Абрахам Янсенс. Инконстанта. Аллегория нестабильности. 1617
Хендрик Тербрюгген (1588–1629) Коронование Христа терновым венцом 1620. Холст, масло. 207x240
Нидерландский живописец Хендрик Тербрюгген совершенствовал свое мастерство в Риме. Историки искусства склоняются к версии, что там он познакомился с Питером Паулем Рубенсом, Аннибале Карраччи и Караваджо. Художник был впечатлен особой реалистичной манерой, новаторским подходом, усиливающим драматические ноты, резким противопоставлением света и тени последнего.
Одним из примеров переосмысления живописцем новаторских достижений итальянского барокко является данный холст. При взгляде на него становится ясно, что художник видел картину Караваджо «Увенчание Христа терновым венком» (1602/1604. Музей истории искусств, Вена). Он заимствовал трактовку фигуры Иисуса — Спаситель представлен сидящим с наклоненным вперед корпусом. Его руки, поддерживающие торс, связанные накрест кожаными ремнями, покоятся на коленях. Как и Караваджо, Тербрюгген драпирует Христа в яркую багряницу. На Его лице написаны и полная отрешенность, и смирение. Комбинация этих чувств проигрывает караваджиевской интерпретации, в которой безграничное человеколюбие выражено тем, что Иисус наклоняет голову для облегчения работы палачей — даже испытывая муки, Он не перестает думать о людях.
В данном произведении живописец решает развить композицию Караваджо. Если у того Христос и Его палачи даны крупным планом так, что их тела обрезаны границами холста, то у Тербрюггена пространства больше. Помимо римских солдат, мучающих Иисуса, мастер изображает прямо напротив Него нищего больного старика, опустившегося на колени вместе со стражником, которого привели, чтобы осмеянный Спаситель, одетый в царскую багряницу и венец, оказал ему милость. Не менее уродливое существо написано между фигурами Христа и старика — его лицо замерло в гримасе. На заднем плане представлены первосвященники.
Что касается убранства зала, где происходит осмеяние Иисуса, то и здесь художник сделал заимствование у итальянских коллег. Так, рельеф с античными мотивами, размещенный на дальнем плане, идентичен гравюре Джулио Бонансоне (около 1498 — после 1574).
Питер Пауль Рубенс (1577–1640) Портрет аббата Маттеуса Урсселиуса. Около 1624. Холст, масло. 120x102,5
На данном холсте Питера Пауля Рубенса изображен настоятель аббатства Сен-Мишель в Антверпене Маттеус Урсселиус (1541–1629). На этот прижизненный парадный портрет священнослужителя позднее нанесли эпитафию, не сохранившуюся до наших дней. Одно время картина помещалась над гробницей Урсселиуса, находящейся в церкви аббатства, создавая эффект присутствия настоятеля в храме — будучи показанным в трехчетвертном развороте, священнослужитель обращался в молельном жесте к алтарю, украшенному рубенсовским «Поклонением волхвов» и таким образом также становился участником поклонения Младенцу Христу. Подобного рода способы декорирования пространства, когда произведения как-то связаны между собой и воплощают общую идею, являются одной из особенностей барочного искусства.
На портрете Урсселиус изображен в традиционном белом облачении предстоятеля, слева от него — митра и епископский посох. Фон портрета нейтральный красный. Пространство за спиной аббата не имеет глубины — об этом свидетельствуют крупные тени, отбрасываемые его фигурой и посохом.
Говоря о колористическом решении работы, нужно отметить, что Рубенс прибегает к своему излюбленному приему: белый превращен в перламутр. Сочетаясь с цветом фона, он придает портрету особое торжественное звучание.
Питер Пауль Рубенс (1577–1640) Суд Соломона. Около 1617. Холст, масло. 234x303
В данной картине Рубенс трактует библейский сюжет, по которому царь Соломон являет свою мудрость в решении судьбы младенца, на которого претендуют сразу две матери. Предыстория сцены такова: женщины, жившие под одной крышей, одновременно родили детей. В скором времени чей-то младенец умер, тогда обе заявили свои права на оставшегося в живых. Ища способ разрешить вспыхнувший спор, матери обратились к царю. Он приказал разрубить младенца на две половины и разделить их между сторонами. Тогда одна из женщин предпочла лишиться ребенка, тем самым сохранив ему жизнь. Так, стало ясно, кто малышу настоящая мать.
Строение картины имеет в своей основе треугольник, вершинами которого являются головы главных действующих лиц, а сторонами — их руки. Кроме жестов, четкую геометрическую структуру композиции поддерживает направление взглядов персонажей.
В отношении цвета работа поделена на теплую и холодную половины, что имеет смысловое значение: теплыми тонами окрашены платье настоящей матери ребенка (желтый), одеяние и трон Соломона (красный и золотой). Им противопоставлены тона наряда второй женщины, драпировок палача, занесшего над младенцем меч, архитектурных элементов на заднем плане.
Существует предположение, что это полотно было выполнено не самим Рубенсом, а художниками его мастерской, перенесшими подготовительные наброски учителя на большой холст.
Теодор Ромбаутс (1597–1637) Игроки в карты и нарды. Драка за игрой в карты 1620–1629. Холст, масло. 150x241
Теодор Ромбаутс — фламандский художник, уроженец Антверпена, не избежавший влияния караваджизма, захватившего умы творцов Северной Европы еще в самом начале XVII века. Его, как и многих, прельстили реализм, демократичность живописи, жанровость трактовки тем, простонародность типажей, присущие данному направлению. Проблемы, решаемые великим мастером в своих произведениях, были созвучны вопросам, которые ставили перед собой североевропейские авторы, а его художественный язык с большой ролью, отведенной светотени, увеличивающей драматическую выразительность действия, оказался им исключительно близок.
На полотне Ромбаутса можно видеть типичное для Караваджо сложное композиционное и колористическое решение сюжета. За столом в таверне собрались любители азартных игр. Они поделены на две группы. В левой части работы трое играют в карты, один персонаж наблюдает за ними. Главное действие происходит в центре композиции. Герой схватил за волосы обидчика, уличенного в обмане, и занес над ним оружие. Шулер пытается защититься, выпрастывав правую руку вперед. В левой, согнутой в локте, он держит карты. В правой части картины — игроки в нарды и прислужница, присевшая на колени к одному из них, они пассивно, но с напряжением наблюдают за развитием событий. Положение рук действующих лиц драмы отделяет игроков в карты от персонажей, занятых нардами. Тем не менее в одно целое две группы объединяют общий стол и позы персонажей, повернутых к центру картины.
В цветовом решении картины Ромбаутс также следует принципам великого итальянца: доминирующий тон — темно-коричневый. Накал страстей подчеркнут распределением света. В полумраке имеется один источник освещения (слева вверху). Он озаряет шулера, но не так силен, чтобы охватить целиком сцену и всех участников события. Таким образом, появляются резкие границы между светом и тенью. Фон, как и у Караваджо, нейтрально-темный, не дающий пространству развиваться вглубь.
Возможно, фламандский художник в этом произведении делает отсылку к истории жизни Караваджо, который роковым для себя образом участвовал в подобном конфликте, будучи на месте атакующего. Это стоило мастеру свободы и обрекло на скитания, в которых он умер.
Абрахам Блумарт (1566–1651) Венера и Адонис 1632. Холст, масло.134x191
Данный холст демонстрирует особенности творчества Абрахама Блумарта, относящиеся ко второму периоду его карьеры, когда мастер, отказавшись от патетичных приемов маньеризма, последовал за новым направлением в искусстве — барокко.
Сюжет, к которому обратился художник, восходит к «Метаморфозам» Овидия. Он повествует о страсти, вспыхнувшей между Венерой и ее первым любовником среди смертных Адонисом. Несмотря на сильное чувство и предупреждения богини, герой предпочел любовным утехам охоту, на которой погиб, будучи растерзанным диким вепрем. Сцену его смерти можно наблюдать на заднем плане произведения.
Композиция полотна симметрична. В ее центре находится фигура Адониса, она размещена вдоль вертикальной оси картины. Герой пытается оставить льнущую к нему Венеру, она изображена полулежащей на камне в левой части произведения. Решившегося на расставание Адониса старается удержать и вечный спутник богини, купидон. Вдвоем они почти висят на мужчине, который порывается освободиться от их объятий, тянут его так сильно, что тот вынужден в качестве упора выставить копье. Композицию уравновешивает изображение охотничьих собак. Таким образом Блумарт выстраивает треугольник с вершинами в виде головы Адониса вверху, лап собаки справа и ног Венеры слева.
Драматичность происходящего на переднем плане усиливается состоянием природы, запечатленной в последние минуты перед жестокой бурей. Небо затягивают грозные серые тучи. Тем ярче выглядят цвета драпировок, в которые облачены богиня (голубой) и ее возлюбленный (красный).
Возможно, на собственную трактовку сюжета Блумарт был вдохновлен произведениями Тициана и Рубенса на эту тему.
Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) Этюд профиля старика. Около 1630. Дерево, масло. 19,5x16
Рембрандт Харменс ван Рейн оказал самое значительное влияние на изобразительное искусство Голландии, вдохнув в него новое содержание и расширив его технический арсенал свежими живописными приемами.
Небольшой этюд с профилем старика был обнаружен в 1899 директором Государственного музея искусств Карлом Мадсеном на чердаке замка Фреденсборг. Некоторое время исследователи не могли прийти к единому знаменателю в вопросе атрибуции произведения: многие искусствоведы подвергали сомнению принадлежность эскиза кисти Рембрандта, находя манеру его исполнения слишком грубой для мастера. Тем не менее современные методы проведения экспертизы показали, что художник экспериментировал с техникой живописи, пробуя широкую кисть. Особенно часто подобные опыты он проводил в ранний период творчества. Изучение работ в рентгеновских лучах подтвердило эти предположения. В случае с данным эскизом выяснилось, что под верхним слоем краски находится изображение еще одной головы, встречающееся в нескольких полотнах того же периода. Анализ основы, на которой написаны эти головы, косвенным образом подтверждает догадки об авторстве на основе установленного возраста древесины и ее географического распространения.
Якоб Йорданс (1593–1678) Пожертвование. Петр, находящий серебряную монету в пасти рыбы (Переправа до Антверпена) 1616–1634. Холст, масло. 279,5x467
Холст Якоба Йорданса восходит к Евангелию от Матфея, описывающему историю о том, как Христос послал апостола Петра на озеро в Капернаум, где тот чудесным образом обнаружил в рыбьей пасти монету. Она была внесена Спасителем и его учениками в качестве обязательного пожертвования в Иерусалимский храм. К этому мотиву отсылает фигура, изображенная художником справа на причале. Над ней склонились персонажи, с большим удивлением наблюдающие за происходящим. Тем не менее большая часть картины отдана сцене, имеющей гораздо большее отношение к повседневным реалиям Фламандии XVII века, а не к евангельским сюжетам. Мастер написал только что подошедшее к пристани судно, переполненное домашними животными и людьми разных возрастов и национальностей. Борта парусника трактованы почти вровень с водой, которая даже заливается внутрь. На лицах всех пассажиров написано крайнее беспокойство.
Две сцены, помещенные на одном полотне, никак не связаны между собой. Группа персонажей, занятая вылавливанием чудесной рыбы, полностью поглощена процессом. Никто не обращает внимания на судно. В то же время ни один из пассажиров, утомленных тяготами водного путешествия в тесноте по неспокойному озеру, не замечает процесс извлечения серебряной монеты из рыбьего рта. Таким образом появляется впечатление суетливой будничности, в которой чудеса происходят между делом.
Картина написана в лучших традициях барокко: Йордане передает аффектацию обитателей судна и героев, занятых рыбой. В обоих сюжетах в значительной мере присутствует напряженность, усугубляемая неспокойными водами и тучами, несущимися по небу. Последние помогают усилить впечатление динамики. Меж ними проглядывает солнце, выхватывающее своими яркими лучами лишь нескольких действующих лиц. Чередование светлых и затененных участков, заимствованное у Караваджо, также создает ощущение движения. Герои, осуществляющие переправу, трактованы на переднем плане работы в сложных позах с той же целью. Их мощные рельефные тела прикрыты лишь набедренными повязками. Некоторые пассажиры придерживают шляпы, чтобы те не были унесены ветром, колышущим убираемый парус.
Ян ван Гойен (1596–1656) Вид на Арнем 1646. Дерево, масло. 59x96
Ван Гойен — автор серии панорам Арнема. Около 1630 совместно с некоторыми другими нидерландскими художниками он основывал течение в пейзажной живописи, основанное на монохромной трактовке видов, исполненных спокойствия и простоты.
Представленный пейзаж имеет прямоугольный формат, вытянутый по горизонтали. Три четверти произведения занимает изображение неба, окрашенного последними лучами солнца. Река написана по диагонали, через нее переправляются лодки, заполненные людьми и животными. По центру линии горизонта — колокольня Гроте Керк. Вдали виднеются башни церкви святой Вальбурги, являющиеся важными узнаваемыми архитектурными доминантами города. Солнце уже село за горизонт, поэтому все элементы трактованы в виде силуэтов. Данные приемы характерны для пейзажной живописи 1640-х.
Якоб Исаак ван Рейсдал (около 1629–1682) Дорога через дубовый лес 1646–1647. Холст, масло. 65x85
Якоб Исаак ван Рейсдал относится к числу ведущих голландских пейзажистов второй половины XVII столетия. Полотно «Дорога через дубовый лес» считается одним из ранних произведений мастера. Большой формат работы и развитая цветовая палитра выделяют художника среди современников, придерживавшихся течения, которое возглавлял Ян ван Гойен.
Вид со старой дубовой рощей являет собой зачаток направления дальнейшего развития творчества живописца — впоследствии он будет создавать идеализированные пейзажи. Сухие ветви в кронах старых мощных деревьев и поваленный ствол справа у дороги могут быть трактованы как аллюзия кратковременности земного бытия. Кроме того, на заднем плане Рейсдал почти незаметно изобразил романтичную пару, прогуливающуюся по лесу.
Сальватор Роза (1615–1673) Демокрит, погруженный в раздумья 1650–1651. Холст, масло. 344x214
Сальватор Роза был поэтом, художником и музыкантом с очень философичным взглядом на жизнь. Именно поэтому его образы мыслителей наделены особой поэтической одухотворенностью.
Данная картина написана в пару к другой работе — «Диоген выбрасывает свою миску», которая тоже хранится в музее. Мастер изображает человека, погруженного в раздумья, отгородившегося от окружающей жизни и слившегося с миром культуры. Только великий мудрец может понять трагичность вселенной. Работа принадлежит к жанру «vanitas», что означает бренность всего живого. Вокруг фигуры — большое количество значимых образов, аллегорий: скелеты, античная ваза, обелиск, обезьяна как знак язычника. Разбросанные на земле пожелтевшие бумаги смешиваются с листвой, это знаменует тщетность отвлеченной учености. Множество предметов также символизирует разносторонние интересы Демокрита: астрономию, физику, математику, литературу и музыку.
Мастерская Рембрандта Молодая женщина с гвоздикой 1656. Холст, масло. 78,6x67,8
Долгое время этот портрет считался одним из лучших произведений Рембрандта в коллекции музея. Однако совсем недавно специалисты пришли к мнению, что он является работой одного из учеников великого мастера.
В образе неизвестной женщины, ее спокойном взгляде, общей душевности и типаже отчетливо видны влияние Рембрандта, присущие ему приемы психологической характеристики модели. Она одета в традиционный голландский наряд XVII века. Мягкость взгляда молодой героини гармонирует с очень нежной кожей и освещением лица. В руках она держит гвоздику, еще с XVI века устойчивый символ помолвки и брака. Историки искусства знают несколько женских портретов с этой матримониальной эмблемой.
Корнелиус Норбертус Гийсбрехтс (около 1630-около 1683) Тромплей. Перегородка с сеткой для писем и нотных тетрадей 1668. Дерево, масло. 123,5x107
Представленная работа знакомит зрителя с уникальным жанром — живописными обманками, которые называются тромплей (от французского «trompe-l'oeil» — «обман зрения»). Это особые иллюзионистические картины, очень полюбившиеся голландцам XVII века. Горожанам нравилось украшать свои дома такими произведениями. Строго говоря, искусство тромплей — это ряд чисто технических приемов, которые позволяют художнику создать ощущение, что предмет находится в трехмерном пространстве или «вылезает» из холста.
Искусство оптической живописной обманки известно еще с Античности. В те далекие времена оно пользовалось популярностью у римских мастеров. Благодаря виртуозным иллюзионистическим эффектам обманка была остроумной игрой и довольно практичным дизайнерским решением интерьера, она визуально увеличивала помещение. В Голландии XVII века искусство тромплей было популярно по нескольким причинам. Во-первых, как символическая отсылка к Античности, что в глазах образованных горожан считалось признаком культуры. Во-вторых, дом стал центром общественной жизни людей, поэтому искусство было направлено на обслуживание семей и рассматривалось в том числе как средство оформления интерьера. В-третьих, такие иллюзионистические приемы давали свежие импульсы классическому натюрморту. Он понимался художниками того времени как символическая композиция, в которой все предметы олицетворяют широчайший круг тем.
Живописец из Антверпена Гийсбрехтс известен знатокам и любителям искусства как мастер таких обманок. Он совмещал в них глубокомысленность голландского натюрморта с виртуозностью иллюзионистических приемов.
Корнелиус Норбертус Гийсбрехтс (около 1630-около 1683) Тромплей. Стена мастерской с натюрмортом на тему «vanitas» 1668. Холст, масло. 150x118
Пространственные обманки создавали интересный смысловой эффект, который заключался в удвоении условности изображенного. Корнелиус Норбертус Гийсбрехтс пользуется здесь впечатлением усиления грани между реальностью и призрачностью происходящего. Так, находясь в мастерской, он нарисовал ее стену с холстом в работе, на котором — натюрморт в жанре «vanitas», что в буквальном переводе означает «тщета» или «суета». Это название было заимствованно из Экклезиаста «vanitas vanitatum» — «суета сует». Традиционно на подобных полотнах изображали человеческий череп. На данном он попирает бумаги и помещен в окружении значимых предметов профессии живописца. Такая работа в контексте тромплея может рассматриваться как горькая насмешка над трудом художника.
Корнелиус Норбертус Гийсбрехтс (около 1630-около 1683) Тромплей. Оборотная сторона картины в раме 1668–1672. Холст, масло. 66,4x87
Обычно считается, что лишь XX век принес художникам уверенность в том, что можно создавать картины без сюжета. Однако история искусства знает немало примеров видов и жанров живописи, в которых он играл не главную роль. Все дело было в задачах труда творца, в разные столетия и в разных странах понимавшихся неодинаково.
На вкус человека XXI века данная оптическая обманка примечательна «революционностью», «современностью»: голландский мастер Корнелиус Норбертус Гийсбрехтс изображает оборотную сторону картины! Главное здесь — многообразие смысла, который привыкшим к «сюжетным» произведениям, возможно, открывается не сразу. Рама традиционно считалась неким переходом между человеческой реальностью и миром картины. Она в прямом смысле оформляла работу, придавала завершенность, благодаря ей холст можно было использовать по назначению — вешать на стену или выставлять напоказ. Здесь же художник идет еще дальше — он демонстрирует произведение искусства, но оборотной стороной. Получается странный эффект — полотно есть, однако оно недоступно зрителю. Смещение смысла усиливает тот факт, что перевернутая задником работа сама является картиной, лицевой стороной.
Сегодня эта обманка стала бы символом современной философии, а тогда, в Голландии XVII века, она по праву считалась принадлежащей коллекции Кунсткамеры — хранилища необычных и экзотических вещей. В инвентарной книге от 1674 «Королевского датского кабинета диковинок» произведение было описано следующим образом: «Коробка с принадлежностями художника, изображенная в перспективе».
Корнелиус Норбертус Гийсбрехтс (около 1630-около 1683) Тромплей. Кабинет в мастерской художника 1670–1671. Холст, масло. 132x199
В музее представлена еще одна работа Корнелиуса Норбертуса Гийсбрехтса в прославившем его жанре визуальной обманки. На достаточно большом полотне живописец изобразил картины в условной мастерской художника, возможно, своей собственной. Это жанры, которые были популярны среди ценителей того времени. Так, слева — традиционный голландский натюрморт: свежие, сочные фрукты и цветы на черном фоне. Они олицетворяли скоротечность жизни, должны были служить напоминанием о неумолимом ходе времени. Ниже — сатирическая сценка с изображением супружеской пары, которая занята перегонкой спирта. В XVII веке в Нидерландах наибольшее распространение получил джин. Внизу левее помещен пейзаж с фигурами крестьян-рыбаков. Выше — портретная миниатюра. Иметь собственный портрет мог позволить себе широкий круг людей. Художник написал предметы роскоши и экзотические безделушки, все вместе являлось идеальным натюрмортом в представлении заказчика. Дорогие вещи на обманке показывали уровень состоятельности, а картины — уровень вкуса. Почти всю правую сторону холста занимает щедро декорированная драпировка. В нижнем правом углу мастер поместил еще одну композицию: курительную трубку, благовония, нож для живописных работ.
Произведение, скорее всего, предназначалось для кабинета. Характер изображения свойственен нидерландской школе живописи. Гийсбрехтс так выписывает фактуру каждого предмета, что действительно возникает полное ощущение их материальности: ткань свисает тяжелыми складками, металлическая палка блестит на свету, краски на палитре имеют осязаемо-вязкую текстуру. В целом, мастер создал атмосферу спокойной деловитости кабинета художника.
Виллем Калф (1619–1693) Натюрморт с «чашей Гольбейна», кубком-наутилусом, стеклянным бокалом и тарелкой фруктов 1678. Холст, масло. 68x56
Виллем Калф — один из самых знаменитых мастеров натюрморта золотого века голландской живописи. Вершиной его творчества стали «роскошные натюрморты», созданные на основе «банкетных сцен». Художник изображал дорогие предметы: вазы, ткани, морские раковины. Он прославился своей виртуозной режиссурой света. Калфа заслуженно называют «Вермером натюрмортной живописи».
На данном натюрморте, например, показаны мерцающие почти мистическим блеском перламутровая раковина наутилуса и стеклянная с золотым ободком роскошная «чаша Гольбейна», которой владел король Генрих VIII. Живописец был мастером фактуры и световых эффектов, создающих таинственное свечение. Он эффектно использует темный фон, предметы выступают из черноты. Как и во всех классических голландских натюрмортах, каждый из них имеет символическое значение. Общий смысл работы заключается в идее «memento mori» («помни о смерти»). Прекрасные вещи олицетворяют проходящую красоту.
Феличе Бозелли (1650–1732) Голова молодого быка со снятой кожей. Около 1690. Холст, масло. 51,7x70,6
На итальянского художника из Пармы Феличе Бозелли большое влияние оказала голландская живопись, поэтому данный натюрморт с головой быка совершенно не выбивается из широкого ряда работ старых мастеров, представленных в музее. Излюбленной темой Бозелли стало изображение плоти животных. Символика картины достаточно очевидна: это мотивы «vanitas» и «memento mori». Освежеванная голова быка олицетворяет бренность мира и мимолетность жизни. Это животное традиционно означало силу и мощь. Художник показывает его никому не нужную голову с ободранной кожей, которую скоро просто бросят собакам, ведь из нее нельзя приготовить никаких блюд. Она предстает в таком негероическом и одновременно зловещем виде.
Для создания натюрморта мастер пользуется всеми традиционными средствами живописи XVII века. Голова ярко выделяется на глухом черном фоне. В контрасте с темнотой еще более отчетливо проступают жилы, сосуды, сочленения мышц убитого быка. Цвет плоти очень нежный, ему соответствует трепетность мазков, как будто кровь еще не остыла в теле. Бозелли не идеализирует натуру, он пишет строение головы натуралистично, однако из-за этой повышенной экспрессии обнаженных мускул изображение преодолевает уровень простой иллюстрации и становится символом жизни, смерти и человеческого одиночества, беззащитности перед миром.
Художник прославился своим мастерством виртуозно писать разнообразные «съедобные предметы», вызывая у зрителя не только эстетическое удовольствие от любования фактурой, красками, линиями, но и чисто гастрономический аппетит. Аристократия и богатые горожане Пармы делали Бозелли много заказов, его произведения украшали гостиные и столовые знатных итальянцев.
Герард ван Хонтхорст (1590–1656) Музицирующее общество 1623. Холст, масло. 117x146
Герард ван Хонтхорст — известный нидерландский художник XVII века, последователь Караваджо, применявший его светотеневые приемы. Хонтхорст совмещал выразительность ночных сцен, где фигуры выступают из темноты, а лица озарены резким светом, с сюжетами дружеских посиделок, галантными сценами. Конечно, он вслед за великим предшественником писал и религиозные сцены, используя смелые ракурсы и контрапункты.
«Музицирующее общество» — полотно, традиционное для популярной живописи того времени, это одновременно и жанровая сцена, и портрет, но художник не стремится выделить лица людей, они важны ему как статисты. Такие изображения героев крупным планом впервые ввел Караваджо, и полуфигурные композиции чрезвычайно быстро стали распространены во многих европейских странах, в том числе в Голландии.
Чем привлекали живописцев, а вслед за ними и покупателей, сцены, изображающие отдельный жизненный эпизод? Хонтхорст создал неприхотливый сюжет, где трое персонажей читают нотную тетрадь, а четвертый им наигрывает. Он не претендует на глубокий смысл, однако живопись с эффектными светотеневыми контрастами, а также общее настроение беззаботного вечера привлекают внимание.
За свою творческую жизнь мастер, принадлежавший к группе так называемых утрехтских живописцев, создал несколько подобных полотен с похожим расположением персонажей и световыми акцентами.