Я уже писал о том, что прежде чем воплотить на сцене драматургическое произведение, режиссер должен очень многое узнать, понять и обдумать. Чтобы не впадать в чисто теоретические рассуждения, попробую рассказать о практике постановки мной одного – двух спектаклей в Донецком театре кукол.
Многие постановщики очень часто прибегают к собственным пьесам и инсценировкам, так же как многие кинорежиссеры являются авторами или соавторами сценариев фильма. Это имеет своё объяснение. Литературный материал есть основа будущего спектакля. Но он не обязательно совпадает с видением режиссера и требует, зачастую, некоторой корректировки. Хорошо если можно добраться до автора, да автор согласиться сделать какие-то изменения, необходимые постановщику. Умные драматурги всегда шли на это с удовольствием и интересом, понимая, что редактура театра вещь ценная, и позже, исправляя по нескольким редакциям пьесу, а зачастую и делая новый вариант, они совершенствовали свою работу.
Пьеса Нелли Осиповой «Про Добро и Зло и про длинный язык» понравилась мне сразу. Её философский смысл, заключенный в том, что и слабость человеческая, над которой мы обычно снисходительно посмеиваемся, может при определенных обстоятельствах принести горе, меня очень заинтересовал. Я уже не говорю о ярком национальном колорите, прекрасном литературном языке и занимательном сюжете. Более того, мне очень нравились великолепные поэтические ремарки, которые обычно, как вспомогательная литература, остаются за пределами спектакля. Началось с того, что появилось желание эти ремарки озвучить. Я решил ввести два персонажа, которые могли бы их произносить, но на правах ведущих действие, комментаторов событий и равноправных персонажей. Началась длительная эпистолярная работа с автором, проживающим в Москве.
В первом же письме заведующая литературной частью театра изложила пожелание режиссера, чтобы это были весельчаки – кенто, постоянные организаторы увеселений в армянском квартале Тбилиси. Автор, родившаяся и жившая там, категорически воспротивилась, уверяя, что кенто, это не столько балагуры-весельчаки, сколько воры и мошенники. Она предложила назвать их гусанами. Но, работая над историей армянской культуры, я узнал, что гусаны были женщины, выступающие в мужском наряде. Мы сообщили об этом Нелли Христофоровне. Она поблагодарила за, неизвестные ей, данные по истории театральной Армении, и мы сошлись на общекавказском термине – ашуги. Теперь необходимо было придумать текст, для этих персонажей, помимо тех замечательных ремарок, о которых я уже вспоминал. Этим занялись мы оба. Два ашуга: один - балагур, другой – отпускающий шутки на полном серьезе, стали мотором спектакля, его движущей силой. Нелли прислала два текста песен для ашугов, и любезно разрешила мне написать тексты еще к двум песням. Музыку сочинил тогдашний заведующий музыкальной частью театра Яков Липовецкий, удивительно талантливый композитор, украсивший спектакль прекрасными мелодиями. Художник Николай Ясницкий выполнил ширму как бы из камня, и в такой же манере всю, очень яркую и красочную, декорацию. Помимо получения республиканского диплома, постановка эта была высоко оценена самим автором (явление редкое) и, приехавшим с ней на премьеру, режиссером Юрием Фридманым (такое бывает ещё реже), а так же представителями донецкого армянского землячества, приглашенными на премьеру. Вот уже более двадцати лет этот спектакль пользуется успехом на сцене Донецкого театра кукол. Надо сказать, что после постановки пьесы в Донецке, она в других театрах идет именно в этой редакции, с двумя ашугами в живом плане. Лет пять назад я повторил эту постановку в Крымском театре кукол. На премьере весь зал был заполнен крымскими армянами, которые очень хорошо приняли спектакль. Особенно им понравился дедушка Хачатур, которого играл один из лучших актеров на Украине Георгий Мартьянов. Они решили, что он армянин, так точно артист воспроизвел образ мудрого аксакала. Успех спектакля был не случаен. Он являлся итогом кропотливой и длительной работы режиссера по изучению истории армянской культуры, быта, нравов. Так в Донецке нас консультировал армянин, родившийся и долго живший в горном армянском селении. Он сделал удивительно тонкие замечания по уже поставленным танцам, объяснив разницу в манере танцующего армянина и грузина, много рассказал об обычаях и законах армянского народа. А в Симферополе художник спектакля Светлана Сафронова оформление сделала в стилистике известной картины «Армения» знаменитого Мартироса Сарьяна.
Центральную роль деревенской сплетницы Осан в Донецком спектакле играли разные актрисы, но две из них могут отметить эту роль в своем репертуарном списке как большую актерскую удачу. Прежде всего, это Жанна Ивановна Славская. Жанна Ивановна выпускница факультета «театр кукол» ЛГИТМиК, ученица известного режиссера и педагога Михаила Михайловича Королева. Высшее театральное образование было в помощь незаурядному дарованию актрисы. Её Осан, несмотря на свою страсть разносить по аулу сплетни, была так обаятельна, что зрители прощали ей эту слабость и благодушно посмеивались над своеобразным хобби этой, в сущности, доброй женщины. Такая трактовка была очень важна для понимания того, что маленький, на первый взгляд, человеческий недостаток, может принести всем большое горе. По вине длинного языка Осан погибло прекрасное волшебное абрикосовое дерево. Это горе, виновная в нём женщина, ощущала (в руках Жанны Славской) пожалуй, больше всех. Мощный грудной голос актрисы, полная убежденность её персонажа, что разносить людям новости неотъемлемое человеческое право, ставило Осан, как бы над всеми, в центре всех событий, где, собственно, и место героини.
Не менее интересна в этой роли была прекрасная донецкая актриса Людмила Александровна Смирнова. Она меньше несла национальный характер. Её Осан была сплетница всех времен и народов. Страстное желание рассказать новость было активным, напористым, а в некоторых случаях и агрессивным. Актриса прекрасно держала тональность и ритм спектакля. Процесс передачи очередной сплетни сопровождался состоянием восторга и плотского удовольствия, как сейчас говорят: кайфом. Трудно подвести итог соревнования этих двух актрис. Я, как режиссер, благодарен обоим за мастерство, страстность и полную отдачу в этом сложном спектакле.
Иногда приходит в голову мысль, что Гамлета играть легче, чем могильщика, поскольку, главный его создатель – автор, уделил герою максимум внимания, и у того материала для образа и показа своего актерского мастерства больше, чем у любого другого персонажа. Пусть это не совсем так, но приведено данное соображение с желанием рассказать ещё об одной работе в армянской сказке.
Удельный вес этого образа не сравним с героиней. Он родился в работе над спектаклем. Речь идет об одном из ашугов в исполнении Михаила Викторовича Загноя. Миша, окончив Днепропетровское театральное училище, только-только приступил к работе в профессиональном театре. Роль ашуга, одна из первых ролей, молодого в те годы, актера, показала безусловную его одаренность, музыкальность и органичность, в сочетании с прекрасным чувством юмора и актерским обаянием. Дальнейшая работа его в театре служит подтверждением такой оценки. Но о нём разговор впереди.
Работа над этапным спектаклем «Земля дана тебе на веки» занимает в моей режиссерской биографии особое место.
Выступая на всемирном фестивале театров кукол в Бухаресте, Сергей Владимирович Образцов обратился к известным писателям мира с просьбой создать произведения для театра кукол большого гражданского звучания, и в частности на антивоенную тему. На это обращение откликнулся известный индийский писатель Кришан Чандар. Он написал пьесу для театра кукол под названием « После взрыва водородной бомбы». Но, ни будучи достаточно сведущим в драматургии театра кукол, а возможно и в драматургии вообще (Чандар был романист), он не сумел сделать её пригодной для постановки. Однако, сама идея и оригинальный сюжет этого произведения, меня не только заинтересовали, но не давали покоя много лет. Но найти решение спектакля по этой пьесе, чтобы оно соответствовало высокой её идеи, я никак не мог. Сюжет был прост. После взрыва водородной бомбы, когда на земле не осталось жизни, где-то в отдаленном краю планеты сохранились и выжили животные, которые организовали «человеческий зоопарк», и посадили в клетки, чудом оставшихся в живых, людей, среди которых были и виновники прошедшей войны, и люди не помешавшие её возникновению, и жертвы. Рассказать её как театральную сказку мне показалось не интересным. Надо было менять драматургию и искать особый жанр и литературы, и спектакля. И вот, лет через десять после издания этой пьесы мне в голову пришло решение. Я увидел, как бомба «разрезает» надвое земной шар, который, развалившись, оставляет «решетку» широт и меридианов. После страшного взрыва возникает первозданная тишина и покой. Только слышится «космическая» музыка вечного неторопливого движения вселенной. А за этим переплетением широт и меридианов черная бездна космоса с множеством звезд, с плывущими неторопливо, как музыка, планетами и кометами. Но вот, эта «решётка» становится клеткой зоопарка, по которому Осел ведет своего сыночка, рассказывая о том, что совершили люди и как погиб мир. С этой задумкой я познакомил завлита театра поэтессу Светлану Куралех, художника Николая Ясницкого и завмуза Якова Липовецкого. Принято было решение сделать политический памфлет в жанре рок-оперы. Мы со Светланой приступили к созданию пьесы в стихах по мотивам Чандара. Липовецкий начал писать музыку, а Ясницкий довольно быстро нарисовал эскизы. Огромная работа была проведена композитором, не только в смысле создания своеобразной музыки в жанре рок-оперы, но и при записи вокальных номеров. Для этой цели помимо нанятого эстрадного оркестра под руководством Цыгальницкого, были приглашены профессиональные певцы, владеющие манерой петь в стиле рока. Спектакль был решён в приеме черного кабинета. Художник применил светящиеся краски, и поэтому сцены движения планет, комет, луны, танец Смерти со своей песней были очень эффектны. Слух о том, что мы ставим в театре кукол рок-оперу, быстро распространился по городу. Как только начались прогоны, в репетиционном зале не было свободного места от друзей из драмы, филармонии, оперы, ТЮЗа.
Премьера спектакля совпала с приездом к нам в гости ответственного секретаря советского центра и члена президиума международной организации деятелей театра кукол (UNIMA), Ирины Николаевны Жаровцевой. Она очень высоко оценила эту работу, как с художественной, так и с политической точки зрения. Театральная общественность настояла на том, чтобы спектакль был показан для работников театров. 27-го марта 1981 года, в международный день театра, мы на сцене драмы показали этот спектакль для работников культуры. Через много лет мои друзья, актеры донецких театров, говорили мне о том, какое сильное театральное впечатление произвела на них эта постановка. Однако усилиями инспектора министерства культуры Л. Распутиной спектакль был не разрешен к показу на республиканском смотре театров кукол, и его из кукольников Украины мало кто увидел. Для меня это было не удивительно, я знал, что в этот «распутинский» период в министерстве всё решалось по принципу приятельских (а может быть и не только приятельских) отношений, и ждать справедливости, как и во всем государстве, было бы глупо. Однако, как бы заочно, вынуждены были дать театру за этот спектакль республиканский диплом, хотя и третей степени.
И всё же за этот спектакль театр получил золотую медаль Советского комитета защиты мира. А режиссер, в этом же году, по представлению областного управления культуры, указом Верховного Совета был награжден орденом «Знак почета». Но для меня было самым главным, что зрители принимали спектакль с интересом и вниманием. И снова я хочу сказать, что успехом эта постановка обязана тщательной и длительной работе, и, безусловно, привлечением талантливых людей к осуществлению режиссерского плана. Должен покаяться: спектакль был создан, в основном, сценаристами, режиссером, художником и композитором, а потому нельзя назвать ни одной, более или менее, значительной актерской работы, за что приношу извинения моим дорогим артистам, исполнившим вполне достойно и профессионально всё то, что им было предложено вышеуказанными авторами спектакля.
И если ещё раз подумать, в чем же главная роль режиссера, то мне кажется, что это роль мясорубки, всё в себя вбирающей и перемалывающей полученную информацию, а затем порциями выдающую её всем кто задействован в приготовлении блюда под названием спектакль.