Искусство Франции

Эжен Делакруа. Марокканец, седлающий коня. 1855

Никола Пуссен (1594–1665) Пейзаж с Полифемом 1649. Холст, масло. 155x199

Никола Пуссен — крупнейший французский художник XVII века, яркий представитель классицизма. Живя в Италии, он изучал античное искусство и преклонялся перед красотой, четкостью и гармоничностью его форм. «Пейзаж с Полифемом» относится к так называемым классическим пейзажам. По устоявшейся традиции живописцы почти не запечатлевали природу с натуры, используя зарисовки в мастерской. Пейзаж строился по определенной схеме: три плана акцентировались цветом.

Природа у Пуссена — мир идеальной красоты, в отличие от работ многих современников произведения живописца наполнены глубоким философским содержанием. В представленном полотне заключена идея величия и мощи природы, ее связи с человеком. Герои произведения заимствованы из «Метаморфоз» Овидия. В центре картины на заднем плане сидит почти слившийся с горой циклоп Полифем. Полюбивший нимфу Галатею и тоскующий по ней, он вкладывает свое неразделенное чувство в песни, наигрываемые на свирели. Постепенно из пугающего всех чудовища Полифем превращается в любимца нимф, которые приходят послушать музыку. Кажется, что сама природа застыла и внимает нежным мелодиям гиганта. Яркий просвет справа открывает перспективу на далекое море и как бы освещает всю величественную картину земного мироздания.

Луи Ленен (Около 1593–1648) Семейство молочницы. Около 1641. Холст, масло. 51x59

Ленен — фамилия семьи художников-реалистов XVII века. Луи Ленен был старшим и самым одаренным из трех братьев, которые в своем творчестве интересовались жизнью и работой простого человека, окружающим его миром. В начале XVII столетия во Франции изображение крестьян считалось низменным для художника, современники избегали сюжетов, связанных с их бытом.

Картина «Семейство молочницы» показывает крестьянскую семью, отправляющуюся на рынок. На вершине холма собрались отец, мать и двое детей, равноправными членами семьи выступают смиренный навьюченный ослик и свернувшаяся калачиком собачка. Внимание приковывает фигура молочницы — одетая в грубую одежду немолодая крестьянка с уставшим, грустным лицом. Образы озарены внутренним достоинством, эти люди с честью исполняют свой жизненный долг. В изысканной серебристо-серой цветовой гамме запечатлены холмы и поля Северной Франции, передан ее сухой воздух. Мягкий свет озаряет суровые лица и крепкие тела крестьян, их немудреную утварь.

Представленное произведение — манифест нового гуманного восприятия жизни. Художник возвеличивает не абстрактного героя или божество, а живого рабочего человека. Искусство Ленена не нашло последователей в XVII веке, лишь спустя два столетия во Франции возродился интерес к простому человеку.

Антуан Ватто (1684–1721) Савояр с сурком 1716. Холст, масло. 40,5x32,5

Французское искусство XVIII века начинается с произведений Антуана Ватто. Он первый выразил новое представление о красоте и естественности человеческих чувств и эмоций, ввел свежие темы и образы.

В основе картины «Савояр с сурком» лежит рисунок, сделанный с натуры. Маленький музыкант с открытым улыбчивым лицом одет в скромную, удобную в многочисленных путешествиях одежду. Уроженец горной Савойи, он отправился на заработки, взяв с собой флейту и ящик, из которого ученый сурок вытаскивает маленькие записочки «со счастьем». Лирический подход к сюжету, внутренняя теплота, с которой трактуется образ, очень характерны для картин Ватто. Он умело подчеркивает одиночество мальчика, стоящего на фоне холодного утреннего неба. Подобные зарисовки из жизни обычных людей в творчестве Ватто шли параллельно со знаменитыми галантными празднествами и театральными сценами.

Антуан Ватто (1684–1721) Капризница. Около 1718. Холст, масло. 42x34

Антуан Ватто был первым из французских художников XVIII столетия, который, отвергнув героическую патетику академизма, в своих так называемых галантных картинах стремился передать тончайшие оттенки человеческих переживаний и чувств. В основе каждого произведения живописца — зарисовки, которые он делал в светских салонах, театрах, садах и на улицах Парижа.

На полотне «Капризница» молодая женщина в элегантном темном платье, гордо подняв голову и капризно надув губы, оборачивается к своему кавалеру, который ей что-то вкрадчиво предлагает. Мастер точно передает сомнения героини, пытающейся решить: уйти ей или все же дослушать речь мужчины. Ватто стремится зафиксировать характер и реакцию дамы — едва заметную тревогу. Картина интересна по колориту, основанному на сочетании нежных розовых, бледно-зеленых и голубых тонов. Насыщенность цвета в фигурах персонажей подчеркивает мягкость цветовых решений, используемых художником для передачи пейзажного фона с его полупрозрачными деревьями и едва различимыми силуэтами гуляющих пар.

Никола Ланкре (1690–1743) Портрет танцовщицы Камарго. Первая половина XVIII века. Холст, масло. 45x55

Никола Ланкре, один из талантливых последователей Антуана Ватто, унаследовал его легкую кисть, мягкость и поэтичность красочных соотношений, сюжеты. Французский мастер XVIII века также любил изображать актеров комедии дель арте в сценах спектаклей, концерты на лоне природы, галантные празднества. Его произведения — своеобразный художественный документ, в котором точно отражены театральные костюмы и жесты актеров, режиссерские находки и особенности постановок.

К подобным картинам относится и изящный камерный портрет Марии-Анны Кюпп де Камарго — известной танцовщицы своего времени. Она изобрела до сих пор используемые в балете туфли, укоротила юбку, что позволило ввести в танец новые па. Фактически Камарго является основоположницей балета в его классическом понимании. Танцовщица была весьма популярна и любима современниками, этим объясняется успех полотна и его многочисленные авторские повторения-варианты. Основная композиция в них оставалась прежней, менялся лишь партнер или цвет платья, увеличивалось или уменьшалось количество аккомпанирующих музыкантов среди декораций, изображающих парк. Портрет получился таким красивым благодаря мягкому золотисто-розовому колориту и легкому, изящному исполнению в стиле рококо.

Франсуа Буше (1703–1770) Туалет Венеры. После 1743. Холст, масло. 101x86,7

Франсуа Буше, яркий представитель искусства французского барокко, был весьма разносторонним мастером: он работал как живописец, гравер, иллюстратор, декоратор, расписывал веера и сервизы. Буше был удостоен звания придворного художника, ему покровительствовала фаворитка Людовика XV — знаменитая маркиза де Помпадур. Творчество живописца лишено трагических и драматических коллизий, его искусству присущи легкость, веселье, яркая декоративность. Буше писал мифологические сюжеты для того, чтобы иметь возможность изобразить красивых, изящных, как статуэтки, обнаженных женщин в образах богинь и нимф.

В овальном по форме произведении «Туалет Венеры» богиня показана во всем блеске своей наготы. Она окружена проворными амурами, помогающими выполнять утренние ритуалы. Один держит зеркало, другой повязывает ей ленту на ногу, служанки разбирают драгоценности. Взоры всех персонажей обращены к Венере, выдвигая богиню на первый план, в центр композиции. Колорит характерен для стиля рококо, он построен на сочетании сияющих золотых, мягких розовых, зеленых и голубоватых оттенков цвета. В отличие от предшественника Антуана Ватто в работах Буше нет повествовательного элемента, сюжет присутствует исключительно как художественный повод.

Этьен Морис Фальконе (1716–1791) Амур 1750-е. Мрамор. Высота 85

Автор знаменитого памятника Петру I в Санкт-Петербурге — так называемого Медного всадника, — Фальконе создал и данное изящное произведение в стиле рококо. Первоначально «Амур» предназначался для садового павильона в поместье маркизы де Помпадур. Это обусловило композицию статуи: ее можно обойти и рассмотреть со всех сторон. Скульптура пользовалась большой популярностью у знатоков искусства XVIII века, с успехом экспонировалась на выставках. Фальконе многократно повторял своего «Амура», экземпляр, хранящийся в Эрмитаже, был заказан графом Строгановым. Шаловливый крылатый мальчик, бог любви, предостерегающе держит пальчик около губ, ведь украдкой он вытаскивает стрелу из лежащего рядом колчана. Его лукавая улыбка намекает, что никто не укроет свое сердце от этих метких стрел. Фальконе убедительно передал пухлое тельце ребенка, мягкие пушистые волосы, обрамляющие живое лицо, перышки крыльев. В его свободной и естественной позе, в том, как он сидит, свесив одну ножку, мастер показал непринужденность и обаяние, свойственные детям.

Жан-Батист Симеон Шарден (1699–1779) Натюрморт с атрибутами искусства 1766. Холст, масло. 112x140,5

Жан-Батист Симеон Шарден — французский художник, писавший натюрморты и жанровые сценки, в которых воспевал повседневную домашнюю жизнь горожан, передавая ее в спокойной, реалистической манере. Натюрморты мастера тесно связаны с человеком, ведь он — хозяин изображенных вещей, и его присутствие чувствуется в каждом предмете.

Эрмитажное полотно — один из лучших аллегорических натюрмортов. Императрица Екатерина II заказала Шардену исполнить десюдепорт (наддверное живописное панно) для конференц-зала Академии художеств в Санкт-Петербурге. Картина изображает стол художника, на котором разбросаны вещи — атрибуты искусства. В центре композиции — статуэтка бога Меркурия работы Жана-Батиста Пигаля, она символизирует скульптуру. Искусство живописи представлено палитрой и ящиком для красок, архитектура — свитками чертежей и готовальней. Орденский крест, монеты и медали — это награды, которых художник удостоился в результате своего творчества. Все предметы Шарден писал исключительно с натуры, фигурка Меркурия реально принадлежала ему, как и кувшин, который можно обнаружить и на других полотнах. Книги, вероятно, — тоже автора, их присутствие в натюрморте как бы намекает, что художник должен быть образованным человеком.

Искусство Шардена как нельзя лучше отражает идеалы эпохи Просвещения.

Жан-Батист Грёз (1725–1805) Паралитик 1763. Холст, масло. 11 5,5x146

Французский живописец Жан-Батист Грёз прославился как портретист и художник, писавший произведения на тему родственных отношений. В жанре семейного быта у него почти не было соперников во французской живописи.

Картина «Паралитик», характерный пример художественного искусства эпохи Просвещения, была главным событием парижской выставки 1763. Мастер представил многочисленное семейство, которое собралось вокруг разбитого параличом старика. Скромный тяжелобольной труженик окружен нежной заботой и всеобщей любовью. Недаром полотно имеет второе название — «Плоды хорошего воспитания». Грез стремился создавать произведения, побуждающие к добродетели. Основная мораль работы — превосходство простого человека над развращенностью французского дворянина. Живописец прекрасно группирует фигуры, однако сцена выглядит несколько сентиментально и театрально. Успех картины у зрителей был огромен. Благосклонность критики Денни Дидро, советника русской императрицы, способствовала приобретению в 1766 полотна Екатериной II у самого автора. В фондах Эрмитажа хранится множество подготовительных рисунков к этому произведению.

Жан Оноре Фрагонар (1732–1806) Поцелуй украдкой 1787–1789. Холст, масло. 45x55

Виртуозный мастер стиля рококо, Жан Оноре Фрагонар был учеником прославленных художников — Франсуа Буше и Жана-Батиста Шардена. Живописец известен как автор полотен на «галантные» темы, он развивал направление, заданное Антуаном Ватто. Но в отличие от работ предшественника картины Фрагонара не ограничиваются платонизмом отношений между персонажами, его сцены очень чувственны, а порой даже откровенно эротичны.

«Поцелуй украдкой» — вершина «галантного» творчества мастера. В комнате, отделенной от залы полуоткрытой дверью, юноша «похищает» поцелуй у молодой девушки, ее правая рука сжата ладонями юноши, который удерживает героиню подле себя. Она тревожно смотрит на приоткрытую дверь, опасаясь, что кто-нибудь может войти и увидеть их. Поражают убедительность, с которой написаны фигуры, фактурность ткани, интерьер и светотень в комнате.

Картина имела также другое название — «Тайная страсть». Галантные сюжеты Фрагонара естественны в передаче земных чувств, они изящны, поэтичны и декоративны, так как выражают дух культуры XVIII века.

Элизабет-Луиз Виже-Лебрен (1755–1842) Портрет дочерей императора Павла I 1796. Холст, масло. 99x99

Французская художница Элизабет-Луиз Виже-Лебрен принадлежит к небольшому числу европейских живописцев, сумевших занять место на первом плане искусства своего времени. Любимая портретистка королевы Франции Марии-Антуанетты, она эмигрировала с началом революции и, объездив многие европейские столицы, на шесть лет обосновалась в России.

Портрет великих княжон Александры и Елены исполнен художницей в 1796, когда им шел тринадцатый-четырнадцатый год. Лица моделей несколько идеализированы, но каждое обладает особенным выражением. Старшая, Александра, похожа на брата, великого князя Александра Павловича, черты лица младшей, в розовом платье, более мелкие. Княжны изображены рядом друг с другом, они лишь на минуту подняли глаза на зрителя, оторвавшись от созерцания миниатюрного портрета бабушки, Екатерины II, в алмазном обрамлении. Изначально наряды княжон были иными. Слух о том, что картина показалась Екатерине II чересчур откровенной, побудил портретистку изменить одеяния девушек с греческих туник на платья с длинными рукавами. Работая при русском императорском дворе, Виже-Лебрен получала большое количество заказов от аристократии, что способствовало ее финансовому процветанию. По приглашению Наполеона художница вернулась во Францию, где так же плодотворно и успешно творила.

Луи Леопольд Буальи (1761–1845) Бильярд 1807. Холст, масло. 56x81

Французский живописец Луи Леопольд Буальи специализировался в основном на камерных жанровых сценах и портретах. Он настолько точно выписывал детали окружающего мира, что по его произведениям можно изучать интерьеры, моду и нравы времен Консульства, Директории и Первой империи.

После революции появилось множество кафе, недорогих ресторанчиков, где люди могли встретиться, завести новые знакомства, поговорить, обсудить последние новости. К числу таких заведений относились и бильярдные — просторные залы, в которых, выпив чашку чая и пообщавшись с друзьями, можно было развлечься ставшей чрезвычайно популярной после 1789 игрой. В зале, освещенном верхним светом, дающим художнику возможность сделать ряд акцентов, изображено весьма пестрое общество. Главные действующие лица — игроки и бильярд.

Внимание привлекает молодая дама в модном белом платье, собирающаяся сделать удар кием. За ней внимательно наблюдают люди, расположившиеся вокруг стола.

В правой части картины дамы флиртуют с кавалером, другая группа сконцентрировалась у кофейного столика, кормящие матери и играющие дети тоже заняты своими делами и не обращают внимания на игру. В колорите полотна преобладают нежные краски, женские фигуры в полупрозрачных платьях изящны и грациозны.

Интересно отметить, что бильярдом, любимой игрой казненного короля Людовика XVI, сначала увлекались исключительно мужчины. После революции нравы стали более свободными.

Жак-Луи Давид (1748–1825) Сафо и Фаон 1809. Холст, масло. 225,3x262

Основоположник французского неоклассицизма Жак-Луи Давид написал представленную картину по заказу князя Н. Б. Юсупова. Древнегреческая поэтесса Сафо была любимой героиней художников этого направления. Легенда повествует о том, что она влюбилась в красавца-моряка Фаона. Он каждый день на лодке уходил в море, а Сафо ждала его возвращения. Однажды возлюбленный не возвратился домой, и героиня в отчаянии покончила с собой, бросившись в волны бурного моря.

Картина от сюжета до одежд героев и мебели, которую живописец специально изучал по памятникам античного искусства, выдержана в духе классических образцов. Композиция полотна довольно статична и театральна, фигуры персонажей напоминают ожившие идеальные статуи. Мифологический элемент в произведении — Купидон, причем совсем не маленький пухлый мальчик, обычный для произведений барокко и рококо. Здесь в его фигуре явно читаются классицистические пропорции удлиненного тела. Крылатый бог любви протягивает Сафо лиру — символ поэтов, как бы намекая, что благодаря этому чувству создаются лучшие произведения.

Жан Огюст Доминик Энгр (1780–1867) Портрет графа Н. Д. Гурьева 1821. Холст, масло. 107x86

Жан Огюст Доминик Энгр, общепризнанный лидер европейского академизма, вошел в историю французской живописи, прежде всего, как великолепный портретист.

В эрмитажном собрании Энгр представлен единственной работой — написанным во Флоренции портретом Николая Дмитриевича Гурьева, флигель-адъютанта Александра I, участника войны 1812, дипломата, чиновника Министерства иностранных дел.

Художник подчеркивает индивидуальность облика русского вельможи, выявляет в нем внутреннюю значительность и чувство собственного достоинства. Он акцентирует гордую позу и энергичный поворот головы, а эффектно перекинутый через плечо плащ делает портрет парадным. Точный рисунок в сочетании с тщательной моделировкой придает работе классическую чеканность форм. Однако необычная для академического портрета сложность личной характеристики модели, особое тревожное состояние, которое подчеркивает пейзажный фон со свинцовым предгрозовым небом, привносят в полотно черты романтизма, пришедшего на смену академизму и классицизму.

Густав Курбе (181 9-1877) Пейзаж с мертвой лошадью. Вторая половина 1850-х. Холст, масло. 45x56

Густав Курбе — выдающийся французский художник, родоначальник реализма. В Эрмитаже среди других его работ выделяется «Пейзаж с мертвой лошадью». Курбе говорил, что живопись должна показывать те вещи, которые мастер видел или коснулся их.

Сюжет картины загадочен: в центре композиции на обочине дороги посреди чащи лежит туша мертвой белой лошади. Едва различима фигура человека, который убегает в глубь леса. Для зрителя случившееся остается тайной: было ли животное убито или человек здесь ни при чем, а просто является свидетелем несчастного случая? Современники отмечали смелость, с которой Курбе показал лошадь, совершенно не страшась шокировать публику. Мастер твердо решил отображать правду жизни, какой бы неприглядной она ни была.

Если мысленно убрать фигуры лошади и человека, пейзажный фон в представленной работе не потеряется, а, наоборот, будет пленить сочетанием теплых зеленых оттенков.

Эжен Делакруа (1798–1863) Охота на львов в Марокко 1854. Холст, масло. 74x92

Эжен Делакруа — французский живописец и график, один из родоначальников романтического направления в европейском искусстве.

Полотно интересно сюжетом, новым для своего времени, необычайной красочностью и эмоциональностью изображения. Художник написал картину, в которой сумел живо передать свои впечатления от Марокко, через целых двадцать лет после путешествия в Африку.

Сцена охоты пронизана динамикой и энергией, буквально чувствуется напряженная атмосфера, царящая перед схваткой со львом. Делакруа выбирает не кульминацию события, а момент, предшествующий ей. Еще минута — грянет выстрел и начнется борьба. Цветовые соотношения наполнены контрастами красного, синего и зеленого. Природа, служащая фоном происходящему, не бесстрастна, она выступает одним из героев произведения. Во всем ощущается внутреннее движение: ствол дерева кажется перекрученным, бурлит и поднимается волнами даль, уходящая к горизонту, беспокойно переступает с ноги на ногу и вырывается лошадь. Подобная трактовка темы весьма показательна для художника-романтика. Путешествуя по Востоку, Африке, интересуясь культурой других стран, романтики привнесли в искусство новые, неизбитые сюжеты.

Оноре Домье (1808–1879) Ноша (Прачка). Между 1850–1853. Холст, масло. 130x98

Оноре Домье — крупнейший французский художник-график, мастер политической карикатуры, живописец и скульптор. Если графические работы Домье наполнены иронией и сатирой, то в своих живописных произведениях он выступает как романтик, отдающий все симпатии своим героям.

Картина «Ноша» характеризуется истинно романтической напряженностью. Женщина и ее малолетний ребенок выбиваются из последних сил, преодолевая ярость стихии. Ветер почти сбивает их с ног, но они упорно продолжают идти вперед. Художник опускает лишние детали, оставляя лишь фигуры путников, объем которых подчеркнут широкой штриховкой. Живописец создает не иллюстрацию тяжести труда прачки, а монументальный образ драмы жизни. Женщина здесь — воплощение безысходности, а пейзаж суровым аккомпанементом вторит ее отчаянным движениям. Полотно выполнено в сумрачном, темном колорите, его характеризуют резкие контрасты светотени, обобщенные формы и экспрессивные линии. Сюжет был чрезвычайно важен для мастера. В различных музеях находится около десяти версий этого произведения.

Жан-Франсуа Милле (1814–1875) Крестьянки с хворостом. Около 1852. Холст, масло. 37,5x29,5

Почти все творчество французского художника Жана-Франсуа Милле, как и братьев Ленен, посвящено крестьянам и их труду. Однако в персонажах живописца нет того спокойствия и уверенности, которыми обладали герои Лененов, их жизнь окрашена в более драматические и сумрачные тона. Обычно Милле пишет крестьян, занятых повседневной работой: они собирают в поле колосья и мотыжат землю, пасут стада или прядут шерсть. Автор неоднократно использовал сюжет с бедняком, согнувшимся под тяжестью вязанки с хворостом.

На картине «Крестьянки с хворостом» изображены две женские фигуры, медленно бредущие с огромными вязанками по лесной тропинке. Сумрачные тона определяют безрадостный настрой полотна. Окружающий пейзаж едва различим: темные вертикали деревьев, наваленные камни справа, ощущение холодного вечера — из этих деталей вырисовывается образ суровой природы. Крупные монументальные формы, обобщенный лаконичный рисунок, медленное и твердое движение — в работе нет и намека на сентиментальность, все выдержано в одном скорбном ключе.

Однажды Милле признался другу, что ему никогда не открывается светлая сторона жизни и он никогда не видел ее и не знает, что это. Именно эти слова художника невольно вспоминаются при взгляде на представленную картину.

Жан-Батист Коро (1796–1875) Пейзаж с озером. Конец 1860-х-начало 1870-х. Холст, масло. 53x65,5

Выдающийся художник-романтик Жан-Батист Коро был близок к барбизонской школе, хотя начал работать еще задолго до своих поездок в деревню Барбизон. Помимо пейзажей он писал картины на мифологические темы, декоративные панно, был прекрасным портретистом. Коро создал собственную живописную манеру, основанную на тонких соотношениях серебристо-серых и жемчужно-перламутровых тонов.

В картине «Пейзаж с озером» сквозь просвет в чаще леса открывается вид на озеро и далекую деревню. Ветви деревьев, сплетаясь, напоминают театральные кулисы. От краев холста по направлению к центру композиции изображены черные силуэты деревьев, которые постепенно становятся все более прозрачными и наконец растворяются в световом потоке. В этом пейзаже художник избегает всего, что может увести в сторону от созерцания красоты природы, он с удовольствием передает градации насыщенного зеленого цвета.

Пейзажам Коро свойственен искренний и тонкий лиризм. Каждое полотно мастер стремится наделить спокойствием и душевной чистотой. Его искусству чуждо состояние тревоги или грусти, произведения живописца композиционно уравновешенны и гармоничны.

Клод Моне (1840–1926) Дама в саду Сент-Андресс 1867. Холст, масло. 82x101

Клод Моне — французский живописец второй половины XIX века, один из основателей направления импрессионизма в искусстве. В своих произведениях он стремился уловить неповторимость и изменчивость природы в определенный временной промежуток. Творчество Моне разнообразно, но любимой его темой являлись пейзажи, которые целиком создавались на пленэре.

«Дама в саду Сент-Андресс» относится к ранним работам Моне, в которых он любил изображать людей на фоне летнего пейзажа. Художник стремился сделать человеческую фигуру частью природы, то есть одного целого, окружить ее светом и воздухом. Живописец прекрасно передал ощущение яркого солнечного дня, под его кистью горят лепестки распустившихся цветов, сияет белый наряд женщины, переливается и колышется зеленая трава. В импрессионистической палитре мастера — исключительно чистые и звонкие цвета. Композиция картины не случайна, она предельно продумана для того, чтобы еще более усилить ощущение естественности запечатленного на холсте пейзажного мотива.

Эдгар Дега (1834–1917) Площадь Согласия (Виконт Лепик с дочерьми, переходящий площадь Согласия) 1875. Холст, масло. 78,4x117,5

Один из самых знаменитых французских художников-импрессионистов, Эдгар Дега, как и его коллеги, был увлечен разнообразием и подвижностью городской жизни. Он стремился запечатлеть современный ему Париж в постоянно меняющихся видах и аспектах. Во многих произведениях живописца композиция обладает динамичной фрагментарностью кинокадра, ей свойственны неожиданные ракурсы, сочетания, кажущиеся случайностью с точным расчетом.

Картина «Площадь Согласия» была перевезена в Россию после Второй мировой войны из берлинского частного собрания. С одной стороны — это портрет, а с другой — типичная для импрессионистов жанровая зарисовка из жизни города. Главный герой — аристократ Людовик Лепик, художник и гравер, заядлый театрал, большой любитель собак и близкий друг Дега.

Мастер изобразил его вместе с двумя дочерьми и гончей. Персонажи пересекают площадь Согласия в Париже, за оградой, на заднем плане, видны сады Тюильри. Художник провокационно показал разнонаправленность движений отца и дочерей, как будто они не семья, а прохожие, случайно оказавшиеся рядом. В этом построении проявляется новаторство Дега: он мог написать движение, а позирование моделей ему было не нужно. Мастер поймал необычный ракурс, картина написана быстрыми и широкими мазками. Удивительное сочетание почти фотографически точного изображения момента и живописного воплощения движения создает образ вечности, стоящей за мгновением.

Пьер Огюст Ренуар (1841–1919) Портрет актрисы Жанны Самари 1878. Холст, масло. 174x105

Крупнейший представитель французского импрессионизма, Пьер Огюст Ренуар очень много работал в области портрета. Его женские образы полны очарования и непосредственности. Блестящим примером является портрет актрисы театра «Комеди Франсез» Жанны Самари. Она изображена во весь рост на фоне японской ширмы, ковра и пальмы, специально принесенных художником в обычно пустую мастерскую для создания парадной обстановки. Ренуар едва наметил психологический рисунок своей модели, он с радостью перешел к передаче перламутровости ее кожи, пушистости легких рыжеватых волос, подведенных глаз и ярких приоткрытых губ. Как истинный импрессионист, Ренуар с удовольствием разбирает сложную цветовую гамму светлого платья актрисы, создает разнообразные по форме мазки золотистого, розоватого и сиреневатых тонов.

Эрмитажный портрет Жанны Самари не единственный в творчестве живописца, ее поясной портрет находится в ГМИИ им. А. С. Пушкина в Москве, а третий украшает фойе «Комеди Франсез».

Анри Фантен-Латур (1836–1904) Цветы в глиняной вазе 1883. Холст, масло. 23x29

Анри Фантен-Латур является известным французским художником и литографом второй половины XIX века. Его современниками были импрессионисты, однако живописец предпочитал работать в стиле, близком к реализму. Мастер известен групповыми портретами своих друзей — художников и писателей, а также цветочными натюрмортами. Фантен-Латур отдавал предпочтение «сочиненным» композициям.

Маленькая по размеру картина «Цветы в глиняной вазе» привлекает удивительной свежестью красок и непосредственностью восприятия автора. Полотно отличается точностью рисунка и утонченностью сочетаний приглушенных бело-серых и розовых тонов. Художник так мастерски выписал, буквально вылепил цветки, что они кажутся живыми. Несмотря на яркость и натуралистичность изображения, Фантен-Латур никогда не применял открытый цветной мазок, который использовали импрессионисты.

Живописец любил проводить лето в Бюре, а по возвращении в Париж привозил с собой любимые натюрморты с цветами. Представленная картина была написана как раз в один из таких летних сезонов. Художник подарил ее сестре, проживавшей в Варшаве. Она была замужем за русским офицером Яновским, а позже из его коллекции полотно оказалось в собрании Эрмитажа.

Эдгар Дега (1834–1917) Причесывающаяся женщина. Около 1885. Бумага серо-коричневая, наклеенная на картон, пастель. 54x52,5

Эдгар Дега — один из представителей французского импрессионизма в живописи и графике. В противоположность своим коллегам он мало интересовался пленэром. Любимыми темами художника, в которых он очень узнаваем, были бега, скачки, жизнь балерин во время репетиций и выступлений, женщины за умыванием, певицы из кафешантанов. Через этих героев Дега решал свои художественные задачи: быструю смену движения, сложный ракурс и поворот силуэта, а также по-новому использовал технику пастели.

В Эрмитаже хранится одна из лучших «пастельных» работ мастера — «Причесывающаяся женщина» или «Женщина за туалетом». Молодая девушка, сидящая в сложной позе, изображена со спины. Тонкая моделировка тела, плавная, текучая линия силуэта и чистый светлый колорит картины пленяют зрителя. Дега использовал тончайшие нюансы однотонной, гладко растушеванной пастели, потом постепенно обогащал их другими оттенками и переходами, а под конец вводил яркие цветовые штрихи, подчеркивающие ту или иную форму.

Винсент Ван Гог (1853–1890) Арльские дамы (Воспоминание о саде в Эттене) 1888. Холст, масло. 73х92

Винсент Ван Гог — один из самых известных художников второй половины XIX века, представитель направления постимпрессионизма в живописи. При жизни он не был признан, фактически нищенствовал, а сегодня его полотна — гордость любого музея и удача для аукционного дома.

Второе название представленной картины относится к деревне Эттен в Голландии, где жили родители Ван Гога. Таким образом, на полотне появляется голландская крестьянка, ухаживающая за цветами, и капустное поле на заднем плане. Яркий цвет и красная тень на зонтике связаны с ослепительным светом Прованса. Полотно написано не с натуры, а по воображению. Все в нем плоскостно — и фигуры, и пейзаж. Пространство разворачивается не в глубину, оно идет параллельно плоскости холста отдельными зонами — творческий метод, заимствованный у японских художников. Внутри «зоны» насыщены стремительными осязаемыми мазками, создающими внутренний динамизм форм.

По эмоциональному строю «Арльские дамы» — произведение неоднозначное, весьма сложное. Несмотря на яркий колорит красок, картина вызывает у зрителя невольное чувство тревоги, усугубляемое печальными лицами идущих женщин. Работа написана в последние годы жизни художника, когда окружающий мир приносил ему только страдания.

Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901) Женщина с зонтиком (Глухая Берта в саду господина Фореста) 1889. Картон, гуашь, акварель, темпера. 76,7x57,5

Французский художник прославился как выдающийся мастер-постимпрессионист, работавший в области рекламного плаката и графики. Он принадлежал к старинному роду Тулуз-Лотреков. После детской травмы рост Лотрека прекратился по причине наследственного заболевания, возникшего из-за брака между родственниками. Не имея возможности вести полноценную жизнь, поступить на военную службу, молодой Лотрек нашел свое призвание в искусстве, начал заниматься графикой. Художник любил ярмарочные веселья, цирк, позже стал завсегдатаем монмартрских кабаре и публичных домов, обитатели которых были его моделями.

Картина «Женщина с зонтиком» имеет и другое название — «Глухая Берта в саду господина Фореста». Берта прибыла в Париж на заработки, но после неудачных поисков работы оказалась в публичном доме. Существует фотография, где она позирует художнику для этой работы. Одетая в нарядное муслиновое платье с кружевами, модель сидит в весеннем распускающемся саду. На ее голове — маленькая шляпка, в руках сжат зонт-трость. Произведение мастера отличается изысканным колоритом, здесь господствуют розовые, лиловые и голубые тона. Резко и графично изображено своеобразное лицо женщины. Картина написана экспрессивными мазками, положенными смело и свободно, но с чрезвычайной точностью.

Поль Гоген (1848–1903) Женщина, держащая плод (Eu haere ia ое) 1893. Холст, масло. 92,5x73,5

Крупнейший представитель постимпрессионизма, французский художник Поль Гоген связал собственное творчество с далеким островом Таити. Свой идеал красоты он обрел в образе молодой таитянки с широкими плечами, сильным торсом, особенным абрисом лица, на котором выделяются пухлые губы, широкие крылья носа и удивительные миндалевидные глаза. Чтобы передать своеобразный мир, где человек и природа живут в гармонии, Гоген отошел от многих традиций европейской живописи. Он отказался от воздушной перспективы, светотеневой моделировки. Основными характеристиками его художественной манеры становятся декоративность и монументализм. В работах Гогена наблюдение за реальной жизнью и бытом народов Океании постепенно тесно сплетается с местными мифами. Держащая в руках плод манго таитянка написана красивым, изысканным золотисто-коричневым тоном. Возможно, моделью послужила первая таитянская жена Гогена, Техура. Пейзаж, как и фигура, трактован в картине весьма обобщенно. Пятна золотистого, красного, розового и зеленого цветов делают полотно похожим на декоративный красочный ковер.

Поль Сезанн (1839–1906) Курильщик Между 1890–1892. Холст, масло. 92,5x73,5

Поль Сезанн — французский художник, ярчайший представитель постимпрессионизма. Несмотря на то что он творил одновременно с импрессионистами, живописцы шли разными путями. Мастера интересовали не только свет и цвет, он старался найти иные способы передачи форм и объектов. В отличие от импрессионистов Сезанн не стремился запечатлеть мгновение. Каждое свое произведение он писал чрезвычайно долго, неоднократно возвращаясь к определенным мотивам.

В последнее десятилетие жизни художник часто изображал сидящих моделей. Статичная, неподвижная поза была нужна ему, так как он относился к фигуре человека как к предмету. Его интересовал не характер модели, а ее форма и цветовое решение на холсте. Зеленоватым оттенком он, как скульптор, объемно лепит фигуру и расставляет рефлексы цвета на руках мужчины. Сезанн не прописывает глаза курильщика, оставляя вместо них темные пятна краски. Абстрагируясь от бытовых аспектов, он развивает тему отрешенности от повседневной суеты.

Морис Дени (1870–1943) Фигуры в весеннем пейзаже (Священная роща) 1897. Холст, темпера, масло. 156,5x178,5

Французский художник-символист Морис Дени наряду с П. Боннаром и Э. Вюйаром являлся основателем группы «Наби» («Пророки») и ее основным теоретиком.

По совету Александра Бенуа эта картина была куплена Петром Щукиным для личной коллекции произведений искусства. На представленном полотне Дени запечатлел трех юных дев в прозрачном весеннем лесу. Две из них сбросили свои одежды и собирают букеты, третья еще облачена в белое платье. Подобные изображения молодых женщин в роще связывались с темой весны, пробуждающейся после зимы природы, будущего цветения и любви. Работы символистов не могут быть трактованы однозначно. Возможно, девушки — это три грации, олицетворяющие Красоту, Любовь и Удовольствие. Дени было свойственно преклонение перед женщиной, в его картинах они даже обнаженные выглядят целомудренными и идеализированными. Подобный подход к изображению женских образов служил основанием для сравнения полотен художника с фресками Фра Анджелико. Картина живописца отличается простыми формами, мягкостью линий и плавными красочными переливами розового и голубого тонов.

Одилон Редон (1840–1916) Женщина с полевыми цветами. Около 1890–1900. Бумага, пастель, уголь. 52x37,5

Французский живописец и график Одилон Редон является одним из самых интересных, ни на кого не похожих художников-символистов. В своих работах он неоднократно изображал цветы, но они — не просто натюрморт. У Редона цветы наделены душой, они живут и страдают. Каждый цветок, написанный мастером, — нечто живое, обладающее собственным характером, хранящее свою нежную тайну. Часто изображение букетов соседствует на его пастелях и рисунках с женскими образами.

В представленной картине радужные и дымчатые цвета пастели создают ощущение ирреальности, некой загадочности. Простые полевые растения и таинственное женское лицо составляют букет, они неотделимы друг от друга. Возможно, этот грустный лик и есть душа цветка, то ароматное существо, восхитительное порождение света? Редон заставляет зрителя задуматься, искать разгадку его искусства.

Мистическое направление символизма подразумевало множество толкований, а мир, нарисованный художником, и по сей день продолжает хранить свои секреты.

Пабло Пикассо (1881–1973) Любительница абсента 1901. Холст, масло. 73x54

Основоположник кубизма, Пабло Пикассо много работал как график, скульптор, керамист. Своим творчеством он оказал большое влияние на развитие изобразительного искусства XX века и породил массу подражателей.

Представленная картина «голубого периода» была написана Пикассо во время повторной поездки в Париж. Тема одинокого, сидящего в кафе человека была заимствована мастером у Анри де Тулуз-Лотрека, но в работе испанца она звучит с особым драматизмом, выраженным в лаконичной форме. Одинокая женская фигура в голубом сидит за столиком в кафе перед штофом и рюмкой с абсентом. В позе любительницы абсента, выражении ее лица чувствуется отверженность. Смелая деформация в изображении фигуры, замкнутой в собственное объятие и задвинутой в угол, усиливает остроту образа. Стены грязновато-красного тона и голубоватый столик сжимают пространство вокруг женщины, замыкают ее в безысходном одиночестве. Пикассо наполняет образ внутренним напряжением, и суровая, холодная тональность полотна создает ощущение полной отрешенности от мира. Эта картина — не конкретный портрет, а обобщенный образ одинокого, смирившегося со своей судьбой человека.

Огюст Роден (1840–1917) Ромео и Джульетта 1905. Мрамор. Высота 71

Великий французский скульптор Огюст Роден в попытке запечатлеть мгновение был близок к импрессионистам, однако его искусство вполне вписывается в стилистику модерна.

Эрмитажная скульптура «Ромео и Джульетта» выполнена в духе знаменитых роденовских работ — «Вечная весна» и «Поцелуй». Экспрессия фигур влюбленных сравнима с легкими барочными скульптурами итальянца Джованни Бернини. Роден сумел зафиксировать момент, когда тела слившихся в прощальном поцелуе возлюбленных составляют одно целое. Еще секунда — и Ромео разорвет жаркие объятия, спрыгнет с балкона и скроется в ночной тьме. Скульптор не дает четкой границы формы, ясного перехода фигур. Он создает впечатление обволакивающей группу воздушной среды. Поражает обработка мрамора — он кажется легким, невесомым и одновременно живым, что достигается сочетанием разнообразных техник отделки поверхности скульптуры. Творчество Родена оказало значительное влияние на направление ар-нуво, предвосхитив его. Некоторые работы Рене Лалика в стекле навеяны шедеврами мастера.

Кес ван Донген (1877–1968) Красная танцовщица 1907. Холст, масло. 99,7x81

Нидерландский художник Кес ван Донген большую часть жизни прожил во Франции. Он является одним из основоположников нового направления в живописи — фовизма. Произведения фовистов называли «дикими», такое впечатление на современников производил яркий, кричащий цвет, буквально вырывающийся с полотен.

«Красная танцовщица» относится к лучшим образцам раннего творчества ван Донгена. На картине изображена танцовщица Нини, выступавшая в кабаре «Фоли-Бержер». «Кричащий» оранжево-красный цвет, заливающий половину холста, придает ему особый эмоциональный настрой. Разные по размеру и форме динамичные мазки широко и обобщенно передают вихрь закрутившейся юбки.

Небольшое зеленое пятнышко на белой подвязке усиливает воздействие локального красного цвета. Помимо кабаре персонажей многих своих полотен живописец находил в цирке Медрано на Монмартре. Непризнанный широкой публикой в начале карьеры, в 1920-е ван Донген стал успешным художником. Свои портреты ему заказывали известные артисты, писатели и даже политические деятели.

Шарль Герен (1875–1939) Обнаженная женщина. Около 1910. Холст, масло. 116x89

Ученик знаменитого художника-символиста Густава Моро, Шарль Герен оттачивал собственное умение, занимаясь копированием картин старых мастеров в Лувре. В своих произведениях он не отходит от узнаваемых форм, не экспериментирует. Живописец изображает моделей в спокойной, часто камерной обстановке, палитра его работ мягкая и гармоничная, в ней нет кричащих цветов.

Обнаженная модель на представленной картине спокойно позирует художнику, совершенно не смущаясь обстановки и полного отсутствия одежды, кроме большой черной шляпы. Контурная линия синего цвета подчеркивает и выделяет бело-розовую кожу натурщицы. В этой работе Герена чувствуется влияние декоративных работ Мориса Дени, а цветовой строй полотна напоминает произведения Поля Сезанна с его изысканной сине-голубой тональностью. Известный любитель искусства С. И. Щукин неоднократно приобретал картины Герена в свое собрание.

Анри Матисс (1869–1954) Красная комната 1908. Холст, масло. 180,5x221

Лидер течения фовистов, французский живописец и скульптор Анри Матисс в своих работах стремился через яркий цвет и упрощенную форму передать настоящие эмоции.

Монументальную композицию «Красная комната» мастер называл «декоративным панно». Оно было заказано для столовой московского особняка известного русского коллекционера и мецената Сергея Ивановича Щукина. Художник начинал писать полотно как «Гармонию в голубом», взяв за образец декоративную ткань с голубыми узорами. Однако накануне осеннего Салона 1908 в Париже Матисс неожиданно кардинально переписал его, объяснив это тем, что оно показалось ему недостаточно декоративным и в красном цвете все выглядит значительно красивее.

Ткань красно-малинового тона с энергичными изгибами синего узора спускается со стены и овладевает плоскостью стола, образуя с ним единое целое. Чистый красный цвет поглощает пространство комнаты и женскую фигуру, плоскость холста превращается в декоративную поверхность. Но художник углубляет холст, вводя мотив окна, за которым открывается зеленый сад с цветущими деревьями.

Картины Матисса похожи на яркие декоративные ковры. Цвет для него является основным выразительным средством, красный на полотне словно излучает жизненную энергию, несет заряд радости и оптимизма.

Анри Матисс (1869–1954) Танец 1910. Холст, масло. 260x391

Панно «Танец» (вместе с «Музыкой») Анри Матиссу заказал С. И. Щукин для украшения лестницы особняка в Москве. Перед отправкой в Россию оно выставлялось на осеннем Салоне и вызвало скандал: устроители и зрители называли художника сумасшедшим, досталось и заказчику, которого обвинили, что он собирает мусор. Наставник Матисса Густав Моро предсказывал, что ученик «упростит живопись». Прием упрощения и схематизации фигур, где одна линия передает форму фигуры, наглядно присутствует в «Танце». На картине изображен хоровод пяти обнаженных людей, которые, взявшись за руки, танцуют на вершине холма. Яркое звучание трех цветов — красного, синего и зеленого — усиливает впечатление зрителя от монументального полотна, передает ощущение динамики. Художник кладет краски крупными пятнами, обводя их четкими контурами, отказываясь от светотеневой моделировки объемов и передачи глубины пространства. Композиционные ритмы картины безупречно отлажены и содержательны. Напор и мощь, заключенные в чистых красках, передают вырвавшиеся на поверхность чувства и страсти. Мотив хоровода многократно повторялся в европейском искусстве, у Матисса же он становится воплощением ритма и экспрессии XX века.

Пьер Боннар (1867–1947) У Средиземного моря. Триптих 1911. Холст, масло. Центральная часть — 407x1 52, боковые — 407x152

Глава группы «Наби» («Пророки»), французский живописец Пьер Боннар любил писать средиземноморские и парижские пейзажи, натюрморты, бытовые сценки и интерьеры в мягких, лирических цветах. Он выработал собственную манеру письма с ярко выраженной декоративностью, значительную роль в которой играет передача пространства, освещения и объема. В 1911 известный московский коллекционер И. А. Морозов заказал Боннару серию панно для парадной лестницы своего особняка на Пречистенке. Триптих занимал торцовую стену лестницы.

Согласно замыслу художника, композиция делилась белыми полуколоннами на три части. Перед зрителем раскрывается сверкающий средиземноморский пейзаж, видимый словно сквозь античный портик. Композиция построена по классической схеме — с тремя планами. Горячим ослепительным солнцем залита площадка перед виллой. Со всех сторон она окружена деревьями и лишь в глубине, в просвете между ними, виднеется лазурное море. В тени деревьев, скрываясь от зноя, девочка в белом платье играет с котенком (левая створка триптиха), женщина на правой створке разговаривает с попугаем, двое малышей на центральной копошатся в песке. Но фигуры не отвлекают внимания зрителя от главного героя — окружающей их роскошной и яркой южной природы. Большую часть композиции занимают громадные стволы и кроны деревьев, их буйная зелень салатных, желтых и серебристых тонов задает колорит триптиха. Работая над панно, художник обобщил цвет. Боннар использует десятки оттенков зеленого и желтого, лилового и розового, коричневого и голубого, но избегает пестроты. Мелкие раздельные мазки создают впечатление вибрации света. Средиземноморский триптих показывает выдающийся живописный талант мастера и раскрывает его как изумительного колориста.

Андре Дерен (1880–1954) Пейзаж с лодкой у берега (Карьер-Сени-Денни). Около 1915. Холст, масло. 100x65

Французский живописец Андре Дерен начал свой творческий путь на рубеже двух столетий. Он был одним из наиболее инициативных членов группы фовистов, увлекался сезаннизмом, дружил с Матиссом и Пикассо, приобщившим его к кубизму. Дерен также черпал вдохновение в работах старых мастеров и самой природе.

В «Пейзаже с лодкой у берега» художник возвращается к классической простоте композиции. Картина весьма условно передает пейзаж, но вместе с тем она вдохновлена им. Дома, построенные из местного камня, деревья, прибитые к берегу лодки передают характер местности приморских Альп. Художник специально уменьшил количество цветов на своей палитре, оставив лишь желтоватые, коричневые, серо-голубые и зеленые, чтобы воспроизвести гамму этой солнечной местности. В расположении домов, деревьев и даже травы чувствуется влияние кубизма. Однако более всего в картине ощущается воздействие старых мастеров — примитивистов итальянской сиенской школы.

 

Искусство Испании

Автор неизвестен. Святой Себастьян и святой Фабиан. Между 1475–1500

Подвеска «Каравелла» 1580-е. Изумруд, золото, эмаль; чеканка, полировка, роспись. 9.3x6

Подвески были широко распространены в XVI–XVIII столетиях, являясь украшением костюма или служа амулетом.

Подвеска «Каравелла» — одно из интереснейших произведений ювелирного искусства Испании XVI века в собрании Эрмитажа. Пять изумрудов составляют крест, к которому золотыми цепочками прикреплена испанская каравелла. Ее корпус выточен из большого колумбийского изумруда глубокого зеленого цвета. Парус, мачты и контур корабля украшены белой и черной эмалью. На корме судна тонко прочеканены золотые арабесковые узоры. Общий вес всех использованных ювелиром изумрудов составляет 190 карат!

Мотив плывущего корабля выбран не случайно: в Европе и особенно в Испании это было связано с эпохой великих географических открытий.

Франсиско Рибальта (1565–1628) Пригвождение к кресту 1582. Холст, масло. 144,5x103

В конце XVI столетия главным художественным центром Испании становится королевский двор с резиденциями в Мадриде и Эскориале. При нем начинает работать основоположник испанской живописи XVII века Франсиско Рибальта, впоследствии переехавший в Валенсию и прославившийся там. Работы мастера редко встречаются в музеях за пределами Испании.

В Эрмитаже находится самое раннее подписанное и датированное произведение художника — «Пригвождение к кресту». В изломанных фигурах, нарочитых жестах прослеживается влияние итальянского маньеризма. Драматизм событий подчеркивается мрачным сумрачным колоритом, а резкие светотеневые контрасты выделяют основных действующих лиц: полуобнаженную фигуру Христа, а также спины, руки, уродливые лица его мучителей. Пейзажный фон с тяжелым предгрозовым небом указывает на приближающуюся трагедию. Рибальта одним из первых испанских художников стал использовать световые находки Караваджо.

Алонсо Санчес Коэльо (около 1531–1588) Портрет инфанты Каталины Микаэлы Австрийской Между 1582–1585. Холст, масло. 70x50

Придворный художник Алонсо Санчес Коэльо — родоначальник испанского парадного портрета. Персонажи его полотен статичны, они согласно традиции сдержанны и чуть надменны.

Каталина Микаэла была младшей дочерью короля Испании Филиппа II. Представленный портрет показывает еще совсем молодую, примерно шестнадцати лет, девушку на строгом темном фоне. Она холодна и спокойна, как и положено по правилам придворного этикета. Накрахмаленный кружевной воротник, тяжелое одеяние, расшитое золотом и серебром, сковывают движения, но тщательно выписанные детали костюма сочетаются с цельной характеристикой модели. За внешней замкнутостью художник смог разглядеть изящество и очаровательную женскую грацию.

Выйдя замуж за Карла Эммануила I Савойского, инфанта навсегда покинула родину. Родив мужу десятерых детей, Каталина Микаэла умерла, едва достигнув тридцати лет.

Хуан Пантоха де ла Крус (1553–1608) Портрет Диего де Вильмайора 1605. Холст, масло. 88,5x70,5

Талант испанского живописца Хуана Пантохи де ла Крус особенно проявился в области парадного портрета времен Габсбургов. Придворный живописец не должен был исследовать эмоции и передавать внутренние переживания изображенных на его полотнах людей, которые вальяжно позируют, показывая свое высокое положение и богатство.

Однако «Портрет Диего де Вильмайора» привлекает к себе внимание особой выразительностью и правдивой передачей образа. Семнадцатилетний юноша из знатной семьи предстает перед зрителем в изящных доспехах из вороненой стали с золотым орнаментом и в пышном плиссированном воротнике — явном признаке светского костюма, одетого для появления при дворе, а не военных походов. На груди героя висит рыцарский орден Алькантара. Драгоценности и нарядные мелочи подчеркивают правдивую характеристику уверенного в своей значимости испанского гранда. В его образе — вся аристократическая Испания времен Филиппа III Габсбурга.

Бартоломе Эстебан Мурильо (1618–1682) Мальчик с собакой Между 1655–1660. Холст, масло. 70x60

Бартоломе Мурильо, видный мастер испанской школы XVII века, пользовался большим успехом у современников и даже был провозглашен капитулом Севильского собора лучшим живописцем города. Художник писал религиозные и небольшие бытовые сценки, но особенно любил изображать детей. Иногда он писал их группами или по двое, а иногда в одиночку, как на картине «Мальчик с собакой».

Художник не идеализирует своих персонажей, при всем обаянии мальчика его веселое лицо простонародно, а костюм — простой и бедный. Ребенок имеет ярко выраженные национальные черты, проявляющиеся в позах, движениях, жестах. Взгляд его плутоватых глаз, выражение лица и повадки дышат жизнью. Мурильо проявил себя и как прекрасный колорист: сочетание голубого неба и мягкого желтого тона жилета мальчика, темный глубокий цвет куртки и холодные, немного перламутровые тона кожи создают изысканную цветовую гамму. В отличие от произведений многих своих коллег работы живописца весьма ценились. Особенно нравились его жанровые сценки, которые сейчас хранятся во многих музеях мира.

Эль Греко (1541–1614) Апостолы Петр и Павел. Между 1587–1592. Холст, масло. 121,5x105

Уроженец Крита, Эль Греко относится к испанской школе живописи. Узнаваемый стиль художника-маньериста отличают ослепительные вспышки света, подчеркивающие фактуру ткани и ее складки, удлиненные пропорции фигур, преувеличенная экспрессия поз и движений, драматическая острота образов, нервная линеарность рисунка, колористические диссонансы.

Изображение апостолов Петра и Павла в трактовке Эль Греко — это противопоставление двух натур и темпераментов. Павел умен, категоричен и беспощаден, решителен и эмоционален. Одна рука лежит на книге Святого Писания, указующий жест другой как бы подтверждает написанные им проповеди христианской веры. Контрастом ему выступает апостол Петр. Он — весь в сомнениях и размышлениях. Кроткий, нерешительный взгляд говорит о колебаниях и внутреннем разладе. Интересно сопоставление рук обоих апостолов — твердой сильной руки Павла и мягкой, просительной — Петра. Подобная трактовка образов евангелистов была находкой Эль Греко, она значительно отступала от норм существовавшей церковной традиции в Испании.

Диего Веласкес (1599–1660) Завтрак. Около 1617. Холст, масло. 108,5x102

Придворный живописец короля, дон Диего де Сильва Веласкес наравне с портретами венценосных особ и высокородных грандов писал и простых людей: крестьян и солдат, завсегдатаев трактиров в жанре «бодегонес» («кабачок, трактир»). С особым чувством художник создает небольшие сценки из жизни народа, которые были характерны для раннего периода его творчества.

В картине «Завтрак» угадывается влияние итальянца Караваджо, что сказывается как в выборе сюжета, так и в использовании резкого контрастного освещения и светотеневой моделировке фигур. Веласкес изобразил двух веселых юношей, возможно, солдат, пригласивших в свою компанию старика-бродягу. Подобные сцены и типажи часто повторяются в творчестве художника. Произведение построено на контрасте молодых, полных энергии жестикулирующих юношей с более спокойным, умудренным жизнью стариком, внимательно их слушающим. Это сопоставление тем не менее подано весьма тактично и ненавязчиво. Натюрморт на переднем плане отличается строгостью и скупостью предметов, что было присуще испанским мастерам. Существует предположение, что в образе сидящего справа молодого человека художник изобразил себя.

Диего Веласкес (1599–1660) Портрет графа — герцога Оливареса 1638. Холст, масло. 67x54,5

Работая при дворе Филиппа IV, Веласкес неоднократно писал портреты короля и членов его семьи. Не раз позировал ему и главный министр двора, в чьих руках двадцать три года находилась почти неограниченная власть над Испанией. Дон Гаспаро де Гусман, граф Оливарес, герцог Сан-Лукар де Барракудо представлен Веласкесом на фоне серовато-оливкового фона, его костюм подчеркнуто скромен — черная одежда с белым воротничком. Из этого темного обрамления выступает мясистое лицо Оливареса, усы и бородка лишь частично закрывают оплывшие щеки и подбородок. Тяжелый, массивный нос нависает над сжатыми губами, а черные волосы подчеркивают большой выпуклый лоб. Совсем другое впечатление производят умные и проницательные глаза. Они выдают во внешне спокойном человеке натуру со стальным характером. Работа создана в 1630-е, когда Веласкес писал скромные погрудные изображения, уделяя в них особое внимание раскрытию внутреннего мира портретируемых.

Франсиско де Сурбаран (1598–1664) Отрочество Мадонны. Между 1658–1660. Холст, масло. 73,5x53,5

Франсиско де Сурбаран относится к плеяде испанских художников XVII века. Его творчество, несмотря на религиозную тематику, весьма реалистично. В изображениях святых и монахов он передавал реальные человеческие переживания и чувства, которые подмечал у молящихся в соборах родной Севильи.

В «Отрочестве Мадонны» образ маленькой Богоматери притягивает своей необычайной чистотой и невинностью. Перед нами — испанская девочка с милыми чертами лица, но в образе Марии художник передал что-то отличающее ее от простого ребенка. Трогательная кротость, с которой она устремила глаза в небо, и лицо, озаренное сверху светом, говорят об ее избранности и покорности будущим испытаниям. Фигура Марии в ярком красном платье с зеленой накидкой выделяется на темном фоне, как будто луч божественного света указал на нее, выбрал среди других дев. Сюжет, известный так же как «Юность Марии», взят художником не из Евангелия, а заимствован из апокрифических сказаний о жизни Мадонны.

Антонио Переда (1608–1678) Натюрморт с поставцом. 1652 Холст, масло. 80x94

Антонио Переда — видный живописец мадридской школы, испытывавший влияние Веласкеса. Он писал картины на исторические и библейские сюжеты, но большую известность приобрел благодаря своим натюрмортам.

В представленной работе предметы расставлены так, чтобы зритель мог полюбоваться и как следует рассмотреть их формы и замысловатый декор. В произведении нет места случайности, почти обязательной во фламандском натюрморте, все разложено в определенном строгом порядке. Центральное место занимает большой ларец черного дерева, выложенный пластинками белой кости. Из открытого ящика ларца свешивается кусок пестрой ткани, затканной ярким народным орнаментом. Разнообразные керамические изделия расположены на ларце и вокруг него: красная ваза с лепным орнаментом, сосуд с орнаментальной росписью, в которой заметна крылатая женская фигура, и другие, менее парадные сосуды. Переда тщательно выписывал такие детали, как обломанный край у фаянсового кувшина или потертость поливы на расписном узоре, следы времени на ткани. Художник вводит в картину интересную деталь — пузатую стеклянную банку, наполненную прозрачной водой. Тут же лежат кусок сыра, бисквиты и пирожные, аккуратно разложенные на куске белой бумаги. Старательно передавая цвет каждого отдельного предмета, мастер не стремился прийти к одной общей гамме произведения в целом, однако это сделало натюрморт очень нарядным и привлекательным.

Франсиско де Гойя (1746–1828) Портрет актрисы Антонии Сарате. Около 1810–1811. Холст, масло. 71x58

Испанский живописец и гравер Франсиско де Гойя — один из первых и наиболее ярких мастеров искусства эпохи романтизма. Будучи придворным художником короля, он неоднократно писал портреты венценосной семьи и высшую аристократию. Единственная картина работы Гойи в России находится в коллекции Эрмитажа.

На погрудном портрете мастер изобразил актрису Антонию Сарате в белой чалме, украшенной луной, вероятно, она представлена в одной из ролей. Тревожный взгляд усталых темных глаз приковывает внимание зрителя. Холодный свет подчеркивает бледность прекрасного лица, обрамленного густыми кудрями. Он озаряет светло-серебристое платье и легкую косынку актрисы, играет бликами на наброшенной на плечи накидке с горностаевым мехом. Портрет был написан незадолго до кончины Антонии Сарате, умершей от туберкулеза.

Это произведение по настроению и характеру передачи внутреннего состояния человека является одним из лучших портретов эпохи романтизма.

 

Искусство России

Николай Семенович Самокиш Портрет великого князя Николая Николаевича (младшего) верхом. 1910-е

Неизвестный художник Святой Николай XIII–XIV века. Дерево, темпера. 107,7x79,5

Святой Николай Чудотворец (Николай Угодник) с древности был одним из самых почитаемых на Руси святых, покровительствующих путешественникам, мореплавателям и детям.

Неизвестный русский мастер написал святого Николая в епископском облачении, с белым омофором и черными крестами на нем. Насыщенный красный цвет фона указывает на то, что икона была создана в Новгородской, северной иконописной школе. Левой рукой святой поддерживает Священное Писание, правая рука застыла в благословляющем жесте. Лик святого — образец духовной силы и христианского целомудрия. Особое значение имеют широко раскрытые глаза, через них иконописец показывает святость изображенного, его светоносность. Подобный акцент на глазах создает эффект, будто не зритель смотрит на икону, а наоборот.

Неизвестный художник Пророки царь Соломон и Иезекииль Начало XVI века. Дерево, темпера, позолота. 61,5x98

Икона с изображениями ветхозаветных пророков Соломона и Иезекииля первоначально помещалась в иконостасе, который в русской православной церкви отделяет алтарь от основного помещения. В четвертом «пророческом» ряду, над «праздничным» рядом, находятся иконы ветхозаветных пророков со свитками в руках. Пророки — посредники между высшими силами и человечеством, они предсказывали появление Богородицы и рождение Иисуса Христа. В руках у Соломона и Иезекииля — свитки со священным текстом. Соломон изображен как царь, в нарядной одежде и с короной на голове. Золотофонная икона была написана московским мастером в начале XVI века. Трактовка лиц и фигур святых проповедников отличается мягкой линией, ей характерен особый лиризм, что является одной из особенностей иконописной школы того времени. Подобные изображения появились в русском искусстве в начале XV века и были во многом связаны с именем Андрея Рублева.

Алексей Федорович Зубов (1682 — после 1741/1750) Свадьба Петра I и Екатерины I 19 февраля 1712 года 1712. Бумага, офорт, гравюра резцом. 54x63,3

Выдающийся русский гравер Петровской эпохи Алексей Федорович Зубов учился и работал у Адриана Шхонебека в Оружейной палате в Москве.

Насыщенная деталями и персонажами гравюра со сценой свадьбы Петра I и Екатерины I представляет зрителю большой зал, стены и потолок которого украшены вытканными гобеленами, зеркалами и коврами. Многочисленные столы поставлены друг за другом в форме замкнутой буквы О. На первом плане между дамами в полуобороте сидит Екатерина I, на втором — Петр I и Александр Меншиков, бывший на свадьбе церемониймейстером. Все изображенные одеты по европейской моде, на западный манер. Дамы — в изящных платьях-робах с башнеобразными прическами, мужчины — в кафтанах и париках. Через открытые боковые двери видны другие столы, за которыми сидят остальные гости. Все представлено торжественно и парадно.

Гравюра не имела подписи, но была отпечатана в Петербургской типографии, где в это время работал единственный мастер — Алексей Зубов. Интересно, что в качестве образца он выбрал работу своего учителя «Свадьба Феофилакта Шанского во дворце Лефорта».

Иван Никитич Никитин (1680-е-1742) Портрет Елизаветы Петровны ребенком. Между 1712–1713. Холст, масло. 54x43

Ивана Никитича Никитина можно смело назвать основателем русской портретной школы XVIII века. Его ранние работы, к которым относится портрет дочери Петра I, Елизаветы, обнаруживают следы парсуны, бывшей единственным стилем портрета в России в XVII веке. Придворный художник Петра I одним из первых русских мастеров отошел от традиционного иконописного стиля русской живописи и начал писать картины с использованием перспективы.

В портрете будущей императрицы ощущается некоторая скованность в изображении фигуры, ярко выступающей на черном фоне — наследие парсунного портрета, плоскостность в передаче костюма. Однако образ трехлетней девочки полон обаяния. Ясно чувствуется стремление художника показать не только внешнее сходство, но и настроение, раскрыть внутренний мир модели. Пышный парадный костюм ребенка — тяжелое платье с декольте, горностаевая мантия на плечах и высокая прическа взрослой дамы — дань требованиям времени, которым при дворе должны были следовать даже малые дети.

Портреты Никитина представляют целую галерею людей и типов бурной Петровской эпохи.

Федор Степанович Рокотов (1735–1808) Портрет Екатерины II 1780-е. Холст, масло. 160x121

Федор Степанович Рокотов — один из величайших русских художников-портретистов второй половины XVIII века. Парадный портрет императрицы Екатерины Алексеевны был написан им на основе портрета шведского художника Александра Рослина. По оригиналу Рокотов воссоздал образ императрицы в молодом возрасте: гладкое белое лицо, отсутствие морщин, глубокое декольте, прикрываемое в зрелом возрасте. У Рокотова Екатерина II — владычица империи и женщина в расцвете лет. Властно сжимая в руке скипетр, она повелительным жестом указывает в сторону императорских регалий и бюста Петра I с начертанным над ним девизом «Начатое совершает». Работа исполнена в серебристой гамме, градации цвета подчеркивают белизну и свежесть лица, выделяющегося на темном фоне. Портьеры торжественно-красного цвета указывают на особый статус модели.

До 1918 портрет находился в Романовской галерее Малого Эрмитажа.

Степан Семенович Щукин (1758–1828) Портрет Павла I Начало XIX века. Холст, масло. 154x116

Степан Семенович Щукин — один из крупнейших портретистов России конца XVIII — начала XIX века.

Портрет Павла I примечателен тем, что никто ранее не изображал так императорскую особу. В центре полотна на гладком пустом серо-зеленом фоне изображен царь в мундире Преображенского полка с голубой Андреевской лентой, на голове — большая черная треуголка. Отказавшись от театральной постановки с многочисленными аллегориями и атрибутами, Щукин выбрал единственно верный путь передачи внутреннего одиночества императора, скрытого под маской «сурового вестника власти». Сдержанный по исполнению портрет императора был написан в период траура по случаю кончины Екатерины II.

Правление Павла I было недолгим и завершилось 12 марта 1801, когда он был убит в Михайловском замке.

Павел Алексеевич Иванов (1776–1813) Портрет графа М. М. Сперанского 1806. Кость, акварель, гуашь. 7,5x6,3

Искусство портретной миниатюры на кости достигло своего расцвета в XVIII — первой половине XIX века. Маленькие изображения — прообразы современной фотографии — были настолько популярны, что в Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге даже существовал отдельный класс, где обучали этому трудоемкому ремеслу. Павел Алексеевич Иванов сначала сам учился в Академии, а после почти десять лет возглавлял упомянутый класс.

На портрете изображен Михаил Михайлович Сперанский — юрист, государственный деятель времен Александра I, автор «Плана государственного образования». Он показан в трехчетвертном повороте на нейтральном голубоватом фоне одетым в черный сюртук. На ленте висит орден Владимира 3-й степени, в руках Сперанский держит книгу и всем своим немного надменным видом показывает, что оторвался от увлекательного чтения только ради этой работы художника.

При кажущейся простоте искусство портретной миниатюры требовало большой аккуратности и терпеливости, ведь изображение формировалось из сотен тонких, не видимых с расстояния мазочков кисти. Произведения, написанные на пластинке слоновой кости, чрезвычайно хрупки. Возможно, поэтому работ Иванова сохранилось немного.

Василий Семенович Садовников (1800–1879) Арка Главного штаба. Санкт-Петербург 1830. Бумага, акварель. 24x38

Русский акварелист и литограф Василий Семенович Садовников в своих многочисленных работах изображал виды Санкт-Петербурга. Крепостной княгини Н. П. Голицыной, Садовников в числе домашней челяди жил в ее петербургском доме и наблюдал с детства жизнь столичного города.

Акварель «Арка Главного штаба» восхищает точностью, с которой художник запечатлел один из красивейших уголков Петербурга. Он выбрал интересный ракурс, показывающий вид с Большой Морской улицы через арки на Дворцовую площадь с колонной Михаила Архангела. В этой работе проявились главные особенности творчества мастера: точность и документальность в изображении городского пейзажа, не лишенного, однако, поэтического настроения. Но Садовников интересуется не только архитектурой, в его акварелях Петербург — живой город: прогуливаются нарядно одетые дамы, мчатся запряженные сани, точно переданы люди разных сословий. Творчество художника — прекрасный исторический документ, он живо и легко показал городскую жизнь эпохи правления Николая I.

Эдуард Гау (1814–1891) Виды залов Зимнего дворца. Кабинет императрицы Александры Федоровны 1858. Бумага, акварель. 27x31,6

Эдуард Гау — русский художник середины XIX века, уроженец Ревеля, прославившийся прекрасными акварельными портретами современников середины XIX века. Кисти Гау принадлежат и многочисленные акварельные изображения интерьеров Эрмитажа и Зимнего дворца, представляющие большую ценность для истории русской культуры. Работа «Виды залов Зимнего дворца. Кабинет императрицы Александры Федоровны» поражает легкостью и четкостью передачи всех деталей насыщенного интерьера. С фотографической точностью изображены росписи голубого потолка с женскими фигурами, обтянутые красным шелком стены с висящими на них копиями картин Рафаэля, замысловатый узор цветастого ковра и обивки мебели. «Кабинет императрицы» — пример частного жилого интерьера середины XIX века, полностью отображающий вкус венценосной хозяйки и модные веяния того времени. Работа художника служит наглядным пособием по оформлению пространства в стиле «бидермайер».

Широко распространившаяся во второй половине XIX века фотография постепенно вытеснила подобные акварельные произведения.

Иван Константинович Айвазовский (1817–1900) Корабль среди бурного моря 1887. Холст, масло. 97x62,5

Прославленный художник-маринист и баталист Иван Константинович Айвазовский, армянин по происхождению (Айвазян), большую часть жизни работал в России. Его творческое наследие огромно, а популярность произведений лишь растет. В своих морских пейзажах живописцу удавалось воссоздать величественные картины борьбы кораблей со стихиями, грозные баталии, прелесть штиля и поэтичные ночные морские виды.

В картине «Корабль среди бурного моря» ясно читается романтический характер работы. Прошедшая буря нанесла непоправимый ущерб кораблю, его канаты перепутались и безвольно повисли среди мачт. Судно скрипит и стонет, еще держится на плаву, но жестокие волны постепенно сломят сопротивление и увлекут его ко дну. Осиротевший корабль в спешке покидают сидящие в шлюпке люди, отчаянно гребущие к берегу. Грозовое небо не до конца распогодилось, чуть проблескивают лучи солнца, озаряя холодную и пенящуюся поверхность морской глади. Зритель видит сквозь безбрежные просторы голубых волн обломки погибших кораблей. С каждым мазком мастера полотно становится все более драматичным.

Айвазовский — подлинный художник, влюбленный в природу и бескрайнее море.

Иван Николаевич Крамской (1837–1887) Портрет императрицы Марии Федоровны в жемчужном уборе 1880-е. Холст, масло. 55x47

Русский живописец и рисовальщик Иван Николаевич Крамской был разносторонне одарен. Он работал как мастер жанровой, исторической и портретной живописи, являлся видным художественным критиком. Обучаясь в Императорской Академии художеств, Крамской возглавил «Бунт четырнадцати» художников, отказавшихся писать выпускную работу на тему скандинавской мифологии и просивших выбрать тему самостоятельно. Позже он стал одним из основателей и идеологов Товарищества передвижных художественных выставок (Товарищества передвижников). Талант Крамского-портретиста высоко ценили и монаршие особы. В 1880-е ему был заказан портрет императрицы Марии Федоровны, супруги Александра III.

Великолепный парадный портрет показывает еще достаточно молодую, хрупкую императрицу в жемчужном уборе. Восхитительные драгоценности не затмевают тонко прописанное волевое лицо правительницы, на долю которой выпали и годы семейного счастья, и страшные потрясения, связанные с гибелью детей и внуков в революционное время.

Константин Егорович Маковский (1839–1815) Портрет великой княжны Марии Николаевны 1905. Холст, масло. 133x84

Константин Егорович Маковский начинал свою художественную карьеру как участник Товарищества передвижников, выставляясь с картинами на тему повседневной жизни народа. Однако со временем его интересы поменялись, и с 1880-х он стал успешным салонным портретистом.

Образы детей, трогательные и нежные, — одна из наиболее сильных сторон творчества живописца. Мария Николаевна являлась третьей дочерью императора Николая II и императрицы Александры Федоровны. Четыре сестры были дружны между собой, но всеобщей любимицей считалась именно Мария. Глядя на картину Маковского, кажется, что девочка в легком белом платье, прижимающая к себе куклу, лишь на минуту присела попозировать художнику. Еще мгновение — и она соскользнет с большого кресла и помчится играть к своим сестрам. Воспитатель царских детей писал, что Мария отличалась крепким здоровьем и добросердечием, была красавицей, хотя немного крупной для своих лет, за что родственники в шутку называли ее «доброй толстой Туту». Однако княжна на них нисколько не обижалась.

Судьба юной девушки была трагична. В июле 1918 Мария вместе со всей императорской семьей была расстреляна большевиками в Екатеринбурге.

Андрей Андреевич Карелин (1866–1928) Портрет митрополита Антония 1911. Холст, масло. 140x108,5

Первые навыки рисунка, основы живописи и фотографии Андрей Андреевич Карелин получил у отца, всемирно известного фотографа, мастера светописи Андрея Осиповича Карелина. Творческое наследие художника составляют преимущественно исторические полотна и портреты.

Митрополит Санкт-Петербургский и Ладожский, Антоний (в миру Александр Васильевич Вадковский) запечатлен художником в камерной, домашней обстановке, на религиозный статус модели намекает лишь мраморная голова Спасителя в терновом венце, стоящая в углу на колонне. С фотографической точностью Карелин выписывает лицо и задумчивые глаза митрополита, тщательно прорисовывает каждый волосок седой бороды. Светские и церковные награды — панагия, наперстный крест духовного лидера — свидетельствуют о признании и уважении его дел государством и церковью. Владыка отличался скромностью и трудолюбием, он был терпеливым и незлопамятным человеком, расположенным ко всем страждущим. Известны его многочисленные духовные книги. Митрополит также занимался описанием рукописей и старопечатных книг Соловецкого монастыря.

Василий Васильевич Кандинский (1866–1944) Композиция VI 1913. Холст, масло. 195x300

Чрезвычайно разнообразно творческое наследие Василия Васильевича Кандинского, основоположника абстракционизма, одного из создателей группы «Синий всадник». Он работал как живописец, график, оставил теоретические работы об изобразительном искусстве.

Композиция VI создана художником во время пребывания в Мюнхене, где он вместе с немецким живописцем Францем Марком основал упомянутое объединение. Кандинский хотел назвать картину «Потоп». Беспредметная живопись в этой работе раскрывается через драматическое воздействие линий и смягчается розовыми пятнами различных оттенков. Им противостоят глубокие коричневые формы (слева вверху), напоминая о безнадежности и бренности всего земного. Клубящиеся массы материи бурлят, словно волны штормового моря. Зеленые и желтые цвета освещают полотно, как зарницы, создавая впечатление грандиозной катастрофы вселенского масштаба. В полотне чередуются сочетания гладких и шероховатых участков.

Елена Никандровна Клокачева (1871 — после 1915) Портрет Г. Е. Распутина 1914. Картон серый, цветной карандаш, пастель. 81,5x56

Об авторе произведения — Елене Никандровне Клокачевой — известно немного: обучалась в Императорской Академии художеств, по окончании которой получила звание художника. Ее наследие известно в основном благодаря портрету «старца», Григория Ефимовича Распутина.

Распутин, происходивший из крестьян Тобольской губернии, имел неограниченное влияние на императрицу Александру Федоровну и Николая II, так как он, обладая силой внушения, единственный мог облегчить страдания наследника — цесаревича Алексея. Разгульный образ жизни Распутина дискредитировал императорскую семью, способствовал снижению ее популярности среди подданных, а вмешательство Распутина в государственные дела привело к сговору против него. Старец был убит в ночь на 18 декабря 1916 во дворце Юсуповых в Петербурге заговорщиками, среди которых были князь Феликс Юсупов и член императорской фамилии, великий князь Дмитрий Павлович.

Графический портрет работы Клокачевой помимо художественной ценности является редким документальным свидетельством эпохи, ведь облик Распутина известен в основном по фотографиям.

 

Искусство Дании

Карл Петер Леман. Скалы и водопад в Норвегии. Середина XIX века

Виргилиус Эриксен (1722–1782) Портрет Екатерины II перед зеркалом. Между 1762–1764. Холст, масло. 262,5x201,5

Датский художник Виргилиус Эриксен долго и плодотворно работал в России при дворе Екатерины II, создавая не только живописные и миниатюрные портреты, но и произведения в технике пастели.

Портрет Екатерины II необычен по своей композиции. Благодаря зеркалу императрица показана дважды: в трехчетвертном повороте и в профиль. Эриксен прекрасно обыграл натуру модели. С одной стороны она показана как императрица, чей гордый профиль отражается в зеркале, с другой — она предстает красивой молодой женщиной в изысканном платье со знаками ордена Святого Андрея Первозванного. В руке Екатерины — веер, а не скипетр, хотя им она указывает на царские регалии. Императрица как бы намекает, что нельзя быть правительницей и забыть при этом о своем женском начале.

Портрет был весьма благосклонно принят заказчицей. Об этом свидетельствуют его многочисленные повторения. Екатерина II даже приказала приобрести все ее портреты работы Эриксена, но полотна художника раскупались так быстро, что некоторая их часть все-таки осталась в частных собраниях.

Бертель (Альберт) Торвальдсен (1770–1844) Ганимед. После 1816. Мрамор. Высота 136

Крупнейший представитель классицизма в скульптуре, один из лучших скульпторов в мире, Бертель Торвальдсен старался воссоздать классическое искусство Греции и Рима. Он черпал свое вдохновение в Италии, поэтому большую часть жизни провел в Риме, где возглавлял Академию святого Луки. Современники считали его наследником Кановы, называли «Датским Фидием». Торвальдсен входит в считаное число мастеров, получивших в распоряжение собственный музей еще при жизни.

Скульптор много раз обращался к образу прекрасного Ганимеда, заимствованному из древнегреческого мифа. Верховный бог Зевс был так пленен красотой юноши, что повелел своему орлу похитить его и принести на Олимп, где тот вскоре стал любимцем богов и их виночерпием на пирах.

Представленная статуя как раз изображает момент, когда Ганимед из амфоры наполняет сосуд для кого-то из сонма богов. Его фигура отличается классической завершенностью и грациозностью, которые ей придают несколько вытянутые пропорции юношеского тела. Статуя выделяется холодной отвлеченностью и бесстрастной идеализацией образа, подчеркнутой виртуозной обработкой мрамора.

Произведения Торвальдсена были хорошо известны в России, для многих русских аристократических семей он создавал скульптуры или запечатлевал их в мраморе.

Лауритс Регнер Туксен (1853–1927) Коронация Николая II и Александры Федоровны 1898. Холст, масло. 66x87,5

Лауритс Регнер Туксен — датский портретист и исторический живописец. Художник неоднократно бывал в России, где создал портреты императора Александра III, императрицы Марии Федоровны, Николая II и других представителей царской фамилии.

Для создания полотна Туксен был специально приглашен Марией Федоровной, чтобы запечатлеть свадьбу и коронацию ее сына Николая II.

Коронация императора состоялась 14 (26) мая 1896 в Успенском соборе Московского Кремля. Перед тем как приступить к созданию произведения, Туксен написал ряд этюдов, что позволило наиболее реалистически передать атмосферу, царящую в древнем храме во время свершения обряда. Картина получилась торжественной и праздничной.

Кристиан Альбрехт Иенсен 1792–1870 Портрет неизвестной дамы 1824. Холст, масло. 64x52

Ведущий датский портретист, выпускник Академии художеств в Копенгагене, Кристиан Иенсен много времени провел в Италии, где оттачивал собственный стиль, делая зарисовки и портреты своих друзей. Во время экономической депрессии 1820-х небольшие скромные картины Йенсена пользовались спросом, ведь они соответствовали запросам датчан.

Камерный «Портрет неизвестной дамы» привлекает внимание светлым, приятным глазу колоритом. Героиня одета в голубое платье с белыми кружевами, чепец с оборками и лентами по последней моде обрамляет ее мягкое миловидное лицо. Легкий мазок кисти художника подчеркивает все переливы и складки замысловатого наряда, передавая игру светотени на ткани.

Вероятно, на портрете изображена женщина из датского буржуазного класса. Подобные полотна часто заказывались как парные портреты супругов и размещались в гостиных или спальных комнатах.

 

Искусство Востока и Азии

Бахрам. Портрет Надир-Шаха. Между 1743–1744

Манохар Портрет Акбара Великого. Конец XVI века. Бумага, акварель, гуашь. 29,2x14,5

В эпоху правления династии великих Моголов в Индии расцвела школа книжной миниатюры. Индийский мастер конца XVI века Манохар иллюстрировал книги, изображал сцены придворной жизни, даже копировал образцы европейской живописи, но особых успехов он достиг в искусстве портрета.

Эрмитажный портрет представляет падишаха Акбара Великого, правившего с 1556 по 1605. Изображение отличается тонким контурным рисунком, который выделяет фигуру на традиционном для могольской живописи зеленоватом фоне. При всей плоскостности рисунка мастер тщательно проработал лицо правителя, внимательно передал детали его костюма. Миниатюра отличается деликатным сочетанием теплых тонов.

Неизвестный автор Третий далай-лама Соднам Джамцо XVII век. Бронза, позолота, литье. Высота 10,5

Небольшая скульптура третьего далай-ламы — исключительный пример реалистического портрета в тибетском искусстве. Соднам Джамцо — один из крупнейших исторических деятелей средневекового Тибета — почти сразу после рождения был объявлен воплощением умершего настоятеля крупного монастыря Брайбун. Войдя в зрелый возраст, он стал значимым религиозным деятелем Тибета, способствовал распространению буддизма. Позднее далай-ламами стали называть все последующие воплощения. Учитывая два предыдущих перерождения, Соднам Джамцо стал считаться третьим далай-ламой.

Скульптор запечатлел плотную фигуру Джамцо, который сидит в позе лотоса на троне, его пьедестал обрамлен лепестками одноименного цветка. Руки ламы сложены в жест созерцания — одна лежит на другой, ладони обращены вверх. Одежда духовного лидера богато украшена тонким растительным орнаментом, ее пышные складки изящно спадают на трон, создавая дополнительный декоративный эффект.

Кацусика Хокусай (1760–1849) Победный ветер, ясный день (Красная Фудзи). Середина 1820-х-начало 1830-х. Бумага, ксилография. 25,4x37,2

Знаменитый японский художник XIX века Кацусика Хокусай написал десятки картин с видами горы Фудзиямы. Задуманная художником серия «Тридцать шесть видов Фудзи» включает одни из самых главных его произведений. Цветные гравюры разнообразны по стилю и содержанию: часть из них посвящена жанровым сценам из жизни простых ремесленников, и только на одном листе — «Красная Фудзи» — людей нет, а священная гора занимает всю его поверхность, являясь главным героем.

Для японцев Фудзияма — одновременно гора, божество и обитель богов. Ее чистый и ясный силуэт залит багряным закатным солнцем, легкие перистые облака плывут по голубому небу. В отличие от средневековых японских художников Хокусай показал Фудзи не с высокой, а с низкой точки зрения, с позиции идущего к ней путника, как бы преодолевающего взглядом ее высоту. Эта точка помогла живописцу показать масштабность горы, передать ее могущество и гармонию с природой. Образ Фудзи, повсюду сопровождавший мастера, вошел в его сознание как символ страны и красоты мироздания.

Андо Хиросигэ (1797–1858) Красный морской лещ. Серия «Большие рыбы». Между 1832–1834. Бумага, ксилография. 25x35

Андо Хиросигэ — один из крупнейших японских графиков XIX века. Раннее обучение иероглифической письменности способствовало его прекрасным познаниям о свойствах бумаги, кисти и туши — основных материалов восточной живописи.

Образы рыб и морских обитателей наряду с птицами и цветами в восточном искусстве имеют особое значение. Морской лещ высоко ценится в Японии как символ процветания, богатства и удачи. Эту рыбу всегда подают на свадьбах, празднованиях Дня рождения и Нового года. Считается, что она отгоняет злых духов.

На цветной ксилографии Хиросигэ красный морской лещ написан натуралистично и линеарно одновременно. На теле рыбы тщательно проработаны все чешуйки, анатомически верно показаны плавники и голова. Красный лещ запечатлен не плывущим в морских водах, он помещен над условной водяной гладью, находится в неком ирреальном пространстве. Иероглифические надписи вокруг содержат пожелания удачи и счастья. Изображение связано с ритмом и каллиграфическим стилем текста, который нередко вводился прямо в произведение, являясь его составной частью.

Андо Хиросигэ (1797–1858) Вид издали на гору Акиба-сан в Кагэгава. Серия «Сто знаменитых видов Эдо». Между 1857 и 1858. Бумага, ксилография. 23,5x36

Это поздняя работа японского мастера Андо Хиросигэ. Город Эдо — старинное название современного Токио, в котором родился художник.

В ксилографии на первый план выдвигается мост с идущими по нему людьми, пейзаж с горой отодвинут вправо, кажется, что он мало занимает художника. Композиция построена так, что создается эффект присутствия: зритель словно входит в пейзаж, нижняя кромка листа становится точкой, с которой он рассматривает происходящее. С помощью противопоставления планов передается и глубина пространства. В основе работы лежит актуальная для японского искусства идея пути и перемещения в пространстве. В картушах начертаны название серии, краткое описание и подпись Хиросигэ.

Следующий том

Дрезденская картинная галерея — всемирно известное собрание европейской живописи XIV–XVIII веков. Сохранившиеся после англо-американских бомбардировок и находившиеся в плачевном состоянии картины были спасены советскими реставраторами и возвращены в Дрезден после их демонстрации в московском Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Сегодня Дрезденская картинная галерея — художественный музей, располагающий уникальными произведениями художников Италии и Нидерландов.