Себастьян, один из наиболее почитаемых мучеников, жил во времена императора Диоклетиана, правление которого отмечено жестоким преследованием христиан. Воин римской армии, возглавлявший преторианскую стражу (личную охрану императора), Себастьян помогал братьям по вере и проповедовал среди солдат. Когда открылась его религиозная принадлежность, святой был приговорен к мучительной каре — его тело пронзило множество стрел, выпущенных римскими лучниками. Традиция изображать Себастьяна в образе прекрасного молодого человека восходит к эпохе Возрождения, когда сцена его мученичества становится одним из самых излюбленных сюжетов живописцев. Исследователи отмечают, что поза фигуры святого на этой картине, выбранная мексиканским художником, вдохновлена скульптурой «Умирающий раб» Микеланджело. В традициях вотивных изображений Анхель Cappara поместил перед мучеником коленопреклоненную женскую фигуру. Черное платье молящейся контрастирует со светлыми тонами его тела. Эстетика символизма позволила мастеру соединить образы страдания и смирения, мистической печали, возвышенных стремлений духа и чувственной красоты. В посвятительной надписи автор обращается к Богу с просьбой принять его труд.
Сатурнино Эрран (1887–1918) Приношение 1913. Холст, масло. 182x210
Среди авторов, обращавшихся к сюжетам из быта коренных жителей Мезоамерики, Сатурнино Эррану принадлежит особое место. Как многие другие мексиканские творцы, он изучил традиционные культуры доколумбовых цивилизаций, делая зарисовки для Департамента инспекции археологических памятников, а с современными художественными направлениями познакомился в Европе. Вернувшись в Мексику, живописец создал ряд работ в духе костумбризма, изображал обитателей индейских селений, в жилах которых течет кровь великих народов древности.
Одна за другой, вереницей, скользят по реке быстрые лодки. В показанной на переднем плане картины сидят персонажи разного возраста: бородатый мужчина, женщина, двое детей (спящий за спиной матери младенец и ребенок постарше, взгляд которого направлен на зрителя). Еще двое мужчин стоят в центре — молодой индеец в белых одеждах и пожилой человек в сомбреро рядом с ним. Оранжево-желтые цветы, которыми наполнены суденышки, предназначаются для обрядовых приношений умершим. Интенсивность их яркого, сочного цвета контрастирует с темными одеждами персонажей, их смуглой кожей, блеклыми красками воды.
Давид Альфаро Сикейрос (1896–1974) Крестьяне. Около 1913. Бумага, пастель. 100x187
Знаменитый мастер Давид Альфаро Сикейрос родился 29 декабря 1886 в мексиканской провинции Чиуауа. Выбирая жизненный путь, первоначально он отдавал предпочтение архитектуре, поступил в Национальную подготовительную школу в Мехико, но увлечение живописью вскоре привело его в вечерние классы Академии Сан-Карлос.
Данное произведение относится ко времени опытов работы на пленэре уже в Школе Санта-Анита. Крестьянская пара изображена на фоне пейзажа, женщина с охапкой сена в руках смотрит на зрителя, тогда как лицо мужчины, несущего чашу с фруктами, развернуто в профиль. Выполненная пастелью работа показывает интерес молодого мастера к импрессионистической технике, колорит строится на сопоставлении теплых и холодных тонов, сочетании охры, оттенков желтого, синего и голубого цветов. В правом верхнем углу — сигнатура автора («Альфаро»). В 1913 образовалась подпольная революционная организация студентов школы, среди бунтарей оказался и Сикейрос. Его творческая жизнь всегда будет неразрывно связана с общественной деятельностью и политической борьбой.
Давид Альфаро Сикейрос (1896–1974) Автопортрет (Великий полковник) 1945. Целотекс, пироксилин. 91,5x121,6
Давид Альфаро Сикейрос относится к числу прославленных мексиканских монументалистов. Он работал во многих странах мира, творчество художника отличается яркой политической направленностью, своеобразием символического языка и неустанными поисками средств выразительности. В 1919 Сикейрос поехал в Европу, где познакомился с шедеврами мастеров эпохи Возрождения и многообразием открытий современных творцов.
Экспериментируя в области техники живописи, мастер начал применять пироксилиновые (нитроцеллюлозные) краски, использовавшиеся для окрашивания автомобилей и станков, обладавшие рядом привлекательных для муралиста качеств: они имели богатый цветовой спектр, были устойчивы к сырости и удобны в работе. С 1930-х Сикейрос все произведения, как монументальные, так и станковые, выполнял синтетическими красками: вначале в комбинации с масляными, затем в чистом виде. Станковые картины этого периода отличаются динамизмом композиции, крупными планами, величественностью образов, выбором неожиданных изобразительных приемов. Создавая «Автопортрет», мастер уделил основное внимание общей передаче формы, избегая излишней детализации. Выброшенная вперед и намеренно увеличенная в размере рука воплощает решительный призыв к действию.
Альфредо Рамос Мартинес (1871–1946) Портрет Белинды Палавичини 1915. Бумага, пастель. 187x87
Художник Альфредо Рамос Мартинес с 1899 по 1909 жил в Европе, где познакомился с натурным опытом французских постимпрессионистов. Вернувшись в Мехико, он занял пост директора Национальной школы изящных искусств.
Желая обновить принципы академического образования, в 1913 Мартинес основал Школу Санта-Анита с экспериментальной для Мексики методикой преподавания, основное внимание в которой уделялось работе на пленэре. В дальнейшем были открыты еще несколько подобных студий, поспособствовавших развитию талантов блестящей плеяды молодых мастеров.
Мартинес создал ряд шедевров в различных живописных техниках — от акварели до фресковых росписей. Отдельного внимания заслуживает его серия женских портретов, выполненных пастелью. В большинстве этих произведений модели изображены на нейтральном фоне, без детализации окружающего интерьера. Красивая молодая женщина с большими миндалевидными глазами представлена во весь рост. Она стоит в эффектной позе, показывающей ее горделивую осанку. Характерная для названной техники матовость и мягкость красок придают картине благородство и изысканность.
Роберто Монтенегро (1885–1968) Рыбак с Майорки. Около 1915. Холст, масло. 100x99,7
Роберто Монтенегро происходил из состоятельного семейства Гвадалахары. Первые уроки живописи ему преподал известный в Мексике поэт Амадо Нерво, приходившийся Роберто родственником. Для творчества художника характерно тематическое, жанровое и стилистическое разнообразие, использование различных технических методов и приемов. Благодаря гранту, полученному в 1905 от Министерства образования, Монтенегро смог продолжить образование в Париже. С началом Первой мировой войны он покинул Францию и пять лет прожил на Майорке.
Моделью для данной композиции, выполненной в постимпрессионистической манере, стал рыбак по прозвищу Черный Матео. Молодой человек оборачивается к зрителю, придерживая широкое блюдо с только что выловленными разноцветными рыбами, а за его фигурой открывается красочный, наполненный солнечным светом пейзаж. Работа впечатляет разнообразием палитры, тонко переданной изменчивостью цвета, богатством рефлексов.
Франсиско Антонио Гильемин (1884–1950) Последний поцелуй 1916. Холст, масло. 80,5x80,5
Важным этапом творческих поисков многих художников стало изучение искусства парижских постимпрессионистов. В произведении, впервые представленном Франсиско Антонио Гильемином на выставке Национальной школы изящных искусств в 1916, применен метод пуантилизма, разработанный французскими живописцами Жоржем Сёра и Полем Синьяком в последние десятилетия XIX века. Краски нанесены на холст раздельными четкими мазками разных оттенков, в расчете на их оптическое смешение при восприятии картины с определенного расстояния. На полотне с поэтичным названием — равнинный пейзаж в вечернем освещении с невысокими зарослями кустарника на переднем плане и тонко очерченными стволами деревьев на фоне облачного неба.
Руфино Тамайо (1899–1991) Часы и телефон 1925. Холст, масло. 45x43
Руфино Тамайо родился в Оахаке в семье индейцев-сапотеков. Еще в молодости он начал изучать искусство доколумбовых культур Америки, в период 1921–1926 работал в Национальном музее археологии. На протяжении многих лет Тамайо собирал произведения древних мастеров и в 1974 подарил свою коллекцию жителям города, открыв музей мексиканского искусства доиспанского периода. Позже на основе его собрания в Мехико был создан Международный музей современного искусства.
Разносторонне одаренный художник, Тамайо проявил свой талант в станковой и монументальной живописи, графике и скульптуре. Он плодотворно работал в США и странах Европы. В произведениях мастера сочетаются образность народного индейского искусства и новаторские изобразительные приемы модернизма. Манера исполнения натюрморта «Часы и телефон» демонстрирует влияние кубизма на его раннее творчество.
Франсиско Гойтия (1882–1960) Отец Иисус Христос 1926. Холст, масло. 85,5x106
Картина написана в селении Сан-Андрес горного района Оахаки, где Франсиско Гойтия провел шесть месяцев, делая зарисовки жизни индейцев. Названием произведения стали слова молитвы, с которой местное население обращалось к Спасителю: «Отец наш Иисус Христос, утоли наши нужды и прости наши грехи!»
Две женщины, оплакивающие умершего соплеменника, сидят на земле, их фигуры максимально приближены к зрителю. Руки одной поднесены ко рту в горестном жесте, другая в отчаянии закрыла лицо. Экспрессия образов не может оставить зрителя равнодушным. Единственный источник света — стоящая на полу свеча, уже наполовину сгоревшая. Ее бледное свечение придает желтоватый оттенок белым одеждам плакальщиц, но не может рассеять густую темноту, заливающую пространство. Рядом со свечой лежат два желтых цветка, традиционно используемых индейцами в погребальных церемониях и ритуальных праздничных приношениях умершим. Лицо героини справа художник закончил писать в День мертвых, когда воспоминания об ушедших близких вызвали у позировавшей женщины неподдельную скорбь. Ее застывшая фигура напомнила ему изваяния древних богинь доколумбовых цивилизаций. За это полотно в 1958 мастер был удостоен награды на Первой межамериканской биеннале в Мехико.
Франсиско Гойтия (1882–1960) Вид Санта-Моники в лунном свете. Около 1946. Холст, масло. 44x108,5
Наследие Франсиско Гойтии составляет чрезвычайно разнообразный художественный материал — от работ революционных лет, сделанных во время его участия в действиях армии Панчо Вильи, до зарисовок, выполненных в разных регионах страны в ходе этнографических и археологических экспедиций. Самобытную манеру его живописи отличает также палитра технических и стилистических приемов. В годы обучения в Академии учителями Гойтии являлись такие непохожие друг на друга корифеи, как Сатурнино Эрран, Хосе Мария Веласко и Хулио Руэлас. Путешествуя по Европе в период между 1904 и 1912, молодой живописец внимательно знакомился с шедеврами Веласкеса, Сурбарана, Эль Греко, мастеров итальянского Возрождения, романтиков и импрессионистов. Большое впечатление на него произвело творчество Гойи: влияние цикла офортов великого художника «Бедствия войны» и тематически близких к ним полотен проявилось в создании ряда работ 1910-х.
Картина «Вид Санта-Моники в лунном свете» имеет параллель — «Вид Санта-Моники при дневном свете». Возможно, идея этих произведений родилась благодаря импрессионистическим опытам Клода Моне, запечатлевавшего один и тот же объект в разное время суток. По-видимому, оба полотна были написаны в дни подготовки персональной выставки Гойтии, прошедшей в Сакатекасе в 1946.
Хулио Кастелланос (1905–1947) Портрет Хермана Куэто. Около 1927. Холст, масло. 80,4x63,2
Хулио Кастелланос — живописец, график и сценограф, ученик Сатурнино Эррана, Леандро Исагирре и Мануэля Родригеса Лозаньо. Художник сотрудничал с журналом «Los Contemporaneos» («Современники»), оформлял театральные постановки в Мексике и США.
Портрет скульптора Хермана Куэто (1893–1975), одного из первых в стране творцов-экспериментаторов, обратившихся к абстрактному искусству, относится к раннему периоду деятельности мастера. Кастелланос представил товарища на фоне угла серой блочной стены, с инструментом, показывающим зрителю род деятельности модели. В отличие от более поздних живописных работ краски наложены на холст тонким слоем. Автору удалось передать портретное сходство, несмотря на стилизацию изображения.
Фермин Ревуэльтас (1901–1935) Пятицентовое кафе 1930. Бумага, акварель. 34x27,3
Один из первых представителей мексиканского модернизма, талантливый ученик Альфредо Рамоса Мартинеса, Фермин Ревуэльтас следовал поиску нового художественного языка, актуального для эпохи больших городов, техники и прогресса. Беря за основу открытия представителей кубизма, орфизма и других течений нового европейского искусства, он создал ряд урбанистических композиций, в которых осуществил переход от фигуративности к геометрии и абстракции. Образы индустриальной цивилизации подсказывали живописцам свежие методы воздействия на зрителя: показательно введение в композицию картины ее названия (прием, использовавшийся многими мастерами авангарда). Колорит работы основан на сопоставлении пятен ярких, контрастных цветов, а ее ритм определяет разнообразие прямых и волнистых линий.
Рамон Кано Манилья (1888–1974) Воздушный шар 1930. Холст, масло. 143x127
Рамон Кано Манилья родился в штате Веракрус и в 1920 приехал в Мехико, ведомый желанием стать живописцем. Пройдя обучение в школе под открытым небом, позже он сам был связан с организацией пленэрных художественных школ и возглавлял одну из них в столичном районе Койоакан.
Многофигурная композиция развернута на фоне сельских домов с окружающими их огородами, вдали открывается вид на горный пейзаж со снеговой шапкой знаменитого вулкана Попокатепетль. В центре — большой воздушный шар, раскрашенный в цвета мексиканского флага (запуск воздушных шаров стал для этого народа традиционной частью празднования Дня независимости). Радостная атмосфера объединяет селян разного возраста и достатка. Босоногие ребятишки обступили торговца сладостями. Многие персонажи облачены в национальные костюмы, на нескольких из них можно видеть традиционные пончо и широкополые шляпы — сомбреро. Картину отличает богатство деталей, предназначенных для внимательного рассматривания. Яркий, насыщенный колорит, декоративность работ художника восходят к традициям народного искусства.
Херардо Мурильо (Доктор Атль) (1875–1964) Облако 1931. Холст, масло. 77x100,2
Херардо Мурильо, больше известный по взятому в 1902 псевдониму Доктор Атль (на языке науатль это слово означает «вода»), вошел в историю культуры как художник, писатель, ученый и общественный деятель. Первые уроки живописи он получил в родном городе Гвадалахаре, а в 1896 продолжил обучение в столице Мексики. Много лет Мурильо провел в Европе, где познакомился с творчеством старых и современных мастеров, участвовал в выставочной жизни Франции и Германии, побывал в России. Круг его интересов был необыкновенно широк — он посещал лекции и семинары по философии, психологии, теории искусства и естественно-научным дисциплинам, изучал право в Сорбонне. Имя Мурильо непосредственно связано с важнейшим явлением в художественной культуре Мексики — обращением к монументальным формам живописи. Убежденный в необходимости обновления искусства, Мурильо призывал вернуть ему общественную значимость и гражданское содержание, намечал ключевые пути его развития. В число учеников творца в Академии Сан-Карлос входили будущие мастера-монументалисты — Ривера, Сикейрос и Ороско.
Мурильо написал множество пейзажей, создавая свой стиль, основанный на синтезе импрессионизма и традиций народного искусства, экспериментов в области техники живописи. В 1920–1930 он изучал мексиканские вулканы и писал серии горных видов. Низкая линия горизонта позволяет представить панорамный пейзаж с грядой на заднем плане и сделать основным мотивом изображение облака, проплывающего над долиной.
Агустин Лазо (1896–1971) Дети с птичьей клеткой (Музыка II) 1934. Холст, масло. 124,5x99,5
Агустин Лазо собирался последовать примеру отца, избрав профессию архитектора, но любовь к живописи привела его сначала на занятия под открытым небом в Школе Санта-Анита, основанной в 1913 Альфредо Рамосом Мартинесом, а позже в Национальную школу изящных искусств. С 1922 по 1932 Лазо жил в Париже, являвшемся в это время центром художественного авангарда. Вернувшись в Мексику, вместе с Роберто Монтенегро, Хулио Костелланосом и Мануэлем Родригесом он сотрудничал с экспериментальным театром «Улисс» и журналом «Современники», пробовал себя в роли драматурга.
Данная работа была создана по заказу испанского посольства в Мексике и первоначально названа Музыка II, она задумывалась как парная к композиции «Рисующие дети» (Музыка I). Манера исполнения фигур напоминает стиль произведений Пабло Пикассо 1920-х. Примечателен колорит картины, основанный на гармоничном сочетании цветов.
Пабло О'Хиггинс (1904–1983) Курильщик 1940. Фанера, энкаустика. 144,3x72,7
Пабло О'Хиггинс родился в Солт-Лейк-Сити, в молодые годы занимался музыкой, затем увлекся изобразительным искусством. Неудовлетворенный традиционным преподаванием в Академии искусств Сан-Диего штата Калифорния, в 1924 он переехал в Мехико. Важной жизненной и творческой школой для мастера была работа с Диего Риверой над росписями в Национальной сельскохозяйственной школе в Чапинго и Министерстве просвещения. Многие произведения художника посвящены повседневной жизни столицы и ее социальным проблемам.
На картине изображен один из типичных обитателей большого города 1930-1940-х — нищий уличный юноша в заношенной до дыр одежде. Смуглый подросток стоит у серой стены городского здания, сигарета в руке и суровое выражение лица придают его облику черты подчеркнутой независимости и брутальности.
Франсиско Эппенс Эльгера (1913–1990) Строители. Около 1940. Бумага, пастель. 62x51
Образы города и его строителей в искусстве XX века традиционно ассоциируются с футуристическими идеями индустриализации и прогресса. Эстетика конструкций зданий и сооружений привлекала многих художников 1940-х, французский мастер Фернан Леже объяснял интерес к ней желанием выразить контраст между человеком и его творениями. Похожая идея просматривается и в работе Франсиско Эппенса Эльгеры.
Трое рабочих даны в окружении металлических каркасов, поддерживаемых мощными цепями и стальными тросами. Их тела изображены с точки зрения снизу вверх. Манера исполнения работы созвучна стилистике живописи ар-деко: подчеркнутый геометризм высотных зданий сопоставлен со свободными линиями фигур людей, силуэты всех объектов обведены темным контуром. Следует отметить, что художник был близко знаком со строительной практикой: в 1927 он изучал архитектуру в Национальной подготовительной школе в Мехико.
Мигель Коваррубиас (1904–1957) Кость (Сельский учитель). Около 1940. Холст, масло. 76,8x61,5
Наследие талантливого мексиканского живописца, карикатуриста, декоратора, этнографа и коллекционера индейских древностей Мигеля Коваррубиаса необыкновенно разнообразно. Многие образы его работ наделены жизненностью и переданы с чувством глубокой иронии.
В углу комнаты изображен представитель коренных народов Мексики, одетый в плотно застегнутый темный костюм западного образца и шляпу. Он сидит на стуле в статичной позе, опираясь на ручку зонта. Лацкан его пиджака украшает трехцветный значок — эмблема «Национально-революционной партии», игравшей в те годы доминирующую роль в государстве. Слово «кость» имеет двойное значение — так на местном сленге называли должность, приобретенную по знакомству.
Мануэль Родригес Лозаньо (1896–1971) Революция. Около 1944–1945. Холст, масло. 70,5x95,5
После знакомства с Матиссом, Пикассо, Браком и другими представителями парижского авангарда Мануэль Родригес Лозаньо оставил дипломатическую карьеру и серьезно занялся живописью, со временем став заметной фигурой в искусстве Мексики XX века. Исследователи выделяют в творческом пути мастера три основных периода. В первый из них Лозаньо отдал дань станковым жанровым работам и портретам, для второго характерно обращение к монументальным формам изобразительного творчества, третий, так называемый белый период, отмечен спецификой колорита и обобщенностью художественного языка. К последнему и принадлежит данная работа.
Тема революции решена в драматическом ключе, чуждом идеализации. Центральная фигура индианки, склонившейся над безжизненно вытянувшимся на ее коленях телом юноши, представляет аллюзию на композиционную схему «Пьеты» (сцены оплакивания Марией снятого с креста Иисуса). Воздетые руки группы персонажей слева, выражение отчаяния на лице женщины в правой части картины передают переживания людей, познавших боль утраты. Экспрессию образов усиливает холодный колорит, ограниченный использованием оттенков синего, серого и белого цветов. Фигуры переднего плана даны на темном фоне земли, высокая линия горизонта оставляет видимой лишь узкую полоску неба. Главную роль в полотне играют женские персонажи, тогда как мужское присутствие ограничено погибшим молодым человеком и несколькими фигурками уходящих в горы крестьян.
Хосе Клементе Ороско (1883–1949) Индейские женщины (из серии «Los teules») 1947. Мазонит, пироксилин. 193,5x122
Хосе Клементе Ороско три года был студентом сельскохозяйственного училища, занимался архитектурой и математикой в Национальной подготовительной школе в Мехико и в 1908 поступил в Академию Сан-Карлос. Ранний период его творчества (до 1922) связан преимущественно с графикой. Позже, наряду с другими выдающимися муралистами, Ороско участвовал в создании грандиозных циклов фресок для украшения общественных зданий. Своеобразие его стиля проявляется в динамичной работе кистью, широких мазках, сопоставлении контрастных цветовых пятен. Образы отличаются экспрессией и драматизмом.
Данная картина входит в большую серию живописных и графических произведений «Los teules» (так на языке науатль ацтеки назвали пришедших на их земли конкистадоров), посвященную сюжетам военных столкновений, древних ритуалов и жертвоприношений. Характер решения двух обнаженных женских фигур, у ног которых возвышается гора человеческих костей, сопоставим с обобщенностью форм искусства древних народов. Работу отличают лаконичность колорита и выразительность контуров. Героиня на переднем плане выглядит старше своей товарки — у нее отвисшая грудь и большой живот, черты лица второй индианки напоминают маску. Возможно, образы символически представляют разные периоды жизни человека.
Мария Искьердо (1902–1955) Шкаф 1952. Холст, масло. 76x66
Мария Искьердо родилась в Сан-Хуан-де-лос-Лагосе штата Халиско. В 1930-1940-е складывался самобытный стиль ее работ, на который большое влияние оказало общение с Руфино Тамайо. Главное место в творчестве художницы занимают сюжеты и образы, укорененные в повседневности, народных празднествах и религиозности: семейные портреты, цирковые сцены, домашние алтари, незатейливые натюрморты, размещенные на фоне пейзажа.
Внутреннее пространство обычного шкафа, обрамленное полупрозрачными кружевными занавесками, предстает волшебным миром, где простые предметы обретают магическое значение. Керамическая ваза становится мифическим «древом жизни», занимают свое место атрибуты традиционной праздничной обрядности — наполовину сгоревшие свечи в подсвечниках, апельсины с цветными бумажными флажками, ящик с ростками пшеницы и игрушечные фигурки, а сквозь небольшое квадратное окошко открывается вид на морское побережье.
Хорхе Гонсалес Камерана (1908–1980) Попугай 1930-е. Мазонит, масло. 90x122
Перед зрителем образец декоративной живописи, выполненной в 1930-х Хорхе Гонсалесом Камераной. Широкая цветовая гамма, основанная на использовании светлых тонов, передает радостное, жизнеутверждающее восприятие мира. Декоративность работы усиливают некоторые приемы кубизма и футуризма. Изображения керамических сосудов, растений и фруктов, окружающих мексиканскую красавицу, упрощены и стилизованы в духе геометрических форм. Художник ставил задачей подчеркнуть национальный колорит композиции. На левой руке жительницы Теуантепека, представленной в традиционном наряде и украшениях, сидит большой попугай. В правой девушка держит полную фруктов чашу, которая играет роль символа изобилия и помогает созданию образа земного райского сада плодородного мексиканского края, воплотившегося в своих детях.
