Лукас Кранах Старший. Три грации. 1535
Петрус Кристус (около 1410–1475/1476) Богоматерь с Младенцем в домашнем интерьере. Около 1460–1467. Дерево, масло. 69,5x51
Данная работа является одним из самых важных и ценных экспонатов коллекции канзасского музея. Она прекрасно демонстрирует лучшие черты искусства Северного Ренессанса: математически рассчитанную перспективу, внимание к каждой, казалось бы, второстепенной, бытовой детали. Так, религиозная по сюжету картина (традиционный образ Богоматери с Младенцем) превращается в почти жанровую сцену. Перед зрителем — наполненный особой молитвенной тишиной и покоем уютный дом. Свет из окна, в котором виден реальный пейзаж города Брюгге, мягко обволакивает пространство интерьера. Искусство Северной Европы воспевало поэзию домашнего мира, который становится целой Вселенной. Петрус Кристус был одним из учеников великого Яна ван Эйка, фламандского живописца первой половины XV века.
Альбрехт Дюрер (1471–1528) Немезида (Фортуна) 1501–1502. Гравюра. 33x22,7
В этой гравюре великий немецкий художник Северного Ренессанса Альбрехт Дюрер соединил в образе крылатой женщины сразу двух богинь — Немезиду, древнегреческую богиню возмездия, и Фортуну, древнеримскую покровительницу удачи и побед. Он мастерски задает загадку своим зрителям, остроумно совмещает во многом противоположные смыслы: ведь удача часто означает возможность избежать возмездия. Нужно обратить внимание и на сферу под ногами обнаженной аллегории. Женщина твердо и упрямо шествует вперед, в то же время балансируя на шаре, олицетворяющем случайность, прихотливость везения. Тщательно проработанный топографический пейзаж и уверенное, точное изображение человеческого тела демонстрируют дар Дюрера-рисовальщика. Он считается одним из самых талантливых и влиятельных художников Германии за все ее существование.
Бартоломео Пассаротти (1529–1592) Рисунок статуи Микеланджело «Аврора». Около 1550. Бумага, карандаш, коричневые чернила. 44,1x29,2
На этом листе Бартоломео Пассаротти выполнил рисунок статуи «Аврора» Микеланджело. Скульптура украшает одно из самых знаменитых творений мастера — надгробие Лоренцо Медичи в церкви Сан-Лоренцо во Флоренции. Самостоятельная работа по копированию шедевров — и сегодня важнейшая часть обучения художников. Пассаротти был представителем болонского маньеризма. Данное направление вопреки своему названию, которое сейчас звучит как «манерность», включает произведения мистического содержания. Краски на картинах маньеристов словно плавятся от духовного жара, фигуры вытянуты, лица болезненны, они символизируют триумф души над бренным телом. Микеланджело состоял в числе кумиров маньеристов из-за особого «титанического» характера его персонажей.
Иоахим Эйтевал (1566–1638) Мученичество святого Себастьяна 1600. Холст, масло. 169,2x125,1
Иоахим Эйтевал, известный нидерландский творец первой половины XVII века, использовал сложные, даже неожиданные ракурсы персонажей. Данная работа также относится к стилю маньеризм. В ней самое главное — сочетание виртуозной техники с религиозным сюжетом, который словно «оправдывает» доведенную до щегольства техничность исполнения. Страстный порыв духа святого Себастьяна конгениален стремлению мастера, вложившего все свое умение в живописное произведение. Святой был римским легионером, он пострадал за веру во время гонений на христиан.
Считается, что эта картина была заказана не для церкви, а для полиции, которая существовала в то время в стране.
Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610) Иоанн Креститель в пустыне 1604–1605. Холст, масло. 172,7x132
Полотно Микеланджело Караваджо — гордость коллекции канзасского музея, так как в Америке есть всего несколько подлинников великого мастера. Этого итальянского художника XVII века не зря называют реформатором в искусстве, он положил начало новому направлению живописной культуры. Отныне в картинах ценились скульптурная осязаемость плоти, сложные, анатомически верно написанные ракурсы, мощные светотеневые переходы, которые играли символическую и даже повествовательную роль в композиции. Техника резких контрастов называется «кьяроскуро», она захватила воображение творцов того времени. С тех пор появилось громадное количество картин «под Караваджо», специалисты называют последователей мастера «караваджистами». Не поддается подсчету число подделок, которые мошенники из разных стран пытаются продать под видом его оригинальных работ.
Никола Пуссен (1594–1665) Триумф Вакха 1635–1636. Холст, масло. 128,3x151,1
Музей владеет первоклассной коллекцией живописи, данная картина — доказательство этому.
Никола Пуссен — родоначальник классицизма в искусстве, пережившего расцвет в XVII–XIX веках по всей Европе. У мастеров было несколько основных ориентиров: во-первых, идеализированные образы античности, которые европейцы знали, в основном, по римским копиям с греческих мраморных статуй. Художники XVII–XIX столетий наделяли современников прекрасными телами атлетов, а также благородными чертами лица, а наготу прикрывали изящными древнеримскими тогами. Во-вторых, за образец брались искусство и культура итальянского Ренессанса с его культом «универсального человека» (всесторонность знаний и умений), идеалом гармонического устройства общества и стиля жизни. Живописцы изображали на своих полотнах героев, которым сами хотели подражать, стремились устроить жизнь так, чтобы она была наполнена профессиональной деятельностью, интеллектуальным трудом и одновременно рафинированным досугом. Картины получались под стать: строгая, математически рассчитанная перспектива вмещала монументальные сцены с многообразием движений, поз, ситуаций и лиц.
В этом полотне все именно так: Вакх, бог вина, ведет за собой триумфальную процессию воинов, возвращающихся из победоносного похода в Индию. Композиция строится фризом, горизонтальной лентой, чтобы дать зрителю возможность подробно рассмотреть трепетную поверхность кожи персонажей, оценить их красоту, юность и стройность, а также богатства, которые вывезены из сказочной далекой страны. Обилие золота придает произведению атмосферу таинственности и уникальности. Драгоценный металл словно пропитывает воздух. Такой шедевр придавал интерьеру помпезность. А владельцу, знаменитому кардиналу Ришелье, созерцание полотна должно было принести удовольствие от вида триумфа, где люди подобны богам.
Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) Молодой человек в черном берете 1666. Холст, масло. 81,6x64,5
Галерею шедевров канзасского музея продолжает портрет кисти Рембрандта. Этот нидерландец — один из величайших художников в европейской истории искусств. Основные принципы его работы: живая фактура красок, искусно рассеянный свет, психологическая характеристика моделей. Портреты живописца одновременно реалистичны и обладают особым благородством и монументальностью образов, их заказывали ему знатные люди со всего мира.
Неизвестный молодой человек одет неброско, все внимание творца сосредоточено на его открытом лице. Юноша смотрит на зрителя и в то же время как будто немного в сторону. Картина написана смелыми, широкими мазками, другой стороной кисти мастер выделил пряди волос юноши для создания более богатой фактуры.
Неизвестный мастер, ранее приписывалось Якобу Ауэру Падение ангелов. Начало XVIII века. Слоновая кость. 27,3x15,2
Перед зрителем — ни с чем не сравнимый предмет жанра кабинетной скульптуры. Шедевр резьбы по слоновой кости изображает монументальную сцену падения ангелов. Фактически, это точная иллюстрация из Откровения Иоанна Богослова: «И услышал я громкий голос, говорящий на небе: ныне настало спасение и сила и царство Бога нашего и власть Христа Его, потому что низвержен клеветник братий наших, клеветавший на них пред Богом нашим день и ночь». Сложность композиции, виртуозность выделки, а также сам сюжет ярко характеризуют религиозное и светское искусство маньеризма и рококо. Техническое совершенство данной небольшой вещицы потрясает воображение, требуется много времени, чтобы рассмотреть все фигурки ангелов и демонов.
Франсуа Буше (1703–1770) Пейзаж с водяной мельницей 1740. Холст, масло. 130,3x163,2
Эта прекрасная монументальная картина принадлежит кисти Франсуа Буше. Он — ярчайший представитель искусства рококо. Так называли стиль второй половины XVIII века, зародившийся во Франции. Первоначально данное направление, получившее название от орнамента «рокайль», было свойственно дизайну декоративно-прикладных предметов, мебели, интерьеров. Его смысл заключается в усиленной орнаментальности, что явилось продолжением и своего рода реакцией на барокко, предшествовавшее рококо. Легкость, жизнерадостность и куртуазность стали востребованы и в живописи.
Полотно Буше написано по мотивам произведения другого французского классика, мастера пейзажа, который работал на век раньше, — Клода Лоррена. Это пасторальная картина: художник изображает мирную сельскую жизнь и труд крестьян. Он помещает персонажей в пышную, щедрую зелень Франции. Лучи солнца озаряют уголок теплым светом, кажется, что представлен затерянный рай. Об уединенности свидетельствуют и живописные руины ротонды. Образованный зритель того времени (а такие холсты могли себе позволить только высшие слои общества) сразу узнал бы в этой колоннаде античный храм Сивиллы в Тиволи. Названное здание очень любил изображать на своих полотнах и Лоррен. На первый взгляд кажется, что это простой, хотя и виртуозно написанный пейзаж, что у него нет темы. Однако отсылки к другому художнику, введение дополнительных символов, вкупе с мастерски созданной колористической гаммой, делают его сложным по содержанию.
Жан Этьен Лиотар (1702–1789) Европейская женщина и ее служанка. Около 1750. Холст, масло. 72,4x57,2
В наследии швейцарского художника Жана Этьена Лиотара — множество работ, созданных в путешествиях. Четыре года он провел в Османской империи, в Константинополе, активно интересовался особенностями традиций и повседневного уклада турецких подданных, зарисовывал национальные костюмы, утварь, жанровые и бытовые сценки. Его произведения пользовались популярностью из-за ярких красок, мастерского рисунка, простых и доходчивых композиций, приятных образов.
На этом холсте изображена европейская женщина, живущая в Турции, сцена происходит в бане. Служанка несет принадлежности для мытья. В руке у дамы — очень длинная курительная трубка. Кончики пальцев главной героини окрашены хной, так женщины украшали себя, оттеняя нежную белизну кожи рук. На ногах персонажей — традиционные платформы, которые носили, чтобы не промокнуть, стоя на мокром полу бани.
Томас Питтс (активен в 1744–1793) Эпернь 1761. Серебро. 61x101,6
Эпернь — многоярусная ваза, которую традиционно устанавливали на середину стола в аристократических домах. Обычно это был центральный сосуд, к нему прикреплялись несколько дополнительных чаш и блюд для фруктов и сладостей. Данный экспонат — один из самых сложных и виртуозных по исполнению столовых приборов указанного вида. Он сделан из серебра Томасом Питтсом. Мастер специализировался на столовых приборах нового вида: усложненные конструкции были придуманы для облегчения обеденных ритуалов. Гости сами могли брать понравившиеся им блюда, а не ждать слуг, которые вереницей подносили яства. Эта эпернь дает возможность познакомиться с особенностями стиля рококо в декоративно-прикладном искусстве. Привлекает внимание изысканность деталей: сложные профили ножек, узоры из экзотических цветов. Верхняя часть прибора напоминает пагоду. Такой, казалось бы, неожиданный образ появился в оформлении эперни неслучайно. Именно в XIX веке европейцы открыли для себя таинственное искусство Востока. Гостиные знати наводнили японские и китайские мотивы декора. Так произошел синтез двух культур: сложные изящные линии и завитки рококо объединили в себе наследие барокко и дальневосточных орнаментов.
Адам Вайсвайлер и мастерская (1744–1820), Пьер Гутьер (активен в 1744–1820) Комод. Около 1780. Эбеновое (черное) дерево, красное дерево, японский лак, французский смоляной лак, медный сплав, ртутное золочение, мрамор. 98,1x149,5x61
Одно перечисление материалов, которые были затрачены на исполнение этого комода, говорит о высочайшем качестве и ранге экспоната. Он был создан знаменитыми мебельщиками второй половины XVIII века из мастерской Адама Вайсвайлера. Интересно, что в 2011 подобный комод этого же изготовителя продали за 7 миллионов долларов, он стал самым дорогим предметом мебели за всю историю европейского искусства.
Вайсвайлер по праву считается одним из самых выдающихся краснодеревщиков эпохи Людовика XVI. Он делал мебель для королевских особ, например, для Марии-Антуанетты создал несколько вещей в интерьеры ее замка Сен-Клод. Вайсвайлер любил изящную по силуэтам и членениям мебель, отдавая предпочтение синтезу богатства отделки, рафинированности и экзотичной эклектике. Он сотрудничал с лучшими мастерами Европы: с севрской мануфактурой, со знаменитым Томасом Чиппендейлом, именем которого назван целый стиль в декоративно-прикладном искусстве.
Над этим комодом Вайсвайлер работал с величайшим бронзовиком эпохи, талантливым скульптором и рисовальщиком Пьером Гутьером. Его руке принадлежат изящные вырезанные рельефы по сюжетам японской живописи. Здесь неоклассическая строгость предмета соединилась с лирикой экзотических восточных мотивов. Края комода фланкируют позолоченные фигурки кариатид — еще один классический мотив, на этот раз античного искусства. Богатство и роскошь экспоната усиливаются световыми эффектами, которые дает французский смоляной лак с вкраплениями частиц минералов и металлов.
Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес (1746–1828) «Сон разума рождает чудовищ». Лист N 43 из серии «Капричос» 1799. Офорт. 18, 9x14,9
Этот офорт — одна из самых знаменитых работ испанского художника-новатора Франсиско Гойи. Живописец и график, он известен как чрезвычайно страстный и искренний романтик своего времени. Перемена в настроении его произведений, прежде сочных по цветам и оптимистичных по атмосфере, произошла с началом революции во Франции 1790-х. В творчестве мастера появляются пессимизм, нотки острой критики, трагические мотивы отчаяния и смерти. Этот лист — N 43 из 80 графических листов его популярной серии «Капричос» («Причуды»). Ночные хищники — жуткие летучие мыши и совы — нарисованы в острой, нервной, энергичной манере. Композиция отражает тревожное состояние, которое, по мнению Гойи, охватило современников.
Джованни Доменико Тьеполо (1727–1804) Обложка серии рисунков о Пульчинелле 1800. Бумага, коричневые чернила, уголь. 50,8x66
Итальянский художник и график Джованни Доменико Тьеполо в начале карьеры работал в тени знаменитого отца, представителя рококо венецианской школы Джованни Батисты Тьеполо. Однако уже в возрасте 20 лет он заявил о себе как о самостоятельном мастере. Джованни Доменико выработал собственный свободный, чуть нервный стиль графики. В его наследии наиболее новаторскими и интересным стали разнообразные жанровые сюжеты.
Серия рисунков из жизни героев итальянской комедии дель арте, созданная на рубеже XVIII–XIX веков, — одна из лучших работ творца. Комедия дель арте — это площадной театр, который действовал с XVI по конец XVIII столетия. Существовала устойчивая система персонажей, характерных героев, а действия и приключения в каждом представлении по-разному интерпретировались артистами. Они импровизировали, свободно комбинируя ситуации и сценки.
Пульчинелла (Полишинель — во французском варианте) наряду с Арлекином стал одним из самых популярных героев этого народного театра. Он был остряком, любителем шуток и любовных приключений. Широко известно и выражение «секрет Полишинеля», которое означает мнимую тайну, «секрет — на весь свет». В русской традиции персонаж более всего похож на Петрушку.
Данная работа Тьеполо открывает цикл из ста рисунков о жизни и смерти Пульчинеллы. Персонаж с горбом, крючковатым носом и характерной шляпой подходит к постаменту памятника с надписью: «Развлечение для детей». В руке он держит куклу. Именно это действующее лицо пользовалось широкой популярностью у юных зрителей. Нервная манера рисунка, мощный пьедестал и одинокая фигура героя вносят в работу особое настроение. Развлечения, театральная игра, шутки на сцене, ежедневный смех являются для Пульчинеллы тяжелым трудом, который увековечит его. Вещи и одежда бродячих артистов, изображенные у постамента слева, придают сцене монументальный аллегорический характер.
Уильям Тернер (1775–1851) Рыбный рынок на берегу в Гастингсе 1810. Холст, масло. 90,8x120,7
Ряд шедевров музея продолжает работа великого живописца-экспериментатора Уильяма Тернера. Он является самым известным и, пожалуй, скандальным английским художником XIX столетия. Мастер рисовал пейзажи, причем предпочитал морские виды, часто писал дождливую погоду, порывистый ветер и ненастье.
Это раннее произведение автора, но в нем прекрасно видны основные качества Тернера-живописца. Композиция делится на три части: слева — корабль, справа — берег с трудящимися на нем людьми, верхнюю половину холста занимает небо. В рисунке облаков, уходящих за горизонт, — основа очарования таланта мастера. Кажется, что он рисует играючи, не задумываясь работает кистью. Моментально создается живое ощущение огромности мира вокруг. Смелость мазков закономерно вдохновляла первых французских импрессионистов. Неудивительно, что Тернер считается одним из предшественников этого направления. Однако, наряду с новаторскими поисками выразительности, англичанин учился у старых мастеров. Он мог видеть большое разнообразие картин художников XVII века в частных коллекциях аристократов. Влияние искусства Голландии видно по сцене на берегу справа: фигуры людей типизированы и написаны в единой сдержанной цветовой гамме.
Рафаэль Пил (1774–1825) Венера, выходящая из моря. Тромплей. Около 1822. Холст, масло. 74x61,3
Это полотно на мифологический сюжет сделано по принципу тромплея. Так называли картины-обманки, в которых живописцы создавали иллюзию реальности предметов. Белое покрывало, изображенное на холсте, словно настоящее. Таким причудливым способом американец Рафаэль Пил, работавший в первой половине XIX века, стремился осмыслить тему мастерства художника, которая была поднята еще в античное время. По легенде, один творец (Зевкис) сумел нарисовать гроздь винограда так, что птицы, приняв ее за настоящую, сели, чтобы склевать ягоды. Другой же (Парразий) столь искусно изобразил изорванную в лохмотья штору, якобы прикрывающую картину, что обманул самого Зевкиса. Здесь романтик обыгрывает и ханжество современников, которые хотят прикрыть трепетное нагое тело человека покровом напускной морали (белый цвет традиционно означал невинность). Рафаэль — один из 16 детей в семье живописца, где все мальчики были названы в честь великих художников.
Джон Констебль (1776–1837) Лощина в Хелмигхемском парке 1830. Холст, масло. 113,4x130,8
Эта приятная и на первый взгляд неприхотливая работа принадлежит руке Джона Констебля. Он — один из самых знаменитых живописцев романтизма в Англии. Произведение, как и следовало ожидать от романтика, является выражением настроения мастера, а не только «снимком» определенного места, которое было ему дорого. Художник всю жизнь рисовал пейзажи Англии, особенно родные места в окрестностях графства Саффолк. Изображенную лощину он очень любил. Впервые Констебль посетил ее в 1800, после чего писал другу: «Я здесь в одиночестве среди дубов и глуши Хелмигхемского парка… здесь изобилие всяких прекрасных деревьев». Позже в этом месте он оказался в 1814 и в тот год исполнил картину, являющуюся почти копией этой. Сейчас она тоже хранится в США, в Филадельфийском музее искусства.
Представленная работа была создана много лет спустя. В галерее Тейт в Великобритании, на родине мастера, выставлен рисунок, повторяющий данный вид. Художнику ценны воспоминания о времяпрепровождении в этой небольшой лощине. Он пишет мирную деревенскую атмосферу: пасущиеся коровы, вековые деревья, небольшая речушка. Фактура холста отличается густотой мазков, полотно очень сложное и богатое по насыщенности цветов: использованы красно-коричневый, разные тона зеленого — от темного до оливкового. Каждый его сантиметр с особой тщательностью проработан Констеблем. Картина демонстрирует живописные ценности искусства пейзажа: поверхность настолько насыщена цветовыми точками и мазками, что приобретает дополнительную глубину.
Эжен Делакруа (1798–1863) Христос в Галилейском море. Около 1841. Холст, масло. 45,7x54,6
Настоящий парад шедевров продолжается этим полотном знаменитого французского мастера романтического направления Эжена Делакруа. Здесь также очевидны живописные качества: зритель не просто смотрит на холст, «прочитывает» сюжет, оценивает композицию. Текстура краски и цветные мазки будто притягивают его, они воспринимаются как что-то объемное, их хочется ощутить в руках. Особая осязаемость слоя, фигурок героев, всей композиции и особенно морской волны говорят со зрителем на языке чувств. В этом — дар Делакруа. Христианские мотивы привлекали мастера из-за накала страстей, монументального пафоса, трагедии истории. Данное произведение — всего лишь эскиз для картины, над которой работал художник. Очевидно, что, когда будущие французские импрессионисты видели его подлинники, у них подспудно начинало просыпаться новое ощущение цвета и света, будто кисть способна строить, лепить пространство.
Харизматичный французский поэт Шарль Бодлер написал серию статей о мастере после его смерти. Он сообщал о методе работы, в котором соединилось чувство и холодный расчет совершенной техники: «Делакруа был страстно влюблен в страсть и с холодной решимостью искал средства для выражения страсти наиболее зримым образом». По свидетельству Бодлера, художник постоянно находился в поиске: пробовал новые составы красок, много читал и размышлял над самыми разнообразными философскими проблемами бытия, учился у природы, неустанно работал. Ему не хватало дня, чтобы закончить все то, что наметил. Живописец оставил после себя богатейшую коллекцию картин.
Жан-Валентин Морель (1794–1860) Сахарница с крышкой. Около 1842–1848. Серебро, позолота. 25,4x13,7
Первая половина XIX века — период расцвета школы французских ювелиров. Их произведения были востребованы императорским двором и знатнейшими людьми Европы. Потомственный мастер Жан-Валентин Морель работал для короля Луи-Филиппа (1830–1848), позже отправился в Англию, где получил должность ювелира королевы Виктории. Его клиентами стало и семейство Ротшильдов, славившееся богатством и политическим влиянием.
Этот предмет, настоящий шедевр, — часть чайного и кофейного сервиза. Он сделан из серебряных форм, напоминающих морские раковины, и позолоченных серебряных листьев и цветов. Трудно поверить, что такое совершенство под силу человеку. Стилистика работы объединяет эстетику итальянского и немецкого ренессансного искусства: обтекаемые формы оправ, в которые вставлены раковины, массивная ножка, нарядные флоральные украшения, расположенные симметрично по сторонам. Когда спустя двадцать лет после создания, в 1862, сервиз экспонировался на Международной выставке в Лондоне, он получил приз за «новаторство».
Севрская фарфоровая мануфактура Жюль-Пьер Мишель Дьетерль (1811-1889), эскиз, Пьер Дор (активен в XIX веке), декоратор, Леопольд Бюрт (1823–1860), декоратор,
Антуан-Леон Брюнель-Рок (1822–1833), декоратор Кубок на ножке (Кубок Риволи) 1863–1870. Твердый фарфор, эмаль, позолота, медный сплав, ртутное золочение. Высота — 37,9
Изделия Севрской мануфактуры составляют национальное достояние Франции. Производство было переведено в замок Севр недалеко от Парижа из Венсенна в 1756. До начала XIX века здесь изготовляли предметы из мягкого фарфора, легкоплавкого материала, который позволял мастерам добиться особой сочности и нежности декора. В 1772 стали выпускать вещи из твердого фарфора. К этому ряду принадлежит и представленный экспонат.
Создание этого величественного кубка заняло несколько лет, над ним трудилась целая группа мастеров-декораторов. Он — один из пары монументальных чаш, заказанных в 1863 императором Наполеоном III. Из-за сложности производства и большого объема декоративных работ властитель получил его лишь в 1870.
Кубок исполнен в стиле неоклассицизма в сдержанной гамме изумрудно-зеленого, сиреневого и золотого. В произведении ясно выделены две части: ножка и сама чаша. Ножка имеет конструктивный, геометрический узор и декор в виде изящных гирлянд. Четкие линии и аналогии с колонной призваны усилить впечатление устойчивости. На тело сосуда нанесены четыре пасторальные сцены по мотивам античной литературы. Мастера представили популярную любовную историю пастуха Дафниса и пастушки Хлои. Изображения сделаны на белом фоне красно-коричневой эмалью, что придает всей сцене отстраненный, чуть холодноватый, но при этом монументальный характер.
Северин Розен (около 1815–1872) Двухъярусный натюрморт с фруктами на фоне заката. Около 1867. Холст, масло. 92,1x127,6
Северин Розен, один из самых успешных художников натюрморта в американском искусстве второй половины XIX века, происходил из Германии. На родине он занимался фарфором. Это оказало влияние на его манеру, в которой чувствуются особая осязаемость и скульптурная тяжесть изображенных предметов. В 1848 мастер эмигрировал в США, где стал успешным живописцем. Розен вел достаточно простую жизнь в окружении немецких переселенцев, часто расплачивался своими картинами за жилье и еду. Его работы пользовались популярностью среди городских обывателей. Их приобретали для домашних интерьеров, магазинов, гостиниц и ресторанов. Американцы на два столетия позже, чем европейцы, оценили и полюбили такой жанр, как пейзаж. Уже в XVII веке голландцы выработали и закрепили его основные мотивы: сочное изображение плодов, пышной зелени, экзотических фруктов и диковинных морских существ, а также дорогой столовой утвари. Эти предметы выражали одновременно острое чувство красоты сотворенного Богом мира и бренность плоти. Представленный натюрморт символизирует именно эти идеи. В нем также есть черты искусства романтизма первой половины XIX столетия. Оно, как и голландский натюрморт, выражало философские идеи через символику живой природы. Здесь два элемента говорят о романтизме: пейзаж слева и драматические небеса сверху. На видимое изобилие надвигается буря, непогода, вся атмосфера пропитана грозной красотой и тревогой.
Клод Моне (1840–1926) Бульвар Капуцинок 1873–1874. Холст, масло. 80,3x60,3
Мастера, место и стиль данной картины можно смело назвать легендарными. Клод Моне — лидер французского импрессионизма. Художники этого самого популярного в мире направления живописи провозгласили задачу «правдиво» передавать видение окружающего мира. Вместо четкости лиц и повествовательных сюжетов они стали фиксировать мимолетные моменты жизни: движение, случайные позы и повороты, игру цвета в световом потоке воздуха.
Перед зрителем — одна из самых известных картин основателя импрессионизма. Бульвару, который в отечественной традиции по ошибке называют бульваром Капуцинов, посвящены несколько полотен знаменитых художников. Так, в Москве в ГМИИ им. А. С. Пушкина выставлена еще одна похожая работа Моне (1873), а в Третьяковской галерее — полотно Константина Коровина на ту же тему (1911). Здесь главное очарование заключается в сизой дымке и размытых контурах прохожих.
Эдгар Дега (1834–1917) После купания. Сидящая женщина вытирает себя. Около 1885. Бумага, пастель, итальянский карандаш. 34x24,8
Эта пастель была приобретена непосредственно у самого художника основателем канзасского музея Уильямом Рокхиллом Нельсоном в 1896. Она — из целого ряда произведений, изображающих обнаженных после купания. Дега, прославившийся холстами на тему балета и танцовщиц, стремился на бумаге «схватить» очарование мимолетных движений. Французский художник говорил об этом рисунке, что его целью стало запечатление интимного момента одиночества и ухода за собой, минут, когда человек полностью погружен в себя. Мастер хотел, чтобы его модели вели себя как можно более естественно, не позировали, а жили. В этом листе свою роль играет и гармония цветового сочетания. Дега почти делит его по диагонали пополам, работая красным и черным.
Поль Гоген (1848–1903) Фаатурума (Меланхоличная) 1891. Холст, масло. 94x68,3
Авторская манера великого французского постимпрессиониста Поля Гогена, безусловно, узнается сразу. Притягательность его живописи заключается в монументальной целостности образов: люди на полотнах словно великаны, они типичны в своей грандиозности. Вторым ключом к успеху служит оригинальная цветовая гамма, мастер свободно комбинирует контрастные сочетания. Светотеневые эффекты он усиливает добавлением по-импрессионистски проанализированных цветов. Например, здесь вводит синие блики на красное платье. Сознание человека обычно не фиксирует синие тона при взгляде на солнечные отблески, однако в спектре они присутствуют. Использование данного цвета, таким образом, дает оригинальный эффект, но при этом выглядит естественно. Экзотический образ таитянской женщины соединяется с аллегорией меланхолии, которой был подвержен сам Гоген.
Винсент Ван Гог (1853–1890) Оливковый сад 1889. Холст, масло. 73x92
Перед зрителем — одна из поздних картин великого художника постимпрессиониста Винсента Ван Гога. Она написана в характерной для последнего периода творчества экспрессивной и страстной манере. Полотно очень богато по фактуре: сильные удары кистью, пластика мазков — все указывает на техническую точность работы мастера, его предельную сосредоточенность, виртуозность. В мае 1889 после череды сильнейших приступов он отправился на лечение в клинику Сен-Реми. Ван Гог тяжело переживал свое состояние и новый статус психически больного человека. Брату Тео, защитнику и другу, он писал о похороненных мечтах стать значительным художником, но утешался тем, что теперь может быть далек от богемной и во многом праздной суеты парижской жизни. Директор лечебницы разрешил живописцу работать и даже выделил помещение под мастерскую.
Он исполнял небольшие картины «для развлечения» и целыми партиями посылал их брату. За год жизни в Сен-Реми мастер создал около 750 произведений. В основном на них был изображен вид из окна на сад. О потребности Ван Гога впитывать цветовые впечатления природы и передавать их в своих полотнах свидетельствует следующая страстная просьба к Тео: «Сейчас такое время года, когда много цветов… местный колорит особенно богат, поэтому… будет очень кстати, если ты пришлешь мне лишних метров пять холста». И он рисовал: кипарисы, плющ, пшеничное поле, оливковые рощи, плакучие ивы.
В оливах живописца привлекала густая фиолетовая тень, которую они давали земле от жаркого прованского солнца. Монотонные мазки создают декоративный ритм, напоминая годовые кольца древесины. Картина становится символом жажды жизни, тихим изумлением художника перед красотой и богатством окружающего мира.
Эгон Шиле (1890–1918) Стоящая женщина в блузе с узором 1912. Бумага, карандаш, гуашь. 46,4x30,5
Эгон Шиле — яркий и скандальный художник, представитель венской школы. Большое влияние на мастера оказал великий Густав Климт. В целом творчество Шиле, представленное данным рисунком, можно отнести к стилю ар-нуво, который в русской истории искусств называют модерном. Четкость и гибкость графической линии, яркие цвета и изысканные орнаменты, откровенная чувственность образов — его характерные черты. В эстетике живописца эффектное сочетание цветов, их контраст имели такое же значение, как и эротичность модели. Здесь, скорее всего, изображена многолетняя натурщица и возлюбленная Шиле — Валери Нойзель. В 191 2 художник был даже арестован за «порнографические» рисунки, сделанные с этой несовершеннолетней девушки. Позже его работы пользовались большим успехом, особенно те, которые выполнены в более экспрессивной, драматической манере, повествующие о тяготах физической и духовной жизни человека. В 1918 Шиле в возрасте 28 лет погиб во время эпидемии испанки, бушевавшей в Европе.