Йозеф Карл Штилер. Король Людвиг I Баварский. 1826

Йозеф Антон Кох (1768–1839) Пейзаж с радугой 1812. Холст, масло. 188,4x170,1

Австриец по происхождению, Йозеф Антон Кох прославил немецкую колонию живописцев в Риме. Именно в древней итальянской столице он провел большую часть жизни. Его пейзажное искусство стало эталоном для целого поколения германских мастеров. Работы Коха отображают богатейшую традицию жанра ведуты, излюбленного для художников-пейзажистов рубежа XVIII–XIX веков. Для данного направления свойственна героизация пейзажа, его монументальный масштаб, стремление придать состояниям природы эпическую мощь и историческую значимость. Представленную работу Кох по собственному желанию начал еще в 1804, а закончил только в 1812. Интересно, что акварельные эскизы к пейзажу с изображением залива в Солерно художник начал писать еще в 1795. На полотне в нижнем левом углу изображена группа жителей, пережидавшая непогоду. Эту, казалось бы, неприхотливую сценку мастер сумел возвысить до монументального масштаба.

Франц Людвиг Катель (1778–1856) Вид на Аричию на фоне моря 1821–1825. Холст, масло. 100,2x138,5

Немецкий художник Франц Людвиг Катель известен благодаря своим красочным полотнам с видами Италии. Первоначально он занимался традиционной для Германии деревянной скульптурой и графикой. Около 1800 Катель увлекся пейзажной живописью и окончательно остановился на ней. Он проводил почти все время в Италии, открыв там небольшую общину немецких художников, где юные творцы постигали тайны традиций итальянских мастеров. Главное место в творческом наследии самого Кателя занимают пейзажные и жанровые полотна. Он создавал вещи, в которых фоном для жанровых сцен служили величественные пейзажные панорамы, а изображения простых людей являлись смысловым, композиционным и эмоциональным центром.

На холсте «Вид на Аричию на фоне моря» художник изобразил группу странников, проходящих мимо водного источника. Сцена многое говорит об основных эстетических идеалах той эпохи: изображены простые труженики, работающие в слиянии с природой. Об этом свидетельствуют пещеры, углубления в мощных корнях деревьев, которые дают крестьянам прохладу, покой и служат помещениями для хозяйственных нужд. В центре по дороге идут странники. Образ матери с младенцем на руках верхом на осле явно отсылает зрителя к библейскому сюжету, что придает всему произведению особое звучание. Художник дает представление о масштабе местности, последовательно показывая с правой стороны несколько пространственных слоев. Настроение, переданное живописцем, общий смысл полотна создаются умелым сочетанием идиллической стилизации со стремлением к точному изображению бытовых деталей. Большое внимание Катель уделяет передаче солнечного света как одной из главной характеристик щедрой итальянской природы. Именно благодаря мастерству объединения жизнерадостной атмосферы окружающего мира и идеализированных жанровых сценок его картины пользовались огромным успехом у состоятельных немцев.

Иоганн Георг фон Диллис (1759–1841) Вид на озеро Тегерн 1825. Медь, масло. 40x53

Немецкий художник Георг фон Диллис получил известность благодаря своей пейзажной живописи. Для истории Баварии его имя также навсегда связано с искусствоведческой и кураторской деятельностью. Диллис был агентом по приобретению картин в королевские коллекции Баварии при королях Максимилиане Йозефе I и Людвиге I Баварских. Именно он заложил основы коллекции Старой и Новой пинакотек, предложил королю концепцию музея, взяв за образец устройство парижского Лувра. Покупка им произведений искусства прямо влияла на вкусы публики и творческие предпочтения баварских мастеров того времени. При жизни Диллис не был известен как живописец. В его наследии наибольшую известность получили картины из жизни сельской Баварии и путевые зарисовки из поездок по Италии.

Художника вдохновляли идиллические пейзажи французского живописца XVII века Клода Лорана. Интересно, что Диллис уже с начала 1800-х стал делать зарисовки с натуры маслом и акварелью, это было новшеством, которое означало шаг вперед в развитии искусства XIX века. Его блокноты были заполнены портретными набросками простых крестьян, торговцев, матросов, путешественников.

Представленное небольшое полотно живописно, свежо и в то же время фотографически достоверно. Художник в точности передает окрестности баварского Тегернского озера со стороны капеллы Святого Квирина с видом на горы. Диллис приглашает зрителя полюбоваться на местность, изобразив маленькие фигурки путешественников, которые указывают на хребты, обсуждая свои впечатления. Муар, дымка, окутывающая пейзаж и напоминающая о сентиментальной идеализированной живописи, сочетается с реалистичным изображением местности.

Петер фон Хесс (1792–1871) Аполлон и музы 1826. Холст, масло. 245x449

Немецкий живописец Петер фон Хесс — один из значимых представителей школы Мюнхенской академии художеств. Наибольшую известность среди ценителей и историков художник получил благодаря своим реалистическим работам батального жанра. Центральное место в его творческом наследии занимают полотна, посвященные наполеоновским войнам и освободительной войне в Греции.

Данная картина дает возможность познакомиться с классическим образцом академической живописи на мифологическую тему. На ней изображен бог Аполлон, покровитель муз, с ним традиционно представлены девять муз. Аполлон держит классический атрибут — музыкальный инструмент кифару. Образ Аполлона, покровителя искусств — один из самых распространенных в живописных программах европейских Академий художеств. Картина может служить примером такого направления официальной живописи, как творчество «немецких римлян» — художников, работавших в Риме в конце XVIII–XIX веках. Фон Хесс учился в Риме и навсегда был покорен творчеством великого Рафаэля, которому стремился подражать. Влияние мастера проявляется в ярких, но тщательно сбалансированных, гармонизированных между собой цветах, в особо просчитанной компоновке фигур и важном значении драпировок, придающих живость всей картине. Работы Хесса отличают тщательная отделка и ясность композиции, представленная картина написана по заказу короля Максимилиана I.

Петер фон Хесс (1792–1871) Прием короля Греции Оттона I в Афинах 1839. Холст, масло. 250x415

Немецкий художник Петер фон Хесс вошел в историю искусства циклом исторических картин. В 1833 он сопровождал короля Отто в Грецию, в новообразованное государство, там собирал материал для будущих живописных работ, которые в большом числе попали в собрание Новой пинакотеки.

Живописец запечатлел прием короля Греции Оттона в Афинах. Он изобразил древний храм Гефестион на Агоре, на фоне которого происходит встреча, подчеркивая торжественность момента, его историческую значимость. На картине представлены портреты важных политиков и влиятельных лиц греческого правительства. В то же время композиционным центром стали сама природа и греческая история. Хесс отказывается от изображения аллегорий триумфа, восхваления и других традиционных элементов парадного чествования короля. Живописца больше интересуют местный колорит и исторические памятники, которые являются символами места, образами исторической и политической легитимности представленного события. Для него древнегреческое наследие являлось почти священным, он предлагает зрителю насладиться видами старого города. Фигура короля, как и сама сцена встречи, почти не угадываются на картине, тематическое и концептуальное место в композиции занимают храм и освещенная солнцем и живописно скомпонованная толпа местных жителей. Большой формат работы определяется значимостью ее сюжета в рамках академической иерархии жанров, его репрезентативным характером, необходимостью внимательно и подробно рассмотреть всех представленных персонажей.

Каспар Давид Фридрих (1774–1840) Еловые заросли в снегу Около 1828. Холст, масло. 31,3x25,4

Выдающийся немецкий живописец Каспар Давид Фридрих — один из самых знаменитых представителей северонемецкого, протестантского по духу искусства романтизма. С 1820-х, в поздний период своего творчества, художник исполнил несколько небольших по формату работ с изображением пейзажей. Они характеризуются классицизирующим стремлением к симметрии, особому порядку изображения, иерархии и специфической точности ботанических зарисовок. Манера исполнения разительно отличается от другого направления романтической пейзажной живописи, в котором главное внимание уделялось природной нетронутости, дикости и буйности, неподвластным рациональной холодной симметрии. Этот пейзаж проникнут глубокой символикой, стремлением к математически точной композиции, трехчастным делением полотна в русле христианской традиции, особым отношением к идее рождения и угасания. Для представленной работы художник выполнил множество набросков и натурных зарисовок.

Неизвестный автор Портрет певицы Изабеллы Колбран 1830. Холст, масло. 184,8x144,6

Представленная картина неизвестного художника служит хорошим примером репрезентативного портрета первой половины XIX века. На нем изображена Изабелла Колбран, которая была в первую очередь знаменита как оперная певица, но также известна как первая жена великого итальянского композитора Россини. Изабелла обладала уникальным даже для оперы сопрано, ее красоту воспел великий французский писатель Стендаль.

Художник изобразил певицу в богатом платье около клавира и кифары, которые служат своеобразным символом ее профессии и дарования. Неизвестный портретист показывает зрителю волевую женщину, по ней видно, что она познала славу и обладает силой характера. Общая благородная, сдержанная гамма шоколадного, темно-орехового и оливкого цветов в сочетании с геометризированным черно-белым орнаментом пола создают торжественный и немного недосягаемый образ знаменитости.

Вильгельм фон Кобелль (1766–1855) Вид на озеро Тегерн 1833. Дерево, масло. 38x32,9

Немецкий художник Вильгельм фон Кобелль известен своими полотнами в анималистическом, батальном, пейзажном и портретном жанрах. Его мастерство развивалось под влиянием голландской живописи XVII века и в русле творческого переосмысления современного английского искусства. Уже к концу XVIII века автор приобрел большую популярность. Окрыленный рано пришедшим успехом, он благодаря совершенствованию техники и стремлению придать классицизму романтизированные характеристики выработал собственную узнаваемую манеру. Его работы пронизаны прозрачным, свежим воздухом, создающим атмосферу романтического пейзажа. Художник часто рисовал их с натуры, отдавая предпочтение спокойным, широким панорамам, долинам и предгорьям Верхней Баварии и австрийского Зальцбурга. В XIX веке Кобелль стал одним из представителей направления бидермейер, которое характеризуется интересом к реальным жизненным деталям с общим идеализирующим отношением к окружающему миру.

Данная картина — одна из наиболее известных в наследии мастера. В ней ярко проявились названные свойства его творческой манеры: идеализированные образы баварских крестьян, широкая панорама гор, пристальное внимание к светотеневой передаче окружающего мира.

Карл Блехен (1798–1840) Вид Ассизи. Около 1832–1935. Холст, масло. 97,3x146,5

Карл Блехен — немецкий живописец, на творчество которого большое влияние оказали современные ему художники романтизма, такие как Каспар Давид Фридрих. Блехен начинал как банковский служащий, но стремление к творчеству, жажда нового, которые стали трагической судьбой для художника, умершего слишком рано, заставили его сначала уйти добровольцем в армию, а с 1822 учиться живописи. Мастер успешно преподавал в Берлинской академии художеств.

Блехен стал знаменит благодаря своим пейзажам. В конце 1820-х он совместно с поэтом Августом Копишем много путешествовал по Италии, поздним летом остановился на несколько дней в городе Ассизи, где создал несколько эскизов с видами города, монастырей, пейзажные зарисовки маслом. После возвращения в родной Берлин он использовал свои многочисленные зарисовки с натуры (счет шел на сотни) для создания полноценных картин. Для большинства художников того времени Италия ассоциировалась с классическим искусством, которому стремились подражать, или с солнечным пасторальным краем с живописными группами романтических древних руин. Блехена же притягивали палящее солнце, выжигающее землю, неприступные стены, нависающие над высокими скалами, тяжелые условия жизни в гористой местности, а также игра света и тени в богатых оазисах рек. У художника была депрессия, переросшая в тяжелую болезнь, о чем свидетельствуют его картины: через слой типичной для того времени романтико-идиллической живописи словно просвечивают тревога, неустроенность, громадный отчуждающий мир.

Карл Шпицвег (1808–1885) Бедный поэт 1839. Холст, масло. 36,2x44,6

Представленная картина наиболее популярна из богатого творческого наследия немецкого живописца эпохи бидермейер Карла Шпицвега. На ней показан, казалось бы, распространенный образ бедного поэта, который думает, прежде всего, об искусстве, не заботясь о бытовых удобствах и материальных благах. На небольшом холсте художник изобразил поэта в бедной маленькой каморке. К месту, где протекает крыша, он прикрепил зонт. Эта деталь придает сцене особую комичность, подчеркивая нетривиальную «хозяйственность» главного героя. Сам он полностью погружен в сочинение нового стихотворения или поэмы.

Ярким свидетельством быстрого хода истории и общей эволюции взглядов может стать следующий факт: на выставке 1839 в Мюнхене эта картина Шпицвега вызвала целый поток критики. Публика поняла представленный сюжет как попытку насмешки над высокими идеалами поэтического искусства, которое прославлялось еще в академической живописи. Достаточно сравнить картину «Бедный поэт» с аллегорической работой «Аполлон и музы» Петера фон Хесса, представленной в Пинакотеке. Сейчас это, возможно, удивит посетителя, но в те времена полотно Шпицвега вызвало широкие дискуссии о фактическом положении многих людей искусства. В этом состоит отличительная особенность таланта художника, он умел мягким, добродушным юмором побудить зрителя к настоящим гуманистическим размышлениям.

Карл Шпицвег (1808–1885) Ворон 1845. Холст, масло. 36x27,2

Популярный художник бидермейера, немец Карл Шпицвег отличался большим интересом к загадочным, но при этом ироничным сюжетам. Данный на первый взгляд прост — ворон изображен читающим книгу за городом. Это, пожалуй, самая популярная птица в искусстве — герой легенд, саг, историй, библейских сюжетов. Она — символ черной магии, несчастий и одновременно отменного ума и интеллекта. Особенно популярен образ ворона стал в первой половине XIX века благодаря поэтике немецкого романтизма. Всем известна любовь романтиков к загадочным, пугающим тайным силам черной магии, которые с тех пор пленили фантазию просвещенных европейцев. Таким образом, картина, при классически выписанном пейзаже, что проявилось в сдержанной темно-коричневой гамме, несет мистический оттенок. Похоже, что во времена Шпицвега она подошла бы для кабинета какого-нибудь состоятельного бюргера, не лишенного любви к искусству.

Георг Фридрих Керстинг (1785–1847) Рихард Керстинг перед своим отъездом в Ригу 1843. Холст, масло. 23x15

Художник Георг Фридрих Керстинг — представитель немецкого романтизма. Наибольшую известность он получил благодаря своей интерьерной живописи. Интерьер как символ дома, религиозной общины стал олицетворением эпохи бидермейер. В традиционном для этого направления первой половины XIX века русле интереса к частной жизни, простым семейным ценностям можно рассматривать и портреты родственников художника, один из них, данный, представлен в мюнхенском музее.

Автор запечатлел своего брата, получившего место химика в Риге. Он одет в типичный костюм того времени, на заднем плане Керстинг изобразил корабельные мачты, у ног мужчины живописно помещены обычные вещи, которые можно было найти в любом порту. Представленные атрибуты придают этой небольшой по формату картине атмосферу романтики дальних путешествий и новых перспектив.

Лео фон Кленце (1784–1864) Образцовый вид Акрополя и Ареопага в Афинах 1846. Холст, масло. 102,8x147,7

Традиция зарисовывать, делать обмеры, реконструировать античные памятники Рима, а позже Афин зародилась еще в XVIII веке. Она стала основой развития архитектурных стилей всего XIX века — от неоклассики до эклектики. Графические зарисовки и живописные этюды стали самостоятельным видом искусства, которым творцы «отчитывались» во время учебы в Академии художеств. Эта практика была распространена по всей Европе. Утвердившись как форма учебных штудий и экзаменационных работ, рисунки и реконструкции памятников стали широко применяться непосредственно в архитектуре и даже градостроительстве.

Автор данной картины, немец Лео фон Кленце, известен, в первую очередь, как архитектор-неоклассицист, основатель стиля неогрек. Само его название говорит о том, что основой зодчества мастер считал величественную простоту греческих храмов. При покровительстве короля Баварии Людвига I он стремился превратить Мюнхен в «Новые Афины». Кленце построил в городе ряд репрезентативных ансамблей, в том числе здания мюнхенской Глиптотеки и Старой пинакотеки. В этих сооружениях видно сильнейшее влияние древнегреческой архитектуры и подражание ей.

Этот холст — характерный пример так называемых архитектурных живописных реконструкций. Они были нужны Кленце и как штудии искусства древних греков, которым он хотел во всем подражать, и как источник творческого вдохновения. С особой тщательностью зодчий изучал архитектурные памятники в своих путешествиях по Италии, Сицилийскому королевству и Греции. Мастер на основе своих впечатлений представил, как могли выглядеть Афины до разрушений в Средние века и Новое время. Древнегреческая архитектура служила своего рода напоминанием о государственных доблестях и высоких морально-нравственных сторонах полисов, что придавало подобным картинам еще и морализаторский смысл.

Мориц фон Швинд (1804–1871) Музыкант и отшельник 1846. Картон, масло. 60,9x45,7

Немецкий мастер Мориц фон Швинд прославился своими фресками для художественных галерей в Карлсруэ и Вартбурге. Помимо работ в монументальной живописи большую популярность он приобрел благодаря своим рисункам для немецких газет, журналов и народных сказок. Швинд был дружен с музыкантами, например с великим Францем Шубертом, его творчество пронизано темой музыки.

Представленное полотно наглядно демонстрирует основные характеристики работы мастера — это аллегорическая картина. Художник уподобляет монашеский постриг и удаление от мира трудной судьбе настоящего музыканта, для которого не слава, но истина дороже всего на свете. Отшельник и музыкант помещены в идеализированные декорации, скрытую дубраву в уединенной скале. Благородный колорит пейзажа и сдержанное достоинство героев явно имеют морально-нравственное звучание. Швинд словно призывает зрителя сравнить свою жизнь и помыслы с атмосферой, в которой живут персонажи его произведения.

Карл Ротман (1797–1850) Марафон 1847. Холст, масло. 161,5x205

Карл Ротман — знаменитый немецкий пейзажист, самый известный представитель династии художников. Он принадлежал к кругу живописцев, которым благоволил король Баварии Людвиг I, основатель коллекции Новой пинакотеки. В 1826–1827 он оплатил мастеру путешествие по Италии. Из поездки Ротман привез обширный цикл монументальных пейзажей, которые стали украшением королевского двора. В 1834–1835 художник совершил еще одно важное путешествие — целый год открывал для себя Грецию.

Это полотно — один из плодов его поездки. Ротман является мастером больших пейзажных полотен, где главный акцент задают мифические и героические аллюзии. Данная картина — показательный пример творческой манеры живописца. Пейзаж очень выразителен и символичен, он призван передавать настроение зрителю, внушать определенные идеи с помощью аллегорий и олицетворений. Символично уже название работы: художник изображает поле аттического города Марафон в Греции, получившего всемирную известность благодаря легендарной битве величайших исторических героев древности: персидского царя Дария и древних греков. В ней последним удалось остановить триумфальный поход тирана на Запад и спасти Европу от порабощения. Ротман подчеркивает мифологическую мощь места, прибегая к художественным преувеличениям, широко и смело использует сочные цветовые акценты. Для большей экспрессивности мастер по-особенному рисует небо и атмосферу в пейзаже, придавая им необычайное состояние, не встречающееся в обычной жизни. Пейзажи Ротмана обладают героической мощью, эти титанические аллегории в ландшафтах делают его работы узнаваемыми.

Фердинанд Георг Вальдмюллер (1793–1865) Вечерний пейзаж с козами 1847. Дерево, масло. 55,5x69

Фердинанд Георг Вальдмюллер — один из выдающихся художников Австрии. Его творчество традиционно относят к стилю бидермейер, мастера, творившие в этом направлении, отличаются пристальным интересом к сюжетам домашнего быта, семейного уюта, идиллическим пейзажам. Центральное место в живописи данного стиля занимает жизнь простых людей, освещенная неприхотливыми мирными радостями. Большую известность Вальдмюллер приобрел благодаря своим пейзажам с тщательно проработанными световыми эффектами. Основное новшество заключалось в том, что он отказался от академической традиции копирования и сочинения пейзажей. Художник предпочитал зарисовки с натуры и выбирал сюжеты из обыденной деревенской жизни. Для его работ характерны довольно смелые световые и цветовые контрасты при классической выверенности композиции.

На данной картине линия горизонта проходит по середине холста, что соответствует академическим правилам соблюдения симметрии и математической точности построения композиции. Однако благодаря свободной передаче состояния природы в свете предзакатного солнца сцена передает гармонию и покой окружающего мира, создавая его живой и естественный образ. Изображения животных на переднем плане несколько увеличены в масштабе, что свидетельствует о глубоко воспринятой академической привычке художника к общему торжественному, монументальному вселенскому строю даже самого простого сюжета. Умелое соединение традиций и стремление к поэтизированной передаче реальности наглядны в этой, совсем небольшой по формату картине. Подмеченные позы животных, а также тщательно проработанная фактура в изображении дороги делают эту работу классикой реалистической пейзажной живописи середины XIX века.

Адольф фон Менцель (1815–1905) Комната с сестрой Менцеля 1847. Бумага на картоне, масло. 46,1x31,6

Немецкий живописец Адольф фон Менцель еще при жизни приобрел славу исторического живописца. Современным историкам искусства он известен своим многообразным наследием, сюжетно связанным с бытовой живописью, посвященной, как правило, собственной семье, друзьям, неприхотливым повседневным занятиям. Эти полотна пронизаны теплотой эмоций, домашней атмосферой привязанности и любви, уютом.

Данная картина является прекрасным примером масштабного цикла работ, посвященного жизни собственной семьи. Сюжет почти фотографически случаен: сестра художника выглядывает из-за двери, но в этой случайности есть и новаторские нотки. С середины XIX века для Менцеля наравне с историческими и триумфальными сценами становится ценен интимный, намеренно субъективный взгляд, особая приверженность к личному и лирическому. Красно-коричневая гамма этого живописного этюда передает настроение мирного домашнего вечера в кругу семьи.

Макс Эмануэль Айнмиллер (1807–1870) Интерьер Вестминстерского аббатства в Лондоне 1849. Холст, масло. 189x145

Немецкий художник Макс Эмануэль Айнмиллер известен, прежде всего, своей живописью на стекле. Он возродил этот традиционный для Средневековья вид искусства, прославив свое мастерство в Регенсбургском и Кельнском соборах в Германии. Ему принадлежит также роспись одного окна для Исаакиевского собора в Санкт-Петербурге. Второй стезей Айнмиллера была живопись маслом, особенно он отдавал предпочтение церковным интерьерам.

Данная картина — один из самых знаменитых интерьеров в творчестве мастера. С непревзойденным техническим совершенством он передает фактуру камня, любовно выписывая древнюю резьбу, погружаясь в атмосферу ушедших эпох. Занятия средневековой росписью и изображение древних интерьеров свидетельствуют о романтической традиции эскапизма, ухода художника в сказочное прошлое великих эпох.

Вильгельм фон Каульбах (1804–1874) Художники, призванные воплотить идеи короля Людвига I в области исторической, батальной, пейзажной и жанровой живописи. Эскиз фрески 1848–1854. 80,3x167

Вильгельм Каульбах — немецкий живописец и иллюстратор книг, наибольшую известность он получил благодаря своим фрескам, которые по сей день украшают общественные здания Мюнхена. Как художник-монументалист XIX века, Каульбах в типизации и идеализации образов стремился сравняться с величайшими художниками прошлого — древнегреческим скульптором Фидием и величайшим мастером Возрождения Рафаэлем.

Представленная работа — эскиз фрески для наружных стен здания Новой пинакотеки. Оно было построено к 1853. На эскизе изображены художники, «призванные, как гласит название эскиза, воплотить идеи короля Людвига I в области исторической, батальной, пейзажной и жанровой живописи». Работа представляет собой пример неоклассицистического стиля. Об этом свидетельствуют общая математически выверенная композиция, расположение фигур, их пропорции, ритмически разнообразные позы. Особое внимание необходимо обратить на иерархию в изображении людей: девушка-натурщица в центре картины непропорционально мала по сравнению с художниками, мольбертами и даже альбомами с зарисовками. Ее фигура попадает в «слепое место» — натурщица расположена по центру, тогда как, по задумке художника, внимание зрителя равномерно направляется на левую или правую стороны будущей стенной росписи. Центральную ось занимает также еще один иерархически подчиненный объект в системе неоклассицизма: эмблематическая композиция из разнообразных аллегорических военных атрибутов, которые должны были напомнить зрителю об аналогичных композициях в древнеримском искусстве, которые обозначали триумф победителей. Очевидно, что военное оружие и доспехи несут и второй смысл: они могут служить моделями в рисовании батальных, исторических сцен и парадных портретов военачальников. Интересно, что автор не стал изображать муз изящных искусств и не ввел во фреску аллегории правления, как было принято в то время. Он сконцентрировался на написании избранных королем живописцев. Перечисленные жанры входили в программу всех европейских Академий художеств XIX века.