Автопортрет. Гравюра Л. Крепи с утерянного оригинала Ватто. 1727 Школа изящных искусств, Париж
При воспоминании о работах французского художника XVIII века Антуана Ватто (1684–1721) в памяти оживают его чарующие небольшие картины с изображением «галантных празднеств», как когда-то современники назвали тот жанр живописи, в котором работал художник. Его сценки с костюмированными фигурками кавалеров и дам в зелени парков Парижа и его окрестностей подобны хорошо срежиссированным театральным представлениям под открытым небом. Живопись Ватто несет в себе отзвук празднеств, проводимых в парках дворцов эпохи «Grand siécle» Короля-Солнце — Людовика XIV, и отклик на кардинальные изменения в мироощущении и предназначении художника нового начавшегося столетия — века Просвещения. Она олицетворяет галантный XVIII век.
Антуан Ватто, художник, проживший всего тридцать семь лет и всего два десятилетия в XVIII веке, оказался способен одарить зрителя очень сильными и глубокими ощущениями новой эпохи, заставить почувствовать ее поэзию и красоту, исключительную цельность и многогранность. С его именем, как с именем любого другого большого мастера, ассоциируется понятие «манера Ватто». К искусству Антуана Ватто испытывали огромный интерес художники-романтики, восхищавшиеся его красочной чуткостью и умением передавать тонкое эмоциональное настроение каждой сцены. «Надо посмотреть еще нескольких Ватто, чтобы изучить его приемы ‹…› маленький Ватто, которого я повесил, окончательно убедил меня в превосходстве светлых тонов», — запишет в своем Дневнике Эжен Делакруа. Ватто был кумиром братьев Эдмона и Жюля Гонкуров, восхищавшихся грацией культуры XVIII века и привлекших к ней внимание в XIX столетии. Художник очень тонко выразил строй чувств, близкий эстетике этого века с его тягой к неуловимому. Горячими поклонниками искусства Ватто были французские импрессионисты, ценившие его правдивость в передаче прелести красок натуры и ее естественного освещения. Недоговоренностью и тягой к неуловимому, некоей полумаской искусства Ватто были увлечены русские мастера объединения «Мир искусства», для которых оно олицетворяло наивысшие достижения в европейском художественном наследии. Произведения Ватто рассказывают о времени, в котором он жил, о нем самом как о тонком и искреннем художнике, они «открывают» век Просвещения во Франции, в них сфокусированы многие непростые эстетические проблемы, стоящие перед искусством, и пленительная смелость в попытке их решения.
О судьбе самого Антуана Ватто известно немного. Он был человеком с нелегким характером, часто менял места жительства из-за неуживчивости и внутреннего беспокойства, но имел, однако, много друзей и всего лишь раз покинул Париж, когда в 1720 году посетил Англию.
Сельский праздник. Ок. 1704–1705 Художественный музей Джона Херрона, Индианаполис
Бивак. 1709–1710 Фонд Тиссен-Борнемисса, Мадрид
Биографы почти одинаково отзывались о нем: «Он почти всегда был задумчив… усидчивый труд положил на него отпечаток некоторой меланхоличности. В обращении его чувствовалась холодность и связанность, что порою стесняло его друзей, а иной раз и его самого, единственными его недостатками были равнодушие да еще любовь к переменам» (Жан де Жюльен). «…Ватто был среднего роста, слабого сложения, он отличался беспокойным, изменчивым нравом, твердой волей; по умонастроению был вольнодумец, но вел разумный образ жизни; он был нетерпелив, застенчив, в обращении холоден и неловок, с незнакомыми вел себя скромно и сдержанно, был хорошим, но трудным другом, мизантропом, даже придирчивым и язвительным критиком, постоянно не был доволен ни собою, ни окружающими и нелегко прощал людям их слабости. Говорил он мало, но хорошо; он любил читать, это было его единственным развлечением, которое он позволял себе на досуге; не получив хорошего образования, он недурно судил о литературе… Конечно, его постоянное усердие в работе, слабость здоровья и жестокие страдания, которыми была полна его жизнь, портили его характер и способствовали развитию тех недостатков, которые ощущались в нем, когда он еще бывал в обществе» (Жерсен).
Мы можем, однако, предположить, что он был достаточно цельной натурой не только благодаря своему выдающемуся дарованию, но и исключительному трудолюбию, и, обретя свой независимый путь, он сумел стать при жизни известным признанным мастером, гордостью Королевской Академии живописи и скульптуры, ее действительным членом.
Антуан Ватто родился 10 октября 1684 года в Валансьене, провинциальном городе-крепости, расположенном на севере Франции. Отец его был ремесленником, он отдал юношу в обучение к местному живописцу Жерену, но в душе желал, чтобы сын унаследовал его профессию кровельщика.
Расположенный у слияния рек Шельда и Рондели, Валансьен был постоянным яблоком раздора между Фландрией, Испанией и Францией. Ватто покинул родной город между 1700–1702 годами, когда Валансьен отошел Франции. Однако затишье между военными действиями всегда оставалось здесь кратковременным явлением. Возможно, не желая пополнить число рекрутов на военную службу и мечтая учиться живописи, он уезжает в Париж. Точно неизвестно, уехал ли он из родного города один или вместе со своим учителем Метейё в повозке бродячих актеров-комедиантов.
Бивак. Ок. 1710 Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва
Въезд в Валансьен. Ок. 1710 Коллекция Фрик, Нью-Йорк
Именно Метейё, о котором не сохранилось сведений, называют биографы Ватто его первым учителем в Париже. Юный художник работает некоторое время в мастерской, расположенной у моста Нотр Дам, исполняя копии с картин, воиспроизводя народные картинки, раскрашивая гравюры. В Париже для него начинается нелегкий период становления как художника, он ищет учителей, однако излишнее руководство всегда претило его независимой натуре. Из воспоминаний его друга, торговца рамами и стеклом, владельца лавки у моста Нотр Дам Сируа, известно, что Ватто давал следующий совет Никола Ланкре, своему будущему ученику: «Обучение у какого-либо мастера — пустая трата времени; надо ставить себе смелые задачи, руководствуясь Учителем всех Учителей — Природой; сам я поступал именно так».
Судьба была благосклонна к талантливому и ищущему свой путь юноше. Большую роль в ней сыграло его знакомство с просвещенным знатоком искусства, коллекционером, меценатом Пьером Жаном Мариэттом.
В доме Мариэтта бывало много просвещенных людей, фламандские и французские художники, граверы, коллекционеры. Сам хозяин дома увлекался рисунком и гравюрой, заказывал сценки из театральных постановок. В Париже была целая корпорация фламандских мастеров, они имели свою капеллу в церкви Сен-Жермен де Пре, встречались в харчевне «Охота» на улице Дракона, расположенной неподалеку от церкви.
В ранних работах Ватто Крестьянский танец (ок. 1704–1705, Художественный музей Джона Херрона, Индианаполис) и Кухня (до 1703, Музей изящных искусств, Страсбург) сказалось влияние фламандской жанровой живописи. Но уже в них видны особенности его живописной манеры: мягкость передачи освещения и цветовых сочетаний, плавность легких мазков. Мариэтт заказывал ему сценки с изображением представлений бродячих театральных трупп, называя работы Ватто в своих воспоминаниях о нем «воображаемые спектакли».
Сатира на врачей («Что я вам сделал, проклятые убийцы?»). Начало 1710-х Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва
Декоративная панель с росписью Ватто. Ок. 1707–1708 Частное собрание
Любовь к театру Антуан Ватто мог унаследовать и от Клода Жилло, помощником и учеником которого он вскоре стал. Клод Жилло был выходцем из Фландрии, не очень давно переехавшим в Париж. Он получал от Мариэтта заказы, и более всего его интересовал театр. Он пользовался авторитетом в академических кругах, был известен своими иллюстрациями к книгам, комическими сценами из спектаклей.
Картины Ватто понравились Жилло, и он предложил молодому художнику поселиться у него и стать его помощником. Это давало ему возможность иметь наставника и работать профессионально. Многие биографы пишут о зависти Жилло к талантливому ученику, который явно превосходил учителя. Таким образом разрыв их стал неизбежен, но Ватто в последствии всегда хорошо отзывался о Жилло, хотя и не смог, по-видимому, смириться со своим зависимым от него положением.
Декоративная панель к клавесину. Ок. 1708–1709 Частное собрание
Декоративная панель с росписью Ватто. Ок. 1707–1708 Частное собрание
Вскоре Ватто сменил наставника. Им стал известный художник-орнаменталист, представитель династии мастеров, работавших в этой области, — Клод Одран. Помогая ему, молодой художник участвовал в исполнении заказов по декоративному оформлению интерьеров городских дворцов и загородных резиденций. Он прошел прекрасную школу рисовальщика, придумывая орнаментальные мотивы, научившись создавать арабески, чувствуя ритм их построения, находить гармонию в расположении маленьких фигурок, линий и завитков орнамента на плоскости стены или деревянной панели. Сохранились гравюры с изображением сюжетов, исполненных им вместе с Одраном. О его самостоятельной работе можно судить по расписным деревянным панелям для кабинета дворца Ла Мюэтт. Дворец Ла Мюэтт во времена Ватто принадлежал королевскому егермейстеру д'Арменонвилю, который, по-видимому, заказал Ватто росписи (не сохранились) и декор кабинета. Сохранились лишь расписанные художником панели кабинета. В них проявились фантазия, свобода рисунка, редкое колористическое дарование мастера. С артистическим мастерством орнаменталиста он следует в их росписи вкусам времени, сочетая светло-лиловые, оранжевые, светло-серые, зеленые цвета в изображении орнаментальных мотивов на светлом фоне деревянных створок. В орнамент вкраплены фигурки кавалеров и дам, циркачей, восточных богинь, обезьянок. Элементы модной «китайщины» (распространенной также в украшении мебели и фарфора. — Е.Ф.) свидетельствуют о том, что Ватто использовал характерные мотивы эпохи, но проявлял фантазию и вкус, предвосхищая поиски мастеров рококо. Иногда это целые пикантные сценки с изображением настойчивого кавалера и сопротивляющейся дамы (Соблазнитель), в которых угадываются сюжеты его будущих картин. Изображенные словно на просцениуме, изящные плавные фигурки всегда прихотливо и грациозно соотнесены с изгибами орнамента. Они напоминают капризные восточные безделушки из фарфора, входившие в моду.
Маскарад (Итальянские комедианты). Ок. 1712 Частное собрание
Савояр. 1711 Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Савояр Музей Малого дворца, Париж
Сцена собеседования. 1712–1713 Музей искусств, Толедо
Актеры итальянского театра. 1714–1715 Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Искательница приключений. Ок. 1712 Музей изящных искусств, Труа
Клод Одран был хранителем коллекции Люксембургского дворца, благодаря чему Ватто мог познавать здесь прекрасные произведения искусства, среди которых особое место принадлежало полотнам Питера Пауля Рубенса из серии История правления королевы Франции Марии Медичи. Отныне фламандский живописец — его самый любимый художник. Он станет «рубенсистом», как те французские художники, которые еще в конце XVII столетия оспаривали со сторонниками Никола Пуссена («пуссенистами») первенство колорита над рисунком, приоритет чувства над рассудочностью классицистов. Фламандская традиция навсегда останется важнейшим источником искусства Ватто. Он будет читать письма Рубенса, интересоваться живописью Ван Дейка, проявлять внимание к жанровым сценкам фламандских мастеров, к их колористическим достижениям, о которых с восхищением писал романтик Эжен Делакруа.
Неожиданно в 1709 году Ватто покидает мастерскую Одрана и уезжает в Валансьен, где проводит несколько лет (до 1711 года). Отъезду, однако, предшествовало знаменательное событие. 31 августа 1709 года он принял участие в конкурсе на Большую Римскую премию, дававшую право поездки в Италию в качестве пенсионера Королевской Академии живописи и скульптуры. Строгий академический Совет в лице таких маститых живописцев и скульпторов, как Иасент Риго, Никола Ларжильер, Шарль де Ла Фосс, Жан Жувене, Антуан Куазево, Франсуа Жирардон, присудил ему лишь вторую премию. Огорченный отказом, он на время покинул Париж.
Юпитер и Антиопа. Ок. 1712 Лувр, Париж
Арлекин — император Луны. 1708 Музей изящных искусств, Нант
В Валансьене Антуан Ватто впервые начинает самостоятельно работать. О его творчестве этого времени свидетельствуют картины и рисунки, в которых запечатлены те жизненные сцены, которые он мог наблюдать. Полотна Бивак (1709–1710), Бивак (ок. 1710), Въезд в Валансьен (ок. 1710), Рекруты, догоняющие полк (ок. 1709, Музей изящных искусств, Нант), Савояр (1711), Отдых военных (ок. 1712, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) созданы или в Валансьене или по заказу Сируа сразу же по возвращении в Париж. И, хотя истоки подобных жанровых сценок следует искать в творчестве фламандских мастеров, в этих небольшого размера картинах чувствуется «французская ирония и чувствительность», которую подметил в творчестве Ватто поклонник его живописи Александр Бенуа. Бегущие из разоренных селений крестьяне, солдаты, рекруты, маркитанты, бродячие актеры изображены на перекрестках дорог Северной Франции живо и правдиво. В этих сценках проявились фантазия и смелость молодого художника, обратившегося к созданию совершенно нового для французского искусства рубежа веков жанра, которого не было в напыщенном искусстве эпохи Людовика XIV, где ценились апофеозы, парадные портреты, композиции на библейские и мифологические сюжеты. Фигурки персонажей в картинах Ватто находятся как бы в непрерывном диалоге, они изображены говорящими, комментирующими, слушающими. Художник располагает их в пейзажном пространстве, добиваясь гармоничного слияния с ним, тонко распределяет цветовые доминанты их ярких костюмов, передает бытовую конкретность поз и жестов.
Любовь на итальянской сцене. 1712–1715 Национальная галерея, Берлин
Любовь на французской сцене. 1712–1715 Национальная галерея, Берлин
Во всех этих ранних картинах Ватто какая-то внутренняя печаль таится в передаче состояния как людей, так и пейзажа.
Все, что видел художник вокруг себя, что привлекало его внимание, он зарисовывал на листках своих маленьких альбомов, которые теперь считаются шедеврами мировой графики. Рисунки — совершенно особая грань дарования Антуана Ватто. Они представляют существенную часть его художественного наследия. Многие из них, к сожалению, были утеряны, и известно, что часть из них была уничтожена самим автором. Сохранилось 563 листа, исполненных в характерных для него техниках — «в два цвета» (сангиной и черным мелом; сангиной и свинцовым карандашом), «в трех карандашах» (сангина, черный и белый мел), пастелью, гуашью. Ценя красочную возможность рисунка, Ватто часто использовал тонированную бумагу. Для него, как и для многих мастеров XVIII века, рисунок станет не только средством изучения натуры, но и средством самовыражения. В Валансьене он уделял ему много времени и остался верен ему всю жизнь. Энергичные акценты линий сангины и черного мела придают живую выразительность и тонкую эмоциональность его ранним графическим образам — фигурам солдат в дозоре или на отдыхе, бродячих актеров итальянской комедии, рекрутов, зарабатывающих на жизнь гаданием савояров (беженцев из беднейшего района — Савойи. — Е.Ф.). Зарисовки с натуры служили Ватто основой для его будущих живописных композиций. Трудно забыть грустного мальчика-подростка с шарманкой и сурком, вытягивающим билетики при гадании, изображенного в полотне Савояр и в рисунках, колоритные образы старого старьевщика или горбуна с кукольным театром.
Арлекин и Коломбина (Хотите покорять красавиц?). 1712–1715 Коллекция Уоллес, Лондон
В Валансьене художник сближается со скульптором Антуаном Патером, работы которого украшали местные церкви. Его сын, Жан-Батист Франсуа Патер, будет впоследствии учеником Ватто. Близким другом художника становится Антуан де Ла Рок, бывший военный, любитель искусств, литератор. Ватто напишет портреты этих людей, ставших благодаря этому известными для истории.
В 1711 году Ватто возвратился в Париж. К периоду 1711–1712 годов относятся его первые картины с изображением сцен из спектаклей, актеров итальянской и французской комедии.
Перспектива. Ок. 1714 Музей изящных искусств, Бостон
Полотно Сатира на врачей (начало 1710-х), написанное, по-видимому, в Валансьене, еще не достаточно самостоятельная работа. Оно имеет и другое название — «Что я вам сделал, проклятые убийцы?». Это одно из первых произведений Ватто, где театральные впечатления сливаются с жизненными наблюдениями, как это и в дальнейшем будет в картинах художника. Врачевание — удел уличных шарлатанов — высмеивалось в уличных фарсах и было характерным явлением эпохи. В конце века Джованни Доменико Тьеполо в своих станковых картинах будет тоже с иронией изображать этих горе-лекарей, предлагавших лекарства от всех болезней незадачливым уличным зевакам. Ватто изображает эту уличную сцену из спектакля без иронии. Его живопись отныне и навсегда будет удивительно открыта для зрителя, которому он предоставляет возможность самому сделать оценку события.
Полотно Арлекин — император Луны (1708) — это сцена из конкретного спектакля. Комедия, сочиненная Ноланом де Фатувилем, явилась предлогом изгнания из Парижа итальянских комедиантов. Фигуры, написанные Ватто, кажутся здесь еще неестественными в пластическом отношении, но прелесть этой незатейливой сценке придает красочность костюмов актеров.
Туалет. Ок. 1715 Коллекция Уоллес, Лондон
Ватто был, согласно сведениям современников, постоянным посетителем Комеди Франсез и представлений актеров итальянской комедии, дававшихся обычно во время ярмарок. Последние были изгнаны из пределов Франции при Людовике XIV за сатиры на королеву-ханжу, и официально они вернулись сюда лишь после смерти Короля-Солнце — в 1716 году.
Судя по картинам и рисункам, Ватто больше привлекала как раз итальянская импровизационная комедия дель арте. Хотя для постановок французской и итальянской комедий пьесы писали часто одни и те же авторы, но представления актеров-итальянцев были проще, веселее, более приближенными к жизни. Забавные Панталоне, Бригелла, Коломбина, Пульчинелла умели развеселить публику своими импровизациями в отличие от актеров французского театра, где игра была более выспренной, декламация — менее натуральной и напыщенной. Во французском театре все еще царили стихотворные пьесы писателей-классицистов, хотя такие современники Ватто, как А. Р. Лесаж и П. К. де Мариво, в своих полных просветительского свободомыслия комедиях создавали образы, полные жизненного огня, иронии, тонкого остроумия. Ватто часто приходил в театр рисовать, изучал мимику и жесты актеров, постигал пластику их игры, особое внимание обращал на костюмы с тем, чтобы потом придумывать их для своих героев. Театр являлся для него источником постижения возвышенных чувств и прозы жизни, того, что так тонко он сумеет соединить в своем искусстве.
В ранних полотнах Искательница приключений (ок. 1712) и Обольститель (ок. 1712, Музей изящных искусств, Труа) Ватто еще изучает жесты и мимику актеров для того, чтобы передать через пластику фигур эмоции персонажей, мир их беспечного состояния. Как и в орнаментальных мотивах, он ищет четкости в изображении фигурок молодой, уверенной в себе особы и юноши-гитариста в картине Искательница приключений, и горбоносого гитариста-обольстителя, и слушающих его серенаду двух дам (Обольститель). В изображении этого диалога, тонкой беседы для художника более всего важна выразительность костюма, позволяющая придать каждой фигуре и всей сцене определенную эмоциональную выразительность. Это гораздо более важно для него, чем мимика лиц, которые словно в тени. Костюм всегда будет играть большую роль в его работах. Он вызывает ассоциации с театральными костюмами и, одновременно, с одеждой современников художника, покроем платьев дам и камзолов кавалеров. Но это всегда костюм, сотворенный фантазией Ватто. Он волен подчеркнуть в нем то резкий силуэт, то легкие складки и переливы тканей, всегда выявляя его материальность. Костюм помогает ему охарактеризовать эмоциональное состояние героев, сложную гамму душевных чувств, передать связь с пейзажным окружением. И искательница приключений с ее гордой осанкой, и очаровывающий дам обольститель — это некие герои-полумаски, костюмированные персонажи, разыгрывающие пьесы, автором которых является сам художник.
Робкий влюбленный. Ок. 1716 Королевский дворец, Мадрид
Церера. Из серии Времена года. До 1715 Частное собрание
Вертумн и Помона (Осень). До 1715 Частное собрание
В картинах — Актеры итальянского театра (ок. 1712), Искательница приключений (ок. 1712), Маскарад (Итальянские комедианты, ок. 1712) или в несохранившихся и известных лишь по гравюрам (гравюра Л. Жакоба Изгнание итальянских комедиантов из Парижа в 1697 году) он изображает актеров, превращая сценки в некую разыгрываемую ими пантомиму. В сценах мало действия, но для Ватто важна передача душевных движений этих персонажей. Характерно, что за недостаточность действия в пьесах ругали и Мариво, стремившегося тоже в своих идущих на сцене комедиях рассказать о мире человеческих переживаний, жизни человеческого сердца.
Лукавица (Финетта). Ок. 1716 Лувр, Париж
Капризница. Ок. 1716 Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Беспечный. 1717 Лувр, Париж
К ранним произведениям Ватто, по-видимому, относятся и две парные картины — Обезьяна-скульптор (или Скульптура, Новый Орлеан, Художественный музей) и Обезьяна-живописец (или Живопись, утеряна). В них Ватто, несомненно, выразил представления о ремесле, о понимании статуса художника в обществе. Как мастер века Просвещения Ватто верил в самое высокое предназначение своего ремесла. Сын кровельщика из провинции, он мечтал о признании, труд художника он воспринимал как нелегкий процесс творчества. А образ рисующей или ваяющей торс обезьяны — это образ художника-ремесленника, подражателя вкусам, не способного к подлинному служению искусству. Эти два небольших полотна овальной формы — самые ироничные произведения Ватто, смело утверждающего избранность своего ремесла.
В 1712 году художник во второй раз представил свои работы в Академию, и на этот раз его мечта осуществилась, картины были одобрены такими уважаемыми мастерами, как Антуан Куапель и Шарль де Ла Фосс, Ватто получил звание «причисленного» к Королевской Академии живописи и скульптуры, это положило начало его признанию в академических кругах, появлению новых знакомых среди меценатов и заказчиков. Немало людей знатного происхождения оказывали ему покровительство, как, например, известный богатый финансист, коллекционер Пьер Кроза. Его дворец на улице Ришелье в Париже и в загородном особняке в Монморанси украшало большое собрание произведений искусства, каталог которого владелец доверил составлять П. Ж. Мариэтту. Ватто, пользующийся большим расположением Кроза, получает разрешение изучать рисунки из его большого графического собрания, копируя шедевры Тициана, Джулио Кампаньолы, Рубенса. Как и Мариэтт, связанный с кругом европейских просвещенных деятелей, Кроза содействует известности молодого художника. Из Венеции к Ватто приезжают известные художники — работавшая в технике пастели Розальба Каррьера и живописец Себастьяно Риччи, которые знакомят с его творчеством итальянцев. «Я всегда была ценительницей созданий столь исключительного таланта», — писала о Ватто Розальба Каррьера.
Затруднительное предложение. Ок. 1716 Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Две кузины. Ок. 1716 Лувр, Париж
Близкими друзьями Антуана Ватто, которым он после смерти доверил распорядиться своими произведениями, были Жан де Жульен, Эдм Франсуа Жерсен, Никола Флейгельс, Никола Энен. Не только своему таланту, но и этим людям художник обязан сохранившимся сведениям о нем. Жан де Жульен, унаследовавший почти все работы Ватто, фактически сохранил их для истории. В 1735 году он издал свод гравюр, исполненных с его живописных произведений. Одним из первых он сумел оценить самостоятельную значимость рисунков Ватто и опубликовал завещанные ему листы в сборнике Фигуры разных характеров (1726). На гравюре Н. А. Тардье по рисунку Ватто «С тобою рядом сидя под этой дивной сенью» Жан де Жульен и художник изображены во время летней прогулки в саду особняка его друга. Название гравюры происходит от строк стихотворной подписи под ней. Жан де Жульен изображен музицирующим на виоле-дагамба, а Ватто — стоящим рядом, около мольберта. В этой работе Ватто вновь выразил свое представление о роли художника. Он показал не только духовную близость покровителя и живописца, но представил их как равных. Здесь нет ничего от парадности подобных портретных изображений XVII столетия, это диалог, беседа, рассказ о новом месте художника в обществе. Возможно, примером для него в этом являлся Рубенс, умевший всегда быть независимым по отношению к титулованным любителям его искусства. О великом фламандце во времена Ватто вдохновенно писал Роже де Пиль, советник Королевской Академии живописи и скульптуры, теоретик искусства. По моде того времени его трактаты тоже были написаны в форме диалогов между художником и любителем искусства, а в образе Рубенса всегда подчеркивалось достоинство в понимании социального положения художника. Советник короля по устроению празднеств Никола Энен и живописец Никола Флейгельс, впоследствии ставший директором Французской Академии в Риме, также оставили воспоминания о Ватто. Эдм Франсуа Жерсен, владелец антикварной лавки на мосту Нотр Дам, которую он унаследовал от своего тестя Сируа, оказывал ему большую поддержку при жизни, а в 1736 году издал каталог его картин.
Пастушки. Ок. 1716 Новый дворец, Потсдам
Осенью 1711 года Антуан Ватто получил от Пьера Кроза заказ на исполнение полотен для живописного цикла Времена года (1711–1716, этюды хранятся в Лувре) и приглашение жить и работать в его доме. Художник прожил здесь до 1715 (1717) года и покинул Кроза из-за возникшей между ними размолвки. Этюды к трем полотнам — Весна, Лето, Осень и сохранившиеся к ним рисунки свидетельствуют о попытке Ватто работать в «большом стиле». С циклом Времена года, возможно, связано и полотно Церера (до 1715).
Церера, олицетворяющая лето, (Флора — весну, Бахус — осень, Сатурн — зиму. — Е.Ф.) — обычный персонаж подобных циклов в общепринятой в те времена иконографии их изображения. Ватто представил Цереру не в пейзаже, а лишь с традиционными атрибутами, плавно вписав фигуру в овал. В тонко продуманной гамме полотна он передал особенность ярких красок летней природы — свежести зелени и цветов. Этюды и картина позволяют судить о блестящем колористическом таланте Ватто. Искрящиеся легкие мазки придают особую переливчатость краскам, рождают колористическое обаяние каждого полотна, исполненного тем «изяществом кисти», которое отмечали современники у Ватто. Возможно, работая над этим циклом, Ватто думал о скульптурных образах Флоры, Цереры, Бахуса (в Лувре хранится его прекрасный рисунок Вакх с чашей, связываемый с циклом), которые украшают парк Версаля. Они оживляют окружающий дворец пейзаж и оставляют неизгладимое впечатление у всех, посетивших этот музей французской скульптуры под открытым небом. Утренний, дневной или вечерний свет, неповторимые краски времен года придают каждому скульптурному образу совершенно определенное очарование. Невольно эти чудесные изваяния ассоциируются с образами в этюдах Ватто, тоже содержащими в себе тончайшую гамму чувств.
Мецетен. 1717–1719 Музей Метрополитен, Нью-Йорк
В костюме Мецетена (Семейный концерт). Ок. 1717 Коллекция Уоллес, Лондон
Неуверенность. 1716–1718 Лувр, Париж
Шарм жизни. Ок. 1716 Коллекция Уоллес, Лондон
В период 1712–1716 годов Ватто создал ряд станковых полотен на мифологические и религиозные сюжеты. Это была еще одна попытка обращения к «большому стилю», в трактовку которого художник привнес мироощущение мастера века Просвещения. Сохранившиеся рисунки свидетельствуют о том, что он много работал с живой натуры, занимался поиском правдивых поз и жестов персонажей. Это было совершенно новое понимание соотношения идеализации и натурности в работах подобного жанра. Не случайно жизненно правдив образ Антиопы в полотне Юпитер и Антиопа (ок. 1712), похожей на спящую девушку. Так же жизненно конкретна Помона в картине Вертумн и Помона (до 1715), напоминающая, скорее, театральную героиню-простушку или рыжеволосую красавицу служанку, которая часто позировала ему. Ватто смело нарушает традиционную иконографию в трактовке известных сюжетов. В полотне Похищение Европы (Париж, Школа изящных искусств, сохранилась гравюра) он изобразил не сцену похищения Европы быком, а сцену с героями, резвящимися на берегу моря среди нимф. Глядя на эти диалоги влюбленных в картинах Вертумн и Помона или Похищение Европы, вспоминаются слова П. К. Мариво: «Ну и сюрпризы преподносит нам любовь!» В этих полотнах живет отзвук театральной травестии, нарушающей традиционные строгость и чопорность академической картины на мифологический сюжет.
Наслаждение балом. Фрагмент
Свое преклонение перед прекрасным Ватто выразил в полотне Суд Париса (ок. 1718). Парис, избравший Красоту в образе Венеры, предстает в живом диалоге с богиней. Оно подчеркнуто освещением и светлыми одеждами двух главных персонажей и более темными — остальных (Меркурия, Минервы, Юноны. — Е.Ф.), не безучастных, а заинтересованных свидетелей происходящего. Элемент жанровости присутствует и в картине на религиозный сюжет Отдых Святого Семейства (ок. 1716, частное собрание, Париж). Овальная форма этого полотна не была характерна для изображения сцен из Священного Писания. Здесь она усиливает ощущение единства всех фигур, в трактовке которых Ватто акцентирует мимику лиц, бытовую характерность поз и жестов. Порой и в рисунках на библейские сюжеты жест является для художника словно лишь поводом для воссоздания поэтической атмосферы единения фигур в пейзаже, как, например, в рисунке Нахождение Моисея (Школа изящных искусств, Париж), исполненном, возможно, под впечатлением от рисунка Паоло Веронезе из собрания Кроза.
Наслаждение балом. Ок. 1716–1717 Галерея Дулвичского колледжа
Наслаждение балом. Фрагмент
Наслаждение балом. Фрагмент
Тема театра остается ведущей в творчестве Антуана Ватто и в период 1712 — конца 1719 годов, то есть до его неожиданного отъезда на год в Англию. Он изображает актеров или своих друзей в костюмах театральных персонажей, располагая их по одному, попарно или живописной группой в пейзаже. Фигуры комедиантов в картинах Лукавица (Финетта) (ок. 1716), Беспечный (1717), Капризница (ок. 1716), Мецетен (1717–1719) выглядят величественно, хотя эти полотна невелики по размеру. Это портреты-маски, олицетворяющие как бы различные амплуа актеров и, одновременно, различные оттенки человеческих характеров и настроений — лукавство, неприкаянность, кокетство, грусть. Финетта восхищала Ренуара, и он считал эту картину лучшей в собрании Лувра. Братья Гонкуры писали о ней так: «Грация Ватто — подлинная грация. Это не просто воспроизведение кокетки, красавицы, физической красоты. Это что-то более утонченное, которое таится в улыбке линии, душе формы, духовной наполненности материи».
Ватто любит объединять изображения в любовном диалоге попарно (Робкий влюбленный, ок. 1716; Гамма любви, ок. 1717; Неосмотрительность, 1716–1718, Лувр, Париж) или вчетвером (Партия вчетвером, ок. 1713), Арлекин и Коломбина (Хотите покорять красавиц?), 1712–1715; Две кузины, ок. 1716), рассказывая о сюрпризах и нечаянностях любви. Трудно определить истоки подобных сценок в творчестве художника. Этот «жанр» создан его воображением, впечатлениями от реальной действительности — мира человеческих чувств, театра, музыки, в нем живут воспоминания о произведениях старых мастеров. В этих сценках в тонкой гармонии слиты воедино пастораль и реальность, возвышенные представления о жизни и искусстве и легкая ирония.
Общество в парке. Ок. 1716–1717 Лувр, Париж
В XVIII столетии художники всех европейских школ, стремившиеся приблизиться к правдивой передаче действительности, обратились к написанию «сцен собеседования». Они изображали фигуры в интерьерах и пейзажах, объединяя их совместным действием. В Англии подобные «сцены собеседования» получили название «conversation pieces», в Италии — «conversazioni». Француз Антуан Ватто одним из первых в начале XVIII века создал свой тип «сцен собеседования», соединив в нем столь ценимые в век Просвещения увлечение театром, мастерством ведения беседы превратившимся в высшем свете в моду, натурные наблюдения.
«Сцены собеседования» Ватто с изображением развлекающихся в парижских парках дам и кавалеров получили название «галантные празднества». Именно под таким названием в 1717 году было зарегистрировано в академическом реестре знаменитое полотно Ватто Паломничество на остров Киферу (1717), за которое он получил звание действительного члена Королевской Академии живописи и скульптуры. Трудно предположить, что что-то одно явилось источником рождения его «галантных празднеств». В начале XVIII века, действительно, существовала мода на ведение беседы на различные темы. Этому вопросу посвящались специальные труды, среди которых были эссе Монтеня и Мадлен де Скудери. Беседа считалась искусством в высшем свете. Однако столь же популярны были и диалоги театральных актеров, которые тоже могли вдохновлять художника, самозабвенно любившего театр. Гонкуры сравнивали его «галантные празднества» с музыкой, гармонией танца. В его сценах с изображением беседующих на лоне природы дам и кавалеров, действительно, как в современном художнику оперном спектакле, акцентировано движение, а точнее, пластическое действие, переданное им с подлинно французским изяществом. Как в операх его великого современника Ж.-Б. Люлли, Ватто продумывает действие «ритмически» и «мелодически», если под последним понимать исключительно тонкую организацию цветовой гармонии каждого полотна. Поэтому эмоциональнолирическое содержание каждого «галантного празднества» у него индивидуально, как в каждой балетной пасторали, в нем существует своя внутренняя логика композиции, заставляющая ощутить руку умелого «хореографа», придающего каждой картине особую пластическую выразительность.
Гамма любви. Ок. 1717 Национальная галерея, Лондон
Ватто создавал свои «галантные празднества» на основе рисунков с натуры, которые потом объединял. Вряд ли справедлив был в своей оценке Делакруа, писавший, что «каждая маленькая фигурка у него (Ватто. — Е.Ф.) изолирована, и слишком уж заметно, что она была написана на досуге, совершенно независимо от соседних с ней фигур». Художник умел гармонично объединять фигурки дам и кавалеров в пейзаже, уподобив «сцены собеседования» некоему музыкальному спектаклю. Не случайно уже современники ассоциировали их с самой волшебной музыкой XVIII столетия — музыкой Моцарта.
Глядя на полотна Шарм жизни (ок. 1716), Наслаждение балом (ок. 1716–1717), Общество в парке (ок. 1716–1717), Безмятежная любовь (ок. 1718), Елисейские поля (ок. 1718) или самое прославленное «галантное празднество» — Паломничество на остров Киферу, невольно ощущаешь ту еще неразделимую грань между искусством и жизнью, которую пытались постичь все мастера века Просвещения, в том числе и Антуан Ватто, стремившийся столь поэтически тонко решить эту важнейшую эстетическую проблему своего времени. Знаменитые слова Дени Дидро из его эссе Парадокс об актере о том, что лишь чувство является для художника высшей степенью познания, что «язык сердца разнообразнее языка разума», удивительно созвучны сценам Ватто. Французский просветитель, написавший свое эссе уже после смерти художника, тоже пытался решить эту проблему, призывая актеров в их игре к большей жизненности и естественности: «Приобретайте грацию и свободу, делайте все ваши поступки простыми, естественными и легкими, не будьте симметричны, безжизненны, пригвождены, размеренны и расставлены кругом», — назидательно советовал он им. Эту жизненность и естественность по-своему искал и Ватто, создав свой тип «сцен собеседования», в которых проблема соединения идеализации и натурности обрела наивысшую гармонию. О его полотнах можно сказать тоже словами Дидро: «В этом есть что-то от сна, но это не сон».
Воплощению тончайшей гаммы чувств в каждом из полотен Ватто способствует пейзаж. В том, что он напоминает театральную декорацию и, одновременно, вызывает ассоциации с реальной природой, есть определенный шарм. По свидетельству современников, художник любил писать деревья в парках Люксембургского дворца и в Тюильри. С пленительной живописной маэстрией легких мазков переданы листва пушистых деревьев, чарующий свет, полные грации маленькие фигурки, разместившиеся в укромных уголках парков. В начале XVIII столетия Ватто стал одним из мастеров, предвосхитивших новую концепцию пейзажа — пейзажа «на мотиве», основанного на передаче конкретного вида, эффектов освещения, красок реальной природы. Не случайно его «галантными празднествами» восхищались импрессионисты и, особенно, Ренуар, которого тоже интересовала передача особого неуловимого ритма жизни природы и человека, но уже в новой эпохе.
Партия вчетвером. Ок. 1713 Музей искусств, Сан-Франциско
В полотне Перспектива (ок. 1714) Ватто запечатлел уголок парка около особняка Пьера Кроза в Монморанси. В глубине аллеи виден павильон, выстроенный как театральная декорация для спектакля Бракосочетание Фетиды, ставившегося здесь в домашнем театре. В картине Шарм жизни, по-видимому, изображен портик колоннады Люксембургского дворца, на фоне которого расположилась живописная группа музицирующего общества. В полотне Елисейские поля Ватто передал их перспективу от галереи Тюильри, расположив группу дам и кавалеров на лужайке. Прекрасный пейзажист XIX века Джон Констебл копировал пейзажи Ватто и говорил об одном из его «галантных празднеств» (Сельский праздник. — Е.Ф.), что картина написана «так легко, что, кажется, написана медом». Эффекты освещения, варьируемые Ватто, придают особую эмоциональную окраску каждому пейзажному виду, наделяют особой внутренней тональностью каждую сценку. В полотне Общество в парке мягкие тона, которые передают вечернее освещение, находят отзвук в воде озера, рождают чувство печального настроения. А в картине Безмятежная любовь светлая цветовая гамма призвана передать ослепительную красочность летнего дня, аромат цветущего луга, на котором яркими пятнами смотрятся розовые платья дам.
Партия вчетвером. Фрагмент
Безмятежная любовь. Ок. 1718 Коллекция Уоллес, Лондон
Ватто создал немного собственно пейзажей, хотя этот жанр его интересовал. В полотне Пейзаж (Музей Фабра, Монпелье) запечатлен скромный уголок парижской окраины, и изображение природного мотива здесь предельно правдиво. Напротив, в пейзажном рисунке, исполненном сангиной (Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), аллея и павильон в ее глубине выглядят эскизом театральной декорации, природа в нем выглядит сказочноволшебной.
Елисейские поля. Ок. 1718 Коллекция Уоллес, Лондон
Ревнивый Пьеро. Гравюра Ж. Скотена с утерянного оригинала Ватто Школа изящных искусств, Париж
Довольный Пьеро. Гравюра Э. Жере с утерянного оригинала Ватто из Фонда Тиссен-Борнемисса Школа изящных искусств, Париж
Иногда Ватто вводил сценки с двумя фигурами в «галантные празднества» с большим количеством фигур, тем самым позволяя себе варьировать мизансцены, придавать им большую живость. Так, пара персонажей из полотна Гамма любви введена в картину Праздник любви (ок. 1717), которая очень нравилась Ренуару. Размещение фигур, их позы, жесты продумывались художником достаточно тщательно. Графические листы с набросками фигурок дам и кавалеров позволяют понять замыслы Ватто, метод его работы. В рисунке он прежде всего стремился правдиво зафиксировать движение, своеобразие жестов, поворотов, передающих разнообразную гамму человеческих состояний — грусти, меланхолии, веселости, оживленности, томности. На одном листе с великолепной декоративной продуманностью он размещает наброски разных голов или делает вариации поворотов головы одного и того же лица. Здесь же рядом может быть помещен набросок руки с понравившимся художнику жестом, градациями движений кисти. Натурные этюды Ватто всегда очень конкретны, но в них заключена и какая-то недосказанность, придающая рисункам ни с чем не сравнимое очарование. В самом композиционном построении каждого листа — разная эмоциональная тональность, переданная с высоким артистизмом. Экзотичны, как и графические образы Рубенса, листы Ватто с изображением голов трех молодых негров (Лувр, Париж) или Персиянин (Музей Тайлера, Гарлем), напоминающий героя Персидских писем Шарля де Монтескье — Узбека. Изящными абрисами линии черного мела и сангины переданы закругленные формы тел лежащей Вакханки (Музей Коньяк-Жё, Париж) и обнаженной Женщины с вытянутой рукой (Лувр, Париж). Ватто как подлинный мастер XVIII столетия ценил красочную технику рисунка, варьировал то на сангины, ее сочетания с черным мелом и свинцовым карандашом, силу нажима при штриховке. Иногда в его рисунках встречаются формы, которые будут привлекать внимание мастеров рококо — орнаментальный картуш для веера (с него гравировал Ф. Буше) или изображение раковины, от которой и происходит слово «рококо», или «рокайль». С рисунков Ватто гравировали лучшие мастера XVIII столетия — Ф. Буше, Ш. Н. Кошен, Ж. Демарто, Н. А. Тардье, Л. Деплас, Л. Жакоб, С. А. Томассен. Рисунки художника после его смерти были сразу же награвированы из-за опасения, что листы могут погибнуть. Руководство Академии с пониманием относилось к этому и одобряло все, что содействовало делу увековечивания и популяризации рисунка, так как интерес к нему возрос как к самостоятельному виду творчества, первому выражению мысли художника.
Ревнивый Арлекин. Гравюра Л. К. Шеделя с утерянного оригинала Ватто Школа изящных искусств, Париж
Праздник любви. Ок. 1717 Картинная галерея, Дрезден
Для Ватто в его «галантных празднествах» важна была прежде всего общая выразительность мизансцен. Поэтому большую роль в передаче гаммы изменчивых, разнообразных настроений играла индивидуальность поз и жестов, а не портретные изображения. Тем не менее вклад художника в жанр портрета, игравшего важную роль в искусстве века Просвещения, был очень значителен. Он прошел путь от традиционного для XVII столетия аллегорического портрета до портрета, предвосхищающего достижения лучших мастеров этого жанра в век Просвещения.
Одной из ранних работ Ватто был Портрет Антуана де Ла Рок (1711–1712, утерян, известен по гравюре Б. Леписье), исполненный в традиции классицистического аллегорического портрета. Сочинявший романы в духе А. Р. Лесажа, де Ла Рок изображен в мечтательной позе, словно у рампы, на фоне расположенной как бы у левой кулисы группы нимф.
Много рисуя с натуры и увлекаясь театром, Ватто обратился к новому типу портрета, к так называемому театрализованному портрету, существовавшему и ранее, но наделенному художником совершенно новыми качествами. Известно, что Ватто рисовал своих друзей, наряжая их в костюмы театральных актеров, а затем использовал их образы в своих «сценах собеседования». В его картинах часто встречаются одни и те же лица, хотя загадок с выяснением имен изображенных лиц осталось еще немало. В фигурке стоящего в мантии за креслом дамы кавалера в картине Шарм жизни изображен Никола Флейгельс. Он же представлен в роли танцора в полотне Венецианские празднества (1719, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург). Жан де Жульен, по-видимому, послужил моделью для фигуры музицирующего на виоле-дагамба кавалера в картине Концерт (ок. 1716, Дворец Сан-Суси, Потсдам). Образ Мецетена — персонажа французской комедии, который создавался в полотнах Мецетен и В костюме Мецетена (Семейный концерт, ок. 1717), — художник писал со своего друга Сируа. В рисунках Ватто часто встречается изображение дочерей Сируа, позировавших художнику. Старшая дочь — Мария Луиза, ставшая женой Э. Ф. Жерсена, в полотне В костюме Мецетена изображена справа от отца. В великолепном графическом портрете Дочери Сируа (Британский музей, Лондон) Ватто сопоставил два характера, два человеческих темперамента, использовав прием, к которому потом будут прибегать романтики, стремившиеся раскрыть разнообразный и изменчивый внутренний мир человека. К шедеврам Ватто относится и исполненный сангиной Портрет Антуана де Ла Рок (Музей Фитцуильям, Кембридж). Этот полный тонкого психологизма образ свидетельствует о том, какой большой путь проделал Ватто в постижении человеческой натуры.
К сожалению, автопортреты Антуана Ватто сохранились лишь в рисунках и гравюрах. Автопортрет сангиной (1722, Музей Конде, Шантийи) считается работой или самого художника, или копией с него, исполненной Ф. Буше в год смерти Ватто по заказу Жана де Жульена для издания Фигуры разных характеров. Существует еще гравюра Л. Крепи (1727, Школа изящных искусств, Париж), исполненная с утерянного оригинала, где полуфигура художника изображена в костюме героя комедии дель арте. Образ Ватто в обоих автопортретах согласуется с его портретом, созданным современниками, характеризовавшими его как человека неспокойного характера, меланхолического темперамента, склонного к грусти и хандре, застенчивого и язвительного одновременно. Первый — композиционно построен как зеркальное отражение, второй — театрализован, но оба донесли до нашего времени образ человека тонкой духовности, склонного, как все талантливые люди к сомнениям, к перемене настроений. Автопортреты Ватто, быть может, лучшее, что было создано им в этом жанре. В них тоже раскрылось его умение передать изменчивый мир человеческих чувств, что станет главным завоеванием в искусстве портрета века Просвещения.
Паломничество на остров Киферу. 1718 Лувр, Париж
К позднему творчеству художника относится Портрет скульптора Антуана Патера (1720, Музей изящных искусств, Валансьен). Простотой композиции, благородной неяркой гаммой, тонкостью цветовых рефлексов он предвосхищает лучшие картины Жана-Батиста Симеона Шардена. Как и в работах последнего, образ провинциального скульптора из Валансьена наделен сознанием собственного достоинства, пониманием исключительности избранного ремесла. Рука его покоится на мраморной голове, что указывает на ремесло ваятеля. В портрете передан сильный волевой характер этого немолодого человека.
Паломничество на остров Киферу. Фрагмент
Открытия Антуана Ватто в портрете оказались очень важными для последующего развития этого жанра, они дали импульс портрету века Просвещения, главной задачей которого станет раскрытие мира человеческой души, полной тайных высоких помыслов или прозаических желаний, но притягательной и важной для художника в его стремлении глубже познать человека.
Полотно Паломничество на остров Киферу стало этапным в творчестве Антуана Ватто. На торжественной церемонии присуждения за него художнику звания академика присутствовал ставший регентом после смерти Людовика XIV герцог Филипп Орлеанский. Это означало окончательное и наивысшее признание на родине его таланта.
Содержание этого самого известного «галантного празднества» художника вызывает различные мнения. Возможно, это интерпретация известной со времен Ренессанса темы «садов любви», которая привлекала в свое время Рубенса и других мастеров Фландрии и Италии. А, быть может, воспроизведение сцены из прециозного романа Поля Таллемана Езда в остров любви (1663), популярного в аристократических кругах, ставшего своего рода учебником игры в чары любви. Полотно имело огромный успех, и Ватто исполнил его повторение (1718, Дворец Шарлоттенбург, Берлин), за которым закрепилось название Отплытие на остров Киферу (1718–1719).
Отплытие на остров Киферу. 1718–1719 Дворец Шарлоттенбург, Берлин
Размер первого полотна, диктовался требованиями Королевской Академии, где по-прежнему ценились пышные апофеозы, велеречивые картины на исторические и мифологические сюжеты. Паломничество на остров Киферу, быть может, не самое лучшее произведение Антуана Ватто. Неизвестно, был ли удовлетворен картиной он сам, как, например другой своей более поздней работой Отдых во время охоты (ок. 1720). Сейчас трудно определить, какой точно смысл вкладывал он в сюжет этого полотна. Должно ли оно было прозвучать как ностальгическое воспоминание об ушедшем прошлом «Grand siécle», галантные нравы которого пародировались в романах Мариво? Или, напротив, Ватто двигало желание рассказать о том неизведанном и таящем много нового для человека будущем? Мечта об острове любви — Кифере — влечет изображенную на картине яркую процессию дам и кавалеров именно от прошлого к будущему. Огромную палитру чувств представил художник в этой процессии — томность, кокетство, жеманность, нежность, придав несколько печальную окраску происходящему, а, быть может, даже чуть иронично оценивая театральность выражения подлинных человеческих чувств, скрытых за масками внешней галантности пар. Эта легкая ирония сквозит в том, как легко заменяет Ватто увитую цветами герму Афродиты, изображенную в первом варианте, на мраморную статую Афродиты с амурами — во втором. Как легко, нарушая артистичность первого варианта, перегружает композиционно второй, добавляя летящих пухлых розовых амуров, мачту с розовым флагом на корабле, увеличивая число влюбленных пар. Почти в танцевальных па движутся пары по крутому склону берега к тихой воде озера, где ждет их корабль. Переливы светлых и темных пятен звучных цветов, плавный ритм расположения фигур в пейзаже рождают впечатление движущейся волны. Эту мелодичность в движении уловили братья Гонкуры, писавшие: «…кажется, что процессия движется в определенном ритме, и ее движение напоминает гармонию танца». В картине Ватто видится синтез мечты и реальности, мифа и современности, но, какой смысл вкладывал в него сам художник, навсегда останется тайной «манеры Ватто», особое обаяние которой именно в этой недосказанности всего изображаемого им. Художник часто бывал неудовлетворен своими работами. «Ватто никогда не бывает удовлетворен своими картинами, что не мешает ему быть одним из нынешних королей кисти», — писал один из его биографов. В приступах уныния и недовольства художник иногда уничтожал свои работы.
Отдых во время охоты. Ок. 1720 Коллекция Уоллес, Лондон
Суд Париса. Ок. 1718 Лувр, Париж
Жиль. 1718–1719 Лувр, Париж
«Думаю, что одной из главных причин такого недовольства являлось присущее ему высокое представление о живописи. Могу засвидетельствовать, что он представлял себе искусство как нечто гораздо более возвышенное, чем то, что сам он делал», — писал другой современник Ватто.
Свои мысли об искусстве Антуан Ватто выразил в полотне Жиль (1718–1719), исполненном до отъезда в Англию. Для образа стоящего на просцениуме и словно грустно смотрящего в зал комедианта позировал, возможно, друг Ватто, одетый в театральный костюм. Его лицо лишено мимики, фигура в белом балахоне неподвижна и выглядит величественной в этом почти двухметровом по высоте полотне. Подчеркнутая простота композиции позволяет выделить выразительное лицо Жиля, его умные печальные глаза. Созданный Ватто образ актера полон человечности, беззащитной доброты. В нем воплощены размышления Ватто о положении художника в мире, полном несправедливости и огорчений, о вынужденном одиночестве. Впервые в его портрете-маске столь сильно и обнаженно была выражена глубокая внутренняя сущность образа. Театрализованный портрет-маска, портрет-амплуа превратился в остро психологический портрет современника. Жиль Ватто, подобно Хромоножке Хусепе Риберы или Продавщице креветок Уильяма Хогарта, Шутам Диего Веласкеса, стал воплощением образа человека из народа, жизнь которого стремились познать и правдиво передать художники XVII и XVIII столетий. Как и герои произведений П. К. Мариво, Жиль Ватто наделен высоким человеческим достоинством, открытостью души, способной на глубокие чувства.
Танец. Ок. 1719 Частное собрание, Нью-Йорк
Осенью 1719 года Антуан Ватто уезжает в Англию. Он живет в доме своего последователя — живописца Филиппа Мерсье. Предполагалось, что он будет здесь лечиться, так как болезнь легких обострялась, но переезд через Па де Кале до Дувра, а затем дорога до Лондона не пошли ему на пользу. Влажный климат Англии усилил болезнь. Что еще заставило художника покинуть Париж, несмотря на успех и признание, осталось неизвестным. Владельцы богатых особняков Лондона охотно покупали его работы (некоторые он привез с собой. — Е.Ф.), многие полотна навсегда остались в Англии. Здесь, по-видимому, была написана картина Актеры итальянского театра (1719–1720), а парная к ней — Актеры французского театра (1720–1721, Музей Метрополитен, Нью-Йорк) — завершена по возвращении на родину. В них Ватто вновь обратился к теме театра, любимому им миру кулис, масок, превращений. Можно предположить, что этому способствовало и знакомство с английским театром, как частью интересовавшей его впечатлительную натуру культуры этой передовой в век Просвещения страны. Однако картин, непосредственно связанных с лондонскими впечатлениями, не существует, и лишь несколько рисунков можно связать со временем его пребывания там. Как и в своих ранних парных композициях Любовь на итальянской сцене (1712–1715) и Любовь на французской сцене (1712–1715), он снова словно попытался сравнить мир актеров французского и итальянского театров, импровизационную свободную игру итальянцев и более скованные классицистические правила игры соотечественников. В отличие от мира «галантных празднеств», где фантазия художника талантливо объединяла мир реальности и театра, сцены в картинах 1719–1720 годов выглядят просто эпизодами из пьес, ставившихся в это время. Существует предположение, что в полотне Актеры французского театра изображен эпизод из трагедии Андромаха Расина и в роли жестокого царя Пирра, добивающегося благосклонности вдовы Гектора, запечатлен известный актер Бобур.
Актеры итальянского театра. 1719–1720 Национальная галерея, Вашингтон
Лавка Жерсена. 1720 Дворец Шарлоттенбург, Берлин
Автопортрет. Рисунок с утерянного оригинала Ватто, возможно Ф. Буше. 1722 Музей Конде, Шантийи
Мальчики — чистильщики сапог Музей Бойманса — ван Бёнингена, Роттердам
Летом 1720 года Антуан Ватто возвратился в Париж. Здоровье его значительно ухудшилось, и работа стала затруднительной. Однако написанная им последняя картина Лавка Жерсена (1720) стала самым значительным произведением художника, итогом его творчества.
Красавица ничего не слушает. Гравюра Ш. Н. Кошена с утерянного оригинала Ватто Школа изящных искусств, Париж
«С тобою рядом сидя». Гравюра Ш. Н. Тардье с утерянного оригинала Ватто Школа изящных искусств, Париж
Изгнание французских комедиантов из Парижа в 1697 году. Гравюра Л. Жакоба с утерянного оригинала Ватто Школа изящных искусств, Париж
Друг художника Э. Ф. Жерсен купил антикварную лавку «Великий монарх» и обратился к Ватто с просьбой написать для нее вывеску. Он исполнил ее за неделю, так как уже имел опыт подобной работы, ранее сделав для бывшего владельца лавки некоего Дьё вывеску со сценой «Людовик XIV, преподносящий орден дофину». Изобразив на картине интерьер лавки Жерсена, Ватто словно раздвинул одну из ее стен, приглашая смотрящего войти туда. В невидимую дверь словно входят дама и галантно протягивающий ей руку кавалер. Перед ними — приказчик, упаковывающий в деревянный ящик портрет Людовика XIV — образ навсегда ушедшего Grand siécle, его нравов, его кумиров в искусстве. Справа, за столом — другая пара покупателей, расположившаяся рядом с владельцем лавки и его супругой (возможно, это изображение Марии Луизы Сируа). Рядом с ними — третья пара — дама и кавалер, пристально разглядывающие в лорнет демонстрируемое им полотно овальной формы. Сюжет полотна Ватто исключительно прост. «Сцена собеседования» перенесена на этот раз в интерьер (возможно, именно в этом сказались впечатления от искусства мастеров Англии. — Е.Ф.). В вечной гармонии реальности и идеала, которым всегда был для Ватто мир театра, здесь победила первая. Мир реальности и мир искусства сопоставлен теперь по-иному. Полотно Лавка Жерсена явилось одним из ранних образцов бытовой живописи века Просвещения, предвосхитив работы Шардена, Ж.-Б. Греза, итальянцев П. Лонги и С. Риччи и многих других европейских мастеров. Особую поэтичность, как и всегда в работах Ватто, придает колористическое решение, мягкий ритм в расположении групп фигур. Современники отмечали, что он умел исключительно тонко писать складки шелковых платьев дам, работая всегда с натуры, без помощи манекенов. Действительно, розовые платья двух посетительниц лавки написаны великолепно, их нежные тона оттенены коричневыми камзолами кавалеров.
Молодая женщина, сидящая на земле Музей Конде, Шантийи
Точильщик Лувр, Париж
Лежащая женщина с бокалом Музей Коньяк-Жё, Париж
Две сидящие девочки Лувр, Париж
Фигура обнаженного мужчины Лувр, Париж
Три наброска мужских и женских фигур Лувр, Париж
Сидящая женщина с веером Музей Пола Гетти, Малибу
Смог ли Ватто после Лавки Жерсена вновь возвратиться к написанию своих «галантных празднеств»? Вряд ли, они все равно остались бы лишь повторениями пройденного художником пути. Лавка Жерсена стала завещанием Ватто последующим поколениям мастеров. Он сумел выразить в этом полотне все то, к чему шел всю свою жизнь. Упаковываемый в ящик портрет Людовика XIV как образ ушедших вкусов и развешенные по стенам лавки работы старых мастеров и самого Ватто как образы современного и прообразы будущего искусства — многое говорят о его взглядах. Это «сцена собеседования», трактованная по-новому, диалог художника и самого искусства. В этом диалоге заключено смелое противостояние тем академическим устоям и тем пристрастиям, которые препятствуют проникновению всего нового.
Друзья старались всеми средствами помочь Ватто переносить тяготы болезни. Месье Ле Февр, служивший распорядителем увеселений короля, содействовал приглашению художника пожить в окрестностях Парижа, в доме аббата в Ножан-сюр-Марн. Свежий воздух провинции Иль де Франс, прогулки в живописном парке с буками и тисами не принесли облегчения. В тридцатисемилетнем возрасте на руках Жерсена Ватто скончался здесь от чахотки.
Антуан Ватто сумел достичь славы и признания при жизни. Его «галантные празднества» всегда охотно раскупались, так как удивительно гармонировали с интерьерами особняков знати. Рисунки тоже имели большой успех у маршанов и высоко ценились. «За ним навсегда сохранится слава величайшего и искуснейшего рисовальщика, которого когда-либо явила Франция», — писал Э. Ф. Жерсен. Но способно ли было современное художнику общество по достоинству оценить не только высокую поэтичность его искусства, но и его новаторство? Да и впоследствии многие мастера и критики не всегда были справедливы к нему. Ценивший колористический талант Ватто, Делакруа несколько свысока отмечал его манеру «словно по трафарету» писать деревья, делая сравнение с фламандцами не в пользу Ватто. Шарль Бодлер, тоже признававший его исключительное дарование, неожиданно сопоставлял его с неоклассицистом Энгром: «Если бы господин Энгр получил заказ с острова Киферы, его картина была бы не игривой и проказливой, как у Ватто, а мощной и полнокровной, как любовь во времена античности». В XIX веке критика была недобра к нему из-за нападок на эпоху рококо, к которому порой причисляли и Ватто.
При воспоминании об искусстве XVIII столетия имя Антуана Ватто всегда стоит рядом с именами самых талантливых мастеров века Просвещения. Он удивительно тонко сумел передать характер культуры Франции начала века, еще тесно связанной с прошлыми достижениями, но уже открытой всему новому. Образы его произведений, отзвук его искусства наполняют не только залы Лувра, где висят его картины, они живут и в современном Париже: в грации очаровательных парижанок, особой жизни природы парков, перспективе новых Елисейских полей, превратившихся в часть городского пространства. Искусство Ватто навсегда осталось поэтическим рассказом о Франции, ее истории, ее людях.
Сидящий мужчина, играющий на гитаре Лувр, Париж
