ОРФЕЙ (1950)

ORPHÉE

Франция (André Paulve, Palais Royal), 112 мин., черно-белый

Язык: французский

Режиссер: Жан Кокто

Продюсер: Андре Полве

Автор сценария: Жан Кокто

Оператор: Николя Айе

Музыка: Жорж Орик

В ролях: Жан Маре, Франсуа Перье, Мария Казарес, Мари Деа, Анри Кремье, Жюльет Греко, Рожер Блен, Эдуар Дермит, Морис Карнеж, Рене Ворм, Раймон Фор, Пьер Бертен, Жак Варен, Клод Мориак

«Мифы обречены на бессмертие», — говорит рассказчик в начале повествования. И это справедливо для кинофантазии Жана Кокто «Орфей», совершенно необычной, но притягательной аллегории, которая в некотором роде является зашифрованной автобиографией режиссера. Орфей (в исполнении излюбленного актера Кокто Жана Маре) — признанный, но вышедший из моды поэт. После того как его ненавистного соперника сбивают два мотоциклиста в униформе, он влюбляется в принцессу Смерть (Мария Казарес). Однако, когда покинутая им жена Эвридика (Мари Деа) умирает, Орфей отправляется за ней в царство мертвых, чтобы вернуть ее обратно.

Даже несмотря на обилие спецэффектов, этот фильм все же является выдающимся благодаря изобретательному изображению Кокто обратного хода событий с помощью ретроспективы. Зеркала у него — врата в потусторонний мир («Если смотреть в зеркало на протяжении всей жизни, можно увидеть, как за тобой придет Смерть»), хотя только поэты при желании могут проходить через них. Страдание — это чистилище замедленного действия, где не применимы законы физики. Хотя это загадочное повествование иногда отходит от легенды (и Орфей, и Кокто больше увлечены смертью, чем Эвридикой), нас завораживают поэтические образы фильма. Т. Ч.

 

АСФАЛЬТОВЫЕ ДЖУНГЛИ (1950)

THE ASPHALT JUNGLE

США (MGM), 112 мин., черно-белый

Режиссер: Джон Хьюстон

Продюсер: Артур Хорнблоу-мл.

Авторы сценария: У. Р. Барнетт, Бен Мэддоу, Джон Хьюстон, по роману У. Р. Барнетта

Оператор: Гарольд Россон

Музыка: Миклош Рожа

В ролях: Стерлинг Хейден, Льюис Калхерн, Джин Хейген, Джеймс Уитмор, Сэм Джаффе, Джон МакИнтайр, Марк Лоуренс, Барри Келли, Энтони Карузо, Тереза Челли, Мэрилин Монро, Уильям «Уи Уилли» Дэвис, Дороти Три, Брэд Декстер, Джон Максвелл

Номинации на «Оскар»: Джон Хьюстон (режиссер), Бен Мэддоу, Джон Хьюстон (сценарий), Сэм Джаффе (актер второго плана), Гарольд Россон (оператор)

Возможно, это один из наиболее талантливых приключенческих фильмов, снятых в Голливуде. Режиссер Джон Хьюстон показал ограбление ювелирного магазина и взаимоотношения преступников — начиная с тайного лидера, спланировавшего преступление, и заканчивая профессиональным вором, вскрывающим сейф, и силачом, следившим за охраной. «Такое преступление — всего лишь сомнительная попытка», — говорит «респектабельный» бизнесмен, который должен скупить краденое.

В данном фильме внимание уделяется не только краже, но и личной жизни членов банды, индивидуальность которых проявляется в их разговорах и внешнем облике. Хьюстон подобрал великолепный актерский состав, в том числе Мэрилин Монро, которая играет легкомысленную любовницу пожилого мужчины. Эта роль — одна из наиболее важных на раннем этапе ее карьеры. Как и во многих фильмах Хьюстона, тематический акцент ставится на успехах и неудачах членов банды, и при этом преступники неизбежно попадают в руки закона, и их собственные слабости преподносятся в героическом ключе. Главаря банды Дока Риденшнайдера (Сэм Джаффе) арестовывают, когда он задерживается в кафе, любуясь молодой красивой танцующей девушкой. Выносливый парень Дикс (Стерлинг Хейден) истекает кровью, пытаясь вернуться в деревню к своим любимым лошадям. Такие элементы мелодрамы умело контрастируют с отчуждением, предательством и презрением общества. Р. Б. П.

 

РАСЁМОН (1950)

RASHÔMON

Япония (Daiei), 88 мин., черно-белый

Язык: японский

Режиссер: Акира Куросава

Продюсеры: Минору Дзинго, Масаити Нагата

Авторы сценария: Рюноскэ Акутагава, Акира Куросава, Синобу Хасимото, по рассказам Рюноскэ Акутагавы «Ворота Расёмон» и «В чаще»

Оператор: Кадзуо Миягава

Музыка: Фумио Хаясака

В ролях: Тосиро Мифунэ, Матико Кё, Масаюки Мори, Такаси Симура, Минору Тиаки, Китидзиро Уэда, Норико Хонма, Дайсукэ Като

«Оскар»: Акира Куросава (почетная премия)

Номинация на «Оскар»: Со Мацуяма, Х. Моцумото (художественное оформление и декорации)

Венецианский кинофестиваль: Акира Куросава (Золотой лев), Акира Куросава (премия итальянских кинокритиков)

Три странника прячутся от грозы в развалинах храма. Дровосек (Т. Симура), священник (М. Тиаки) и простолюдин (К. Уэда) разводят костер и обсуждают волнующее их происшествие. Так начинается «рассказ в рассказе» о семейной паре и бандите, с которым они столкнулись на лесной тропе. Позже дровосек находит труп мужа и дает показания полицейским. Этот рассказ приводит в такой ужас священника и настолько захватывает простолюдина, что на протяжении всей грозы они захвачены четырьмя вариантами совершенного преступления.

По развитию сюжета точки зрения героев даются в сопровождении коротких кадров, снятых плавно движущейся камерой, с ярким направленным светом, и подробности фильма предстают в совершенно непостижимом ракурсе. Но достоверность экранных героев и их поступков в итоге оказывается поддельной и обманчивой. Факты, представленные для расследования, мгновенно подвергаются сомнению. Несогласованность показаний мужа, жены и бандита затрудняет поиск истины. Другими словами, каждый рассказчик на протяжении всей истории скрывает правду.

С точки зрения самого бандита Тахомару (Тосиро Мифунэ), случившееся на лесной тропе можно отнести к небольшому приключению. Масако (Матико Кё) отдалась ему по собственной воле, еще до того, как он убил ее мужа-самурая Такехиро (Масаюки Мори), и двое мужчин сражались до тех пор, пока один из них не был убит. С точки зрения Масако, ее изнасиловали, обесчестили, а затем муж отказался от нее, и в приступе истерии она убивает его. Медиум (Норико Хонма) вызывает дух Такехиро, который соглашается лишь с тем, что был убит, объясняя, что его жена ответила на страсть Тахомару, а затем потребовала, чтобы ее муж умер от рук бандита. Не видя смысла в убийстве, Тахомару убегает, вслед за ним и Масако, а Такихиро кончает жизнь самоубийством.

Каждый герой рассказывает свою историю, стремясь выставить себя в выгодном свете. В конечном итоге Тахомару оказывается безжалостным преступником, Масако — невинной жертвой, а Такехиро — гордым воином. Все это кажется вполне правдоподобным до тех пор, пока дровосек не рассказывает, что он видел, наблюдая за тенями. Его версия подтверждает легкомыслие жены, лживую браваду бандита и трусость мужа. Но дровосек также пытается скрыть соучастие в преступлении, пока простолюдин не разоблачает его, таким образом, положив конец поискам истины.

Куросава заканчивает свой жестокий рассказ на позитивной ноте: под руинами обнаруживают брошенного ребенка. Стремясь искупить свою вину, дровосек забирает с собой сироту, чтобы заботиться о нем, что привносит в фильм идею гуманности. «Расёмон», несмотря на отголоски шизофрении, отличается непревзойденной манерой повествования и считается первым шедевром Куросавы. Г. Ч.-К.

 

ВИНЧЕСТЕР-73 (1950)

WINCHESTER ‘73

США (Universal), 92 мин., черно-белый

Режиссер: Энтони Манн

Продюсер: Аарон Розенберг

Авторы сценария: Борден Чейз, Стюарт Н. Лейк, Роберт Л. Ричардс, по роману Стюарта Н. Лейка

Оператор: Уильям Г. Дэниэлс

Музыка: Уолтер Шарф

В ролях: Джеймс Стюарт, Шелли Уинтерс, Дэн Дюрьи, Стивен МакНалли, Миллард Митчелл, Чарлз Дрейк, Джон МакИнтайр, Уил Гир, Джей С. Флиппен, Рок Хадсон, Джон Александр, Стив Броуди, Джеймс Милликен, Эбнер Биберман, Тони Кертис

Первый из восьми совместных фильмов режиссера Энтони Манна и актера Джеймса Стюарта, «Винчестер-73» стал вехой в этом легендарном сотрудничестве. Вестерны, созданные ими, пронизаны необычайной горечью и особой красотой, с замысловатым подтекстом неопределенных нравственных устоев.

Сюжет фильма завязан на ценной винтовке, постоянно переходящей из рук в руки. Каждый, кто ею завладевает, в некотором роде меняется — иногда в лучшую сторону, а иногда в худшую. Кульминацией становится состязание в стрельбе, и наградой победителю станет сама винтовка.

Среди актеров фильма много замечательных имен. Великолепна игра Шелли Уинтерс, а второстепенные роли исполняют такие разносторонние актеры, как Миллард Митчелл, Стивен МакНалли, Уил Гир и несравненный Дэн Дюрьи.

Хотя в настоящее время Стюарт считается необычайно многогранным актером, во время выпуска фильма «Винчестер-73» он был обеспокоен своим узким амплуа. Его персонаж Лин МакАдам необычен — он в некотором роде экспериментатор и является главным поборником нравственности в фильме. Игра Стюарта в фильмах Манна приобретает все б`ольшую насыщенность и цинизм в последующих фильмах «Человек из Ларами» и «Обнаженная шпора», и, несомненно, значительной становится любая роль, за которую он берется. Э. де С.

 

РИО-ГРАНДЕ (1950)

RIO GRANDE

США (Argosy, Republic), 105 мин., черно-белый

Режиссер: Джон Форд

Продюсеры: Мэриан К. Купер, Джон Форд, Герберт Дж. Йейтс

Авторы сценария: Джеймс Уорнер Белла, Джеймс Кевин МакГиннесс, по роману Джеймса Уорнера Белла «Миссия без дневников»

Оператор: Берт Гленнон

Музыка: Дейл Эванс, Стэн Джонс, Текс Оуэнс, Виктор Янг

В ролях: Джон Уэйн, Морин О’Хара, Бен Джонсон, Клод Джармен-мл., Гарри Кэри-мл., Чилл Уиллс, Дж. Кэрролл Нейш, Виктор МакЛаглен, Грант Уитерс, Питер Ортиз, Стив Пендлтон, Кэролин Граймс, Альберто Морин, Стэн Джонс, Фред Кеннеди

Это последняя часть «кавалерийской трилогии» Джона Форда, двумя другими были «Форт “Апачи”» (1948) и «Она носила желтую ленту» (1949). Фильм «Рио-Гранде» стал менее масштабной, но значительной работой. Он начал ее, чтобы найти средства на финансирование проекта «Тихий человек» (1952). В «Рио-Гранде» меньше пересмотра шаблонов, мифологизирования и ностальгии, чем в предыдущих фильмах трилогии, в этом фильме сочетаются мыльная пена, казарменные шуточки и экшен с конными гонками.

Грубый американский капитан Кирби Йорк (Джон Уэйн, не похожий на того Кирби Йорка, который изображен в «Форте “Апачи”») мирится со своей женой-южанкой Кэтлин (Морин О’Хара), чей дом он сжег во время гражданской войны. Теперь Йорк хочет заботиться об их малолетнем сыне (Клод Джармен-мл.). Сын попадает под влияние отца, но при этом не теряет чувствительности матери. Йорк ведет свою команду в погоню за индейцами, которые сбежали из Мексики, планируя похищение ребенка. Развитие этого сюжета послужило основой для шедевра Форда и Уэйна «Искатели» (1956). Для приключений в «Рио-Гранде» характерен меньший накал эмоций, но б`ольшая активность действий, и это редкий фильм Форда, в котором несомненно высвечивается борьба добра и зла в войнах с индейцами. К. Н.

 

ВСЕ О ЕВЕ (1950)

ALL ABOUT EVE

США (Fox), 138 мин., черно-белый

Режиссер: Джозеф Л. Манкевич

Продюсер: Дэррил Ф. Занук

Автор сценария: Джозеф Л. Манкевич, по роману Мэри Орр «Мудрость Евы»

Оператор: Милтон Р. Краснер

Музыка: Альфред Ньюмен

В ролях: Бэтт Дэвис, Энн Бакстер, Джордж Сандерс, Селест Холм, Гэри Меррилл, Хью Марлоу, Г. Ратофф, Б. Бейтс, М. Монро, Т. Риттер, У. Хэмпден, Р. Стюарт, К. Хилл, Л. Харрис, Б. Уайт

«Оскар»: Д. Ф. Занук (лучший фильм), Дж. Л. Манкевич (режиссер), Дж. Л. Манкевич (сценарий), Дж. Сандерс (актер второго плана), Э. Хед, Ш. Ле Мэр (костюмы)

Номинации на «Оскар»: Энн Бакстер, Бэтт Дэвис (лучшая актриса), Селест Холм, Тельма Риттер (актриса второго плана), Л. Р. Уиллер, Дж. В. Дэвис, Т. Литтл, У. М. Скотт (художественное оформление и декорации), М. Р. Краснер (оператор), Б. МакЛин (монтаж), А. Ньюмен (музыка)

Каннский кинофестиваль: Джозеф Л. Манкевич (специальная премия жюри), Бэтт Дэвис (лучшая актриса)

Это один из наиболее значительных и мрачных фильмов о шоу-бизнесе. В основе сюжета Джозефа Л. Манкевича (1950) лежит рассказ «Мудрость Евы» (1946) из журнала «Cosmopolitan». По нему также был сделан радиоспектакль. Благодаря сочетанию остроумного сценария с налетом цинизма и блестящего актерского ансамбля, экранная версия этого рассказа имела сногсшибательный успех. Фильм «Все о Еве» был выдвинут на 14 номинаций премии «Оскар», но получил шесть из них, в том числе за лучшую картину и лучшую роль второго плана (Джордж Сандерс), а также за лучшую режиссуру и лучший сценарий (Манкевич). Были номинированы Бэтт Дэвис, Энн Бакстер, Селест Холм и Тельма Риттер, что побило все рекорды номинаций женщин в одном фильме.

С самого начала фильма зрителей захватывает монолог миловидной молодой актрисы Евы Харрингтон (Энн Бакстер). Далее по сюжету Эдисон де Витт (Сандерс) возвращается в своем рассказе к тому времени, когда зарождался успех актрисы, и рассказывает о том, как это происходило. Бэтт Дэвис играет Марго Ченнинг, 40-летнюю актрису Бродвея. Она заводит дружбу с Евой, своей молодой поклонницей, которой очень тяжко живется. Костюмерша Марго по имени Бирди (Риттер) первая проникается грустной историей Евы, говоря: «Какая грустная история! Вот уж не повезло в жизни». Не единожды обманув доверие Марго, Еве удается проникнуть в профессиональную и личную жизнь своего кумира. Ева обманывает лучшую подругу Марго (Холм), верного Марго, но доверчивого театрального критика (Сандерс) и в приступе тщеславия пытается увести у Марго ее жениха Билла (Гэри Меррилл, который в реальной жизни был мужем Дэвис). В яркой эпизодической роли на вечеринке у Марго появляется Мэрилин Монро, которую пригласил де Витт. На этой вечеринке Марго изрекает свою знаменитую фразу: «Пристегните ремни. Это будет та еще ночка!»

После того как Манкевич получил «Оскара» в 1949 г. за фильм «Письмо к трем женам», картина «Все о Еве» послужила окончательным подтверждением его таланта. А его брат Герман также удостоился «Оскара» за лучший оригинальный сценарий «Гражданина Кейна». «Все о Еве» справедливо считается золотой вехой в многолетней карьере Дэвис. Можно придраться лишь к образу Бакстер, чья героиня стала олицетворением честолюбия в женском обличии. К. К.

 

БУЛЬВАР САНСЕТ (1950)

SUNSET BLVD.

США (Paramount), 110 мин., черно-белый

Режиссер: Билли Уайлдер

Продюсер: Чарлз Брэкетт

Авторы сценария: Чарлз Брэкетт, Билли Уайлдер, Д. М. Маршман-мл., по роману Ч. Брэкетта и Б. Уайлдера «Банка фасоли»

Оператор: Джон Ф. Сайц

Музыка: Джей Ливингстон, Франц Уаксман

В ролях: Уильям Холден, Глория Суонсон, Эрих фон Штрогейм, Н. Олсон, Ф. Кларк, Л. Гаф, Дж. Уэбб, Ф. Фарнем, Л. Дж. Блейк, Ч. Дейтон, С. Б. ДеМилль, Х. Хоппер, Б. Китон, А. К. Ниллсон, Х. Б. Уорнер

«Оскар»: Ч. Брэкетт, Б. Уайлдер, Д. М. Маршман-мл. (сценарий), Х. Драйер, Д. Миэн, С. Камер, Рей Мойер (худож. оформление и декорации), Ф. Уаксман (музыка)

Номинации на «Оскар»: Ч. Брэкетт (лучший фильм), Б. Уайлдер (режиссер), У. Холден (лучший актер), Г. Суонсон (лучшая актриса), Э. фон Штрогейм (актер второго плана), Н. Олсон (актриса второго плана), Дж. Ф. Сайц (оператор), Д. Харрисон, А. П. Шмидт (монтаж)

Фильм начинается с того, что безработного сценариста Джо Гиллиса (Уильям Холден) находят мертвым в бассейне. Затем голос Холдена за кадром рассказывает о его роковых личных и профессиональных взаимоотношениях с королевой немого кино Нормой Десмонд (Г. Суонсон), страдающей манией величия. В свои 50 лет она упорно пытается казаться молодой, но при этом, как ни парадоксально, выглядит гораздо старше своих лет. Норма живет в обветшалом особняке на бульваре Сансет. Каждую ночь проводит поминальную службу по своей любимой обезьянке. Пишет сценарий, по которому никогда не будет поставлен фильм. И мечтает о своем возращении в кино в роли Саломеи, что уже невозможно. Ей прислуживает мрачный дворецкий (Э. фон Штрогейм), который раньше был ее любимым режиссером и первым мужем. Хотя такой фильм не совсем в духе Уайлдера, этот сценарий захватил его и вдохновил на создание образов, которые будят в памяти «Призрака оперы» и имение Ксанаду из «Гражданина Кейна» (крупный план героя, играющего в белых перчатках на расстроенном органе, пока на заднем плане дрожит загнанный в ловушку пленник старой дамы). Фильм порой утомляет ностальгическими мотивами в виде зловещего дома. Но его можно пересматривать вновь и вновь, даже несмотря на то, что иногда его влияние ощущается в последующих фильмах ужасов («Что случилось с Бэби Джейн?» Р. Олдрича) и сценической постановке «Призрака оперы» Э. Л. Уэббера.

В «Бульваре Сансет» есть скрытые насмешки. Например, Норма не может справиться со своим безумием, но киноиндустрия позволяет и в действительности даже поощряет каждого, кто ведет себя как чудовище. Сесил Б. ДеМилль (играющий самого себя) осторожно напоминает Норме, что киноиндустрия изменила свои нравы. Но Уайлдер завершает эту сцену, направляя камеру на его лакированные ботинки для верховой езды и отмечая его нелепую походку. Хотя актеры понимали, что их роли в этом фильме станут последней вспышкой славы. Суонсон (которой досталась эта роль после отказа М. Пикфорд) и фон Штрогейм понимали безжалостность взгляда Уайлдера и его стремление сделать чудовищ из всех персонажей. Фильм полон контрастов и цинизма, на фоне которых развивается обреченный сентиментальный любовный роман. В конце фильма Норма приходит в ужас, узнав, что Джо пишет сценарий («Любовная история без названия») для юной актрисы (Н. Олсон). Норма боится, что он оставит ее ради молодой соперницы. В героине Суонсон льет через край ее безумие («Я слишком великая актриса, и эти картины недостойны меня»), которое достигает кульминации в момент, когда ее арестовывают за убийство. А она зазывает фотокорреспондента, заявляя, что готова позировать ему для съемки. Уайлдер снимает Норму на общем плане, тем самым подчеркивая ее изоляцию из-за помешательства, на фоне большой толпы зевак, собравшихся посмотреть на знаменитую актрису-убийцу. Это напоминает фильм Уайлдера «Туз в рукаве» (1951) и то, как СМИ наживаются на описании преступлений, что не теряет злободневности уже более полувека. К. Н.

 

ЗАБЫТЫЕ (1950)

LOS OLVIDADOS

Мексика (Ultramar), 85 мин., черно-белый

Язык: испанский

Режиссер: Луис Бунюэль

Продюсеры: Оскар Дансиэрс, Серхио Коган, Хайме А. Менаске

Авторы сценария: Луис Алькориса, Луис Бунюэль

Оператор: Габриэль Фигероа

Музыка: Родольфо Хальфтер, Густаво Питталуга

В ролях: Альфонсо Мехиа, Эстела Инда, Мигель Инклан, Роберто Кобо, Альма Делия Фуэнтес, Франсиско Хамбрина, Хесус Наварро, Эфраин Араус, Серхио Вильярреаль, Хорхе Перес, Хавьер Амескуа, Марио Рамирес

Каннский кинофестиваль: Луис Бунюэль (лучший режиссер)

Хотя фильм «Забытые» затрагивает многочисленные проблемы общества, обсуждаемые и в других фильмах, режиссер пошел гораздо дальше. Луис Бунюэль забрасывает двух главных героев, обреченных влачить жалкое существование, в трущобы Мехико. Педро (А. Мехиа) хочет быть хорошим, а старший неисправимый Хайбо (Р. Кобо) прикладывает все усилия, чтобы сбить Педро с пути истинного. Критически подойдя к итальянскому неореализму, Бунюэль захотел расширить представление о реализме. Он затронул в фильме такие понятия, как мечты, поэзия и абсурдность существования, отраженные в ночных кошмарах Педро, где чувство вины переплетается с желанием самовыражения.

Другими заблудшими душами в городе Бунюэля перед нами предстают отталкивающий слепой нищий Кармело (М. Инклан), брошенный мальчик Охитос (М. Рамирес), порабощенный Кармело, нимфетка Мече (А. Д. Фуэнтес), чьи голые ляжки в одном из многочисленных нескромных эпизодов фильма забрызганы молоком, и добродетельный Хулиан (Х. Амескуа), которого убивает Хайбо. Говоря заключительными словами из фильма «Нэшвилл» (1975), можно сказать, что последнее слово за вами, лицемерный наблюдатель. Ключевым фактором, который выделяет данный фильм среди других, затрагивающих проблемы общества, является сильное замешательство, в которое он приводит зрителя. Особенно в тот момент, когда Педро, возвращаясь из колонии для малолетних преступников, бросает яйцо в камеру.

Менее зрелищно, но столь же поразительными штрихами в фильме осуждается зрительская позиция благородного сочувствия, которого обычно добиваются создатели картин, содержащих гуманитарный посыл. Язвительный, резкий тон фильма подчеркивает некоторую отстраненность от происходящего и противоречивость поступков героев, например, в проникновенной сцене, в которой слепого Кармело избивает банда Хайбо, которую сменяет кадр, где на избитого таращит глаза молодой петушок. Бунюэль осторожно обходит проторенный путь пафосных фильмов, в которых неизменно присутствуют нереальные герои и внимание сосредоточено на сюжетных перипетиях, что сглаживает насущные проблемы. Картина подвергалась критике за бессердечие и отсутствие конструктивных решений. Но Бунюэль — художник, а не судья, и сострадание в этом фильме не сразу бросается в глаза лишь потому, что оно замаскировано сентиментальностью. М. Р.

 

В УКРОМНОМ МЕСТЕ (1950)

IN A LONELY PLACE

США (Columbia, Santana), 94 мин., черно-белый

Режиссер: Николас Рэй

Продюсеры: Генри С. Кеслер, Роберт Лорд

Авторы сценария: Дороти Б. Хьюз, Эдмонд Х. Норт, Эндрю Солт, по роману Дороти Б. Хьюз

Оператор: Бернетт Гаффи

Музыка: Джордж Энтейл

В ролях: Хамфри Богарт, Глория Грэм, Фрэнк Лавджой, Карл Бентон Рейд, Арт Смит, Джефф Доннелл, Марта Стюарт, Роберт Уоррик, Моррис Энкрум, Уильям Чинг, Стивен Гэрей, Хадда Брукс

«В укромном месте» считается шедевром по многим причинам. Во-первых, это единственный совершенный фильм культового режиссера Николаса Рэя. Во-вторых, это уникальная драма в «черном» стиле об обреченной любви. В-третьих, в этом фильме можно увидеть превосходную игру Хамфри Богарта и Глории Грэм. И, наконец, это один из наиболее ярких и запоминающихся фильмов о Голливуде.

Темпераментного сценариста Дикса Стила (Богарт) обвиняют в совершении особо жестокого убийства, но его ближайшая соседка Лорел Грей (Грэм) готова предоставить ему алиби. Между ними завязывается страстный роман, который быстро заканчивается. Лорел приводит в ужас жестокость Дикса, и она начинает сомневаться в его непричастности к убийству. После того как Богарт в течение многих лет играл романтических крепких парней, здесь он проникает глубже во внутренний мир своего героя, изображая его крайнюю нервозность, которая приводила в замешательство других персонажей.

Зловещий сюжет фильма Рэй дополняет мрачными образами и почти сюрреалистическими стихами. Интересно само перенесение на экран романа Дороти Б. Хьюз. В книге Стил в действительности оказывается убийцей. Но экранная версия преподнесена с еще более мрачным подтекстом: главное не то, что главный герой виновен, а то, что вполне мог не быть им. К. Н.

 

ТУЗ В РУКАВЕ (1951)

ACE IN THE HOLE

США (Paramount), 111 мин., черно-белый

Режиссер: Билли Уайлдер

Продюсеры: Уильям Шорр, Билли Уайлдер

Авторы сценария: Уолтер Ньюмен, Лессер Сэмюэлс, Билли Уайлдер

Оператор: Чарлз Лэнг

Музыка: Хьюго Фридхофер

В ролях: Кёрк Дуглас, Джен Стерлинг, Роберт Артур, Портер Холл, Фрэнк Кэди, Ричард Бенедикт, Рей Тил, Фрэнк Жаке

Номинация на «Оскар»: Билли Уайлдер, Лессер Сэмюэлс, Уолтер Ньюмен (сценарий)

Венецианский кинофестиваль: Билли Уайлдер (международная премия), номинация (Золотой лев)

«Туз в рукаве» привлекает тем, что это единственный случай совместной работы Кёрка Дугласа и Билли Уайлдера, а также один из наиболее злых и горьких фильмов, когда-либо выпущенных в Голливуде.

Дуглас играет роль Чака Татума, циничного надменного репортера, работающего в редакции малоизвестной газеты в Нью-Мексико после увольнения из нескольких крупных издательств. Когда Чаку предоставляется возможность написать статью о горнорабочем (Ричард Бенедикт), заваленном оползнем, он видит в этом шанс улучшить свое положение. Оказывая давление на шерифа, Чак стремится отложить прибытие спасательной бригады до тех пор, пока не прибудут привлеченные этим событием туристы и зеваки. Он подогревает интерес средств массовой информации, выставляя себя единственным репортером, способным предоставить сведения о случившемся, и превращает эту трагедию в карнавал. Даже жена горнорабочего (Джен Стерлинг) вовлекается в цирк, устроенный Татумом и подчеркивает тем самым общность их корыстных интересов. И все идет именно так, как можно было ожидать, и это очень и очень страшно.

После просмотра фильма надолго остается неприятный осадок, и Уайлдеру с трудом удается прикрыть горечь «сладкой приправой» — в какой-то степени мы чувствуем свою вину. Это очень острый и мрачный фильм, который заставляет о многом задуматься. А. Т.

 

ТРАМВАЙ «ЖЕЛАНИЕ» (1951)

A STREETCAR NAMED DESIRE

США (Charles K. Feldman, Warner Bros.), 122 мин., черно-белый

Режиссер: Элиа Казан

Продюсер: Чарлз К. Фельдман

Авторы сценария: Теннесси Уильямс, Оскар Сол, по пьесе Теннесси Уильямса

Оператор: Гарри Стрэдлинг-ст.

Музыка: Алекс Норт

В ролях: Вивьен Ли, Марлон Брандо, Ким Хантер, Карл Молден, Руди Бонд, Ник Деннис, Пег Хиллиас, Райт Кинг, Ричард Гаррик, Энн Дир, Эдна Томас, Мики Кун

«Оскар»: Вивьен Ли (лучшая актриса), Карл Молден (актер второго плана), Ким Хантер (актриса второго плана), Ричард Дей, Джордж Джеймс Хопкинс (художественное оформление и декорации)

Номинации на «Оскар»: Чарлз К. Фельдман (лучший фильм), Элиа Казан (режиссер), Теннесси Уильямс (сценарий), Марлон Брандо (лучший актер), Гарри Стрэдлинг-ст. (оператор), Лусинда Баллард (дизайн костюмов), Алекс Норт (музыка), Нейтан Левинсон (звук)

«Я всегда зависела от доброты незнакомцев». Пьеса Т. Уильямса была задумана об отчаянном, достойном восхищения героизме Бланш Дюбуа. Но грубый животный магнетизм Брандо, по сравнению с хрупкой увядающей красавицей (В. Ли), доминировал и притягивал к себе внимание. Точно так же четырьмя годами ранее в этой пьесе, поставленной на Бродвее (тот же режиссер Э. Казан), электризовала зрителей Джессика Тенди (Бланш). Натурализм игры, земную сексуальность Брандо и его завывания «Стелла-а-а-а-а!» не могли воспроизвести другие актеры, пытавшиеся играть роль чувственного и жестокого Стэнли Ковальски.

По иронии судьбы экранная версия Казана — написанная Уильямсом, но подвергшаяся цензуре из-за излишне откровенных сцен, — получила три «Оскара» из четырех за лучшие роли. Вивьен Ли играла Бланш в постановке пьесы в лондонском Вест-Энде, режиссером которой был ее муж сэр Л. Оливье. «Оскара» за лучшие роли второго плана получили К. Хантер и К. Молден. Брандо статуэтка не досталась и ушла к Х. Богарту за роль в «Африканской королеве». Тем не менее участие Брандо в фильме поставило его вровень с ведущими актерами того времени, наиболее известными и влиятельными представителями системы Станиславского, исповедуемого Актерской мастерской.

Растратив остаток семейного имущества на уплату долгов и восстановление своей репутации, Бланш в поисках забвения и утешения приезжает в Новый Орлеан к беременной сестре Стелле и грубоватому зятю Стэнли и селится в их тесной душной комнатенке. Стэнли, убежденный в существовании мифического наследства Бланш, становится неуправляемым в ее присутствии, пытаясь сбить с нее спесь и разбить ее иллюзии. Под влиянием оскорбительных издевок Стэнли рушатся последние надежды Бланш, и она становится психопаткой.

Хотя «Трамвай» — седьмой художественный фильм Казана, этот сюжет больше подходит для постановки на сцене, чем для экранизации. Сила фильма исходит из его театрального прототипа, в особенности захватывающий поединок между трогательно эфемерной и строгой, непреклонной и сценичной Ли и взрывным, действующим по воле инстинкта Брандо. Они по-разному подходят к игре, как разнятся сами личности Бланш и Стэнли. Казан — один из основателей Актерской мастерской (1947) и до сих пор значительная фигура в американском театре — проявлял мало интереса к визуальным возможностям кино. А. Э.

 

НЕЗНАКОМЦЫ В ПОЕЗДЕ (1951)

STRANGERS ON A TRAIN

США (Warner Bros.), 101 мин., черно-белый

Режиссер: Альфред Хичкок

Продюсер: Альфред Хичкок

Авторы сценария: Раймонд Чандлер, Уитфилд Кук, Чензи Ормонд, по роману Патриции Хайсмит

Оператор: Роберт Беркс

Музыка: Дмитрий Тёмкин

В ролях: Фарли Грейнджер, Рут Роумен, Роберт Уокер, Лео Дж. Кэрролл, Патриция Хичкок, Кейси Роджерс, Мэрион Лорн, Джонатан Хейл, Говард Сент-Джон, Джон Браун, Норма Варден, Роберт Гист

Номинация на «Оскар»: Роберт Беркс (оператор)

Нет ничего удивительного в том, что Альфреда Хичкока привлек роман «Незнакомцы в поезде» Патриции Хайсмит. Ее первый роман «Незнакомцы» находит отголоски почти во всех фильмах Хичкока со смакованием убийств, запутанным сюжетом и плохо скрытым гомосексуальным подтекстом. После обработки оригинала замечательным сценаристом Раймондом Чандлером и поправок Бена Хехта фильм по их сценарию получился одним из наиболее впечатляющих в творчестве Хичкока.

«Незнакомцы в поезде» начинается достаточно безобидно. Гай Хейнс (Ф. Грейнджер), удачливый теннисист, в поезде неожиданно знакомится с эксцентричным и вспыльчивым Бруно Энтони (Р. Уокер). У обоих в жизни есть человек, без которого им было бы гораздо лучше. Гай стремится избавиться от своей жены, а Бруно — от тирана-отца. Таким образом, последний планирует «идеальное» убийство, которое решило бы их проблемы: они просто обменяются жертвами. Гай отмахивается от этой сумасшедшей идеи, но вскоре Бруно начинает шантажировать его и требовать выполнения своей части сделки.

Несмотря на то что фильм — «черная» комедия, есть в нем и неестественный ритуал ухаживания, в котором порядочность Хейнса противопоставляется сумасшествию Энтони. Как всегда, Хичкок находит особое удовольствие в использовании затруднительного положения своего главного героя. Разговор персонажей становится все оживленнее по мере того, как Энтони все сильнее «припирает к стенке» Хейнса. Это можно было бы назвать самой первоклассной «игрой в теннис» в истории кино.

Но не забывайте, что вы смотрите фильм Хичкока. В финале мы видим волнующую сцену с каруселью, когда Хейнс и Энтони борются, а неуправляемое колесо аттракциона крутится все быстрее и быстрее.

В резком финале переплетаются безумие, шантаж и вина, и все же Хичкоку удается мастерски справиться с задачей. По мере того как обаятельный Энтони все более открыто призывает к убийству, он и внешне превращается в злодея, и лишь правосудие может положить конец его желаниям. В действительности Уокер играет главную роль во всем фильме. Он сыграл спущенного с цепи человека, чья вульгарная наглость граничила с безумием, которое в более скрытой форме Хичкок изобразил девятью годами позже в «Психозе». Дж. Кл.

 

БАНДА С ЛАВЕНДЕР-ХИЛЛ (1951)

THE LAVENDER HILL MOB

Великобритания (Ealing Studios, Rank), 78 мин., черно-белый

Режиссер: Чарлз Крайтон

Продюсеры: Майкл Бэлкон, Майкл Трумэн

Автор сценария: Т. И. Б. Кларк

Оператор: Дуглас Слокомб

Музыка: Жорж Орик

В ролях: Алек Гиннесс, Стэнли Холлоуэй, Сид Джеймс, Альфи Басс, Марджори Филдинг, Эди Мартин, Джон Сейлью, Рональд Адам, Артур Хэмблинг, Гибб МакЛафлин, Джон Грегсон, Клайв Мортон, Сидни Тэфлер, Мари Берк, Одри Хепберн

«Оскар»: Т. И. Б. Кларк (сценарий)

Номинация на «Оскар»: Алек Гиннесс (лучший актер)

«Банда с Лавендер-Хилл» — самая уморительно смешная комедия, когда-либо созданная на студии Илинг продюсером М. Бэлконом. Она пользовалась популярностью во всем мире, благодаря колкому и ироничному, неподражаемому и непревзойденному английскому юмору. В исполнении несравненного Алека Гиннесса перед нами предстает обыкновенный банковский клерк в очках. Он хочет после выхода на пенсию жить на широкую ногу. Вместе с изготовителем сувениров Стэнли Холлоуэем и парой воров, Сидом Джеймсом и Альфи Бассом, он решает украсть золото на миллион фунтов и составляет дерзкий план ограбления. Все трое снялись в фильме по сценарию некогда служившего в полиции Т. И. Б. Кларка, который удостоен «Оскара» за лучший сценарий.

Фильм снят точно по сюжету, в котором действие перемежается с веселыми сценами. Например, герои переплавляют награбленные золотые слитки в фигурки Эйфелевой башни. Гиннесс и Холлоуэй сбегают по спиральной лестнице в тщетных поисках английских школьниц, купивших золотые фигурки парижской достопримечательности. И все это завершается шумной кульминацией, когда поющий уэльсский полицейский бросается в погоню за ускользающей машиной с парочкой грабителей. В первой сцене в Рио-де-Жанейро, когда благожелательный, опрятный Гиннесс рассказывает всю эту историю заинтересованным слушателям, можно увидеть молодую Одри Хепберн. А. Э.

 

ПАНДОРА И ЛЕТУЧИЙ ГОЛЛАНДЕЦ (1951)

PANDORA AND THE FLYING DUTCHMAN

Великобритания (Dorkay, Romulus), 122 мин., техниколор

Язык: английский/испанский

Режиссер: Альберт Льюин

Продюсеры: Джозеф Кауфман, Альберт Льюин

Автор сценария: Альберт Льюин

Оператор: Джек Кардифф

Музыка: Алан Росторн

В ролях: Джеймс Мейсон, Ава Гарднер, Найджел Патрик, Шейла Сим, Гарольд Уоррендер, Марио Кабре, Мариус Горинг, Джон Лори, Памела Мейсон, Патриция Рейн, Маргарита Д’Альварес, Ла Пиллина, Абрахам Соуфэр, Франсиско Игуаль, Гильермо Белтран

Несмотря на то что когда-то этот фильм в жанре романтической фантазии считался претенциозным и нелепым, с годами он приобрел б`ольшую популярность. Действие происходит в 1930-е гг. в небольшом городке Эсперанса (Надежда) на «средиземноморском побережье Испании», где можно увидеть праздных богачей и простых рыбаков. Фильм начинается с обнаружения двух утопленников со сцепленными руками. Затем нам показывают короткий ретроспективный эпизод о том, как Пандора Рейнольдс (А. Гарднер), американская певица, привыкшая доводить мужчин до безумия и отчаяния, знакомится с предназначенным ей судьбой Хендриком Ван дер Зее (Дж. Мейсон). Он капитан и единственный член команды шикарной яхты «Летучий Голландец», которая бороздит моря и океаны в поисках женщины, готовой отдать жизнь за него.

Продюсер, режиссер и сценарист Альберт Льюин, один из немногих представителей интеллектуального кино в Голливуде, был знатоком литературы (его фильмы наполнены стихотворными цитатами, и даже Пандора бросает фразу о том, что все, что она слышит от людей, звучит как цитата). Также он был склонен к романтизму (во всех его работах в основе сюжета — безнадежная любовь, в которой счастливые моменты переплетаются с муками и болью). Снятый Джеком Кардиффом в темных волнующих цветовых тонах «Техниколора», фильм отдает должное красоте Авы Гарднер и задумчивой глубине Джеймса Мейсона. К. Н.

 

АФРИКАНСКАЯ КОРОЛЕВА (1951)

THE AFRICAN QUEEN

Великобритания (Horizon, Romulus), 105 мин., техниколор

Язык: английский/немецкий/суахили

Режиссер: Джон Хьюстон

Продюсер: Чарлз Бреккетт

Авторы сценария: Джеймс Эйджи, Джон Хьюстон, по роману С. С. Форестера

Оператор: Джек Кардифф

Музыка: Аллан Грэй

В ролях: Хамфри Богарт, Кэтрин Хепберн, Роберт Морли, Питер Булл, Теодор Байкел, Уолтер Готелл, Питер Суонвик, Ричард Марнер

«Оскар»: Хамфри Богарт (лучший актер)

Номинации на «Оскар»: Джон Хьюстон (режиссер), Джеймс Эйджи, Джон Хьюстон (сценарий), Кэтрин Хепберн (лучшая актриса)

Эта работа Джона Хьюстона — один из наиболее впечатляющих и увлекательных приключенческих фильмов Голливуда, уже вошедших в историю. Поставленная по одноименному роману С. С. Форестера (1935), «Африканская королева» рассказывает о необычной истории любви между капитаном грузового судна Чарли Олнатом (Хамфри Богарт) и чопорной английской миссионеркой Роуз Сейер (Кэтрин Хепберн). Роуз на дух не переносит Чарли, но судьба сталкивает их вместе. Начинается Первая мировая война, и Роуз приходится плыть с Чарли на его стареньком буксирном судне. Когда им преграждает путь немецкий военный корабль, Роуз составляет план, как помешать немцам и спастись.

Однако приключенческая линия занимает в фильме второе место после повествования о неустойчивых взаимоотношениях между Чарли и Роуз. Несмотря на явно политическое содержание, наибольший интерес вызывает история любви. Чопорную сдержанную старую деву, англичанку Роуз привлекает вечно небритый, потягивающий джин американец Чарли, излучающий мужество. Хотя действие фильма происходит в 1914 г., в нем безошибочно угадывается ситуация, возникшая после Второй мировой войны.

Игра Хепберн и Богарта великолепна, они используют характерные жесты и мимику, что пронизывает атмосферу фильма светлым юмором и подчеркивает их актерские достоинства. Герои фильма испытывают огромное взаимное притяжение друг к другу, и без особых усилий, убедительно они переходят от полного непонимания к дружеским отношениям и любви. Но интереснее всего наблюдать за ними в моменты, когда они готовы перегрызть друг другу горло. Цветные съемки и поразительные кадры джунглей еще больше притягивают интерес зрителей. Богарт получил за этот фильм своего единственного «Оскара», также были номинированы Хьюстон (за режиссуру и сценарий), Хепберн и сценарист Джеймс Эйджи. Данная рецензия и любые другие восхваления не могут передать всю магию фильма. Даже посмотрев его несколько раз, вы все равно будете улыбаться и останетесь в хорошем настроении. Из многих замечательных фильмов, приведенных в данной книге, эту картину действительно стоит посмотреть. Р. Х.

 

ДНЕВНИК СЕЛЬСКОГО СВЯЩЕННИКА (1951)

JOURNAL D’UN CURÉ DE CAMPAGNE

Франция (UGC), 110 мин., черно-белый

Язык: французский

Режиссер: Робер Брессон

Автор сценария: Робер Брессон, по роману Жоржа Бернаноса

Продюсеры: Леон Карре, Роберт Сассфелд

Оператор: Леонс-Анри Бурель

Музыка: Жан-Жак Грюненвальд

В ролях: Клод Лейдю, Леон Арвель, Антуан Бальпетре, Жан Данэ, И. Этьеван, А. Гибер, Б. Юбренн, Н. Ладмираль, М. Лемэр, Н. Морэ, М. Моранж, Ж. Ривейр, Г. Северен, Ж. Тербуа, М.-М. Аркель

Венецианский кинофестиваль: Робер Брессон (международная премия, приз итальянских кинокритиков, премия OCIC), номинация «Золотой лев»

Один из выдающихся кинематографистов Робер Брессон искал источник вдохновения и нашел его в фильме «Дневник сельского священника». Этот целеустремленный мастер, отличающийся большим воображением, пришел к выводу, что для создания фильма необязательно иметь большой бюджет, звездный состав и использовать спецэффекты. Простыми средствами кино можно рассказать любую историю, вызвать любое чувство, раскрыть связь между материальным и духовным, личным и общественным.

Роман Жоржа Бернаноса повествует о молодом сельском священнике, которому приходится преодолевать трудности в повседневной жизни и решать задачи, поставленные перед ним его предназначением. Бернанос не оставляет в покое верующих и атеистов, между которыми постоянно возникают раздоры. Экранизация Брессона не добавляет ничего нового к роману, где раскрывается суть христианской веры. Средствами кино она трансформируется в изображение и звуки: слово облекается в плоть. Кино позволяет представить частный и общий взгляд на тайну воплощения. Фильм Брессона показывает, что все можно претворить в жизнь: игру со смертью и с желанием, надписи на экране, внутренние порывы души, любовь к сельской жизни Франции и решение религиозных проблем. Ж.-М. Ф.

 

АМЕРИКАНЕЦ В ПАРИЖЕ (1951)

AN AMERICAN IN PARIS

США (MGM), 113 мин., техниколор

Язык: английский/французский

Режиссер: Винсент Миннелли

Продюсеры: Роджер Иденс, Артур Фрид

Автор сценария: Алан Джей Лернер

Операторы: Джон Олтон, Альфред Гилкс

Музыка: Сол Чаплин

В ролях: Джин Келли, Лесли Карон, О. Левант, Ж. Гетари, Н. Фош

«Оскар»: А. Фрид (лучший фильм), А. Дж. Лернер (сценарий), С. Гиббонс, Э. Престон Эймс, Э. Б. Уиллис, Ф. К. Глисон (художественное оформление и декорации), А. Гилкс, Д. Олтон (оператор), Орри-Келли, У. Планкетт, А. Шарафф (дизайн костюмов), Джонни Грин, Сол Чаплин (музыка)

Номинации на «Оскар»: В. Миннелли (режиссер), А. Фазан (монтаж)

Фильм удостоен шести «Оскаров», в том числе за лучший фильм (победив в этой борьбе «Трамвай “Желание”» и «Место под солнцем»). Специальный приз получил Джин Келли за превосходную хореографию, а продюсер MGM Алан Фрид был награжден премией Тальберга. Веселый мюзикл «Американец в Париже» Винсента Миннелли был поставлен по оригинальному сценарию, и Фрид считал его подходящим для раскрытия дарования Келли. Он использовал для этого наиболее популярные песни Джорджа Гершвина («В ритме», «Это прекрасно»).

Художник приятной наружности (Д. Келли), но без гроша в кармане, оказывается на Монмартре с его бурным весельем и танцами, где влюбляется в девушку (Л. Карон). Он борется за нее со сладкоголосым французским певцом (Ж. Гетари). Тем временем богатая покровительница художника (Н. Фош) пылает ревностью, за ними бесстрастно наблюдает его друг-композитор и исполнитель песен Гершвина пианист Оскар Левант. Пародируя увлечение «американцев потерянного поколения» французской культурой, Минелли наполняет свой фильм достоверными деталями, романтизмом и буйством красок. Особенно приковывает внимание 18-минутный балет в исполнении самого Келли под музыку Гершвина. Его образы напоминают работы французских художников, в частности Тулуз-Лотрека. Интересен полный романтического очарования танцевальный номер в исполнении Келли и Карон «Наша любовь останется здесь». А. Э.

 

МЕСТО ПОД СОЛНЦЕМ (1951)

A PLACE IN THE SUN

США (Paramount), 122 мин., черно-белый

Режиссер: Джордж Стивенс

Продюсеры: Айвен Моффат, Джордж Стивенс

Авторы сценария: Гарри Браун, Теодор Драйзер, Патрик Кирни, Майкл Уилсон, по роману Т. Драйзера «Американская трагедия» и пьесе Патрика Кирни «Место под солнцем»

Оператор: Уильям С. Меллор

Музыка: Франц Уаксман

В ролях: Монтгомери Клифт, Элизабет Тейлор, Шелли Уинтерс, Энн Ривир, Киф Брассель, Фред Кларк, Реймонд Берр, Герберт Хейс, Шепперд Страдвик, Фрида Инескорт, Кэтрин Гивни, У. Сэнд, Т. де Корсиа, Д. Риджли, Л. Чартренд

«Оскар»: Дж. Стивенс (режиссер), М. Уилсон, Г. Браун (сценарий), Уильям С. Меллор (оператор), Эдит Хэд (дизайн костюмов), Уильям Хорнбек (монтаж), Франц Уаксман (музыка)

Номинации на «Оскар»: Дж. Стивенс (лучший фильм), М. Клифт (лучший актер), Ш. Уинтерс (лучшая актриса)

Создавая киноверсию романа Т. Драйзера «Американская трагедия», режиссер Джордж Стивенс столкнулся с трудностью перенесения на экран мрачного повествования о классовых противоречиях. При этом надо было привлечь внимание зрителей 1950-х гг., в большей степени интересующихся развлекательным жанром. Режиссер блестяще справился со своей задачей, сделав упор на сексуальном притяжении Джорджа (М. Клифт) и красавицы Анджелы (Э. Тейлор). Бедный родственник богатого промышленника, Джордж по настоянию матери едет к нему с намерением заработать деньги. Но выросший в бедности и изоляции от общества Джордж не выказывает интереса и инициативы к работе. Едва начав работать на фабрике, нарушает одно из основных ее правил: начинает встречаться с девушкой, работающей вместе с ним. В итоге она беременеет, но он уже теряет интерес к бедной отчаявшейся девушке.

Придав своему герою некоторую трогательную наивность, Клифт подчеркивает его красоту и обаяние. «Место под солнцем» — одна из наиболее волнующих и трагических любовных историй. Она стала классикой голливудского кино благодаря превосходной режиссуре Стивенса. Он призывал исполнителей главных ролей делать упор на языке жестов, а не на словах, и это привело к гармонии двух стилей в одном фильме. Неожиданное знакомство Джорджа с простодушной Анджелой постоянно в поле зрения оператора, который с большим пристрастием сопоставляет кадры, снятые крупным планом, сделанные мягким фокусом. А сцены на фабрике с первой девушкой Джорджа и позже в зале суда сняты в стиле «черного» фильма: с эффектами светотени и несбалансированной компоновкой кадров. Это еще в большей степени подчеркивает угрозу, нависшую над желанием Джорджа добиться «места под солнцем».

Беременная Элис угрожает Джорджу все рассказать его родственникам, если он не женится на ней. Его спасает лишь то, что здание муниципалитета оказывается закрытым на выходные. Джордж предлагает Элис поплавать в лодке на озере, в его расчеты входит «несчастный случай», в результате которого Элис должна утонуть. Но ему не удается завершить убийство, поскольку испуганная Элис нечаянно сама опрокидывает лодку. Она тонет, потому что Джордж не пытается ее спасти, и ему приходится заплатить жизнью за свое безразличие. Однако, благодаря мастерству Стивенса, Джордж остается в нашей памяти как несчастный герой-любовник, а не как жертва социально-политической системы. Б. П.

 

ДЕНЬ, КОГДА ОСТАНОВИЛАСЬ ЗЕМЛЯ (1951)

THE DAY THE EARTH STOOD STILL

США (Fox), 92 мин., черно-белый

Режиссер: Роберт Уайз

Продюсер: Джулиан Блаустейн

Авторы сценария: Гарри Бейтс, Эдмонд Х. Норт, по роману Гарри Бейтса «Прощание с учителем»

Оператор: Лео Тувер

Музыка: Бернард Херрманн

В ролях: Майкл Ренни, Патриция Нил, Хью Марлоу, Сэм Джаффе, Билли Грей, Фрэнсис Бавьер, Лок Мартин

Угроза ядерной войны, отраженная в фильме, задела за живое зрителей, уставших от политических дебатов. Картина начинается почти в документальном стиле, с захватывающими спецэффектами и запоминающимися образами, несущими в себе зловещее антивоенное послание. Необычно то, что это — первый популярный научно-фантастический фильм для взрослых, который заставляет задуматься о спасении человечества. Межпланетный разведчик Клаату приземляется в Вашингтоне для передачи послания во имя прекращения войны на Земле. Его космический корабль окружают танки и пушки американцев. Клаату неожиданно ранят, а затем отправляют в военный госпиталь. Корабль остается под охраной Горта, робота ростом больше двух метров. У Горта нет лица, он не умеет говорить и обладает смертельным лазерным лучом, а потому его не победить. Единственный способ снять его с поста — произнести фразу: «Горт, Клаату барада никто», которую выучил наизусть буквально каждый ребенок, посмотревший этот фильм.

Клаату убегает из госпиталя и знакомится с Хелен (П. Нил), красивой и интеллигентной женщиной и ее сыном Бобби (Б. Грей). Именно Хелен предстоит разоружить беспощадного Горта.

Роль Клаату первоначально предназначалась Клоду Рейнсу, но из-за нестыковки графика она досталась Майклу Ренни, чье угловатое лицо и спокойный характер наделили его героя некоторой импозантностью. Нил, символ женской отваги, соединила в себе все лучшее, что может предложить человечество. Роль Горта сыграл Мартин, работавший швейцаром в китайском театре Граумана в Лос-Анджелесе. Из-за тяжелого костюма Мартину требовалась дополнительная помощь, чтобы держать на руках Нил, и в некоторых сценах можно разглядеть вспомогательные провода. Чтобы корабль казался одним целым, дверная щель была замазана и раскрашена серебряной краской. Но при необходимости щель раскрывалась, и внезапно появлялась дверь. Фильм «День, когда остановилась Земля» не имеет ремейков и является классическим по многим причинам. Не только из-за своего антивоенного посыла и продуманных спецэффектов, но также и благодаря использованию Бернардом Херманом терменвокса, одного из первых электронных инструментов. К. К.

 

ТИХИЙ ЧЕЛОВЕК (1952)

THE QUIET MAN

США (Argosy, Republic), 129 мин., техниколор

Язык: английский/гэльский

Режиссер: Джон Форд

Продюсеры: Мэриан К. Купер, Дж. Б. Форбс, Джон Форд, Л. Т. Россо

Авторы сценария: Фрэнк С. Ньюджент, Морис Уолш, по роману Мориса Уолша «Зеленый тростник»

Оператор: Уинтон С. Хоч

Музыка: Виктор Янг

В ролях: Джон Уэйн, Морин О’Хара, Барри Фицджеральд, Уорд Бонд, Виктор МакЛаглен, Милдред Нэтвик, Фрэнсис Форд, Эйлин Кроу, Мэй Крэг, Артур Шилдз, Чарлз Б. Фицсимонс, Джеймс Лилберн, Шон МакКлори, Джек МакГаурен, Джозеф О’Ди

«Оскар»: Джон Форд (режиссер), Уинтон К. Хоч, Арчи Стаут (оператор)

Номинации на «Оскар»: Джон Форд, Мэриан К. Купер (лучший фильм), Фрэнк С. Ньюджент (сценарий), Виктор МакЛаглен (актер второго плана), Фрэнк Хоталинг, Джон МакКарти-мл., Чарлз С. Томпсон (художественное оформление и декорации), Дэниэл Дж. Блумберг (звук)

Венецианский кинофестиваль: Джон Форд (международная премия, премия OCIC, номинация «Золотой лев»)

Режиссер Джон Форд приобрел большую известность благодаря своим фильмам, прославляющим американскую историю и культуру. Но он также создал фильмы, в которых прослеживаются его кельтские и, в особенности, ирландские корни. Среди них наиболее удачный — «Тихий человек». Сочетая элементы драмы и комедии, фильм рассказывает о возвращении на родину американца ирландского происхождения Шона Торнтона (Джон Уэйн), где у него завязывается страстный и бурный роман с Мэри Кейт Данахер (Морин О’Хара). Действие происходит в графстве Голуэй, из которого семья Форда эмигрировала в Соединенные Штаты. Многие сцены сняты в эпическом стиле Форда с характерной кульминацией. Например, когда бывший боксер Шон борется на кулаках с братом Мэри Уиллом Данахером (Виктор МакЛаглен) из-за отказа последнего отдать американцу в жены Мэри.

Драка заканчивается тем, что мужчины так пьянеют (во время перерывов они часто прикладывались к бутылке), что не могут продолжать бой, и их вражда перерастает в дружбу. После согласия Уилла его семья также принимает этот брак. И все же в центре внимания в этом фильме не только мужские ценности. Мэри — не просто объект их спора. Несмотря на любовь к Шону, она отказывается идти против воли брата и выходить за него замуж. При таких обстоятельствах брак с Шоном был бы оскорбителен для нее. Вначале Шон, убивший на ринге человека, не борется за Мэри, и ей кажется, что он любит ее не так сильно, чтобы идти на конфликт с братом. Другие жители деревни вынашивают план, как заставить Данахера дать свое согласие, и в конце концов влюбленные женятся. Но вскоре брат раскрывает обман и удерживает ее приданое. Мэри отказывается спать с Шоном до тех пор, пока не будет выплачено приданое, обеспечивающее ее независимость. Однако следующая драка решает обе проблемы, и пара воссоединяется.

Благодаря умелой режиссуре Форда в фильме «Тихий человек» традиционная деревенская жизнь сочетается с красивым пейзажем, импровизацией и смешными сценами. В целом фильм производит неизгладимое впечатление. Б. П.

 

ЗАПРЕТНЫЕ ИГРЫ (1952)

JEUX INTERDITS

Франция (Silver), 102 мин., черно-белый

Язык: французский

Режиссер: Рене Клеман

Продюсер: Робер Дорфман

Авторы сценария: Франсуа Буайе, Жан Оранш, Пьер Бо, Рене Клеман, по роману Франсуа Буайе «Незнакомые игры»

Оператор: Робер Жуяр

Музыка: Нарсисо Йепес

В ролях: Жорж Пужули, Брижит Фоссе, Амеди, Лоранс Бади, Мадлен Барбюле, Сюзанн Курталь, Люсьен Юбер, Жак Марен, Пьер Мерове, Виолетт Моннье, Дениз Перонн, Фернанд Руа, Луи Сентев, Андре Васле

«Оскар»: Франция (почетная премия за лучший иностранный фильм)

Номинация на «Оскар»: Франсуа Буайе (сценарий)

Венецианский кинофестиваль: Рене Клеман (Золотой лев)

Многие фильмы показывают всю абсурдность и жестокость жизни, изображая их глазами детей. Но немногим удалось достигнуть той высоты и отразить эти проблемы с такой остротой, как в превосходном фильме Рене Клемана «Запретные игры». Как и во многих его картинах, действие происходит во время Второй мировой войны. Родители пятилетней девочки Полетт (Б. Фоссе) погибают при воздушном налете, и она становится сиротой. Полетт неохотно берет на воспитание крестьянская семья, и она заводит дружбу с младшим сыном, 11-летним Мишелем (Ж. Пужули). Дети создают тайный мир смерти, которую они видят вокруг себя. Собирая трупы животных и насекомых, они совершают над ними священные обряды, а затем хоронят их в заброшенном сарае, произнося не совсем понятные фразы из заупокойной службы. Такие «запретные игры» выводят из себя взрослых, и подавленных и сбитых с толку детей разлучают.

Клеман прославился благодаря документальному фильму «Битва на рельсах» (1946), в котором речь шла о Движении Сопротивления на французской железной дороге. И начало фильма «Запретные игры» несет в себе реалистический заряд, когда немецкие самолеты-истребители бросают бомбы и обстреливают колонну беженцев. Последствия этой атаки во время летней засухи во французской деревне наводят еще больший ужас из-за натурального звукового сопровождения, без добавления музыки. Но после этой сцены картина становится более стилизованной. С одной стороны, дети с неподдельным интересом и недоумением наблюдают за миром взрослых крестьян. Режиссер высмеивает распри мелких собственников, прикрывающихся верой в Бога, тогда как жизнью правят жадность и злоба. С другой стороны, Клеман изображает детей с нежностью и сочувствием, когда они создают свой собственный тайный, фантастический мир. Душераздирающее впечатление производит их финальное принудительное расставание.

Клеман «выжимает» из исполнителей ролей экспрессивность и убедительность, в то же время не делая упора на их детской привлекательности. В фильме звучит выразительная и простая, берущая за душу лирическая мелодия Нарсисо Йепеса, исполненная на гитаре. Ф. К.

 

АНГЕЛЬСКОЕ ЛИЦО (1952)

ANGEL FACE

США (RKO), 91 мин., черно-белый

Режиссер: Отто Преминджер

Продюсеры: Отто Преминджер, Говард Хьюз

Авторы сценария: Честер Эрскин, Оскар Миллард, Фрэнк С. Ньюджент

Оператор: Гарри Стрэдлинг-ст.

Музыка: Дмитрий Тёмкин

В ролях: Роберт Митчем, Джин Симмонс, Мона Фримен, Херберт Маршал, Леон Эймс, Барбара О’Нил, Кеннет Тоби, Реймонд Гринлиф, Гриф Барнетт, Роберт Гист, Морган Фарли, Джим Бакус

В большинстве американских фильмов, снятых в жанре «черного» кино, повествуется о несчастных романах и роковых женщинах, которые ловко манипулируют доверчивыми мужчинами и доводят их до отчаяния. «Ангельское лицо» Отто Преминджера — поздняя картина данного жанра, но во многом напоминает более ранние фильмы, такие как «Вне прошлого» (1947) Жака Турнера. В нем Роберту Митчему досталась аналогичная роль частного сыщика, раскрывшего махинации аморальной женщины, которую он любит.

«Ангельское лицо» отличается большим цинизмом и сарказмом. В нем рассказывается о представителе рабочего класса Фрэнке Джессупе (Митчем), ослепленном любовью к красивой богатой женщине. Она затягивает его в план убийства своей мачехи. Ранее Дайана Тремейн (Дж. Симмонс) преднамеренно разорвала помолвку Фрэнка с Мэри (М. Фримен), прекрасной женщиной, олицетворяющей нормальную жизнь. Но помолвка уже не нужна Фрэнку после знакомства с Дайаной и жажды богатой жизни. План убийства срабатывает, но лишь ценой непредвиденной смерти отца Дайаны. Однако она не чувствует за собой вины, и ничто не расстраивает ее планы. Вскоре пару обвиняют в совершении преступления, но им удается избежать наказания благодаря пронырливому адвокату. Хотя, казалось бы, им суждено быть вместе, Фрэнка начинает мучить совесть. После судебного разбирательства он пытается порвать с Дайаной и жить как раньше. Фрэнк выносит себе приговор, позволяя Дайане отвезти себя на автобусную остановку. Но она скорее умрет, чем откажется от него. Она направляет машину на скалу, и любовники погибают. Это напоминает несчастный случай, план которого она спланировала заранее.

В фильме прекрасна игра Митчема и Симмонс, чему способствует умелая художественная постановка мизансцен Преминджером. Это классический «черный» фильм. Б. П.

 

ПОЮЩИЕ ПОД ДОЖДЕМ (1952)

SINGIN’ IN THE RAIN

США (MGM), 103 мин., техниколор

Режиссеры: Стэнли Донен, Джин Келли

Продюсер: Артур Фрид

Авторы сценария: Бетти Комден, Адольф Грин

Оператор: Гарольд Россон

Музыка: Насио Херб Браун, Ленни Хейтон

В ролях: Джин Келли, Доналд О’Коннор, Дебби Рейнольдс, Джин Хейген, Миллард Митчелл, Сид Шарисс, Дуглас Фаули, Рита Морено

Номинации на «Оскар»: Дж. Хейген (актриса второго плана), Л. Хейтон (музыкальное сопровождение)

Некоторые фильмы добились успеха благодаря великолепной игре исполнителей главных ролей. А есть фильмы просто уникальные для своего жанра. К последним относятся «Поющие под дождем». В нем нет каких-то значительных открытий, и художественный язык не отличается особой новизной. Мало найдется фильмов, которые ненавязчиво сочетают в себе все лучшее, что может предложить кино: радостные взлеты, жалкие падения и бесконечные колебания между этими полюсами.

Вполне логично, что наиболее выдающимся из голливудских мюзиклов стал мюзикл «Поющие под дождем». Действие фильма происходит в 1927 г. Главный герой Дон Локвуд (Джин Келли) — звезда немого кино. Во время съемок Локвуда и его экранной партнерши Лины Ламонт (Джин Хейген) студия узнает о приближающейся премьере водевиля «Певец джаза» и прекращает работу над постановкой. Единственный способ завершить фильм — это превратить его в мюзикл, но существуют два препятствия: Дон с трудом переносит Лину, а ее грубый нью-йоркский акцент не подходит для участия в звуковом кино. Что же делать? Было решено, что Ламонт будет озвучивать Кэти, которая обладает мелодичным голосом (Дебби Рейнольдс). Все надеялись, что зрители об этом не догадаются. Но такая мера вызывает еще одну проблему: Дон влюбляется в Кэти и разрывает свои профессиональные отношения с Линой. В фильме «Поющие под дождем» (режиссеры Келли и Стэнли Донен) можно увидеть несколько великолепных номеров с песнями и танцами. В частности, «Заставьте их смеяться» Доналда О’Коннора и знаменитый сольный номер Келли с титульной песней. Келли в желтом дождевике раскачивается, держась за фонарный столб, и в восторге топает по лужам — настолько он окрылен новой любовью. Любопытно, что некоторые песни из этого мюзикла уже использовались в других фильмах, снятых MGM. Но Келли вместе с актерским ансамблем вдохнули в них новую жизнь, и теперь они неразрывно связаны с «Поющими под дождем». Сценарий Адольфа Грина и Бетти Комден разворачивается легко и непринужденно, с обилием смешных моментов и остроумным высмеиванием ухабистого перехода от немого кино к звуковому.

Как ни странно, фильм был встречен довольно холодно, оставался незамеченным и не получил наград. Но со временем стало трудно противостоять его веселым номерам и обаятельным актерам. Позже он удостоился хвалебных отзывов кинокритиков, назвавших «Поющих под дождем» королем мюзиклов. Этот фильм вошел в десятку лучших мюзиклов. Мир кино и мир в целом стал лучше и богаче благодаря появлению «Поющих под дождем». Дж. Кл.

 

ЖИТЬ (1952)

IKIRU

Япония (Toho), 143 мин., черно-белый

Язык: японский

Режиссер: Акира Куросава

Продюсер: Сёдзиро Мотоки

Авторы сценария: Синобу Хасимото, Акира Куросава, Хидэо Огуни

Оператор: Асакадзу Накаи

Музыка: Фумио Хаясака

В ролях: Такаси Симура, Синъити Химори, Харуо Танака, Минору Тиаки, Мики Одагири, Бокудзен Хидари, Миносукэ Ямада, Каматари Фудзивара, Макото Кобори, Нобуо Канэко, Нобуо Накамура, Ацуси Ватанабэ, Исао Кимура, Масао Симидзу, Юносукэ Ито

Берлинский международный кинофестиваль: Акира Куросава (Премия иностранных делегаций)

Хотя Акира Куросава лучше всего известен благодаря своим эпическим фильмам о самураях («Семь самураев», «Йохимбо»), в действительности у него не было цели изображать кровь и насилие. Но ни один другой режиссер не исследовал столь тщательно потенциал насилия на экране. Куросава был великим гуманистом кино, и это нигде не проявляется с такой силой, как в его фильме «Жить».

В картине речь идет о Кендзи Ватанабэ (Т. Симура), чиновнике среднего звена, чья повседневная жизнь мрачна и не приносит удовлетворения. За 30 лет работы в городском отделе муниципального управления он не пропустил ни одного дня. И этим он гордится. Не то чтобы он жалел о приземленности своей жизни, просто у него не было другого выбора.

Все это меняется, когда он узнает, что болен раком и ему осталось жить совсем недолго. Последние месяцы жизни Ватанабэ переосмысливает свои ценности и приоритеты и решает, что еще не поздно изменить мир к лучшему. Все силы он тратит на сооружение общественного парка — скромный жест, который имеет значение как для Ватанабэ, так и для Куросавы.

Симура полностью сливается со своим героем. После того как Ватанабэ узнает о своей болезни, лицо актера выражает все, что нам необходимо знать, — начиная от невыразимого страдания до смирения. Невозможно не почувствовать боль и муки Ватанабэ, которые на протяжении фильма отражаются в его взгляде.

Несмотря на то что фильм «Жить» полон грусти, он несет в себе немалый духовный заряд. И таково было мнение Куросавы — лишь через страдания человек может добиться удовлетворения или счастья. Но страдания — это часть жизни, и их также можно использовать во благо. «Жить» — чрезвычайно жизнеутверждающий фильм, несмотря на тему смерти. Благодаря своему таланту Куросаве удалось показать, что эти понятия не противоречат друг другу, а связаны как неотъемлемые части жизни. Его искренняя вера в то, что даже небольшие вещи имеют значение, задевает нас за живое и укрепляет наши силы, особенно в повседневной, пронизанной иронией жизни. Э. де С.

 

ЕВРОПА-51 (1952)

EUROPA ‘51

Италия (Ponti-De Laurentiis), 113 мин., черно-белый

Язык: итальянский

Режиссер: Роберто Росселлини

Продюсеры: Дино де Лаурентис, Роберто Росселлини

Авторы сценария: Сандро Де Фео, Марио Паннунцио, Иво Перилли, Брунелло Ронди, Роберто Росселлини

Оператор: Альдо Тонти

Музыка: Ренцо Росселлини

В ролях: Ингрид Бергман, Александр Нокс, Этторе Джаннини, Джульетта Мазина, Тереза Пеллати, Сандро Франкина, Уильям Таббс, Альфред Браун

Венецианский кинофестиваль: Роберто Росселлини (международная премия), номинация «Золотой лев»

В фильме Роберто Росселлини «Европа-51» сочетаются самые непредсказуемые вещи, которые, возможно, и не придутся вам по вкусу. Это — скандинавская актриса, превратившаяся в голливудскую кинозвезду; отец итальянского неореализма; социальное положение городов в послевоенной Европе; метафизические размышления о природе добра и зла и о неотъемлемом праве на независимое существование; противостояние буржуазии и простого народа; смерть ребенка; предательство и искупление грехов матери... mamma mia! И вот вы сидите в темноте, вспыхивает экран и начинается фильм, простой и откровенный, задевающий за живое.

Годом ранее в «Стромболи» Росселлини превратил послушную Ингрид Бергман в «наряженную куклу». В этом фильме все было по-другому. Осталось прежним лишь стремление Росселлини и Бергман к импровизации наряду с ранее несвойственным режиссеру сплавом мелодрамы как популярного жанра и авторского фильма, затрагивающего этические и социальные проблемы. Каждая ситуация в «Европе-51» несет в себе привычные понятия, и в то же время каждая сцена неожиданна, наполнена тягостным ощущением реальности. И, несмотря на это, в них ощущается скрытая связь с историческим прошлым и с событиями реальной жизни. Все происходит без особого драматизма, показных эмоций. Напротив, с невероятной сдержанностью (со стороны режиссера и актрисы, которых в сдержанности никак не обвинишь). Такой настрой сквозит во всей постановке и игре актеров.

Фильм «Европа-51» выходит за рамки своего жанра, достигая редких высот истинного гуманизма, на который способно кино, и все это без особых ухищрений. Героиня Бергман Ирэн Жирар преодолевает все препятствия на своем пути, ее причисляют к лику святых, и по сюжету происходит искупление всех ее грехов. Фильм о праведной жизни? Почему бы и нет? Ж.-М. Ф.

 

ЗЛЫЕ И КРАСИВЫЕ (1952)

THE BAD AND THE BEAUTIFUL

США (Loew’s, MGM), 118 мин., черно-белый

Режиссер: Винсент Миннелли

Продюсер: Джон Хаусмен

Авторы сценария: Джордж Брэдшоу, Чарлз Шни

Оператор: Роберт Сертис

Музыка: Дэвид Раксин

В ролях: Лана Тернер, Керк Дуглас, Уолтер Пиджон, Дик Пауэлл, Барри Салливан, Глория Грэм, Гилберт Роуленд, Лео Дж. Кэррол, Ванесса Браун, Пол Стюарт, Сэмми Уайт, Илейн Стюарт, Иван Тризо

«Оскар»: Чарлз Шни (сценарий), Глория Грэм (актриса второго плана), Седрик Гиббонс, Эдвард К. Карфаньо, Эдвин Б. Уиллис, Ф. Кеог Глисон (художественное оформление и декорации), Роберт Сертис (оператор), Хелен Роуз (дизайн костюмов)

Номинация на «Оскар»: Керк Дуглас (актер)

В основе сюжета лучшего голливудского фильма о Голливуде «Злые и красивые» лежит свободная интерпретация карьерной истории Дэвида О. Селзника. Жизнь продюсера послужила поводом для перенесения на экран интересных случаев из жизни Вэла Льютона, Орсона Уэллса, Раймонда Чандлера, Дайаны Бэрримор, Альфреда Хичкока и Ирвинга Тальберга.

Три человека, не без основания ненавидящие продюсера Джонатана Шилдса (К. Дуглас), собираются вместе, ожидая звонка из Парижа о новом проекте, в котором заинтересован пресловутый Шилдс. Затем идут ретроспективные кадры, показывающие его восхождение от бедности к славе, и наши герои рассказывают, за что они его так сильно ненавидят. Один из них, режиссер Фред Амиэл (Б. Салливан), ранее был партнером Шилдса — продюсер вдохновил его на создание дешевого ужастика «Мужчины-кошки» (прототип «Люди-кошки» Льютона). Но затем Амиэла отстраняют от участия в кассовом мексиканском проекте его мечты «Далекая гора». Джорджия Лоррисон (Л. Тернер), дочь пьяницы-бродяги, была списана с Дайаны Барримор, преемницы традиций актера Джона Барримора. Поднявшись из низов благодаря личному упорству, она превращается в кинозвезду второго поколения, а затем переживает фиаско в ночь премьеры по вине проститутки (сыгранной И. Стюарт). Наиболее непримирим по отношению к Шилдсу профессиональный сценарист Джеймс Ли Бартлоу (Д. Пауэлл). Шилдс флиртует с его женой (за эту роль Г. Грэм получила «Оскара»), воспользовавшись разладом в их семье, и сплавляет ее «латинскому любовнику» Виктору «Гаучо» Рибера (Д. Роуленд). В результате она погибает из-за него при крушении самолета.

Никто не может сравниться с Дугласом в роли амбициозного продюсера, страдающего манией величия. Он изображает своего героя самоуверенным и пронырливым. Это одна из лучших его работ. Сценарий, начиненный пикантными подробностями (Чарлз Шни получил за него «Оскара»), как нельзя лучше сочетается с мелодраматизмом режиссера Винсента Миннелли и чарующим музыкальным сопровождением Дэвида Раксина. К. Н.

 

БОЛЬШОЕ НЕБО (1952)

THE BIG SKY

США (Winchester), 140 мин., черно-белый

Режиссер: Ховард Хоукс

Продюсеры: Ховард Хоукс, Эдвард Ласкер

Авторы сценария: А. Б. Гатри-младший, Дадли Николс, по роману А. Б. Гатри-младшего

Оператор: Рассел Харлан

Музыка: Дмитрий Тёмкин

В ролях: Керк Дуглас, Дьюи Мартин, Элизабет Трет, Артур Ханникат, Бадди Баэр, Стивен Гэрей, Генри Летондал, Хэнк Уорден, Джим Дэвис

Номинации на «Оскар»: Артур Ханникат (актер второго плана), Рассел Харлан (оператор)

Действие фильма Ховарда Хоукса «Большое небо» происходит в 1830-е гг. Керк Дуглас и Дьюи Мартин играют торговцев мехом, путешествующих на лодке вверх по Миссури в деревушку Блэкфут. Фильм поставлен по замечательному роману А. Б. Гатри-мл.; он также написал сценарий для картины «Шэйн» (1953), а по его романам «Эти тысячи холмов» и «Путь на запад» были сняты вестерны. По пути Дуглас и Мартин сталкиваются со всевозможными опасностями, как со стороны природы, так и со стороны людей. Над дружбой их героев нависает опасность, когда они берут в заложницы индейскую девушку Глаз Чирка (Элизабет Трет), которая должна обеспечить им безопасность. Оба влюбляются в нее, но в итоге ситуация разрешается сама собой.

Черно-белый фильм Хоукса изобилует прекрасными пейзажами. Однако автор уделяет гораздо меньше внимания эпическим возможностям сценария, чем замечательному актерскому ансамблю. Мы видим Хэнка Уордена в роли сумасшедшего старика-индейца, Артура Ханниката в роли отважного ветерана и Стивена Гэрея в роли Френчи, капитана корабля. В фильме присутствует свойственный Хоуксу «черный» юмор, например, в сцене, когда Дугласу приходится ампутировать палец (которая ранее была написана для Джона Уэйна в «Красной реке», 1948). Э. Б.

 

РОВНО В ПОЛДЕНЬ (1952)

HIGH NOON

США (Stanley Kramer), 85 мин., черно-белый

Режиссер: Фред Циннеман

Продюсеры: Карл Форман, Стэнли Крамер

Авторы сценария: Джон У. Каннингем, Карл Форман по рассказу «Оловянная звезда» Джона У. Каннингема

Оператор: Флойд Кросби

Музыка: Дмитрий Тёмкин

В ролях: Гари Купер, Томас Митчел, Ллойд Бриджес, Кэти Хурадо, Грейс Келли, Отто Крюгер, Л. Чейни-мл., Г. Морган, Й. МакДоналд, И. МакВиг, М. Фарли, Г. Шеннон, Ли Ван Клиф, Р. Дж. Уилк, Ш. Вули

«Оскар»: Г. Купер (лучший актер), Э. Уильямс, Г. У. Герстад (монтаж), Д. Тёмкин (музыка), Д. Тёмкин, Н. Уошингтон (лучшая песня)

Номинации на «Оскар»: С. Крамер (лучший фильм), Ф. Циннеман (режиссер), К. Форман (сценарий)

В одно воскресное утро в скучном городке Хэдлвилл, штат Нью-Мексико, начальник полицейского участка Уилл Кейн (Гари Купер) узнает, что жестокий убийца Фрэнк Миллер (Йен МакДоналд), которого он упрятал в тюрьму, — вышел на свободу и должен прибыть дневным 12-часовым поездом. Пока наиболее рьяные сообщники Миллера (среди которых неумело играющий на губной гармошке Ли Ван Клиф) слоняются по станции, Кейн обращается за помощью к жителям города. Но его коллеги, друзья и видные сановники отказываются рисковать своей жизнью и помочь ему справиться с преступниками. А бандиты хотят не только отомстить Кейну, но и совершить набег на Хэдлвилл.

На всех часах время приближается к полудню, жители города убеждают Кейна покинуть город, но он должен выполнить свой долг. Сюжет фильма «Ровно в полдень» разворачивается в реальном времени, все ближе и ближе раздается тиканье часов, и в это время звучит баллада — лейтмотив фильма («Не покидай меня, мой милый»), — нагнетая напряжение в тех сценах, где Кейн ждет встречи с преступниками. В этой картине участвует Грейс Келли, она играет невесту Уилла Кейна. Фильм остается убедительным и в наши дни, когда преобладают сюжеты, где «один против всех». В финале Кейн один борется с четырьмя бандитами. Картину Фреда Циннемана очень условно можно назвать вестерном. Подобная атмосфера страха и подозрения господствовала в эпоху МакКарти. К. Н.

 

УМБЕРТО Д (1952)

UMBERTO D

Италия (Amato, De Sica, Rizzoli), 91 мин., черно-белый

Язык: итальянский

Режиссер: Витторио де Сика

Продюсеры: Джузеппе Амато, Витторио де Сика, Анджело Риццоли

Автор сценария: Чезаре Дзаваттини

Оператор: Альдо Грациати

Музыка: Алессандро Чиконьини

В ролях: Карло Баттисти, Мария-Пиа Казильо, Лина Дженнари, Илеана Симова, Элена Реа, Меммо Каротенуто

Номинация на «Оскар»: Чезаре Дзаваттини (сценарий)

Фильм «Умберто Д» о вышедшем на пенсию учителе (Карло Баттисти) и его собаке Флайке вам обязательно запомнится. Создатели классической картины в стиле неореализма «Похитители велосипедов» (1948) режиссер Витторио де Сика и сценарист Чезаре Дзаваттини вернулись к аналогичной теме и творческому методу в «Умберто Д». Этот метод заключается в том, что весь сюжет фильма построен на эмоциональной трогательной истории простого человека. Через нее обнажаются социальные условия жизни в стране.

«Умберто Д» снимали на улицах Рима, и главные роли исполняют непрофессиональные актеры, что придает фильму еще б`ольшую непосредственность и достоверность. Оппоненты неореализма считают, что мелодраматическая трактовка непритязательной истории снижает социальную остроту фильма и ставит под сомнение его реалистическую направленность. Это очень грустный фильм об отчаявшемся старике и его любви к своему питомцу. Критическое отношение главного героя к социальной несправедливости предоставляет зрителю прекрасную возможность составить собственное мнение об одном из наиболее значительных направлений в истории мирового кинематографа.

Учитель (Баттисти) не уверен в себе и смиряется со сложившейся ситуацией. Он получает мизерную пенсию, которой ему едва хватает на проживание в меблированной комнате. Учитель целиком зависит от милости своей бесчувственной хозяйки, которая хочет избавиться от него. Еду, получаемую в местной благотворительной организации, он делит со своей собакой, единственным товарищем и утешением. Когда над ними сгущаются тучи, ему не один раз приходится выбирать между своей жизнью и жизнью Флайка. В одном из центральных эпизодов фильма Флайк теряется, и Умберто боится, что он погибнет в городском собачьем приюте. Как и в «Похитителях велосипедов», чувство неизвестности, вызванное безнадежными поисками, может соперничать с триллерами Хичкока. Собака — смысл безрадостного существования (как и велосипед, источник заработка во время большой нужды) — в изображении создателей фильма способна вызвать такой же интерес и переживания, как чертежи секретного оружия или клад с украденными драгоценностями в причудливом сценарии. Здесь де Сика заставляет нас задуматься над тем, является ли любовь Умберто к всецело зависящей от него собаке его спасением или напрасной тратой времени. Р. Х.

 

ЗОЛОТАЯ КАРЕТА (1952)

LE CARROSSE D’OR

Италия/Франция (Hoche, Panaria), 103 мин., техниколор

Режиссер: Жан Ренуар

Продюсеры: Франческо Алльята, Ренцо Аванцо

Авторы сценария: Ренцо Аванцо, Джек Керкленд, Жинетт Дуанель, Джулио Макки, Жан Ренуар, по пьесе «Карета святых даров» Проспера Мериме

Оператор: Клод Ренуар

Музыка: Антонио Вивальди

В ролях: Анна Маньяни, Одоардо Спадаро, Нада Фьорелли, Данте, Дункан Ламон, Джордж Хиггинс, Ральф Трумэн, Джизелла Мэтьюз, Ральф Де Ла Торре, Элена Алтьери, Пол Кэмпбелл, Риккардо Рьоли, Уильям Таббс, Жан Дебюкур

Первый фильм из «театральной» трилогии Жана Ренуара (другие два — «Французский канкан», 1955, и «Елена и мужчины», 1956) является совместной итало-французской постановкой, в которой приняли участие английские и итальянские актеры во главе с непревзойденной Анной Маньяни. Во время съемок английского варианта она была опечалена тем, что не может играть на иностранном языке из-за своего неподражаемого и очень заметного итальянского акцента. Маньяни исполняет роль Камиллы (Коломбины в труппе commedia dell’arte), которая прибывает вместе со своей труппой в Перу. Вместо улиц, вымощенных золотом, они обнаруживают, что там вообще нет улиц. Им даже приходится построить театр, в который они приглашены. «Что же будет с новым миром?» — «Он будет славным, когда они закончат его».

За Камиллой вскоре начинают ухаживать три достойных поклонника, один из них — наместник испанского короля (Д. Ламон) — дарит ей золотую карету. Но, увы, для актеров чувства за пределами театра не являются гарантией счастья. По внешне легкомысленному и наигранному сюжету поставлен глубокий, полный грусти фильм о сложных взаимоотношениях между любовью, искусством и жизнью. По мнению Трюффо, это «самый замечательный и тонкий фильм... В нем есть все: изысканность и элегантность, грация и свежесть... это фильм о театре в самом театре». В саундтреке звучит музыка Антонио Вивальди, а брат Ренуара Клод был оператором в этом выдающемся фильме. Т. Ч.

 

ДВОЕЖЕНЕЦ (1953)

THE BIGAMIST

США (Filmmakers), 80 мин., черно-белый

Режиссер: Айда Лупино

Продюсер: Колльер Янг

Авторы сценария: Ларри Маркус, Лу Шор, Колльер Янг

Оператор: Джордж Э. Дискант

Музыка: Лит Стивенс

В ролях: Джоан Фонтейн, Эдмунд Гвенн, Айда Лупино, Эдмонд О’Брайен, Кеннет Тоби, Джейн Дарвелл, Пегги Мейли

Этот приключенческий фильм — один из немногих шедевров, поставленных режиссером Айдой Лупино. Ее называли «жалким подобием Бэтт Дэвис», когда она в 1940-е гг. была кинозвездой на студии «Уорнер бразерс». Эдмонд О’Брайен играет роль Гарри Грэма, торговца холодильниками, который, неуклюже шаркая по жизни, в конце концов обзаводится двумя женами, Ив (Джоан Фонтейн) и Филлис (Лупино). Каждая из жен не знает о существовании другой. Лупино изображает своих сдержанных, беспомощных героев достойными жалости.

Драма в «Двоеженце» заключается в недовольстве жизнью трех персонажей: одиночестве Гарри, горе Ив по поводу смерти отца и неспособности зачать ребенка, нежелании Филлис заставить Гарри признать ее, потому что она не хочет быть для него обузой. Весь фильм является воплощением неудовлетворенности, чему немало способствует место действия (двойная жизнь Гарри разворачивается в Сан-Франциско и Лос-Анджелесе), поведение людей (беспомощная, болезненная пассивность Гарри, изоляция несчастной Филлис, отчаянные и вызывающие жалость попытки Ив быть одновременно безупречной женой и прекрасным деловым партнером) и, превыше всего, взгляды, которые эти люди бросают друг на друга, сразу же опуская глаза. В пронзительной заключительной сцене в зале суда двусмысленность и напряженность выражений их лиц и взглядов заставляют вспомнить Карла Дрейера и Николаса Рэя. К. Фу.

 

ТЕАТРАЛЬНЫЙ ФУРГОН (1953)

THE BAND WAGON

США (MGM), 111 мин., техниколор

Режиссер: Винсент Миннелли

Продюсер: Артур Фрид

Авторы сценария: Бетти Комден, Адольф Грин

Оператор: Гарри Джексон

Музыка: Артур Шварц (песни)

В ролях: Фред Астер, Сид Шарисс, Оскар Левант, Нанетт Фабрей, Джек Бьюкенен, Джеймс Митчелл, Роберт Гист

Номинации «Оскар»: Бетти Комден, Адольф Грин (сценарий), Мэри Энн Найберг (дизайн костюмов), Адольф Дойч (музыкальное сопровождение)

Как и фильм «Поющие под дождем», который появился на экранах годом ранее, «Театральный фургон» Винсента Миннелли — мюзикл, прекрасно отражающий историю своего жанра с попыткой создания нового, «единого» стиля. Этот стиль основан на характерных сюжетных особенностях и в то же время использует преимущества старого в духе «ревю». И это удается авторам благодаря многогранному таланту Фреда Астера, который проявился в фильме «Цилиндр» (1935). В «Театральном фургоне» Астеру приходится мириться с воззрениями режиссера, в чем-то похожего на Орсона Уэллса (Д. Бьюкенен), и наконец ему удается доказать свой талант в качестве старомодного, но влившегося в труппу танцора в динамичной популярной программе.

Как и во многих мюзиклах, в «Театральном фургоне» сочетаются порой несопоставимые тенденции. Действующие лица символизируют крайнюю степень примитивности — Тони Хантер (Фред Астер) и высокой культуры — его несговорчивая партнерша-балерина Габриэль Жерар (Сид Шарисс). Но когда доходит до дела, такие культурные барьеры легко рушатся: Тони оказывается тонким ценителем искусства, а Габи отплясывает под песню «Я вижу новое солнце» на сцене, как лихая танцовщица вокально-танцевального шоу. Такой эстетический поворот вносит в фильм романтические мотивы, прозвучавшие в бессмертном дуэте «Танцы в темноте» в Центральном парке Нью-Йорка.

Однако «Театральный фургон» кажется превосходной «смесью красочных аттракционов», начиная с зажигательного комедийного таланта Н. Фабрей и О. Леванта, прототипами которых послужили сценаристы Б. Комден и А. Грин. Миннелли показывает нам различные мизансцены, уделяя внимание декору и архитектуре в сцене, где Бьюкенен берет высокую ноту в «Фаусте», а люди в трех соседних комнатах подслушивают; быструю смену настроений актеров в незабываемых номерах представления; веселый театральный номер «троицы придурков».

А последняя сцена и вовсе захватывающее зрелище. Это 11-минутная «убийственная» джазовая мистерия «Охота за девушками», пародия на «черный» фильм (в меняющихся цветовых тонах). Здесь танцевальная хореография Майкла Кидда выливается в стилизованное действо с характерной атрибутикой (стрельба, курение, борьба), и звезды привлекают наше внимание либо демонстрацией эротики (Шарисс), либо веселой походкой (Астер). Э. Мат.

 

МАДАМ ДЕ... (1953)

MADAME DE...

Франция/Италия (Franco London, Indus, Rizzoli), 105 мин., черно-белый

Язык: французский

Режиссер: Макс Офюльс

Продюсер: Ральф Баум

Авторы сценария: Марсель Ашар, Макс Офюльс, Аннетт Вадеман, по роману «Мадам де» Луизы де Вильморен

Оператор: Кристиан Матра

Музыка: Оскар Штраус, Жорж Ван Пари

В ролях: Шарль Буайе, Даниэль Дарье, Витторио де Сика, Жан Дебюкур, Жан Галлан, Мирей Перре, Поль Азаис, Жослен, Юбер Ноэль, Лиа ди Лео

Номинации на «Оскар»: Жорж Анненков, Розин Деламар (дизайн костюмов)

Немногие фильмы содержат так много всего, созданы на таком высоком уровне и такими скупыми средствами, как «Мадам де...» — великое творение М. Офюльса. Луизу (Д. Дарье) называют «Мадам де...», потому что никто не знает ее имени, что вполне характерно для представителей высшего общества. В начале фильма Луиза собирается заложить сережки. И они становятся виновниками драматических событий. Камера следит за местонахождением сережек, и, наконец, мы видим в зеркале Луизу, окруженную ее материальными приобретениями. С этого момента Офюльс делает особый упор на атрибутах богатого мира: море денег и долгов, вездесущие слуги, приготовления перед выходом в свет. Даже дорогу из спальни к парадной двери героиня превращает в элегантное шествие.

Помимо дома и ломбарда, действие происходит в церкви (место, где царит буржуазное лицемерие) и в опере, где все превращается в спектакль. Там мы встречаем мужа Луизы Андре (Ш. Буайе), «добряка» до тех пор, пока ему удается держать дела под контролем (свои и своей жены), определяющие так называемое супружество. К тому времени, как сережки возвращаются в руки Андре в третий раз, а Луиза безоглядно влюбляется в Донати (Витторио де Сика), чтобы потешить свое самолюбие и тщеславие (сережки объединяют всех героев, вызывая в памяти прежний фильм Офюльса «Круг», 1950), сюжетная линия приходит к естественному завершению. Для Луизы, живущей в состоянии отречения от условий, которые предоставляют ей воображаемую свободу, сережки — символ ее любви к Донати. Для Андре они — символ патриархальной, военной и аристократической власти, которой он обладает.

Но «Мадам де...» показывает шаткость этой власти. В то же время фильм жесток и трогателен, герои его вызывают сострадание. Офюльс изображает этот мир с дотошностью Брехта, но никогда не умаляет значения сдержанных переживаний героев. Даже пока они терзаются в своем выдуманном плену и закрывают друг другу пути к отступлению, их страсти задевают нас за живое, особенно в той сцене, когда Андре закрывает окна перед Луизой, как тюремщик, вполголоса, по секрету заявляя: «Я тебя люблю». Э. Мат.

 

ОТНЫНЕ И ВО ВЕКИ ВЕКОВ (1953)

FROM HERE TO ETERNITY

США (Columbia), 118 мин., черно-белый

Режиссер: Фрэд Циннеман

Продюсер: Бадди Адлер

Авторы сценария: Джеймс Джонс, Даниэль Тарадаш, по роману Джеймса Джонса

Оператор: Бернетт Гаффи

Музыка: Джордж Данинг, Джеймс Джонс, Фред Каргер, Роберт Уэллс

В ролях: Берт Ланкастер, Монтгомери Клифт, Дебора Керр, Донна Рид, Фрэнк Синатра, Филип Обер, Микки Шонесси, Гарри Беллавер, Эрнест Боргнайн, Джек Ворден, Джон Деннис, Мерл Трэвис, Тим Райан, Артур Киген, Барбара Моррисон

«Оскар»: Бадди Адлер (лучший фильм), Фред Циннеман (режиссер), Даниэль Тарадаш (сценарий), Фрэнк Синатра (актер второго плана), Донна Рид (актриса второго плана), Бернетт Гаффи (оператор), Уильям Э. Лайен (монтаж), Джон П. Ливадари (звук)

Номинации на «Оскар»: Монтгомери Клифт (актер), Берт Ланкастер (актер), Дебора Керр (актриса), Жан Луи (дизайн костюмов), Моррис Столофф, Джордж Данинг (музыкальное сопровождение)

В фильме «Отныне и во веки веков» сохранена сцена из одноименного бестселлера Джеймса Джонса, когда Берт Ланкастер и Дебора Керр целуются, занимаясь серфингом на Гавайях. Тем не менее версия Фрэда Циннемана о жизни американской армии в 1941 г. незадолго до нападения японцев на Перл-Харбор немного изменена по сравнению с романом. И хотя в фильме меньше секса и насилия, автор все же уделяет достаточно внимания супружеской неверности, проституции, коррупции и дракам с элементами садизма. Благодаря этому фильм пользовался большой популярностью у зрителей, считался необычным для Голливуда и был награжден восемью «Оскарами». По прошествии многих лет сенсационные моменты фильма уже не кажутся столь дерзкими и нескромными, и в памяти всплывает лишь блестящая игра звездного актерского состава. Ланкастер играет принципиального, но прагматичного сержанта Уордена. Монтгомери Клифт исполняет роль Прюитта, новичка-сигнальщика, чей сознательный отказ боксировать вызывает предвзятое отношение к нему со стороны офицерского состава. Фрэнк Синатра играет его друга Маджо, которого донимает неприятный сержант форта Фатсо (его запоминающийся образ создал Э. Боргнайн). Неизбежно на фоне таких суровых мужских характеров с присущим им чувством чести в конфликте с конформистскими ожиданиями общества исполнительницы женских ролей не столь заметны. Английская кинозвезда Керр не очень убедительно играет страстную американку, изменяющую мужу, а Донна Рид исполняет роль проститутки в дансинге, выдающей себя за его хозяйку.

Будучи мастером своего дела, Циннеман начинал со скромных, но достаточно ярких фильмов. Данный фильм стал поворотным в его карьере. «Оскары», полученные за картину, открывали ему дорогу к созданию более значительных, «качественных» произведений, но «Отныне и во веки веков» и без «реалистических» штрихов стала бы столь же популярной. По сути дела, это мелодрама с явными элементами мрачного экспрессионизма. Дж. Э.

 

ТОКИЙСКАЯ ИСТОРИЯ (1953)

TÔKYÔ MONOGATARI

Япония (Shochiku), 136 мин., черно-белый

Язык: японский

Режиссер: Ясудзиро Одзу

Продюсер: Такеси Ямамото

Авторы сценария: Кого Нода, Ясудзиро Одзу

Оператор: Юхару Ацута

Музыка: Таканобу Саито

В ролях: Тисю Рю, Тиэко Хигасияма, Сецуко Хара, Харуко Сугимура, Со Ямамура, Кунико Миякэ, Кьоко Кагава, Эйдзиро Тоно, Нобуо Накамура, Сиро Осака, Хисао Тоакэ, Теруко Нагаока, Мицуко Сакура, Тоёко Такахаси, Тору Абэ

«Жизнь — сплошное разочарование!» — говорит девочка-подросток вдовствующей невестке на похоронах своей матери. «Да», — отвечает та с улыбкой. Такой обмен короткими фразами характерен для шедевра Ясудзиро Одзу «Токийская история» и свидетельствует об отсутствии сентиментальности и спокойном отношении к происходящему, что и выделяет данный фильм среди других его работ. Действие развивается в простом доме среднего класса, где девушка до сего момента жила с пожилыми родителями. Все диалоги ведутся в естественном ключе, и нам трудно поверить, что они были заранее спланированы как часть сюжетных линий, но, когда слова произносятся, они несут в себе огромный эмоциональный заряд и философский смысл.

Значение фильмов Одзу часто недооценивалось: обманчиво простые взаимоотношения, главным образом, с описанием повседневных домашних и профессиональных ритуалов в жизни японцев среднего класса и своеобразным отсутствием выразительности (драматической и стилистической). Это может ввести в заблуждение невнимательного зрителя, который сочтет фильмы банальными. Пожилые супруги оставляют свою младшую дочь дома в провинции, а сами едут в Токио навестить других детей. Они никогда не бывали в столице, но хотят многое успеть, зная, что у них не так много времени. Но у детей уже свои семьи, у них нет времени на родителей, и они с трудом скрывают стремление наладить жизнь в послевоенной Японии. Лишь невестка, потерявшая мужа во время войны, не жалеет на них своего времени. Не то чтобы они жаловались — не больше, чем она.

Как обычно у Одзу, все это снимается неподвижной камерой, укрепленной на высоте 60 см над землей. Лишь один кадр снят в движении — и даже он снимался с какой-то медлительностью, именно в этот момент супруги решают вернуться домой. Каким же образом Одзу удается удерживать наше внимание, если все, что мы видим и слышим, неинтересно, но большинство зрителей находит это драматичным и необычным? Такое созерцательное отношение режиссера к жизни показывает, что любые человеческие действия, какими бы незначительными они ни казались, достойны нашего внимания. Но в отличие от его собственного кинематографического стиля, переживания, чувства и мысли его героев так же универсальны, как и все изображаемое в кино. Это парадокс, благодаря которому данный фильм справедливо считается одним из лучших. Дж. Э.

 

РИМСКИЕ КАНИКУЛЫ (1953)

ROMAN HOLIDAY

США (Paramount), 118 мин., черно-белый

Режиссер: Уильям Уайлер

Продюсеры: Роберт Уайлер, Уильям Уайлер

Авторы сценария: Йен МакЛеллан Хантер, Джон Дайтон

Операторы: Анри Аликан, Франц Планер

Музыка: Жорж Орик

В ролях: Грегори Пек, Одри Хепберн, Эдди Алберт, Хартли Пауэр, Харкорт Уильямс, Маргарет Роулингс, Туллио Карминати, Паоло Карлини, Клаудио Эрмели, Паола Борбони, Альфредо Риццо, Лаура Солари, Горелла Гори, Хайнц Хиндрих, Джон Горн

«Оскар»: Одри Хепберн (лучшая актриса), Эдит Хэд (дизайн костюмов), Йен МакЛеллан Хантер (Долтон Трамбо) (оригинальный сюжет)

Номинации на «Оскар»: Уильям Уайлер (лучший фильм), Уильям Уайлер (режиссер), Йен МакЛеллан Хантер (Долтон Трамбо), Джон Дайтон (сценарий), Эдди Алберт (мужская роль второго плана), Хэл Перейра, Уолтер Х. Тайлер (художественное оформление и декорации), Франц Планер, Анри Аликан (операторы), Роберт Суинк (монтаж)

Если бы создатели этого фильма знали, с чем имеют дело, возможно, они переименовали бы картину «Римские каникулы» в «Звезда родилась». Перед тем как Одри Хепберн прошла кастинг на исполнение роли принцессы в фильме Уильяма Уайлера, она снялась лишь в нескольких европейских лентах и участвовала в бродвейском спектакле «Жижи». Роль в «Римских каникулах» была сыграна ею безупречно, фильм произвел сенсацию, а Хепберн взлетела на вершину славы. Это была своеобразная сказка о Золушке, претворенная в жизнь благодаря магии Голливуда.

Фильм в действительности представляет собой обратную сторону сказки о Золушке. Принцесса Анна в исполнении Хепберн устает от помпезности и своих официальных обязанностей. Однажды ночью она ускользает из-под охраны родственников и под видом простой девушки знакомится с американским журналистом Джо Брэдли (Грегори Пек). Узнав принцессу, он решает, что из этого можно извлечь выгоду для карьеры. Но, познакомившись с ней ближе, Джо винит себя за то, что воспользовался ее наивностью. Они осматривают Рим и в конце концов влюбляются друг в друга, но различие в их положении делает такие отношения невозможными. Они наслаждаются городом и его очарованием, понимая, что их недолгим отношениям скоро наступит конец. Пек и Хепберн прекрасно сыграли безнадежных влюбленных, а Эдди Алберт очень убедителен в роли оператора Пека, всегда готового к работе. Один из наиболее талантливых режиссеров Голливуда, Уайлер снимал фильм в Риме. Достопримечательности города еще больше усиливают и без того волшебную историю любви. Немаловажное значение имеет и сам сценарий, который был написан попавшим в черные списки писателем Долтоном Трамбо. Прошло несколько десятилетий, прежде чем Трамбо наконец воздали должное за участие в создании такого прекрасного фильма. Дж. Кл.

 

ПЛАТА ЗА СТРАХ (1953)

LE SALAIRE DE LA PEUR

Франция/Италия (CICC, Filmsonor, Fono, Vera), 141 мин., черно-белый

Язык: французский/английский/испанский/немецкий

Режиссер: Анри-Жорж Клузо

Продюсеры: Раймон Бордери, Анри-Жорж Клузо, Луи Уипф

Авторы сценария: Анри-Жорж Клузо, Жером Жероними, по роману Жоржа Арно

Оператор: Арман Тирар

Музыка: Жорж Орик

В ролях: Ив Монтан, Шарль Ванель, Питер ван Эйк, Антонио Чента, Дарлин Лежитимюс, Луиш де Лима, Джо Дест, Дарио Морено, Фаустини, Сегуна, Уильям Таббс, Вера Клузо, Фолько Лулли, Джеронимо Митчелл

Берлинский международный кинофестиваль: Анри-Жорж Клузо (Золотой медведь)

Каннский кинофестиваль: Анри-Жорж Клузо (Золотая пальмовая ветвь), Шарль Ванель (особая награда за игру)

В этой картине под маской приключенческого фильма скрыто изображение жадности и разрушительного влияния капитализма. «Плата за страх» Анри-Жоржа Клузо, возможно, вполне справедливо считается одним из наиболее напряженных фильмов. Действие происходит в Южной Америке. Две группы преступников соревнуются в попытке выполнить относительно простое задание: перевезти грузовик с нитроглицерином по дороге длиной 482 км через горы мимо нефтеочистительного завода. Но таким образом, чтобы у нефтяной компании взорвался нефтепровод и вспыхнул пожар. В чем же загвоздка? Взрывоопасный нитроглицерин разорвет водителей на части, если они не проявят предельную осторожность.

С садистской изобретательностью Клузо ставит перед двумя грузовиками огромное количество препятствий по ухабистой дороге в горах. Они едут, соревнуясь друг с другом, с черепашьей скоростью. Автошпильки и шаткие мосты представляют собой отдельную опасность, а каждая выбоина и падающая порода несут мгновенную гибель. Обе пары водителей взялись за это опасное дело не ради славы, а из-за денег, и становится все интереснее, как далеко они зайдут, чтобы получить деньги.

Перед изображением смертельно опасных ситуаций Клузо показывает в длинном отрывке — когда-то его вырезали по политическим соображениям — трущобы Южной Америки. Там странники и бродяги заканчивают свою жизнь, потому что им некуда больше идти, а бандиты ставят на кон свои жизни ради денег. Их смертельно опасные поступки мотивированы эгоизмом и отчаянием, которыми пользуются оппортунистические организации, обращаясь с преступниками по принципу «кнута и пряника». Бандиты, полные корысти, недоверия и презрения к людям, в своих жестоких действиях руководствуются примитивными, дикими инстинктами. Они представляют для окружающих такую же опасность, какой для них является грузовик с взрывчаткой. Это очень жалкое зрелище, так как линия финиша, за которой их ждет обещанная награда, может быть достигнута лишь ценой нравственного и духовного разрушения. Дж. Кл.

 

ОБНАЖЕННАЯ ШПОРА (1953)

THE NAKED SPUR

США (Loew’s, MGM), 91 мин., техниколор

Режиссер: Энтони Манн

Продюсер: Уильям Х. Райт

Авторы сценария: Сэм Рольф, Гарольд Джек Блум

Оператор: Уильям С. Меллор

Музыка: Бронислав Капер

В ролях: Джеймс Стюарт, Дженет Ли, Роберт Райан, Ральф Микер, Миллард Митчелл

Номинация на «Оскар»: Сэм Рольф, Гарольд Джек Блум (сценарий)

Это третий из серии замечательных вестернов режиссера Энтони Манна с участием Джеймса Стюарта. В «Обнаженной шпоре» Стюарт играет Говарда Кемпа, озлобленного наемного убийцу. Он стремится заработать деньги, чтобы купить ранчо, которое потерял из-за предательства жены во время Гражданской войны. По пути он знакомится с Джессом (Миллард Митчелл), пожилым золотоискателем, и Андерсоном (Ральф Микер), с позором выгнанного из армии федералистов. В итоге Стюарт находит свою жертву, циничного убийцу по имени Бен (Роберт Райан), но неприятности Кемпа только начинаются. Тяжелое путешествие через дикую местность в попытке отдать Бена в руки закона изматывает его до предела.

Во-первых, этот фильм исключителен благодаря прекрасному сценарию и превосходной игре актеров, которым удается передать напряжение, царящее между героями. И Кемп, и Бен стремятся завоевать психологическое превосходство друг над другом. Например, когда Бен использует девушку Кемпа Лину (Дженет Ли) в качестве приманки, поскольку под маской жестокости и упрямства чувствует его слабое место. Джеймс Стюарт прекрасно изображает человека на грани нервного срыва. Во-вторых, Манн демонстрирует красивейшие виды дикого горного пейзажа, которые служат отражением внутреннего мира каждого героя. Фильм был полностью снят на натуре. Э. Б.

 

ПРОИСШЕСТВИЕ НА САУТ-СТРИТ (1953)

PICKUP ON SOUTH STREET

США (Fox), 80 мин., техниколор

Режиссер: Сэмюэл Фуллер

Продюсер: Жюль Шермер

Автор сценария: Сэмюэл Фуллер, по рассказу Дуайта Тейлора

Оператор: Джозеф МакДоналд

Музыка: Ли Харлайн

В ролях: Ричард Уидмарк, Джин Питерс, Тельма Риттер, Мервин Вай, Ричард Кайли, Уиллис Бучи, Джерри О’Салливан, Гарри Картер, Джордж Э. Стоун, Джордж Элдридж, Стюарт Рэнделл, Фрэнк Кумагаи, Виктор Перри, Эммет Линн, Парли Бэар

Номинация на «Оскар»: Тельма Риттер (женская роль второго плана)

Венецианский кинофестиваль: Сэмюэл Фуллер — номинация (Золотой лев)

«Происшествие на Саут-стрит» из серии шпионских фильмов в духе антикоммунизма, созданных в начале «холодной войны», считается одним из лучших произведений своего жанра. Вор-карманник после кражи секретного микрофильма стоит перед выбором между патриотизмом и своей выгодой. Картина с ярким изображением жизни нью-йоркских низов динамично выходит за рамки жанра. Сэмюэл Фуллер проявил недюжинную стилистическую изобретательность, находя почти для каждой сцены свежие образы. Более всего привлекает внимание съемка крупным планом. Камера буквально упирается в лица актеров, их дыхание затуманивает объектив. Благодаря такой съемке автор делает акцент на внутреннем мире героев, убирая их идеологию на второй план.

В данном фильме исполнители главных ролей произвели сенсацию: самоуверенный циник Ричард Уидмарк, великодушная Джин Питерс, подлый предатель Ричард Кайли и, в особенности, коварная доносчица Тельма Риттер. В наиболее значительной сцене измученная Риттер находит свою смерть от руки вооруженного бандита Кайли. В данном фильме, столь глубоко раскрывающем характеры героев, мы видим, что больше всего она боится не смерти, а безымянной могилы. В одной из сцен она бросает язвительную фразу: «Если бы меня похоронили в братской могиле, я бы этого не пережила!» М. Р.

 

ДЖЕНТЕЛЬМЕНЫ ПРЕДПОЧИТАЮТ БЛОНДИНОК (1953)

GENTLEMEN PREFER BLONDES

США (Fox), 91 мин., техниколор

Режиссер: Ховард Хоукс

Продюсер: Сол С. Сигел

Автор сценария: Чарлз Ледерер, по роману Аниты Лус и пьесе Джозефа Филдса и Аниты Лус

Оператор: Гарри Дж. Уайлд

Музыка: Гарольд Адамсон, Хоуги Кармайкл, Лео Робин, Жюль Стайн

В ролях: Джейн Расселл, Мэрилин Монро, Чарлз Коберн, Эллиот Рид, Томми Нунан, Дж. Уинслоу, М. Далио, Т. Холмс, Н. Варден, Г. Уэнделл, С. Гэрей, Г. Летондал, Л. Мостовой, А. Фрейзер, Д. Дэвис

Несмотря на то что песня «Когда любовь уходит» — не самый известный номер этого яркого веселого мюзикла, она захватила сердца многих зрителей. Дороти (Джейн Расселл) и Лорелей (Мэрилин Монро), сидя во французском кафе, переживают из-за того, что с мужчинами так тяжело заводить романы. Собирается толпа, девушки достигают пика жалости к себе, и вскоре они вскакивают со своих мест, вышагивая и танцуя с посетителями в хореографическом стиле Джека Коула. Душевное беспокойство рассеивается: музыка затихает, толпа рассасывается, а наших героинь увозит такси. Все начинается банально, а заканчивается восторженно, и так на протяжении всего фильма. Грубоватая комедия о «золотоискательницах» «Джентльмены предпочитают блондинок», характерная для 1950-х, сочетает в себе сентиментальные мечты и скрытый сарказм, обаяние со стремлением к богатству, которым должна обладать девушка, чтобы свести концы с концами. Все это соткано из веселых, ярких контрастов, увековеченных в неоднократно повторяемой героиней Монро фразе: «Бриллианты — лучшие друзья девушки». Как писал Джонатан Розенбаум, фильм — это «нечто сверхъестественное — снимок мысли, капиталист Потемкин».

По мнению кинокритиков, фильм несет в себе скрытые мотивы. Он поставлен по роману Аниты Лус, его бродвейская версия с песнями Лео Робина/Жюля Стайна и Хоуги Кармайкла/Гарольда Адамсона раскрывает возможности двух звезд с их кипучей энергией. Героиня Расселл обладает сексуальностью и практичностью, героиня Монро — яркая смесь эффектного эротизма и детского простодушия, под их маской здравый смысл переплетается со склонностью к интригам. Комедия достигает кульминации, когда наши героини меняются ролями.

Ховард Хоукс считается классическим режиссером, его фильмы отличаются сдержанностью. Но в данном случае он снял волнующую, эффектную, непристойную комедию в духе Фрэнка Тэшлина — благодаря присутствию гротескного замечательного актера Джорджа Уинслоу. Чрезмерность и чудаковатость некоторых сцен (например, когда героиня Расселл поет бессмертную серенаду равнодушному мужчине «Есть ли здесь кто-то, достойный моей любви?») и взаимоотношения, уводящие в сторону от основного сюжета, — все это делает фильм столь привлекательным для современных зрителей. Э. Мат.

 

СИЛЬНАЯ ЖАРА (1953)

THE BIG HEAT

США (Columbia), 89 мин., черно-белый

Режиссер: Фриц Ланг

Продюсер: Роберт Артур

Автор сценария: Сидни Боэм, по роману Уильяма П. МакГиверна

Оператор: Чарлз Лэнг

Музыка: Даниэль Амфитеатроф, Артур Мортон

В ролях: Гленн Форд, Глория Грэм, Джослин Брандо, Александр Скаурби, Ли Марвин, Джанет Нолан, Питер Уитни, Уиллис Баучи, Роберт Бертон, Адам Уильямс, Говард Уэнделл, Крис Алкайд, Майкл Грейнджер, Дороти Грин, Кэролин Джонс

«Сильная жара» — это баллада о «ненависти, убийствах и мести». Фильм начинается с кадра, на котором крупным планом показано ружье. С его помощью продажный полицейский Том Дункан покончит жизнь самоубийством. Далее показаны сцены ужасов и несчастий, уродующие характеры героев. Полицейский Дэйв Баннион (Гленн Форд) превращается из семейного человека в одержимого, когда его жену (Джослин Брандо) взрывают в машине вместо него. Молодая девушка Дебби (Глория Грэм) приходит в ярость, когда ее дружок-гангстер Винс (Ли Марвин) обезображивает ей лицо, вылив на него горячий кофе, она начинает поиски Банниона. В ответственный момент озлобленный Дэйв не в состоянии хладнокровно совершить убийство. Поэтому за него это должен сделать его двойник, действующий во имя правосудия: большая жара, подкосившая преступного босса Лагану (Александр Скаурби), накаливается, когда появляется Дебби и убивает свою «одетую в норку сестру», жадную вдову полицейского.

«Сильная жара» заключает в себе больший политический смысл, чем остальные фильмы Ланга в жанре «черного» кино. Это один из нескольких фильмов 1950-х гг., в которых речь идет о преступном синдикате, управляющем городом. В «Большой жаре» заметна склонность Ланга к экспрессионизму. Некоторые сцены отражают стиль жизни главных героев: холодная роскошь дома Дункана, купленного на грязные деньги; безвкусное убранство особняка Лаганы, современный пентхаус Винса и Дебби, где комиссар полиции играет в карты с убийцами; небольшая, скромная квартирка семьи Банниона, заработанная честным путем, и гостиничный номер, где отчаявшийся отомстить Баннион совершает попытку самоубийства. Конец фильма неутешителен: после падения преступного синдиката главный герой возвращается на службу в отдел по расследованию убийств. Коллеги не оказывают ему радушного приема — не предлагают выпить кофе, а когда Баннион надевает шляпу и пальто и выходит на Саут-стрит, появляется надпись «Конец фильма». К. Н.

 

КАНИКУЛЫ ГОСПОДИНА ЮЛО (1953)

LES VACANCES DE MONSIEUR HULOT

Франция (Cady, Specta), 114 мин., черно-белый

Язык: французский

Режиссер: Жак Тати

Продюсер: Фред Орэн

Авторы сценария: Жак Тати, Анри Марке, Пьер Обер, Жак Лагранж

Операторы: Жак Меркантон, Жан Муссель

Музыка: Ален Роман

В ролях: Натали Паско, Мишель Ролля, Раймон Карл, Люсьен Фрежис, Валентин Камакс

Номинация на «Оскар»: Жак Тати, Анри Марке (сценарий)

Этот бессмертный классический фильм, созданный французским режиссером Жаком Тати, до сих пор вызывает необычайный интерес. Для Тати это лишь второй фильм в качестве режиссера. Благодаря «Каникулам господина Юло» он считается одним из наиболее изобретательных и оригинальных стилистов своего времени. Сюжет как таковой отсутствует: действие происходит на курорте, и многие, казалось бы, банальные детали повседневной жизни вызывают безудержный смех. Одновременно с этим происходят тщательно продуманные события, например, когда группа туристов бежит от одной платформы к другой, и в это же время из громкоговорителя доносится искаженный голос. В фильме много забавных моментов, когда не происходит ровным счетом ничего. Люди просто сидят, едят, читают и смотрят по сторонам, стараясь все время сохранять беззаботное настроение. Глупость всего происходящего очень заразительна.

Тати, как и Альфред Хичкок, пришел к выводу, что лучше не создавать мизансцены, а находить их в повседневной жизни: как люди смотрят друг на друга, расстояние между сидящими в столовой, правила этикета и манеры поведения во время свободного, но все же тщательно спланированного отдыха французов. Именно в наблюдении таких моментов Тати черпал вдохновение для создания своей комедии.

Комичные ситуации с розыгрышами и остротами и синхронные съемки в фильме даются строго нормированно — даже часто повторяющийся скрип дверной пружины вызывает смех, благодаря тому, как Тати «озвучивает» его. Он использует знакомые шутки в манере Китона. Например, когда главный герой яростно пародирует движения чудаковатого танцора, режиссер снимает эти па каким-то непостижимым способом, часто переключая наше внимание на другое смешное действие, происходящее рядом.

Хотя в более поздних фильмах Тати намеренно редко использовал комичные ситуации, в этой картине неуклюжая фигура господина Юло привлекает к себе наибольшее внимание и дает поводы для веселья. Можно даже проследить намечающийся, но так и не случившийся любовный роман. Вечно сомневаясь, стоит ли входить в то или иное место, извиняясь и вежливо приветствуя всех присутствующих, господин Юло постоянно навлекает на свою голову неприятности из-за излишне беспокойных движений. Весь фильм является верхом остроумия. Э. Мат.

 

ПУТЕШЕСТВИЕ В ИТАЛИЮ (1953)

VIAGGIO IN ITALIA

Франция/Италия (Titanus, Italia, Junior, Ariane, S.E.C., SCG, Sveva), 100 мин., черно-белый

Режиссер: Роберто Росселлини

Авторы сценария: Виталиано Бранкати, Роберто Росселлини

Оператор: Энцо Серафин

Музыка: Ренцо Росселлини

В ролях: Ингрид Бергман, Джордж Сандерс, Лесли Дэниэлс, Наталия Рей, Мария Мобан, Анна Проклемер, Джеки Фрост, Поль Мюллер

Жак Риветт однажды написал, что фильм Роберто Росселлини «Путешествие в Италию» «проделал брешь, через которую должно пройти все кино даже ценой своей смерти». Это становится очевидным с первых же кадров фильма — внезапных и резких, показывающих тряскую дорогу в Неаполь, пейзаж и, наконец, двух звезд — Ингрид Бергман и Джорджа Сандерса, потерпевших кораблекрушение вдали от Голливуда в авантюрном, не спланированном заранее круизе. В путешествии раскрываются самые глубокие черты характеров героев — через немногословные банальности и простые земные жесты.

В наше время существует жанр так называемой «комедии о воссоединении супругов», в которых пары подвергают испытанию свой союз, но, преодолев множество препятствий, воссоединяются. «Путешествие в Италию» — более глубокий фильм. Это драма о «воссоединении», в которой супругам, привыкшим находиться вместе, необходимо отыскать хоть искру единства и близости их душ. Семья Джойсов, Алекс (Сандерс) и Кэтрин (Бергман), уставшие и сердитые друг на друга, не знают, как им жить дальше. Совместный «отдых» приносит им разочарование, временами их раздражает чужая культура. Пища им незнакома, их тянет вздремнуть в непривычные часы под солнцем, они сталкиваются с незнакомцами, которые ведут себя несдержанно и заманивают их куда-то. Фильм изобилует красивыми пейзажами, прекрасными видами Неаполя, Капри и Помпеев. «Путешествие в Италию» ознаменовало радикальный поворот в работах Росселлини в 1950-х гг. В его фильмах уже отсутствуют элементы «социального» неореализма, но уже чувствуется влияние более глубокого, эмоционального реализма, который послужил прототипом для работ Микеланджело Антониони и, в особенности, Жана-Люка Годара в «Презрении» (1963). Но в изображении видов, наблюдаемых Кэтрин из окна машины, в изображении церквей, катакомб, луж, археологических раскопок все же прослеживаются тенденции к документальному реализму... Такое запоминающееся окружение с добавлением исторических и мифологических деталей усиливает у супругов интерес к жизни. Прошлое довлеет над настоящим, и главные герои постоянно вспоминают красивые моменты совместной жизни. И именно благодаря таким воспоминаниям этот небольшой кризис в отношениях героев превращается в грандиозный цикл рождения, смерти и возрождения.

«Путешествие в Италию» не дает никаких намеков, но все и так понятно. Этот фильм можно справедливо закончить — непосредственно перед показом обычной движущейся толпы — изображением пары журавлей и бессмертной фразой: «Я люблю тебя». Э. Мат.

 

СКАЗКИ ТУМАННОЙ ЛУНЫ ПОСЛЕ ДОЖДЯ (1953)

UGETSU MONOGATARI

Япония (Daiei), 94 мин., черно-белый

Язык: японский

Режиссер: Кендзи Мидзогути

Продюсер: Масаити Нагата

Авторы сценария: Мацутаро Кавагути, Акинари Уэда, Йосиката Йода, по рассказам Акинари Уэда

Оператор: Кадзуо Миягава

Музыка: Фумио Хаясака, Тамекити Мотидзуки, Итиро Сайто

В ролях: Масаюки Мори, Матико Кьо, Кинуё Танака, Эйтаро Одзава, Икио Савамура, Мицуко Мито, Кикуэ Мори, Рёсукэ Кагава, Эйгоро Оноэ, Сабуро Датэ, Сугисаку Аояма, Рейко Кондо, Сёдзо Нанбу, Кодзабуно Рамон, Итиро Амано

Номинации на «Оскар»: Тадаато Кайносё (дизайн костюмов)

Венецианский кинофестиваль: Кендзи Мидзогути «Серебряный лев», номинация «Золотой лев»

В середине 1950-х гг. начали проводиться международные кинофестивали и увеличилось производство иностранных фильмов. Кинематографисты Запада обнаружили, что их японские коллеги знали уже давно: фильмы Кендзи Мидзогути — уникальное явление! «Сказки туманной луны после дождя» привлекли к себе внимание во многих странах. Хотя, возможно, это не самый лучший фильм Мидзогути (эта честь скорее принадлежит его трогательному фильму 1939 г. «История поздних хризантем»), он тем не менее лучше всего известен в Европе и Америке. Это один из величайших шедевров мирового кино.

Мидзогути писал сценарии и создавал фильмы начиная с 1920-х гг., но не наша вина в том, что большинство его работ на Западе оставались незамеченными. Его фильмы демонстрировались в основном в Японии. Но когда все же картина «Сказки туманной луны после дождя» достигла стран Запада, она произвела сенсацию. Европейские и американские кинокритики возносили фильм до небес, считая, что он ознаменовал приход совершенно нового стиля. Вероятно, они были правы. Но что именно выделяло этот фильм среди других?

Главное — сочетание реального и сверхъестественного, тема, пропитывающая работы Мидзогути и игру его актеров в каждой сцене. Мастер ведет нас из одной реальности в другую — иногда с предупреждением, а иногда и без. Он великолепно держит в руках общую атмосферу и настроение фильма: аура сверхъестественного и порочного никогда не рассеивается.

Но это не просто обыкновенный вымысел. Реальные и сверхъестественные явления в нем используются для того, чтобы исследовать такие понятия, как любовь, честь, ответственность и семья. Каждая из этих тем так или иначе присутствует в вымышленном мире, который Мидзогути изображает поверх знакомого мира, и в обоих мирах жизнь не стоит на месте. Под влиянием взаимодействия реального и сверхъестественного глупые мужчины и страдающие женщины в этом фильме подвергаются разрушительным изменениям.

«Сказки туманной луны после дождя» волнуют, ставят в тупик и поражают своей красотой, поистине скромной и величественной. Когда смотришь этот фильм, ощущаешь присутствие чего-то великого. Э. де С.

 

ШЭЙН (1953)

SHANE

США (Paramount), 118 мин., техниколор

Режиссер: Джордж Стивенс

Продюсеры: Айвен Моффат, Джордж Стивенс

Автор сценария: А. Б. Гатри-мл. по рассказу Джека Шефера

Оператор: Лойал Григгс

Музыка: Виктор Янг

В ролях: Алан Лэдд, Джин Артур, Ван Хефлин, Брендон Де Уайлд, Джек Пэленс, Бен Джонсон, Э. Бьюкенен, Э. Мейер, Элиша Кук-мл., Д. Спенсер, Д. Диркес, Э. Корби, П. МакВей, Дж. Миллер, Э. Эвансон

«Оскар»: Лойал Григгс (оператор)

Номинации на «Оскар»: Дж. Стивенс (лучший фильм, режиссер), А. Б. Гатри-младший (сценарий), Брендон Де Уайлд (мужская роль второго плана), Д. Пэленс (мужская роль второго плана)

«Шэйн» — не самый знаменитый вестерн (эта честь принадлежит «Эльдорадо», 1967), не самый мужественный (это «Красная река», 1948), не самый достоверный («МакКейб и миссис Миллер», 1971), не самый необычный («Джонни-гитара», 1954) и не самый драматичный («Дилижанс»). Но, несомненно, «Шэйн» — наиболее иконический вестерн, который надолго останется в памяти. Фактически, в каждой сцене присутствуют иконические образы. Это главный герой в штанах из белой оленьей шкуры (Алан Лэдд), который случайно заехал в небольшой городок; коварный хозяин ранчо (Эмиль Мейер), с грязными невоспитанными ковбоями; скромный владелец участка (Ван Хефлин), с преданной радушной женой (Джин Артур) и задорным сыном (Брендон Де Уайлд); неразговорчивый пожилой хозяин бара и владелец магазина (Пол МакВей); робкий поселенец-швед (Дуглас Спенсер); мрачный отвратительный наемный убийца Уилсон, одетый в черное с головы до пят (Джек Пэленс), воплощение зла. Каждый герой — отдельная история.

Владелец ранчо хочет отобрать землю у хозяина участка. Шэйн помогает бесправному хозяину защитить землю, одновременно очаровывая его жену (возможно, чересчур) и лупоглазого сына. Ранчеро нанимает Уилсона, чтобы тот освободил землю от поселенцев, но благодаря вмешательству Шэйна — ружье к ружью, лицом к лицу, честь против зла — справедливость торжествует. Добро побеждает. Зло настолько безоговорочно, что Шэйн становится авторитетом в этом небольшом милом семействе. В конце фильма он садится на своего послушного коня и скачет вдаль, в закат, затмевающий все остальные закаты. За ним бежит маленький Джоуи, выкрикивая: «Шэйн! Я люблю тебя, Шэйн!»

Фильм снят еще до появления широкоэкранного кино и стереосистемы Долби и изобилует портретными съемками. Багровый Гранд-Титон на заднем плане; олень щиплет траву у прозрачного водоема, а мальчик стреляет в него из игрушечной винтовки; отталкивающая ухмылка на лице владельца ранчо, когда Старрет отказывается оставить свою землю; выражение лица Пэленса, когда он стреляет в безоружного Фрэнка Торри по прозвищу Каменная Стена, и тот падает в грязь. Режиссер фильма изображает грязь осязаемой, как тающий шоколад.

Есть кадры, которые составляют историю кино. После того как Шэйн знакомится с семейством Старретов и принимает их приглашение поужинать, он набрасывается на яблочный пирог. Это не просто яблочный пирог. Большой пирог, от которого идет пар, с золотистой корочкой и сеточкой, его вынула из печи симпатичная девушка в голубой форме и подала с горячим черным кофе. Именно такой яблочный пирог — символ западных штатов США, а не оружие, скот и мечтательный взгляд на новые горизонты. М. П.

 

ПОСРАМИ ДЬЯВОЛА (1953)

BEAT THE DEVIL

Великобритания/США/Италия (Rizzoli-Haggiag, Romulus, Santana), 100 мин., черно-белый

Режиссер: Джон Хьюстон

Продюсер: Джек Клейтон

Авторы сценария: Трумэн Капоте, Джон Хьюстон, по роману Джеймса Хелвика

Оператор: Освальд Моррис

Музыка: Франко Маннино

В ролях: Хэмфри Богарт, Дженнифер Джонс, Джина Лоллобриджида, Роберт Морли, Питер Лорре, Эдвард Андердаун, Айвор Барнард, Марко Тулли, Бернард Ли, Марио Перроне, Джулио Доннини, Саро Урци, Альдо Сильвани, Хуан де Ланда

Созданный в Голливуде фильм «Посрами дьявола», несмотря на свою дерзость и цинизм, все же притягивает зрителей по многим причинам. Во-первых, поражает степень таланта, с которым сделан фильм. Джон Хьюстон взял за основу остроумный едкий сценарий, над которым он трудился вместе с небезызвестным Трумэном Капоте. Ассистентом оператора Освальда Морриса был будущий мастер кинематографии Фредди Френсис, даже молодой Стивен Сондгейм начинал в этом фильме в качестве мальчика с хлопушкой.

Наконец, великолепный актерский состав. Хамфри Богарт был одним из продюсеров, и благодаря его влиянию фильм приобрел такую славу. По сюжету он связан с героиней Джины Лоллобриджиды и Дженнифер Джонс, а также с двумя выдающимися исполнителями характерных ролей Питером Лорре и Робертом Морли. На съемках не обошлось без веселых и курьезных моментов.

Речь идет о правах на уран в Африке, но это даже не важно. Обычная взаимосвязь причины и следствия здесь не такая строгая, возможно, отчасти из-за того, что фильм был независимым совместным международным проектом. Это предоставило кинематографистам б`ольшую широту действий и финансовую самостоятельность и позволило полностью раскрыться талантам создателей фильма. Этот сумасбродный фильм никого не оставит равнодушным. Э. де С.

 

ДЖОННИ-ГИТАРА (1954)

JOHNNY GUITAR

США (Republic), 110 мин., труколор

Режиссер: Николас Рэй

Продюсер: Герберт Дж. Йейтс

Автор сценария: Филипп Йордан, по роману Роя Чэнслора

Оператор: Гарри Стрэдлинг-старший

Музыка: Виктор Янг

В ролях: Джоан Кроуфорд, Стерлинг Хейден, Мерседес МакКембридж, Скотт Брейди, Уорд Бонд, Бен Купер, Эрнест Боргнайн, Джон Кэрредин, Ройял Дэйно, Фрэнк Фергюсон, Пол Фикс, Рис Уильямс, Йен МакДоналд

Мелодрама «Джонни-гитара» настолько оригинальна, что некоторые считают ее забавной, и трудно не поддаться ее гипнотическому воздействию. Вьенну, владелицу салуна, играет Джоан Кроуфорд. Салун расположен на участке земли, по которому скоро пройдет железная дорога. Эмма Смол (Мерседес МакКембридж), одетая в черное старая дева, дочь крупного землевладельца, страстно желает заполучить Танцующего Кида (Скотт Брейди). А он ухаживает за Вьенной, у которой в прошлом был другой мужчина, Джонни-гитара (Стерлинг Хейден). Обезумев от несбыточных надежд, Эмма собирает толпу, чтобы сжечь салун Вьенны и повесить Кида. Но Вьенне все нипочем. В конце фильма между ней и Эммой происходят разборки, что является своеобразным отходом от традиций. Это заставило некоторых критиков считать фильм пропагандой феминизма. Его также можно воспринимать как аллегорию антимаккартизма, направленного против истерии толпы и в пользу тех, кто выступает в защиту своих принципов.

Независимо от конечного значения фильма, который финансировался небольшой студией «Рипаблик», он полон нелепостей, ярких цветовых контрастов, дерзкой бравурности (в этом особенно преуспела Кроуфорд), а заглавная песня, исполненная великолепной Пегги Ли, надолго останется в памяти. Если вы терпеть не можете такие трюковые фильмы, возможно, вам лучше остановить свой выбор на документальном кино. Э. Б.

 

В ПОРТУ (1954)

ON THE WATERFRONT

США (Columbia, Horizon), 108 мин., черно-белый

Режиссер: Элиа Казан

Продюсер: Сэм Шпигель

Авторы сценария: Малкольм Джонсон, Бадд Шульберг, по статьям Малкольма Джонсона

Оператор: Борис Кауфман

Музыка: Леонард Бернстайн

В ролях: Марлон Брандо, Карл Молден, Ли Дж. Кобб, Род Стайгер, Пэт Хеннинг, Лейф Эриксон, Джеймс Уэстерфилд, Тони Галенто, Тами Мауриелло, Джон Ф. Хэмилтон, Джон Хелдабранд, Руди Бонд, Дон Блэкмен, Артур Киген, Эйб Саймон, Ива Мари Сент

«Оскар»: Сэм Шпигель (лучший фильм), Элиа Казан (режиссер), Бадд Шульберг (сценарий), Марлон Брандо (лучший актер), Ива Мари Сент (женская роль второго плана), Р. Дей (художественное оформление и декорации), Б. Кауфман (оператор), Дж. Милфорд (монтаж)

Номинации на «Оскар»: Ли Дж. Кобб, К. Молден, Р. Стайгер (мужская роль второго плана), Л. Бернстайн (музыка)

Венецианский кинофестиваль: Элиа Казан (премия OCIC, Серебряный лев, премия итальянских кинокритиков, номинация — Золотой лев)

«Я мог бы иметь вес в обществе! Мне бы не было равных! Я мог быть кем-то, а не бродягой!» Один из наиболее знаменитых американских фильмов всех времен, «В порту» буквально взорвал страну, потрясенную предательствами и паранойей антикоммунизма. Жестокий и правдивый, он открыл в Голливуде новый вид яркого социального реализма, в немалой степени благодаря незабываемой натуралистичной игре театральных актеров послевоенного поколения.

Чувствительный, но медленно соображающий боксер-неудачник Терри Маллой (Марлон Брандо, привлекательный как никогда), работает посыльным у криминального портового босса Джонни Френдли (Ли Дж. Кобб). Терри удручен своим непреднамеренным участием в убийстве предателя-докера. Он чувствует еще большую вину, когда влюбляется в сестру убитого Эди Дойл (Ива Мари Сент, дебютная роль). Но кризис достигает кульминации, когда Терри осознает, что его также может хладнокровно предать старший брат Чарли (Род Стайгер), хитрый адвокат у Френдли и его правая рука. После того как Эди обвиняет приходского священника (Карл Молден) в том, что он возглавил «священную войну» против поборов портового профсоюза, Френдли начинает запугивать еще больше. Терри на свой страх и риск нарушает обет молчания и дает показания в суде. Несмотря на то что Терри поступает правильно, портовый профсоюз обвиняет его в предательстве. Его избивают до смерти на верфи, прежде чем появляются его напуганные товарищи, разрушая тем самым власть Френдли над их жизнью и трудом.

Основой для фильма, по-видимому, послужила серия газетных статей «Преступление в порту» Малкольма Джонсона, в которых речь шла о поборах на верфях Нью-Йорка и Нью-Джерси. По просьбе режиссера Элиа Казана драматург Артур Миллер начал работу над сценарием. Но, когда Миллер узнал, что Казан давал показания в Комитете по расследованию антиамериканской деятельности, он порвал с ним отношения. Казан обратился за помощью к знакомому писателю Бадду Шульбергу. Репутация обоих была сильно подмочена, а многие считают, что фильм «В порту» — своеобразное извинение или акция защиты. Казан признавал, что с Терри Маллоем он отождествлял противоречия между верностью преступной группировке и закону. На чьей бы стороне ни были зрительские симпатии, жестокая реальность наполняет фильм отталкивающим, но правдивым эмоциональным содержанием. Это делает его реалистическим как по теме, так и по художественному оформлению и натуралистичной игре актеров (чему способствует выразительная музыка Леонарда Бернстайна).

Сцена борьбы Терри с Чарли на заднем сиденье такси уже стала классикой. Но в фильме есть и другие незабываемые моменты: Брандо вертит в руках крошечную перчатку героини Сент, а затем надевает ее на свою руку; Терри обнаруживает, что всех его любимых голубей уничтожил соседский мальчик; Терри вышибает дверь Эди, заявляя ей о своей любви, а затем они медленно опускаются на пол, страстно целуясь.

Даже 50 лет спустя этот фильм заставляет нас задуматься о цене предательства. А. Э.

 

СЕМЬ НЕВЕСТ ДЛЯ СЕМЕРЫХ БРАТЬЕВ (1954)

SEVEN BRIDES FOR SEVEN BROTHERS

США (MGM), 102 мин., анскоколор

Режиссер: Стэнли Донен

Продюсер: Джек Каммингс

Авторы сценария: А. Хэккет, Ф. Гудрич, Д. Кингсли, по рассказу «Рыдающие женщины» С. В. Бенета

Оператор: Джордж Дж. Фолси

Музыка: Адольф Дойч, Сол Чаплин, Джонни Мерсер, Джин де Пол

В ролях: Джейн Пауэлл, Говард Кил, Джефф Ричардс, Расс Тэмблин, Томми Ралл, Марк Плат, М. Мэттокс, Ж. д’Амбуаз, Дж. Ньюмар, Нэнси Килгас, Бетти Карр, Вирджиния Гибсон, Рута Ли, Норма Доджетт, Йен Вульф

«Оскар»: Адольф Дойч, Сол Чаплин (музыкальное сопровождение)

Номинации на «Оскар»: Джек Каммингс (лучший фильм), А. Хэккет, Ф. Гудрич, Д. Кингсли (сценарий), Дж. Дж. Фолси (оператор), Ральф Э. Уинтерс (монтаж)

Это превосходный и в высшей степени зажигательный мюзикл 1954 г. Первоначально его съемки планировались на натуре, но в итоге они проходили в звуковых киносъемочных павильонах. Созданный под умелым руководством Стэнли Донена, фильм изобилует танцевальными номерами, поставленными Майклом Киддом. В основу «Семи невест для семерых братьев» положен рассказ Стивена Винсента Бенета. Рассказ написан на сюжет о похищении сабинянок. Шесть братьев, занимающихся отловом пушных зверей, приехали в город в поисках жен, желая последовать примеру старшего брата Адама (Говард Кил), взявшего в жены Милли (Джейн Пауэлл). Братья, действуя под влиянием инстинкта, похищают женщин, но им приходится перетерпеть всю зиму, прежде чем их предполагаемые невесты не простят их весной.

В необычной версии похищения роли похитителей, имеющих добрые намерения и временами даже милых, под прекрасную музыку Джонни Мерсера и Джина де Пола, играют такие актеры, как Расс Тэмблин, Вирджиния Гибсон и Томми Ралл. Наиболее известные музыкальные номера, чьи названия недвусмысленно говорят о сексуальных тенденциях фильма, — «Как прелестна твоя красивая кожа», «Рыдающие женщины», «Ухаживание», «Я одинокий хорек» и «Весна». Дж. Роз.

 

ДЬЯВОЛИЦЫ (1954)

LES DIABOLIQUES

Франция (Filmsonor, Vera), 114 мин., черно-белый

Язык: французский

Режиссер: Анри-Жорж Клузо

Продюсер: Анри-Жорж Клузо

Авторы сценария: Анри-Жорж Клузо, Жером Жероними, Фридерик Грендель, Рене Массон по роману «Те, которых больше нет» Пьера Буало и Тома Нарсежака

Оператор: Арман Тирар

Музыка: Жорж Ван Пари

В ролях: Симона Синьоре, Вера Клузо, Поль Мерисс, Шарль Ванель, Жан Брошар, Пьер Ларке, Мишель Серро, Тереза Дорни, Ноэль Роквер, Ив-Мари Морен, Жорж Пужули, Жорж Шамара, Жак Варенн, Робер Дальбан, Жан Лефевр

В заброшенной провинциальной школе страсти кипят на каждом шагу. Лживая и слабовольная жена (Вера Клузо) и чувственная любовница (Симона Синьоре) жестокого директора школы (Поль Мерисс) убивают его и сбрасывают труп в бассейн. Когда из него спускают воду, обнаруживается, что тело убитого исчезло. Женщины начинают сходить с ума, особенно когда ученик школы заявляет, что видел привидение. Вскоре у обеих женщин начинаются галлюцинации, а в ванной появляется что-то жуткое.

Фильм «Дьяволицы» стал главным международным хитом 1954 г. и до сих пор не утратил свою способность будоражить. Десятки фильмов (например, «Смертельная ловушка», «Тише... тише, милая Шарлотта») заимствовали его запутанный сюжет и наиболее шокирующие сцены. Картина Анри-Жоржа Клузо отличается жестокостью. Неприятный замысловатый сюжет, стоящий самого Хичкока, сочетается с превосходной игрой исполнителей главных ролей и зловещей обстановкой. (Говорят, что Хичкок создал фильм «Психоз», чтобы вернуть себе лавры короля ужасов, которые с такой легкостью у него украл Клузо.) Некоторые моменты фильма наводят ужас (в особенности незабываемый трюк с контактными линзами), и даже во вполне обычных сценах мурашки бегут по коже, например, когда герой Мерисса заставляет свою жену съесть отвратительный школьный завтрак. К. Н.

 

СКОТНЫЙ ДВОР (1954)

ANIMAL FARM

Великобритания (Halas and Batchelor), 72 мин., техниколор

Режиссер: Джой Батчелор, Джон Халас

Продюсеры: Луи де Рошмон, Джон Халас

Авторы сценария: Джой Батчелор, Джон Халас, Борден Мейс, Филипп Стэпп, Лотар Волфф, по роману Джорджа Оруэлла

Операторы: С. Г. Гриффитс, Дж. Герр, У. Трейлор, Р. Терк

Музыка: Матиас Сайбер

Роли озвучивали: Гордон Хит (рассказчик), Морис Дэнем (все животные)

Это первый полнометражный английский мультипликационный фильм. Режиссеры «Скотного двора», поставленного по политической сатире Джорджа Оруэлла (1945), — семейная пара Халас — Батчелор (венгр Д. Халас и англичанка Д. Батчелор).

В момент выпуска фильма полнометражные мультипликационные ленты снимал в основном Уолт Дисней. Желая отойти от вычурного изображения животных дядюшки Уолта, режиссеры с радостью приняли предложение американского продюсера Луи де Рошмона создать первый серьезный полнометражный мультфильм для взрослых о жизни за пределами коммунистического блока. Почти до последнего кадра сюжет строго придерживается романа, написанного Оруэллом как сатира на предательство идеалов русской революции. На ферме «Усадьба» животные восстают против пьяного хозяина и создают демократическое общество, свободное от власти людей, в котором «все животные равны». Но постепенно наиболее сообразительные свиньи устанавливают тоталитарное государство под диктатурой свиньи по имени Наполеон. В государстве «все животные равны, но некоторые «более равны», чем другие». Запуганные животные сменили одного царя на другого.

Для создания данного фильма «Халас-Батчелор» расширила свою деятельность и стала самой грандиозной мультипликационной компанией в Западной Европе. Мультфильм устанавливает строгое равновесие между стилизацией и натурализмом — животные не антропоморфны, а ферма выглядит очень реалистично. Реальный шум животных на ферме был записан на звуковую дорожку. Талантливый композитор Матиас Сайбер (англичанин, родившийся в Венгрии) создал волнующее музыкальное сопровождение, сочетающее народные мотивы с современными. Всех животных очень правдоподобно озвучил актер Морис Дэнем.

В «Скотном дворе» сохранены злые нотки, сострадание и циничный юмор романа Оруэлла. Некоторые сцены излучают жестокость, что приводит в ужас людей, пришедших на просмотр с детьми. Все ожидали увидеть сентиментальный мультфильм в духе Диснея. Лишь финал слегка изменен и оканчивается на более оптимистичной ноте. Де Рошмон, Халас и Батчелор сошлись во мнении, что суровую концовку романа зрители не смогут вынести. Такое изменение имеет некоторую историческую подоплеку: в момент создания фильма умер Сталин. Ф. К.

 

ОКНО ВО ДВОР (1954)

REAR WINDOW

США (Paramount, Patron), 112 мин., техниколор

Режиссер: Альфред Хичкок

Продюсер: Альфред Хичкок

Автор сценария: Джон Майкл Хейс, по рассказу «Наверняка, это было убийство» Корнелла Вулрича

Оператор: Роберт Беркс

Музыка: Франц Уаксман

В ролях: Джеймс Стюарт, Грейс Келли, Уэнделл Коури, Тельма Риттер, Реймонд Берр, Джудит Эвелин, Росс Багдасарян, Джорджин Дарси, Сара Бернер, Фрэнк Кейди, Джесслин Факс, Рэнд Харпер, Айрин Уинстон, Хейвис Дейвенпорт

Номинации на «Оскар»: Альфред Хичкок (режиссер), Джон Майкл Хейс (сценарий), Роберт Беркс (оператор), Лорен Л. Райдер (звук)

Фильм «Окно во двор» Альфреда Хичкока — апофеоз психосексуальных картин и, вероятно (за исключением «Головокружения», 1958), наиболее удачное слияние зрелищности, интриг и психологических моментов за всю карьеру режиссера. В данном фильме навязчивое стремление к вуайеризму передано прекрасным актерским составом, сценарием и, в особенности, художественным оформлением.

Для обеспечения максимальной широты действий Хичкок соорудил замысловатые декорации переполненного суетливого многоквартирного дома в Нью-Йорке и такого же шумного двора. Каждое окно — это дверь в чужую жизнь, за ним скрыта история человека. В одной квартире композитор пытается создать новое произведение. В другой — занимается танцовщица. В третьей — живет одинокая женщина, которой не повезло в любви, а в четвертой — влюбленные друг в друга молодожены.

Л. Б. «Джефф» Джеффрис (Джеймс Стюарт) — преуспевающий фотожурналист, вынужден оставаться дома из-за сломанной ноги. Прикованный к креслу на колесах в течение всего дня, он начинает подглядывать за своими соседями. По крайней мере, так он заявляет, но его подруга-модель (мечтающая выйти за него замуж) Лиза (которую сыграла сексуальная Грейс Келли незадолго до ухода из кино) и раздраженная медсестра Стелла (Тельма Риттер) считают, что он половой извращенец.

Джефф с трудом может отвести взгляд от красавицы Лизы, пока не начинает подозревать одного из соседей (сердитого Реймонда Берра) в убийстве жены. Вскоре Джефф посвящает Лизу и Стеллу в эту тайну и пытается найти свидетельства вины Берра. Но по мере развития тайного расследования Джеффа нам показаны истории других соседей, не желающих замечать ужасные вещи, которые происходят буквально за стеной.

Фильм «Окно во двор» создан столь же совершенно, как и его превосходные декорации. Наблюдение за людьми превращается в изучение живой дышащей экосистемы, с добавлением трепета перед тайной убийства, что придает фильму особую пикантность. Хичкок наслаждается в высшей степени постмодернистским сценарием. Зрителей приводят в состояние транса действия героев, которые в свою очередь околдованы действиями других людей. Это порочный круг одержимости, переплетающийся с черным юмором и сексуальностью.

Несмотря на то что Джефф способен раскрыть убийство в доме, сначала его внимание привлекают любовные свидания, происходящие в других квартирах. По иронии судьбы, такое одержимое наблюдение за любовными похождениями соседей мешает ему разглядеть влюбленность Лизы. Холостяцкие привычки подглядывать за соседями служат предлогом держать ее на расстоянии. Лишь когда из-за него она оказывается в опасности, он осознает: то, что находится рядом, гораздо лучше того, что он может увидеть из окна. Дж. Кл.

 

ЗВЕЗДА РОДИЛАСЬ (1954)

A STAR IS BORN

США (Transcona, Warner Bros.), 181 мин., техниколор

Режиссер: Джордж Кьюкор

Продюсеры: Берн Олвз, Сидни Лафт

Автор сценария: Мосс Харт по сценарию 1937 г. Алана Кэмпбелла и Дороти Паркер и рассказу Уильяма А. Уэллмана

Оператор: Сэм Ливитт

Музыка: Гарольд Арлен, Рэй Хейндорф

В ролях: Джуди Гарленд, Джеймс Мейсон, Д. Карсон, Ч. Бикфорд, Т. Нунен, Л. Марлоу, А. Блейк, И. Бейкон, Х. Шермет

Номинации на «Оскар»: Д. Мейсон (актер), Д. Гарленд (актриса), М. К. Берт, Дж. Аллен, А. Шарафф, Дж. Дж. Хопкинс (художественное оформление и декорации), Дж. Л. Мэри, Э. Найберг, А. Шарафф (дизайн костюмов), Р. Хайндорф (музыкальное сопровождение), Г. Арлен, А. Гершвин (песня)

Третий из четырех одноименных фильмов и лучший из них (это второй фильм режиссера Джорджа Кьюкора) о браке, обреченном на неудачу из-за головокружительной карьеры молодой жены и саморазрушения ее бывшего кумира и наставника, которого она любит. Первым был фильм Уильяма Уэллмана (1937) с Фредриком Марчем и Джанет Гейнор, который до сих пор вызывает слезы умиления. Второй — рок-версия (1976) с Барброй Стрейзанд и Крисом Кристофферсоном, не забывается лишь благодаря пению Стрейзанд. Но мюзикл Кьюкора с Джуди Гарленд (после ее триумфального возвращения) и Джеймсом Мейсоном просто великолепен. Он проложил новый путь в музыкальном жанре, усиливая драматическое повествование песнями. Особенно знаменит номер Гарленд «Мужчина, который ушел» и песня «Рожденный в чемодане». Мейсон очень правдоподобно изобразил своего пьяного героя Нормана Мейна, за что был номинирован на «Оскар».

В фильме отчасти есть и сатирические сцены. Забавно происходит превращение скромной Эстер Блоджетт в обаятельную Викки Лестер. В язвительном ключе показано восхождение героини Гарленд к славе и падение героя Мейсона. Мюзикл «Звезда родилась» — красивое сочетание музыки, остроумия и романтической трагедии. В 1983 г. было восстановлено более 20 мин. вырезанного материала, в том числе два номера, написанных для Гарленд Гарольдом Арленом и Айрой Гершвином. А. Э.

 

БОСОНОГАЯ ГРАФИНЯ (1954)

THE BAREFOOT CONTESSA

США/Италия (Figaro, Rizzoli-Haggiag), 128 мин., техниколор

Режиссер: Джозеф Л. Манкевич

Продюсер: Франко Мальи

Автор сценария: Джозеф Л. Манкевич

Оператор: Джек Кардифф

Музыка: Марио Нашимбене

В ролях: Хамфри Богарт, Ава Гарднер, Эдмонд О’Брайен, Мариус Горинг, Валентина Кортезе, Россано Брацци, Элизабет Селларс, У. Стивенс, Ф. Интерленги, М. Алдон, А. Рабальяти, Э. Стайола, М. Дзаноли, Р. Кьянтони, Б. Фрейзер

«Оскар»: Эдмонд О’Брайен (лучшая мужская роль второго плана)

Номинация на «Оскар»: Джозеф Л. Манкевич (сценарий)

Внешняя привлекательность фильма Манкевича «Босоногая графиня» очевидна. А. Гарднер играет обаятельную актрису Марию Варгас, а Х. Богарт — грубоватого режиссера Гарри Доуза. В картине изобилие риторических фраз («Развивать характер никогда не поздно») и забавные намеки на знаменитостей, например Риту Хейворт и Говарда Хьюза. Но это еще не все.

Мозаичная структура позволяет наблюдать героя во многих аспектах — но он все равно остается загадочным. В начале показаны похороны Марии, а затем следуют восемь ретроспективных сцен с четырьмя рассказчиками. Еще до «Криминального чтива» (1994) Манкевич применил прием последовательного изображения восхождения Марии, которое мы видим глазами Бравано (Мариус Горинг) и Винченцо (Россано Брацци).

Еще увлекательнее наблюдать за путешествием героев через три социальных круга — голливудский шоу-бизнес, французское праздное общество и итальянская аристократия. Везде царит пустота, деградация и смерть. Такая последовательность разрушения — отголосок классического фильма Манкевича «Все о Еве» (1950). Хотя его картины называют слишком театральными и неестественными, элементы театрального зрелища способствуют необычайной эффектности и экспрессивности «Босоногой графини». Характерными штрихами в режиссерской манере Манкевича являются моменты, когда развитие сюжета останавливается, и рассказчик впускает нас во внутренний мир героя. Э. Мат.

 

ДОРОГА (1954)

LA STRADA

Италия (Ponti-De Laurentiis), 94 мин., черно-белый

Язык: итальянский

Режиссер: Федерико Феллини

Продюсеры: Дино де Лаурентис, Карло Понти

Авторы сценария: Федерико Феллини, Туллио Пинелли

Операторы: Отелло Мартелли, Карло Карлини

Музыка: Нино Рота

В ролях: Энтони Куин, Джульетта Мазина, Ричард Бейсхарт, Альдо Сильвани, Марчелла Ровере, Ливия Вентурини

«Оскар»: Италия (лучший иностранный фильм)

Номинация на «Оскар»: Федерико Феллини, Туллио Пинелли (сценарий)

Венецианский кинофестиваль: Федерико Феллини (Серебряный лев), номинация (Золотой лев)

Четвертый фильм Федерико Феллини «Дорога» принес режиссеру мировую известность. В главных ролях Энтони Куин — силач Дзампано и жена Феллини Джульетта Мазина — бродяжка Джельсомина. Это история о любви и ревности, разворачивающаяся в цирке, в среде, к которой Феллини возвращался вновь и вновь. Дзампано нужен помощник, поэтому он выкупает Джельсомину у ее матери, чтобы она сопровождала его в пути. Девушка ведет себя как клоун, а ее жесты напоминают Чарли Чаплина. Когда они присоединяются к бродячему цирку, Джельсомина увлекается акробатом по прозвищу Шут (Ричард Бейсхарт). Хотя он плохо относится к ней, Дзампано ревнует Джельсомину к Шуту, и его дальнейшие действия приводят к экспрессивной развязке.

Это вымышленная история, которую написал Феллини. В фильме прослеживается отход от послевоенного неореализма, свойственного многим итальянским картинам. Хотя фильм снят на натуре, история была бы злободневна и сто лет назад, и сегодня. Джельсомина и Дзампано — простые персонажи, которыми движут примитивные эмоции и желания. Действие происходит так, как будто оно заранее предопределено, а герои должны вести себя так, как они и ведут себя, и именно в этом заключается трагизм рассказа. Изображение Мазиной оскорбленной, но решительной Джельсомины наложило отпечаток на ее героинь в нескольких последующих фильмах Феллини и на ее артистическую карьеру в целом. Куин также незабываем в роли грубого силача, который не способен разобраться в своих чувствах к Джельсомине. Оба актера подчеркивают различия характеров своих героев и образа их жизни.

На протяжении своей работы над фильмом Феллини был поглощен сложностью передачи противоречия между неестественным обликом героев и их неразгаданным беспорядочным внутренним миром. «Дорога» получила «Оскара» как лучший иностранный фильм и, возможно, является наиболее понятным и любимым фильмом режиссера. Однако снобы и кинокритики не должны воспринимать это как недостаток этой сложной и трогательной картины, которая при каждом просмотре позволяет глубже понять ее идеи и внутренний мир героев. Р. Х.

 

СЕМЬ САМУРАЕВ (1954)

SHICHININ NO SAMURAI

Япония (Toho), 155 мин., черно-белый

Язык: японский

Режиссер: Акира Куросава

Продюсер: Сёдзиро Мотоки

Авторы сценария: Синобу Хасимото, Акира Куросава, Хидео Огуни

Оператор: Асакадзу Накаи

Музыка: Фумио Хаясака

В ролях: Такаси Симура, Тосиро Мифунэ, Йосио Инаба, Сейдзи Миягути, Минору Тиаки, Дайсукэ Като, Исао Кимура, Кейко Цусима, Юкико Симадзаки, Каматари Фудзивара, Йосио Косуги, Бокудзен Хидари, Йосио Цутия, Кокутен Кодо, Дзиро Кумагайа

Номинации на «Оскар»: Со Мацуяма (художественное оформление и декорации), Кохей Эдзаки (дизайн костюмов)

Венецианский кинофестиваль: Акира Куросава (Серебряный лев), номинация (Золотой лев)

Акира Куросава — самый знаменитый японский кинорежиссер. Его захватывающий, человеколюбивый эпический фильм «Семь самураев» — наиболее известный шедевр. Превосходный, не менее глубокий голливудский ремейк картины «Великолепная семерка» (1960) является одним из самых успешных западных фильмов, созданных по мотивам фильмов Куросавы (в том числе «Гнев», 1964, ремейк «Расёмона», 1950; и вестерн «За пригоршню долларов», 1964, поставленный на средства Серджио Леоне по мотивам «Йохимбо», 1961). Взаимопроникновение культур — прекрасное свидетельство универсальности языка и притягательности фильмов Куросавы. Японского режиссера вдохновляли вестерны Джона Форда, и он резко отошел от традиций типичного японского jidai-geki с упором на бои с мечами в средневековой Японии, представленной как фантастическая земля. В «Семи самураях» удивительным образом сочетаются увлекательные действия, комические и грустные моменты, социальная драма, превосходное раскрытие характеров и противоречия между долгом и желанием. Все моменты и сцены изображены с невероятным правдоподобием.

Крестьяне бедной деревушки зависят от милости бандитов, которые нападают, чтобы насиловать, убивать и грабить. Крестьяне принимают решение сражаться с ними и нанимают ronin (странствующего независимого самурая), чтобы он спас их. Они в состоянии заплатить лишь мизерной порцией риса. Честный самурай Камбей (Такаси Симура) из сострадания берется за эту работу. Он находит еще пятерых странников, готовых сражаться за тарелку еды или ради забавы, в том числе добродушного старого друга; доверчивого молодого ученика; умелого неразговорчивого фехтовальщика; а также вспыльчивого неуклюжего молодого Кикутиё (Тосиро Мифунэ). Сначала бывалые воины не принимают в свои ряды Кикутиё, но бывший крестьянин, переодевшись самураем, все равно следует за ними, страстно желая произвести впечатление на Камбея. Жители деревни относятся к ним с недоверием, со временем между ними возникают дружеские отношения. Смельчаки под предводительством Камбея оказывают стойкое сопротивление бандитам и прогоняют негодяев.

Фильм не утомляет, действие разворачивается быстро, без лишних деталей. Мрачные тайные предчувствия пронизывают весь фильм, кадры сменяются с поразительной быстротой, когда крестьяне ищут своих защитников и рассказывают о своей проблеме Камбею. В фильме много сцен ошеломляющей зрительной и эмоциональной силы. Например, когда умирающая женщина выбирается из горящей мельницы и протягивает своего ребенка Кикутиё, который в состоянии шока забрался в воду, рыдая и крича: «Этот ребенок — это я! То же самое произошло и со мной», а в это время сзади него вращается горящее колесо мельницы. Но самый потрясающий момент — это финал. Трое выживших осматривают могилы своих товарищей, а в это время неблагодарные жители деревни поглощены посадкой риса. А. Э.

 

ЧУВСТВО (1954)

SENSO

Италия (Lux), 117 мин., техниколор

Язык: английский/итальянский

Режиссер: Лукино Висконти

Продюсер: Доменико Форгес Давандзати

Авторы сценария: Карло Альянелло, Джорджо Бассани, Пол Баулз, Сузо Чекки Д’Амико, Джорджо Проспери, Лукино Висконти, Теннесси Уильямс, по новелле Камилло Бойто

Операторы: Альдо Грациати, Роберт Краскер

Музыка: Антон Брукнер

В ролях: Алида Валли, Фарли Грейнджер, Хайнц Мог, Рина Морелли, К. Маркан, С. Фантони, Т. Бьянки, Э. Надерни, Т. Селварт, М. Мариани, М. Джиротти

Венецианский кинофестиваль: Лукино Висконти — номинация (Золотой лев)

Третий фильм «Чувство» кинорежиссер Лукино Висконти снял в цвете. Действие происходит в Венеции и Вероне в 1860-х гг. незадолго до высылки австрийцами Джузеппе Гарибальди и образования современного государства Италия. Эта картина ознаменовала собой полный отход от изображения среды рабочего класса, присутствующего в более ранних работах режиссера «Одержимость» (1942) и «Земля дрожит» (1948). Тем не менее явные элементы театральности в фильме «Чувство» не столь сильно отличаются от кипящих страстей в «Одержимости». В нем с такой же «достоверностью» изображена роскошная аристократическая обстановка (Висконти настаивал, чтобы в каждой комнате ежедневно были свежесрезанные цветы, независимо от того, будут ли там съемки или нет).

Графиня Ливия Серпьери (Алида Валли), сторонница Гарибальди, заступается за своего двоюродного брата, когда он неосмотрительно вызывает австрийского офицера на дуэль. Лейтенант Франц Малер (Фарли Грейнджер) отказывается от сражения. Привлекательный, беспринципный обольститель, Малер преследует графиню, и в итоге она безрассудно предает мужа, свою честь и даже любовь к родине.

«Чувство» — это высокохудожественная мелодрама. В работе над сценарием принимали участие Т. Уильямс и П. Баулз (шесть сценаристов). Уже не первой молодости, с горящими глазами и белоснежной улыбкой, Ливия едва отдает себе отчет в своих поступках, забывая об осторожности, и тратит все средства на беспринципного и трусливого австрийского офицера. (При прокате в США фильм был переименован в «Графиню Вантон»). Игра Ф. Грейнджера еще превосходнее, особенно в кульминационной сцене, где со всей силой проявляется его омерзение к самому себе. Такие же неуравновешенные садомазохистские отношения прослеживаются и в более поздних работах Висконти, особенно в «Проклятых» (1969) и «Смерти в Венеции» (1971). Но ни в одной из них нет столько жестокости, как в этом фильме.

Действие начинается в опере, и музыка Брукнера усиливает каждый поворотный момент разворачивающейся драмы. «Мне очень нравится опера, но лишь на сцене», — говорит графиня, пытаясь уговорить Малера отказаться от участия в дуэли с ее двоюродным братом. Висконти, признанный постановщик опер в Италии, явно думал иначе. Т. Ч.

 

СЕРЕБРЯНАЯ ЖИЛА (1954)

SILVER LODE

США (Pinecrest), 81 мин., техниколор

Режиссер: Алан Двон

Продюсер: Бенедикт Богаус

Автор сценария: Карен ДеВолф

Оператор: Джон Олтон

Музыка: Льюис Форбс

В ролях: Джон Пейн, Лизабет Скотт, Дэн Дюрьи, Долорес Морен, Эмиль Мейер, Роберт Уоррик, Джон Хадсон, Гарри Кэри-младший, Алан Хейл-младший

В этом захватывающем вестерне Джон Пейн играет Дэна Балларда, уважаемого и всеми любимого владельца ранчо в небольшом городке. Во время празднования Дня независимости в городе появляются четверо незнакомцев под предводительством агрессивного головореза (Дэн Дюрьи). Он называет себя американским маршалом, который имеет ордер на арест Балларда за совершенное убийство. Пока разворачивается действие, жители города отворачиваются от Балларда. В итоге собирается группа с целью загнать его в ловушку, в то время как он пытается доказать свою невиновность.

Не очень зрелищный, но красивый фильм пропитан иронией. Возможно, ни в одном вестерне нет такого количества кадров, где герои изображаются за стеклом (Двон любит ставить тщательно продуманные сцены, выдвигая на первый план ситуации, в которых герои наблюдают друг за другом.) Мало кому удавалось так достоверно воссоздать в Голливуде архитектуру и декор западного американского городка. Лишь в одном великолепном кадре камера Двона направлена на Пейна, когда он бежит четыре квартала по городу. Благодаря творческому видению режиссера (и таланту Джона Олтона), «Серебряная жила» считается одним из лучших американских вестернов, который, однако, не был оценен по достоинству. К. Фу.

 

КАРМЕН ДЖОУНС (1954)

CARMEN JONES

США (Fox, Carlyle), 105 мин., цветной

Режиссер: Отто Преминджер

Продюсер: Отто Преминджер

Автор сценария: Гарри Клайнер, по новелле «Кармен» Проспера Мериме

Оператор: Сэм Ливитт

Музыка: Жорж Бизе, Оскар Хаммерстайн

В ролях: Гарри Белафонте, Дороти Дэндридж, Перл Бейли, Ольга Джеймс, Джо Адамс, Брок Питерс, Рой Гленн, Ник Стюарт, Дайахан Кэрролл, ЛеВерн Хатчерсон, Мэрилин Хорн, Марвин Хейес

Номинации на «Оскар»: Дороти Дэндридж (актриса), Гершель Берк Гилберт (музыкальное сопровождение)

Берлинский международный кинофестиваль: Отто Преминджер (Бронзовый медведь)

Красивая импульсивная негритянская актриса Дороти Дэндридж, подобно многим секс-символам, при жизни страдала из-за своей красоты. Фильм с ее участием «Кармен Джоунс» покоряет сердца зрителей благодаря своей притягательности и творческому воображению авторов даже через столько лет после смерти актрисы.

Основой послужил сюжет оперы Бизе «Кармен». Это история о страстной честолюбивой молодой женщине (Дэндридж), самовлюбленность и жадность которой привели к деградации Джо (Гарри Белафонте), прекрасного человека, без памяти влюбленного в нее. Фильм изобилует классическими песнями (и музыка, и слова написаны легендарным Оскаром Хаммерстайном). В нем участвуют первоклассные актеры второго плана, такие как Перл Бейли и молодая Дайахан Кэрролл. В картине много знаменитых музыкальных номеров. Они — неотъемлемая часть фильма. Но, несмотря на безупречное мастерство исполнителей главных и второстепенных ролей и всей съемочной группы, наибольшее внимание привлекает игра Дэндридж. Ее героиню Кармен со свойственным ей пылким темпераментом и разрушающей силой можно считать одной из сексуальных кинобогинь. Легкая кошачья походка, соблазнительная фигура, горящие глаза и сочетание страсти и презрения к мужчинам, попавшим в ее сети, дополняют ее неземной образ. Ее игра превосходит все ожидания и возводит этот фильм в ранг классики. Э. Х.

 

УПРАВЛЯЮЩИЙ САНСЁ (1954)

SANSHÔ DAYÛ

Япония (Daiei), 120 мин., черно-белый

Язык: японский

Режиссер: Кендзи Мидзогути

Продюсер: Масаити Нагата

Авторы сценария: Яхиро Фудзи, Огаи Мори, Йосиката Йода, по рассказу Огаи Мори

Оператор: Кадзуо Миягава

Музыка: Фумио Хаясака, Тамекити Мотидзуки, Канахити Одера

В ролях: Кинуё Танака, Йосияки Ханаяги, Киоко Кагава, Эйтаро Синдо, Акитакэ Коно, Масао Симидзу, Кэн Мицуда, Кадзукими Окуни, Йоко Косоно, Кимико Татибана, Итиро Сугаи, Теруко Оми, Масахико Като, Кейко Энами, Бонтаро Акеми

Венецианский кинофестиваль: Кендзи Мидзогути (Серебряный лев), номинация (Золотой лев)

«Если у человека нет сострадания, он уже не человек» — так утверждает Тайра (М. Симидзу), властитель в средневековой Японии, которого из-за его либеральной политики изгнали к молодому сыну Дзусио. Вместе с матерью Тамаки (великолепная К. Танака) и сестрой Андзу Дзусио покидает владения семьи, но их выдает жрица. Дзусио и Андзу попадают в рабство к известному своей жестокостью правителю Сансё (Э. Синдо), а их мать похищают, и она становится проституткой на далеком острове. Так начинается одно из величайших психологических и философских странствий в истории кино. Этот фильм Кендзи Мидзогути, созданный им незадолго до своей смерти, возможно, является кульминацией в непрерывном ряду его шедевров. Отражая совершенство творческого видения режиссера с его длинными вереницами кадров, снятых плавно движущейся камерой, — этот творческий прием он использовал еще в 1930-е гг.

После такого грустного начала проходит несколько лет. Взрослый Дзусио (Йосияки Ханаяги), сильный, но морально опустошенный человек, становится одним из наиболее верных сторонников Сансё. С неимоверной жестокостью он выполняет приказы, мучает и калечит людей. Однажды ему поручают вынести старую больную женщину умирать за пределы резиденции Сансё. Андзу (Киоко Кагава) следует за ним якобы затем, чтобы помочь ему. Но, пытаясь сломать ветку дерева, брат и сестра падают, и после этого к ним возвращаются детские воспоминания о времени, проведенном вместе на свободе. Внезапно Дзусио осознает, каким жестоким он стал. Брат и сестра решают бежать. Андзу, опасаясь, что их поймают, жертвует собой, чтобы ее брат мог спастись.

Дзусио удается побег, и наконец он восстанавливает честь семьи. Он возвращается в резиденцию Сансё как свободный человек, прогоняет Сансё и освобождает заключенных. После чего следует яркая сцена буйного помешательства, в которой они сжигают резиденцию своего мучителя. Дзусио отправляется на поиски матери. Много лет назад он и Андзу слышали историю о старой хромой проститутке с острова, которая постоянно пела жалобную песню о потерянных детях. Он отправляется на этот остров и на одиноком берегу находит мать. Дзусио падает перед ней на колени, прося прощения за все зло, которое он совершил. Мать, напротив, уверяет его, что его отец гордился бы тем, что его сын так преданно относился к его учениям.

Если к этому моменту вы еще не плачете, значит ваша душа черства. Для Мидзогути мир предстает жестоким и бесчеловечным: насилие, предательство и крайняя жестокость для него в порядке вещей. Хотя это нельзя изменить, но с этим можно бороться, просто оставаясь верным своим идеалам. Борьба между добром и злом в действительности является борьбой в самом себе. И в прекрасной заключительной сцене, когда мать и сын плачут, обнимая друг друга, можно почувствовать, что их любовь — самая мощная сила во вселенной. Даже если эта любовь не способна завоевать мир, она способна его изменить. Р. П.

 

СОЛЬ ЗЕМЛИ (1954)

SALT OF THE EARTH

США (Independent, Intl Union of Mine, Mill & Smelter Workers), 94 мин., черно-белый

Режиссер: Герберт Дж. Байберман

Продюсеры: Адольфо Барела, Соня Даль Байберман, Пол Джаррико

Авторы сценария: Майкл Байберман, Майкл Уилсон

Операторы: Стэнли Мередит, Леонард Старк

Музыка: Сол Каплан

В ролях: Росаура Ревуэльтас, Уилл Гир, Дэвид Вулф, Мервин Уильямс, Дэвид Сарвис, Хуан Чакон, Генриетта Уильямс, Эрнесто Веласкес, Анхела Санчес, Джо Т. Моралес, Клоринда Альдеретт, Чарлз Коулмен, Вирджиния Дженкс, Клинтон Дженкс, Виктор Торрес

Создатели этого единственного в своем роде крупномасштабного фильма — коммунисты. Это вымышленная история о шахтерах цинковых рудников в Нью-Мексико, борющихся против английского владычества. Поводом для создания фильма послужило занесение в «черный список» режиссера Герберта Байбермана, сценариста Майкла Уилсона, продюсера и бывшего сценариста Пола Джаррико и композитора Сола Каплана. Как впоследствии заявлял Джаррико, поскольку их прогнали из Голливуда за «подрывную деятельность», им необходимо было «совершить преступление, чтобы оправдать свое наказание». Поэтому они и создали такой взрывной фильм. В результате картина выступила как мощная и продуманная пропаганда левых сил, даже несмотря на то, что некоторые сцены кажутся наивными или устаревшими.

До 1965 г. в американских кинотеатрах фильм обходили стороной, но он широко демонстрировался в европейских странах и пользовался большим успехом. В США он так и не получил заслуженного признания. Автор наиболее известной критической статьи в Америке Полин Кэй, к сожалению, высмеивала фильм, называя его «пропагандой». С дотошностью обращая внимание на левые, радикальные клише, она беспорядочно приводит примеры из первоначального сценария, а не из самого фильма, и совершенно не объясняет, почему этот фильм остается столь злободневным даже полвека спустя. Дж. Роз.

 

ХУДОЖНИКИ И МОДЕЛИ (1955)

ARTISTS AND MODELS

США (Paramount), 109 мин., техниколор

Режиссер: Фрэнк Тэшлин

Продюсеры: Пол Нейтан, Хэл Б. Уоллис

Авторы сценария: Дон МакГуайр, Фрэнк Тэшлин, по рассказу «Rock-A-Bye Baby» Майкла Дэвидсона и Нормана Лессина

Оператор: Даниэль Л. Фэпп

Музыка: Гарри Уоррен

В ролях: Дин Мартин, Джерри Льюис, Ширли МакЛейн, Дороти Мэлоун, Эдди Мейехофф, Ева Габор, Анита Экберг, Джордж Уинслоу, Джек Илам, Герберт Радли, Ричард Шэннон, Ричард Уэбб, Алан Ли, Отто Валдис

Как и в мелодрамах Дугласа Сирка, в комедиях Фрэнка Тэшлина крайне преувеличенное внимание уделяется популярным американским ценностям 1950-х гг. Главное место в его фильмах занимали реклама, ТВ, кино и шоу-бизнес. Тэшлин преподносил их с лукавым высмеиванием шаблонных фраз и стереотипов, которые определили поп-искусство.

Фильм «Художники и модели» — это звездный час головокружительного дуэта Дина Мартина и Джерри Льюиса. Юджин Фуллстек (Льюис) — комический персонаж, помешанный на чтении. Его цветные мечты были записаны на пленку и тайно проданы Риком Тоддом (Мартин). Его мечты претворяют в жизнь две женщины: импульсивная художница-график Эбби (Дороти Мэлоун) и исполнительница популярных песен Бесси (Ширли МакЛейн). Изобретательность и оригинальность Тэшлина проявляется в бесконечных перемещениях и превращениях этих четырех героев, которые приводят к шуточным увечьям, например во время бурного свидания Юджина и Бесси под романтическую балладу «Влюбленная».

Сюжет развивается непредсказуемо и доходит до международного шпионажа (с участием Евы Габор) под прекрасное музыкальное сопровождение («Когда ты притворяешься»). Вполне понятно, что художественные приемы фильма нашли отголоски в веселых современных комедиях Жака Риветта («Селина и Жюли совсем заврались»), П. Андерсона («Пьянящая любовь») и австралийца Яху Сириоса («33 несчастья»). Э. Мат.

 

ПАРНИ И КУКОЛКИ (1955)

GUYS AND DOLLS

США (Samuel Goldwyn), 150 мин., истменколор

Режиссер: Джозеф Л. Манкевич

Продюсер: Сэмюэл Голдвин

Автор сценария: Джозеф Л. Манкевич по пьесе Джо Сверлинга и Эйба Берроуса и рассказу Дэймона Раньона

Оператор: Гарри Стрэдлинг-старший

Музыка: Джей Блэктон, Фрэнк Лессер

В ролях: Марлон Брандо, Джин Симмонс, Фрэнк Синатра, Вивиан Блейн, Роберт Кит, Стабби Кей, Б. С. Палли, Джонни Силвер, Ш. Леонард, Д. Дейтон, Джордж Э. Стоун, Р. Туми, К. Гивни, В. Э. Борг, М. А. Хокансон

Номинации на «Оскар»: О. Смит, Дж. К. Райт, Г. Бристол (художественное оформление и декорации), Г. Стрэдлинг-старший (оператор), А. Шарафф (дизайн костюмов), Д. Блэктон, С. Дж. Мокридж (музыкальное сопровождение)

Голливудские стереотипы особенностей национальной культуры всегда оставляют неприятный осадок, но как можно остаться равнодушным при виде Гаваны в центральной сцене фильма «Парни и куколки». Галантный азартный игрок Скай Мастерсон (Марлон Брандо) уговаривает сестру Армии спасения Сару Браун (Джин Симмонс) слетать с ним на самолете на Кубу и поужинать там. Она напивается, поддается своим бездумным порывам. Ее внезапная соперница, экстравагантная танцовщица пытается приворожить Ская. И вскоре весь зал окунается в веселый разнузданный танец пьяных страстей.

В этой сцене можно увидеть прекрасный образец неподражаемой, новаторской хореографии Майкла Кидда. Обычные жесты, например ходьба и движения руками, в некоторой степени стилизованы и кажутся угловатыми и ритмичными до тех пор, пока танец не достигнет кульминации. Движения героев сплетаются в замысловатые фигуры. Кроме того, в постановке этих движений ощущается импровизация, неуклюжесть и показной непрофессионализм, например когда пьяная Сара танцует свинг.

«Парни и куколки» — это два фильма в одном, в котором блистают две кинозвезды — Брандо и Фрэнк Синатра. Творческий диалог между ними явился предшественником «дуэта» Аль Пачино и Роберта де Ниро 40 лет спустя в «Жаре» (1995). Образ Нейтана Детройта (Синатра) сценарист и режиссер Манкевич целиком взял из рассказов Дэймона Раньона о прожженных симпатичных мошенниках (у которых сильно преувеличен «этнический» нью-йоркский акцент), Нейтан помолвлен с бедняжкой Аделаидой (В. Блейн), которую он все никак не решится повести к алтарю.

Об этой печальной истории рассказывается в песне «Плач Аделаиды» на волнующую музыку Фрэнка Лессера.

Несмотря на традиционную обработку, такие групповые номера, как «Мне повезло, что я женщина» и «Сядь, ты раскачиваешь лодку», вызывают бурную реакцию зрителей и запоминаются лучше всего. Наиболее романтичен дуэт Ская и Сары, в котором Манкевич отошел от привычной многословности на экране. Песни «Если бы я был колоколом» и «Я пойму, когда ко мне придет любовь» — свидетельства нарастания любовных чувств. У Манкевича они звучат на фоне прекрасных мизансцен со встречами и расставаниями, влечением и неприязнью двух замечательных героев. Э. Мат.

 

ПАТЕР ПАНЧАЛИ (1955)

PATHER PANCHALI

Индия (Правительство Западной Бенгалии), 115 мин., черно-белый

Язык: бенгали

Режиссер: Сатьяджит Рай

Автор сценария: Сатьяджит Рай, по роману Бибхутибхушана Бандьопадхьяй

Оператор: Субрата Митра

Музыка: Рави Шанкар

В ролях: Кану Баннерджи, Каруна Баннерджи, Субир Баннерджи, Ума Дас Гупта, Чунибала Дэви, Рунки Баннерджи, Реба Дэви, Апарна Дэви, Харен Баннерджи, Тулси Чакраборти, Нибханани Дэви, Рома Гангули, Биной Мухерджи, Харимохан Наг, Кширод Рой, Рама Гангопадхайя

Каннский кинофестиваль: Сатьяджит Рай (за гуманизм в документалистике, премия OCIC)

В основе сюжета «Песнь дороги» лежит классический роман бенгальского писателя Бибхутибхушана Бандьопадхьяй. Эта первая работа Сатьяджита Рая в итоге стала частью трилогии (две другие — «Апарахито», 1957, и «Мир Апу», 1959). Раю, в то время работавшему в рекламном агентстве в Калькутте, с большим трудом удалось достать денег на создание этого фильма. В конце концов он занял сумму, достаточную для начала съемок, надеясь, что отснятый материал убедит спонсоров завершить фильм. Хотя съемки «Песнь дороги» начались в октябре 1952 г., они завершились лишь в начале 1955 г.

Апу (Субир Баннерджи) — маленький мальчик, живет в заброшенной бенгальской деревушке. Его родители бедны, и у них едва хватает денег, чтобы прокормить Апу и его старшую сестру Дургу (Ума Дас Гупта), не считая престарелую тетушку (Чунибала Деви). В начале фильма Дурга крадет несколько манго и дает их тетушке, но мать детей Сарбаджайя (Каруна Баннерджи) ругает ее. Позже состоятельный сосед обвиняет Дургу в краже ожерелья. Сарбаджайя, устыдившись, выгоняет дочь из дома. Зритель наблюдает не только горе матери и дочери, но и реакцию Апу, который безоговорочно принимает сторону сестры.

Такие незначительные моменты драмы перемежаются с большими трагедиями. В одной из наиболее известных сцен фильма дети ссорятся, и мать опять ругает Дургу. Она убегает, а за ней бежит Апу. Поднимается черный дым, затем появляется поезд. Апу и Дурга бегут в его сторону, взволнованные зрелищем чего-то, принадлежащего огромному миру за пределами их деревушки. На обратном пути помирившиеся дети находят тетушку, сидящую в бамбуковой рощице. Когда Дурга дотрагивается до нее, старая женщина падает. Она мертва.

Отец семейства Харихар (Кану Баннерджи) уезжает в город в надежде заработать немного денег. Во время его отсутствия Дурга умирает от воспаления легких. Не зная об этом, окрыленный успехом отец возвращается с подарками для семьи, в том числе привозит сари для Дурги. Сарбаджайя падает на колени и рыдает. Харихар убит горем, и Апу слышит его плач.

Харихар решает забрать оставшихся членов семьи в город. Во время сборов Апу находит в чаше спрятанное ожерелье. Значит, Дурга действительно украла его, это усиливает боль Апу. Он бросает ожерелье в пруд.

Рай создавал мизансцены с удивительной тонкостью, ему удалось выразить сильные чувства и лирический восторг. Невозможно забыть сцену, где Апу и Дурга слышат голос бродячего торговца, продающего сладости. Хотя у них нет денег, они бегут за ним, а следом за ними семенит любопытная собака, и вся эта маленькая процессия отражается в водах пруда.

«Песнь дороги» с великолепным музыкальным сопровождением Рави Шанкара заслужил всемирное признание, а Рай получил награду на Каннском кинофестивале 1956 г. Э. Б.

 

ПЛОХОЙ ДЕНЬ В БЛЭК-РОКЕ (1955)

BAD DAY AT BLACK ROCK

США (MGM), 81 мин., истменколор

Режиссер: Джон Стёрджес

Продюсеры: Герман Хоффман, Дор Шери

Авторы сценария: Говард Бреслин, Дон МакГуайр, Миллард Кауфман, по рассказу «Плохой день в Хондо» Говарда Бреслина

Оператор: Уильям С. Меллор

Музыка: Андре Превен

В ролях: Спенсер Трейси, Роберт Райан, Энн Фрэнсис, Дин Джаггер, Уолтер Бреннан, Джон Эриксон, Эрнест Боргнайн, Ли Марвин, Р. Коллинс, У. Сэнд

Номинации на «Оскар»: Джон Стёрджес (режиссер), М. Кауфман (сценарий), С. Трейси (актер)

Венецианский кинофестиваль: С. Трейси (лучший актер), наряду с актерским составом фильма «Большая семья»

Действие фильма происходит в 1945 г., сразу по окончании Второй мировой войны. Спенсер Трейси — солдат, потерявший в бою руку, приезжает на поезде в Блэк-Рок, далекий маленький калифорнийский городок. Причина его приезда неизвестна ни нам, ни обитателям города. Они враждебно настроены к нему, и вскоре становится очевидным, что они что-то скрывают. Режиссер Джон Стёрджес медленно нагнетает напряжение по мере того, как Трейси пытается докопаться до истины, а жители города перерезают телефонные провода и ломают машину, на которой герой пытается покинуть город.

Несмотря на особенности вестерна, «Плохой день в Блэк-Роке» в большей степени является картиной в жанре «черного» фильма, с мрачной таинственностью прошлого. В фильме мало физического действия и стрельбы, но одна сцена запоминается тем, что Трейси принимает вызов и сражается с грубым героем (Эрнест Боргнайн). Однорукий герой Трейси демонстрирует приемы каратэ, вскоре его противник валится на землю как подкошенный.

Персонаж Трейси сталкивается с многочисленными злодеями. Ему приходится надеяться на помощь более слабых жителей города. В конце концов главному герою удается вселить в них немного мужества, и они помогают ему, но затем ему все-таки приходится полагаться на свои силы.

Оказывается, жители города скрывали историю об отвратительном убийстве американца японского происхождения после битвы при Перл-Харбор. Продюсер фильма Дор Шери поставил в студии MGM несколько либеральных фильмов и смело встретил занесение своего имени в «черный список». «Плохой день в Блэк-Роке» — прекрасный пример такого либерализма. Это напряженный, профессионально сыгранный и профессионально поставленный триллер, который несет в себе недвусмысленную идею о расовых предрассудках. Э. Б.

 

БЕЗУМНЫЕ НАЧАЛЬНИКИ (1955)

LES MAÎTRES FOUS

Франция (Pléïade), 36 мин.

Язык: французский

Режиссер: Жан Руш

Оператор: Жан Руш

В ролях: Жан Руш (рассказчик)

В 1954 г. создатель этнографических фильмов Жан Руш был приглашен небольшой группой Хаука в западно-африканском городе Аккре снять документальный фильм об их ежегодном религиозном обряде. Во время церемонии члены группы вошли в состояние транса, и ими завладели духи колонизаторов западных стран (инженер, жена врача, генерал-губернатор, жестокий майор и др.).

Хотя метраж фильма «Безумные начальники» составляет лишь 36 мин., его зрительные образы просто поразительны и зачастую тревожны: одержимые люди с вращающимися зрачками, с пеной у рта обжигают свои тела факелами. В картине Питера Брука «Марат/Сад» (1966) прослеживаются напыщенность и драматичность сцен и выдуманный язык героев, заимствованные у Руша. Но, как заметил сам режиссер, церемония Хаука — правда, а не вымысел. В фильме нет объяснения ритуала. Поэтому в повествовании Руша сквозит намек на то, что религиозная церемония — это своеобразный катарсис. Он придает членам Хаука (по большей части рабочим, мигрировавшим из города) силу для того, чтобы не терять самоуважения и продолжать работу в суровых условиях. По мнению одного специалиста, наиболее важной идеей, затронутой в фильме, где «угнетенные на один день становятся одержимыми властителями», является опыт общения членов Хаука с колонизаторами. «Безумные начальники» — один из шедевров этнографического кино. С. Дж. Ш.

 

ВЫСОТА 24 НЕ ОТВЕЧАЕТ (1955)

HILL 24 DOESN’T ANSWER

Израиль (Israel Motion Picture, Sik’or), 101 мин., черно-белый

Язык: английский/иврит

Режиссер: Торольд Дикинсон

Продюсеры: Торольд Дикинсон, Питер Фрай, Цви Колиц, Джек Падва

Авторы сценария: Питер Фрай, Цви Колиц

Оператор: Джеральд Гиббс

Музыка: Пол Бен Хаим

В ролях: Эдвард Малхейр, Майкл Вейджер, Маргалит Овед, Арик Лави, Майкл Шилло, Хая Харарит, Эрик Грин, Стэнли Престон, Хаим Эйнав, Залман Лебиуш, Азария Рапапорт

«Высота 24 не отвечает» — первый фильм об Израиле, который получил международное признание. Дикинсон испытал на себе влияние документальных и художественных фильмов, созданных в Великобритании в период Второй мировой войны. Он использует проверенные временем приемы (пояснительные планы боевых действий, голос за кадром), чтобы рассказать историю небольшого израильского военного подразделения, защищающего от арабов стратегически важный холм недалеко от Иерусалима в 1948 г.

Дикинсон, подобно Дэвиду Лину в фильме «В котором мы служим», уделяет мало внимания самому действию. Оно служит фоном для повествования о четырех главных героях: американском еврее, ирландце, коренном израильтянине и сефардском еврее. Все они погибают при увенчавшейся успехом обороне холма, который после визита члена ООН переходит во владение Израиля. В ретроспективных кадрах объясняются причины, почему каждый солдат решил участвовать в сражении. Фильм строго просионистский, в котором друзы и британские герои показаны с сочувствием, а арабы изображены безличными, враждебно настроенными разрушителями. Несмотря на недвусмысленную пропаганду, этот скромный фильм Дикинсона достоин восхищения, поскольку в нем проведено занимательное исследование мотивов и героических поступков в ходе суровой идеологической борьбы. Б. П.

 

УБИЙЦЫ ЛЕДИ (1955)

THE LADYKILLERS

Великобритания (Ealing Studios, Rank), 97 мин., техниколор

Режиссер: Александр Маккендрик

Продюсеры: Майкл Бэлкон, Сет Холт

Автор сценария: Уильям Роуз

Оператор: Отто Геллер

Музыка: Тристрам Кэри

В ролях: Алек Гиннесс, Сесил Паркер, Герберт Лом, Питер Селлерс, Дэнни Грин, Джек Уорнер, Кэти Джонсон, Филип Стентон, Фрэнки Хауард

Номинация на «Оскар»: Уильям Роуз (сценарий)

Это последний (а также наиболее мрачный) фильм Александра Макендрика, снятый на студии Илинг перед тем, как он поехал в Голливуд и создал незабываемый, полный желчи фильм «Сладкий запах успеха» (1957). «Убийцы леди» — это превосходная комедия с «черным» юмором, снятая в английском стиле. Банда воров выдает себя за пятерых музыкантов и прячется в благородном доме, который принадлежит простодушной и чрезвычайно добродетельной пожилой леди Кэти Джонсон. После того как она узнает о недавно совершенной ими краже и требует вернуть украденное, они решают убить ее. Проблема лишь в том, что понятие чести у этих воров весьма извращенное, и, хотя они не способны заставить себя убить эту милую старую леди, по отношению друг к другу у них такие сомнения не возникают.

В сущности, этот фильм — пародия на классическое неудачное ограбление. Внимание зрителей приковывают ловкие и проворные герои (изобретательный вор-бродяга, грубоватый военный, наемный убийца-итальянец, подозрительный пижон и тупой атлет). Авторы высказывают предположение, что послевоенная Великобритания, с открытым благоговением относившаяся к людям старшего поколения, была не способна двигаться в современную эру. Цветные съемки Отто Геллера и постановка Джима Морахана еще больше усиливают ощущение захваченного прошлым общества. Дж. Э.

 

МАРТИ (1955)

MARTY

США (Hecht, Hill & Lancaster, Steven), 91 мин., черно-белый

Режиссер: Делберт Манн

Продюсер: Гарольд Хехт

Автор сценария: Пэдди Чаефски

Оператор: Джозеф ЛаШелл

Музыка: Джордж Бассмен, Гарри Уоррен, Рой Уэбб

В ролях: Э. Боргнайн, Б. Блэр, Э. Минчотти, Дж. Мантелл

«Оскар»: Г. Хехт (лучший фильм), Д. Манн (режиссер), П. Чаефски (сценарий), Э. Боргнайн (лучший актер)

Номинации на «Оскар»: Дж. Мантелл (мужская роль второго плана), Б. Блэр (женская роль второго плана), Т. Хейворт, У. М. Саймондс, Р. Пристли (художественное оформление и декорации), Дж. ЛаШелл (оператор)

Каннский кинофестиваль: Делберт Манн (Золотая пальмовая ветвь), премия OCIC

В период золотого века телевидения Пэдди Чаефски написал сценарий «Марти», который примечателен тем, что в нем рассказывается о повседневной жизни холостого мясника. Затем Чаефски переписал сценарий для большого экрана с Эрнестом Боргнайном в главной роли. В ходе развития сюжета Марти Пиллетти стал знаменитостью, его герою удалось стать счастливым и выйти за пределы рутинной жизни середины 1950-х с ее общепринятыми догмами и предрассудками.

Эта «любовная история о невоспетом герое» восхищала рассказом о человеке, живущем со своей матерью-итальянкой, заправляющей всем в доме. Вместе со своим лучшим другом Энджи (Дж. Мантелл) он знакомится с Кларой (Б. Блэр), и они начинают встречаться. Энджи испытывает ревность, миссис Пиллетти (Э. Минчотти) принимает встречи сына в штыки, но Марти продолжает ухаживать за Кларой.

Такой портрет главного героя не вызывает особого интереса, но в фильме изображен типичный представитель послевоенной эпохи с присущими ей страхами, угрожающими домашнему спокойствию, и потому он несет в себе социологическую важность. Но даже если оставить в стороне современные культурные тенденции, борьба одиноких людей за признание и любовь, без сомнения, важная тема. Придавая фильму оптимизм, она учит искать красоту в повседневности и в обыденной жизни. Г. Ч.-К.

 

СЛОВО (1955)

ORDET

Дания (Palladium), 126 мин., черно-белый

Язык: датский

Режиссер: Карл Теодор Дрейер

Продюсеры: Карл Теодор Дрейер, Эрик Нильсен, Таге Нильсен

Автор сценария: Кай Мунк, по его пьесе

Оператор: Хеннинг Бендтсен

Музыка: Пауль Ширбек, Сильвия Ширбек

В ролях: Хана Огесен, Кирстен Андреасен, Сильвия Экхаузен, Биргитт Федершпиль, Айнар Федершпиль, Эмиль Хасс Кристенсен, Кай Кристиансен, Пребен Лердорф Рай, Хенрик Мальберг, Герда Нильсен, Анн Элизабэт Руд, Уве Руд, Сузанн Руд, Генри Скьер, Эдит Тран

Венецианский кинофестиваль: Карл Теодор Дрейер (Золотой лев)

Замечательный фильм и, возможно, лучшая работа режиссера К. Т. Дрейера, который поставил его по пьесе Кая Мунка. «Слово» снято простейшими кинематографическими средствами и без спецэффектов и в то же время заставляет зрителей поверить в то, что чудеса действительно случаются.

Речь идет о семействе фермеров Боргенов, в котором царит любовь. Но между членами семьи также возникают и раздоры, в частности, из-за упрямства одного из взрослых братьев. Иоганн (Пребен Лердорф Рай) сходит с ума вследствие чрезмерной психической нагрузки во время изучения религиозных трактатов. Однако никто в семье не считает его безумным. А когда Ингер (Биргитт Федершпиль), жена второго брата, умирает, ее сын просит Иоганна вернуть его маму назад. Фактически, Дрейер оставляет зрителю право решить, произошло ли ее воскресение вопреки нашей неспособности понять невозможное или в силу веры. Но сама сцена очень яркая и производит неизгладимое впечатление, особенно из-за отказа Иоганна объяснить происходящее, что ускорило бы драматическую развязку фильма.

Во многом это наиболее «реалистичный» и «натуралистичный» фильм о силе веры и любви (в полном смысле этого слова) и сверхъестественном. Дрейер избегает всяческих трюков. Несмотря на некоторую упрощенность черно-белых кадров, коттеджи пастбища семейства Боргенов в изображении оператора Хеннинга Бендтсена поражают бесконечной красотой. Спокойный ритм, замедленная съемка и обманчиво простые мизансцены наводят на мысль, что фильм — откровенная камерная драма о жизни простых фермеров. На ее фоне выделяется лишь льстивый голос Иоганна, но ведь у него действительно не все в порядке с головой. В чем же исключительность этой картины? Когда происходит «чудо», мы уже полностью покорены целостностью происходящего — мы понимаем экранных героев, потому что их поступки, чувства, мысли и сомнения сродни нашим. И когда Ингер снова открывает глаза, возможно, мы чувствуем то же, что и они: удивление, счастье, неподдельный интерес. И даже если фильму «Слово» не удалось обратить нас в веру, по крайней мере, мы стали свидетелями высокого кинематографического искусства. Дж. Э.

 

БОБ-ПРОЖИГАТЕЛЬ (1955)

BOB LE FLAMBEUR

Франция (OGC, Play Art, Cyme), 98 мин., черно-белый

Язык: французский

Режиссер: Жан-Пьер Мелвилль

Продюсер: Жан-Пьер Мелвилль

Авторы сценария: Огюст Ле Бретон, Жан-Пьер Мелвилль

Оператор: Анри Декей

Музыка: Эдди Барклей

В ролях: Изабелла Корэ, Даниэль Коши, Роже Дюшен, Ги Декомбль, Андре Гарэ, Жерар Бюр, Клод Сарваль, Колетт Флери, Рене Авар, Симон Пари, Говард Вернон, Анри Аллом, Жермен Амьель, Иветт Амирант, Доминик Антуан

Четвертый фильм режиссера Жана-Пьера Мелвилля знаменует собой поворотный пункт в истории, в частности, в истории кино, отражая особенности и остроту того времени. Раньше существовало европейское и американское кино, классическое и современное, гангстерские фильмы, комедии и ежедневные хроники новостей. Тридцатидевятилетний Жан-Пьер Мелвилль, который уже повидал многое на своем веку, ранее создал фильм о войне поразительной глубины («Молчание моря»), экранизацию романа Жана Кокто («Несносные дети») и грустную мелодраму («Когда ты прочитаешь это письмо»). Позже он стал основоположником французской «новой волны», ставил картины в жанре «черного» фильма и проложил путь таким режиссерам, как Серджио Леоне, Джон Ву и др. Мелвилль был владельцем киностудии, которая быстро разорилась, и последним дэнди европейского кино. Но в момент создания «Боба-прожигателя», во второй половине 20-го в. Мелвилль создавал современные образы, используя приемы первой половины того же столетия. В фильме есть элементы ностальгии и фарса, и все же он полон сострадания. Основную роль в нем играют места, предметы, слова и мечты, близкие сердцу каждого человека.

Драки в казино, широкоплечие бандиты, бравурные разговоры, мчащиеся в темноте машины, предательства... Главной темой фильма является человек, интонации человеческих голосов, воспоминания о золотых временах, которые никогда не существовали. Часто говорят, что великие фильмы актуальны во все времена. Но этот фильм уникален по абсолютно противоположной причине: он злободневен именно для своего времени и места, более или менее осознанно переходя в совершенно иное будущее. Несмотря на иронические моменты фильма, особую глубину ему придают его красота и меланхолия. Конечно же, с момента создания «Боба-прожигателя» время не стоит на месте. Но все-таки картине удалось приостановить время, чтобы мы могли вернуться назад и вспомнить. И это не так уж плохо. Ж.-М. Ф.

 

ЦЕЛУЙ МЕНЯ НАСМЕРТЬ (1955)

KISS ME DEADLY

США (Parklane), 106 мин., черно-белый

Режиссер: Роберт Олдрич

Продюсер: Роберт Олдрич

Авторы сценария: Микки Спиллейн, Э. И. Беззерайдс, по роману Микки Спиллейна

Оператор: Эрнест Ласло

Музыка: Фрэнк Де Вол

В ролях: Ральф Микер, Альберт Деккер, Пол Стюарт, Хуано Эрнандес, Уэсли Эдди, Мэриан Карр, Марджори Беннетт, Максин Купер, Фортунио Бонанова, Клорис Личмен, Гэби Роджерс, Роберт Корнтуэйт, Ник Деннис, Джек Лэмберт, Джек Илам

Скандальный фильм «Целуй меня насмерть» создан режиссером Олдричем и сценаристом Беззерайдсом по бульварному роману Микки Спиллейна. Несмотря на отдельные поэтические моменты («Помни меня» в исполнении Кристины Розетти), фильм является апологией невероятного насилия и жестокости. Женщину бьют по обнаженным ногам и убивают щипцами. Уличные перебранки наркоманов перемежаются с неизвестными персонажами и подозрительными элементами.

Частный детектив Майк Хаммер (Р. Микер) едет ночью на автомобиле и видит на шоссе отчаявшуюся, почти раздетую Кристину (К. Личмен). Она вовлекает его в историю со всевозможными персонажами: шпионами, бандитами, полицейскими. Лидер преступной группировки убеждает легкомысленную блондинку держаться подальше от человека, способного убить любого в округе. Тайные агенты пытаются разгадать пароль («Лос Аламос... Тринити... Манхэттен проджект») и охотятся за чемоданом с очень важным содержимым (несметные сокровища, которые могут оказаться либо чистым плутонием, либо головой Медузы). Зловещий герой в исполнении Микера (чего стоит одна его улыбка, когда он мучает невинных свидетелей, ломая им пальцы ящиком стола) прокладывает себе дорогу через общение с извращенцами и проститутками. А затем как будто идет под грибовидным облаком, которое поднимается над прибрежным домиком, знаменуя Апокалипсис 1950-х гг. К. Н.

 

ЧЕЛОВЕК ИЗ ЛАРАМИ (1955)

THE MAN FROM LARAMIE

США (Columbia), 104 мин., техниколор

Режиссер: Энтони Манн

Продюсер: Уильям Гетц

Авторы сценария: Филипп Йордан, Фрэнк Берт, по рассказу Томаса Т. Флинна

Оператор: Чарлз Лэнг

Музыка: Джордж Данинг

В ролях: Джеймс Стюарт, Артур Кеннеди, Доналд Крисп, Кэти О’Доннелл, Алекс Никол, Эйлин МакМахон, Уоллес Форд, Джек Илем, Джон Уор Игл, Джеймс Милликен, Грэгг Бартон, Бойд Стокмен, Фрэнк ДеКова

Это последний из выдающихся вестернов Энтони Манна, который впоследствии переключился на крупномасштабные (и, возможно, менее интересные) проекты, например, «Эль Сид» (1961), и Джеймса Стюарта, в исполнении которого одержимые беспокойством ковбои 1950-х идут параллельно с неуверенными в себе героями Хичкока. Сюжет почти что в жанре «черного» кино. В «Человеке из Ларами» Уилл Локхарт (Стюарт) расследует обстоятельства смерти своего брата, сюжет которого напоминает шекспировского «Короля Лира». Слепой владелец скота (Доналд Крисп), чей любимый сын (Алекс Никол) — трус с садистскими наклонностями. В результате Локхарт тоже вовлекается в борьбу.

Босс Вик Хансбро (А. Кеннеди), как в более раннем вестерне Манна «Излучина реки» (1952), почти так же мужественен, как и там. Но он оказывается демонической противоположностью героя раннего фильма, и им движет чувство обиды на семью, чьим ранчо он управляет, но никогда не унаследует его. Вику предоставляется возможность участвовать в темном деле и продать винтовки апачам-изменникам. «Человек из Ларами» — это напряженный, полный трагизма рассказ с незабываемой главной музыкальной темой и характерными для Манна отношениями между отчаявшимися и одержимыми людьми и зловещим пейзажем, который подчеркивает их крайне неуравновешенное психическое состояние. К. Н.

 

БУНТАРЬ БЕЗ ПРИЧИНЫ (1955)

REBEL WITHOUT A CAUSE

США (Warner Bros.), 111 мин., уорнерколор

Режиссер: Николас Рэй

Продюсер: Дэвид Вайсбарт

Авторы сценария: Николас Рэй, Ирвинг Шульман, Стюарт Стерн

Оператор: Эрнест Холлер

Музыка: Леонард Розенман

В ролях: Джеймс Дин, Натали Вуд, Сэл Майнео, Джим Бэкас, Энн Дорен, Кори Аллен, Уильям Хоппер, Рошелл Хадсон, Денис Хоппер, Эдвард Плэтт, Стеффи Сидни, Мариэтта Кэнти, Вирджиния Бриссак, Беверли Лонг, Йен Вулф

Номинации на «Оскар»: Николас Рэй (сценарий), Сэл Майнео (мужская роль второго плана), Натали Вуд (женская роль второго плана)

Очень часто этот признанный классический фильм считают лучшей из трех работ актера Джеймса Дина за всю его трагически короткую жизнь, а также считается одним из лучших фильмов 1950-х. В нем рассказывается о подростковой преступности. Это главный шедевр Николаса Рэя, чрезвычайно талантливого и многогранного режиссера, которого, к сожалению, недооценивают сегодня так же, как в те времена, когда он работал в Голливуде.

«Вы разрываете меня на части!» — кричит герой Дина Джим Старк на своих ссорящихся родителей, давая выход мучительному смятению и отчуждению. С самого первого фильма «Они живут по ночам» (1949) режиссер постоянно уделял внимание проблемам американских аутсайдеров, особенно симпатизируя уязвимой молодежи, которая искала опоры у старшего поколения, столь же наивного и несчастного, как и она сама. Джима подавляет его семья, учителя, полицейские, большинство ровесников. Они постоянно ищут повод для драки, как и их родители, отказываются решать нравственные проблемы. Вместе с двумя другими заблудшими душами Джуди (Н. Вуд) и Плато (С. Майнео) Джим стремится создать свою собственную семью, основанную на взаимном понимании. Эта троица познакомилась из-за абсурдной, бессмысленной смерти друга, который от скуки решил попробовать свои силы и подняться на обрыв. Их объединяет идеалистическое понятие «искренность». Герои живут в вымышленном мире в горах Лос-Анджелеса, вдали от людей.

Рэй на редкость материально отвечает на вопрос, как изображать романтический идеализм своих молодых мечтательных героев. Сначала планировались черно-белые съемки, но режиссер уговорил братьев Уорнер позволить ему снимать в цвете. Яркие экспрессионистские оттенки и характерная компоновка кадров отражают беспокойную природу юности. Аналогичным образом для лучшего понимания чувств героев Рэй использует архитектуру и окружающую обстановку, уделяя внимание различиям между общественным и частным. В темноте планетария подростки рассказывают друг другу смешные случаи из жизни, мечтают, темнота становится их прибежищем, и они даже придумывают свое место обитания в космосе. Благодаря высокому положению камеры, терраса снаружи позже превращается в освещенную арену, на которой с чрезмерно драматическими жестами разворачивается драка на ножах.

Рэй понимает, что человек, особенно в молодости, воспринимает свою жизнь как драму. Его безукоризненное чувство цвета, композиции, компоновки кадров, освещения и игры подчеркивает важность происходящего.

Дин быстро сработался с Рэем, не только манера игры, но и вся его актерская индивидуальность придавали картине драматизм. Мы наблюдаем становление характера Дина. Разумеется, это справедливо и для всех героев «Бунтаря». Умелое руководство Рэя помогло выразить метания и жизненные порывы юности. К сожалению, запланированные проекты совместной работы Рэя и Дина так и не были реализованы. Но и одного этого фильма вполне достаточно. Дж. Э.

 

ИСТОРИЯ В ФЕНИКС-СИТИ (1955)

THE PHENIX CITY STORY

США (Allied Artists), 100 мин., черно-белый

Режиссер: Фил Карлсон

Продюсеры: Сэмюэл Бишофф, Дэвид Даймонд

Авторы сценария: Дэниэл Мейнуоринг, Крейн Уилбер

Оператор: Гарри Нойман

Музыка: Гарри Сакмен

В ролях: Джон МакИнтайр, Ричард Кайли, Кэтрин Грант, Эдвард Эндрюс, Ленка Петерсон, Бифф МакГуайр, Трумэн Смит, Джин Карсон, Кэти Марлоу, Джон Ларч, Аллен Нурс, Хелен Мартин, Отто Хьюлетт, Джордж Митчелл, Ма Бичи

Порядочные жители развязали кровавую войну, пытаясь искоренить вымогательства, из-за которого их городок в Алабаме получил название «Город греха, США». Сюжет фильма, снятого на натуре Филом Карлсоном, основан на реальных фактах. В фильме отражены такие послевоенные явления, как полудокументальные съемки, показ порочных городских районов, власть преступного синдиката. Но ни одна из этих тем не раскрывает полностью уникальную внутреннюю мощь фильма.

Хотя Голливуд еще не видал на своем веку такой наглядной жестокости, как в «Истории в Феникс-сити», эта малобюджетная картина отличается от других также и тем, что ее новое содержание потребовало новой формы. Режиссер намеренно создавал свой фильм с неприятными, отталкивающими героями, убогими придорожными закусочными, и все это снято под неправильным углом (т. е. отсутствует компоновка кадров) с отвратительной, ни с чем не сравнимой жестокостью. На городской лужайке обнаруживают труп маленькой девочки с остекленевшими глазами, старому калеке стреляют в упор в рот, жители города постоянно ведут кровавую бойню. Зверские действия показаны либо прямо перед глазами, либо на расстоянии. С тех пор мы видели во многих фильмах еще более выраженную и изощренную жестокость, но немногим из них удалось так неприкрыто продемонстрировать ее беспорядочную силу. М. Р.

 

УЛЫБКИ ЛЕТНЕЙ НОЧИ (1955)

SOMMARNATTENS LEENDE

Швеция (Svensk), 108 мин., черно-белый

Язык: шведский

Режиссер: Ингмар Бергман

Продюсер: Аллан Экелунд

Автор сценария: Ингмар Бергман

Оператор: Гуннар Фишер

Музыка: Эрик Нордгрен

В ролях: Улла Якобссон, Эва Дальбек, Харриэт Андерссон, Маргит Карлквист, Гуннар Бьёрнстранд, Ярл Кулле, Аке Фриделл, Бьёрн Бьелфвенстам, Найма Вифстранд, Юллан Киндал, Гулл Наторп, Биргитта Валберг, Биби Андерссон

Каннский кинофестиваль: Ингмар Бергман (награда за поэтичность и юмор)

Сегодня первый фильм Ингмара Бергмана, принесший ему мировое признание, может показаться необычным. В интервью режиссер часто говорит об отсутствии у него таланта создавать комедии, и его последние работы в этом жанре «Дьявольское око» (1960) и «Не говоря о всех этих женщинах» (1964) подтверждают данное заявление. Однако «Женщины ждут» (1952) и, в особенности, «Урок любви» (1954) — весьма остроумные и не лишенные вкуса комедии. Главные роли в них сыграли прекрасные актеры Гуннар Бьёрнстранд и Эва Дальбек, изображающие супругов средних лет, в шутку мучивших друг друга.

Фильм «Улыбки летней ночи» — вариация такой формулы. Действие перенесено в 19 в., и в сюжете явно прослеживается влияние шекспировской пьесы «Сон в летнюю ночь». Здесь Бьёрнстранд играет обывателя средних лет, а Дальбек — стареющую актрису. Оба героя отличаются тщеславием и большим самомнением. У каждого из них своя семья, и отношения в них еще более непрочные, чем их прошлые связи. Под влиянием вина и сумеречного света летней ночи обнажаются их истинные чувства — и чувства их супругов. Каждый из них находит свою настоящую половинку. Но такой баланс буржуазной удовлетворенности позже был полностью нарушен Бергманом в фильмах «Сцены из супружеской жизни» (1973) и «Из жизни марионеток» (1980) с жестоким изображением супружеской жизни и кризиса средних лет. М. Т.

 

НОЧЬ И ТУМАН (1955)

NUIT ET BROUILLARD

Франция (Argos), 32 мин., черно-белый/цветной

Язык: французский

Режиссер: Ален Рене

Продюсеры: Анатоль Доман, Сами Альфон, Филипп Лифчи

Автор сценария: Жан Кейроль

Операторы: Гислен Клоке, Саша Вьерни

Музыка: Ганс Эйслер

В ролях: Мишель Буке, Райнхард Гейдрих, Генрих Гиммлер, Адольф Гитлер, Юлиус Штрейхер

Жестокость людей по отношению к другим так же стара, как мир. Несмотря на это, мир плохо подготовился к зверствам Холокоста, во время которого произошли настолько ужасающие события, что они до сих пор не укладываются в голове. Режиссер Ален Рене (который позднее прославился фильмами «Хиросима, моя любовь» и «В прошлом году в Мариенбаде»), уверенный, что время лечит любые раны, какими бы страшными они ни казались, решил показать жестокость нацистов на экране. Если и не для потомков, то, по крайней мере, для постоянного напоминания о том, на что способен человек.

Первый фильм о Холокосте «Ночь и туман» создавался, когда память о Второй мировой войне вызывала болезненные чувства, особенно в Европе. На кинопленке запечатлены черно-белые архивные съемки концлагерей и их жертв вперемешку с цветными кадрами этих построек спустя десятилетие. Обнажая глубину недоверия и отрицания прошлого, которые существовали даже спустя десятилетие после падения Третьего рейха, Рене снимал во Франции, Бельгии и Польше, но только не в Германии. Он показал, что многие люди, работавшие в лагерях смерти, либо не знали, что им делать со своей виной и сознанием соучастия в трагических событиях, либо просто не желали об этом даже думать.

Ключевая идея ленты — отрицание трагедии. Рене включил кадры с изображением погибших, которых бульдозер превратил в месиво, трупов, повешенных на заборах, обнесенных колючей проволокой исхудавших и обнаженных тел с застывшей маской страха на лице, которые выставлялись напоказ для осмеяния, и неизвестно откуда взявшихся поездов и грузовиков, перевозивших неизвестно что и неизвестно куда. Фильм запечатлел газовые камеры с крематориями, а также страшные попытки нацистов найти применение выброшенным пожиткам, костям, коже и телам своих жертв.

Рене обращает внимание зрителя на то, что лагеря смерти существовали не только в изолированных отдаленных поселениях, но зачастую и вблизи крупных городов, намекая на то, что все происходящее имело место при некотором соучастии жителей. И все же даже нацисты, работавшие в концлагерях, отрицают свою вину. Один за другим они повторяют: «Я не виновен». Но если не они, то кто?

Фильм «Ночь и туман» призывает к ответу нацию, а не конкретную личность. Рене осознавал, что из-за короткой памяти людей ужасы Холокоста могут стереться из нее. «Крематорий может выглядеть очень привлекательно на почтовых открытках, — говорит рассказчик. — Сегодня туристы фотографируются перед ним». Сценарий написал выживший в дни Холокоста Жан Кейроль, а музыкальное сопровождение — Ганс Эйслер (немецкий ссыльный марксист, которого также выслали из Америки во время коммунистической «чистки» в Голливуде). Изображения смерти и ужаса служат живым напоминанием для тех, кто сомневается в реальности этих трагических событий. Если сравнивать короткий, но очень экспрессивный фильм «Ночь и туман» с открыткой, несомненно, это открытка, несущая чрезвычайно важное послание: зло всегда может повториться. Дж. Кл.

 

НОЧЬ ОХОТНИКА (1955)

THE NIGHT OF THE HUNTER

США (Paul Gregory, United Artists), 93 мин., черно-белый

Режиссер: Чарлз Лоутон

Продюсер: Пол Грегори

Авторы сценария: Джеймс Эйджи по роману Дэвиса Грабба

Оператор: Стенли Кортес

Музыка: Уолтер Шуманн

В ролях: Роберт Митчем, Шелли Уинтерс, Лиллиан Гиш, Джеймс Глисон, Эвелин Варден, Питер Грейвз, Дон Беддоу, Билли Чапин, Сэлли Джейн Брюс, Глория Кастилльо

В основу единственного фильма, поставленного режиссером Чарлзом Лоутоном, лег малоизвестный пустой роман Дэвиса Грабба. Этот очень мрачный и в то же время необыкновенно гуманный фильм, созданный во времена Великой депрессии, рассказывает о психозе и вере. Повествование идет в основном от лица детей и своей простотой напоминает сказку, и все же в ней кипят взрослые страсти. Бандит Бен Харпер (Питер Грейвс) похищает деньги и отдает их на хранение своим детям Джону (Билли Чапин) и Перл (Салли Джейн Брюс). Безутешная вдова Бена Уилла (Шелли Уинтерс) становится объектом внимания одного из главных злодеев фильма. «Преподобный» Гарри Пауэлл (Роберт Митчем) одет в черно-белую сутану с плоской пуританской шапочкой, которая принимает форму дьявольских рогов, и носит с собой Библию и пружинный нож. На его пальцах вытатуированы слова «любовь» и «ненависть». Во время своих церемоний он аллегорически восхваляет силы, которые нисходят на него, когда он, борясь с собой, сжимает кулаки. Пауэлл начинает ухаживать за Уиллой, ему удается обмануть ее (в итоге ее находят на дне водоема), но не детей, которые после убийства исчезают с деньгами, спрятанными в маленькой кукле.

Митчем, обычно исполняющий роли циничных героев, здесь играет отъявленного злодея, серийного убийцу. Несмотря на яркое изображение в фильме зла и ненависти, в то же время в нем правдиво переданы доброта и любовь. Лоутону удалось уговорить звезду немого кино Лиллиан Гиш, мало снимавшуюся в то время, сыграть Рейчел, добрую женщину, чьи двери всегда открыты для всех малолетних беглецов. Подобно змию в райском саду, Пауэлл угрожает идиллической жизни Рейчел, пытаясь обаять одну из старших девочек, живущую на ферме. В финальной сцене к Митчему, зловеще исполняющему немного измененный гимн («Учись»), присоединяется Гиш и завершает молитву («Доверься Иисусу»), изгоняя из него темные силы, прежде чем он оказывается полностью побежденным ими. К. Н.

 

ЛОЛА МОНТЕС (1955)

LOLA MONTÈS

Франция/Западная Германия (Florida, Gamma, Oska-Film, Union-Film), 110 мин., истменколор

Язык: французский/английский/немецкий

Режиссер: Макс Офюльс

Продюсер: Альбер Карако

Авторы сценария: Макс Офюльс, Аннет Вадеман, Жак Натансон, по роману «Необычайная жизнь Лолы Монтес» Сесиля Сен-Лорана

Оператор: Кристиан Матра

Музыка: Жорж Орик

В ролях: Мартина Кароль, Питер Устинов, Энтон Уолбрук, Анри Гизоль, Лиз Деламар, Полетт Дюбо, Оскар Вернер, Жан Галлан, Вилль Квадфлиг, Элена Мансон, Жермен Дельба, Карл Эсмонд, Жак Файе, Фридрих Домин, Вернер Финк

Режиссер фильма М. Офюльс родился в Германии, но многое перенял от французов и жителей Вены. Он превосходно воплотил на экране жизнь Лолы Монтес, известной роковой женщины. Монтес была знаменитой танцовщицей и куртизанкой, вызвавшей в середине 19 в. в Европе много скандалов. В числе ее любовников были Ференц Лист и король Баварии. Последняя картина Офюльса (и единственная снятая в цвете) не является традиционно биографической. Напротив, в ней много вычурной экстравагантности, местами сродни цирку, а иногда маскараду. Роль замкнутой, эмоционально отстраненной Лолы Монтес играет Мартина Кароль, а грустный король в исполнении Антона Уолбрука просто неотразим. Но, несмотря на все недостатки, Кароль соответствует представлениям Офюльса о Монтес. Как всегда, режиссер уделяет внимание пропасти, лежащей между идеалом любви и жестокой, лишенной магии реальностью. Лола — лишь чистая страница, на которой мужчины пишут свои фантазии. В своей жизни, напоминающей цирковое представление, Лола за доллар продавала свои поцелуи. Она очень низко пала. Лола Монтес — это классический film maudit (запрещенный фильм), который подвергся строгой цензуре, и долгое время его можно было увидеть в укороченной версии. Но недавнее восстановление вырезанного материала позволяет насладиться лебединой песней Офюльса во всей ее горькой, пронизывающей красе. Ф. К.

 

ЗАПРЕТНАЯ ПЛАНЕТА (1956)

FORBIDDEN PLANET

США (MGM), 98 мин., истменколор

Режиссеры: Фред М. Уилкокс

Продюсер: Николас Нейфак

Авторы сценария: Ирвинг Блок, Аллен Адлер, Сирил Хьюм

Оператор: Джордж Дж. Фолси

Музыка: Бебе Баррон, Льюис Баррон

В ролях: Уолтер Пиджон, Энн Фрэнсис, Лесли Нильсен, Робот Робби, Уоррен Стивенс, Джек Келли, Ричард Андерсон, Эрл Холлимен, Джордж Уоллис, Роберт Дикс, Джимми Томпсон, Джеймс Друри, Гарри Харви-младший, Роджер МакГи, Питер Миллер

Номинация на «Оскар»: А. Арнольд Гиллеспи, Ирвинг Дж. Рис, Уэсли К. Миллер (спецэффекты)

Замечательный широкоэкранный научно-фантастический фильм поставил в середине 1950-х гг. Фрэд М. Уилкокс. Картина не имеет ничего общего с параноидными предрассудками периода МакКарти, когда все опасались враждебных оккупантов из космоса. Многое в нем заимствовано из сюжета «Бури» Шекспира и базируется на обманчивых предпосылках, что опасные монстры скрываются в глубинах нашего подсознания.

На планету Альтаир 4 отправляется предводитель миссии капитан Джон Дж. Адамс (Лесли Нильсен). Он должен разузнать, что произошло с членами экспедиции с Земли, которые пропали многие десятилетия назад. В конце концов он находит единственного оставшегося в живых гениального, но надменного ученого Эдварда Морбиуса (Уолтер Пиджон) и его привлекательную, легкомысленную дочь Альтаир (Энн Фрэнсис). За ней ухаживает один из наиболее любимых экранных металлических героев, любезный многофункциональный робот Робби. Доктор Морбиус обнаружил останки древней исчезнувшей цивилизации Крелл. Но ее исследование приносит всем гибель. Прекрасные спецэффекты (в том числе ожившие «монстры), удивительные подземные сооружения цивилизации и мрачная величественная электронная музыка способствовали успеху фильма. Впоследствии он воодушевил многих режиссеров на создание научно-фантастических фильмов с использованием подобных современных технологий. А. Э.

 

БИРМАНСКАЯ АРФА (1956)

BIRUMA NO TATEGOTO

Япония (Nikkatsu), 116 мин., черно-белый

Язык: японский

Режиссер: Кон Итикава

Продюсер: Масаюки Такаки

Автор сценария: Натто Вада по роману Митио Такеяма

Оператор: Минору Йокояма

Музыка: Акира Ифукубэ

В ролях: Рентаро Микуни, Сёдзи Ясуи, Дзюн Хамамура, Такетоси Наито, Ко Нисимура, Хироси Хидзиката, Сампэй Минэ, Йосиаки Като, Содзиро Амано, Йодзи Нагахама, Эйдзи Накамура, Сёдзиро Огасавара, Томоко Тонаи, Тацуйя Михаси, Юносуке Ито

Номинация на «Оскар»: Япония (за лучший иностранный фильм)

Венецианский кинофестиваль: Кон Итикава (премия OCIC — почетное упоминание), Кон Итикава — номинация (Золотой лев)

Несмотря на то что самым знаменитым японским режиссером считается Акира Куросава, его современник Кон Итикава проявил не меньшее мастерство во многих своих работах. Среди них «Бирманская арфа», элегия по утраченной невинности. Действие фильма начинается в конце Второй мировой войны. Капитан Инуйе (Рентаро Микуни) ведет свой взвод в Бирму, преподавая солдатам, наряду с основами дисциплины, еще и музыкальную грамоту. Он научил своих солдат не только сражаться, но и петь, и они становятся необычными военными призывниками, которым удалось дождаться окончания войны.

Пока они находятся в английском лагере для интернированных в ожидании возвращения на родину, до них доходят слухи о группе японцев, не желающих сдаваться. Арфист в отряде Инуйе, центр духовной жизни взвода Мидзусима (Сёдзи Ясуи) уговаривает их сдаться. Не послушав его, упорствующие японцы погибают, а Мидзусима пропадает. Но во взводе ходят слухи, что он остался в живых.

Затем следует пробуждение после атаки раненого и испуганного Мидзусимы и его странствие. Его спасают крестьяне, и он пытается найти отряд Инуйе. Постепенно у него появляется высокая цель. Облачившись в одежды буддистского монаха, он начинает хоронить как подобает погибших, разбросанных по всей Юго-Восточной Азии. Мидзусима оплакивает жертв войны, понимая, что мир держится на взаимной помощи и личной преданности, отказывается от своей прошлой жизни и ходит по земле, помогая всем, кто нуждается в этом. Впоследствии Мидзусима не раз сталкивается со взводом Инуйе, но объясняет товарищам свой отказ от службы тем, что он воздает последние почести погибшим, как невинным, так и виновным, хорошим и плохим, потому что именно благодаря ним возможно будущее.

Сценарий фильма «Бирманская арфа» несет в себе мрачный оттенок, при этом в нем подчеркивается чувство собственного достоинства людей и их доброта. Бирма является пассивным фоном происходящего, а идея духовного обновления, представленная без догм и пропаганды, служит достойным эпилогом к ужасам Второй мировой войны в этом раннем шедевре Итикавы. Г. Ч.-К.

 

ИСКАТЕЛИ (1956)

THE SEARCHERS

США (Whitney, Warner Bros.), 120 мин., техниколор

Режиссер: Джон Форд

Продюсеры: Мэриан К. Купер, Патрик Форд, К. В. Уитни

Автор сценария: Фрэнк С. Ньюджент, по роману Алана Ле Мэя

Оператор: Уинтон С. Хок

Музыка: Стэн Джонс, Макс Штайнер

В ролях: Джон Уэйн, Джеффри Хантер, Вера Майлз, Уорд Бонд, Натали Вуд, Джон Куолен, Олив Кэри, Генри Брэндон, Кен Кёртис, Гарри Кэри-младший, Антонио Морено, Хэнк Уорден, Бьюла Арчулетта, Уолтер Кой, Дороти Джордан

В первых кадрах мы видим пустынный пейзаж со стороны дома, кто-то приближается к дому на лошади. Это Итан Эдвардс (Джон Уэйн), возвратившийся с Гражданской войны на ранчо брата в Техасе. По взглядам и жестам нам становится ясно, что Итан влюблен в жену брата Марту (Дороти Джордан). На следующий день он уезжает с техасскими рейнджерами, чтобы найти индейцев, похитивших скот. Во время его отсутствия на ранчо нападает племя команчей, которые убивают брата и его жену и берут в плен двух их дочерей. На протяжении оставшейся части фильма, которая охватывает пятилетний период, Итан и его друг-полукровка Мартин (Джеффри Хантер) бороздят западные штаты в поисках девочек.

Как удалось Джону Форду превратить эту простую историю в один из выдающихся вестернов? Во-первых, большую роль сыграла окружающая обстановка: многие вестерны Форд снимал в Долине монументов, на границе между Ютой и Аризоной. Выветренные красные скалы из песчаника представляют собой удивительное зрелище, безошибочное чувство композиции Форда придает им особую ауру. На фоне бескрайних просторов человек кажется особенно уязвимым, а жизнь техасских поселенцев — ненадежной, зависящей от обстоятельств. Как можно жить в такой неплодородной, дикой местности?

Однако в центре сюжета все же фигура Итана Эдвардса. В исполнении Уэйна он предстает перед нами человеком несгибаемой воли, с необузданным нравом, который способен победить всех и вся. Но в нем чувствуется что-то трагическое. Итан снедаем ненавистью к индейцам, и совершенно очевидно, что им движет расизм. По мнению Мартина, Итан хочет убить Дебби (Натали Вуд), свою племянницу, а не спасти. Итан считает, что она слишком пропиталась духом команчей-завоевателей. Постепенно мы понимаем, что вожак команчей Шрам (Генри Брэндон) в некотором роде отражение Итана. Шрам насилует и убивает Марту. Он совершает то, о чем втайне мечтал Итан. Желание Итана убить Шрама и Дебби исходит из стремления подавить в себе запретные желания. Уникальность фильма состоит в том, что он способен вызвать жалость к Итану, несмотря на его неприкрытый расизм. «Искатели» вызывают гораздо более сложную реакцию, чем либеральные фильмы такого жанра, например «Сломанная стрела» (1950). Форд далек от нравоучений, он показывает расовую дискриминацию в Америке.

Вместе с тем в фильме много приятных моментов, в том числе замечательная музыка Макса Штайнера и обилие юмора в исполнении постоянных экранных героев Джона Форда: Гарри Кэри-мл., Кена Кёртиса, Хэнка Уордена и Уорда Бонда. Вера Майлз прекрасно сыграла подружку Марти Лори, а роль ее матери исполнила Олив Кэри, вдова первой звезды вестернов Форда Гарри Кэри.

В 1992 г. в международном опросе кинокритиков, проведенном журналом «Sight & Sound», картина «Искатели» вошла в пятерку величайших фильмов всех времен. Это немалое достижение, но фильм Форда стоит того. Э. Б.

 

ПРИГОВОРЕННЫЙ К СМЕРТИ БЕЖАЛ (1956)

UN CONDAMNÉ À MORT S’EST ÉCHAPPÉ OU LE VENT SOUFFLE OÙ IL VEUT

Франция (Gaumont, Nouvelles Éditions), 99 мин., черно-белый

Язык: французский

Режиссер: Робер Брессон

Продюсеры: Ален Пуаре, Жан Тюилье

Автор сценария: Робер Брессон по воспоминаниям Андре Девиньи

Оператор: Леонс-Анри Бюрель

Музыка: Вольфганг Амадей Моцарт

В ролях: Франсуа Летерье, Шарль Ле Кленш, Морис Беерблок, Ролан Моно, Жак Эрто, Жан Поль Делюмо, Роже Треэрн, Жан Филипп Деламарр, Сезар Гаттеньо, Жак Урлеманс, Клаус Детлеф Гревенхорст, Леонард Шмидт

Каннский кинофестиваль: Робер Брессон (лучший режиссер)

Если вам нравятся произведения в духе минимализма, лучше всего начать с этого фильма. Б`ольшую часть времени мы видим на экране главного героя Фонтена (Франсуа Летерье) в одиночной камере. Он общается с заключенными и постепенно пробивает себе путь к свободе.

Как и во всех фильмах Брессона, здесь находят отражение его излюбленные кинематографические теории: многие роли исполняют непрофессиональные актеры, сильный упор делается на фоновом звуковом сопровождении и информации, которую оно несет, музыкальное сопровождение полностью отсутствует вплоть до торжественного финального момента. Как и в других французских фильмах о заключенных, в фильме «Приговоренный к смерти бежал» присутствует аллегория человеческих страданий и жажды свободы. В то же время в фильме ощущается тревожное ожидание, в чем картина может соперничать с лучшими работами Альфреда Хичкока.

В течение многих лет картину высоко ценили благодаря затронутым в нем экзистенциальному и духовному аспектам: одиночество человека, хрупкость отношений между людьми, божественное милосердие. Недавно на передний план стал выдвигаться политический аспект фильма как отражение участия Брессона в Движении Сопротивления. Это придавало всей картине с присущими ей темами зависимости и «душевных мук» социальную злободневность. Э. Мат.

 

СЛОВА, НАПИСАННЫЕ НА ВЕТРУ (1956)

WRITTEN ON THE WIND

США (Universal), 99 мин., техниколор

Режиссер: Дуглас Серк

Продюсер: Альберт Загсмит

Автор сценария: Джордж Цуккерман по роману Роберта Уайлдера

Оператор: Рассел Метти

Музыка: Фрэнк Скиннер, Виктор Янг

В ролях: Рок Хадсон, Лорен Бэколл, Роберт Стэк, Дороти Мелоун, Роберт Кит, Грант Уильямс, Роберт Дж. Уилки, Эдвард Платт, Гарри Шэннон, Джон Ларч, Дж. Грэнби, Р. Гленн, М. Норман, У. Шаллерт, Д. Джордан

«Оскар»: Дороти Мелоун (женская роль второго плана)

Номинации на «Оскар»: Роберт Стэк (мужская роль второго плана), Виктор Янг, Сэмми Кан (песня)

Роберт Стэк в пьяном угаре разбивает бутылку о стену. Лорен Бэколл, наблюдая из-за занавесок своей спальни, падает в обморок. Повсюду стрельба, смерть, слезы. А на фоне этого звучит мужской хор: «Наша ночь украденного счастья была написана ветром». С первых кадров понятно, что в этой голливудской мелодраме многое заимствовано из других фильмов и претворено с волнующими лирическими подробностями.

Речь идет о запутанной фатальной взаимосвязи между сексом, властью и деньгами. Герои являются диаметральными противоположностями, добро вступает в борьбу со злом, но в итоге каждый герой занимает сложное, противоречивое положение в невозможном ходе вещей. Дороти Мелоун превосходно сыграла плохую девчонку, которая выпивает, курит, любит джаз, подбирает парней на нефтяных вышках и спускает своего отца вниз по лестнице.

Немногие фильмы с такой глубиной проникают во внутренний мир героев, как «Слова, написанные на ветру». Это в некотором роде мыльная опера, полная страсти, серьезности и здравого смысла. Режиссер Дуглас Серк специализировался на создании фильмов, которые когда-то отвергались интеллектуалами как сентиментальные произведения. Когда такие фильмы были вновь открыты в начале 1970-х и показаны на международных кинофестивалях, впервые была оценена дерзость и истинный обличительный характер его работ. Э. Мат.

 

ЧЕЛОВЕК, КОТОРЫЙ СЛИШКОМ МНОГО ЗНАЛ (1956)

THE MAN WHO KNEW TOO MUCH

США (Paramount), 120 мин., техниколор

Режиссер: Альфред Хичкок

Продюсер: Герберт Коулмен

Авторы сценария: Чарлз Беннет, Д. Б. Уиндем-Льюис, Джон Майкл Хейс

Оператор: Роберт Беркс

Музыка: Бернард Херрманн

В ролях: Джеймс Стюарт, Дорис Дэй, Бренда де Банзи, Бернард Майлз, Ральф Трумэн, Даниэль Желен, Модженс Уит, Алан Мобрей, Хиллари Брук, Кристофер Олсен, Реджи Налдер, Р. Уоттис, Н. Уиллман, Э. Толтон, И. Бранвиль

«Оскар»: Джей Ливингстон, Рэй Эванс (песня)

Созданный Хичкоком единственный ремейк своего собственного фильма отличается б`ольшим мастерством, чем его английские работы. Хотя и оригинальная версия 1934 г. полна остроумия, ее ремейк более экспрессивный и искусный, в нем присутствуют сильные сцены, характерные для Хичкока. Американский врач (Джеймс Стюарт) находится в отпуске со своей семьей в Марокко. Случайно он узнает о грядущем убийстве важной политической фигуры. Дружелюбные супруги-англичане, отдыхающие вместе с ними, оказываются шпионами. Они похищают сына Стюарта, чтобы заручиться его молчанием.

Хичкок больше внимания уделяет действиям героя, чем международным интригам. Стюарт на самом деле «знает слишком много», не принимая в расчет способности своей жены (Дорис Дэй). Однако по мере развития сюжета ее помощь оказывается необходимой, несмотря на возможность эмоционального срыва. Кульминация фильма происходит в Альберт-Холле, одном из самых любимых мест съемок Хичкока. Фильм исключителен благодаря превосходной игре Стюарта и Дэй, а также Бернарда Майлза и Бренды де Банзи в роли английских агентов. Б. П.

 

ГИГАНТ (1956)

GIANT

США (Giant, Warner Bros.), 120 мин., уорнерколор

Язык: английский/испанский

Режиссер: Джордж Стивенс

Продюсеры: Генри Гинсберг, Джордж Стивенс

Авторы сценария: Фред Гийол, Айван Моффат по роману Э. Фербер

Оператор: Уильям К. Меллор

Музыка: Дмитрий Тёмкин

В ролях: Элизабет Тейлор, Рок Хадсон, Джеймс Дин, Кэрролл Бейкер, Джейн Уизерс, Ч. Уиллс, М. МакКембридж, Д. Хоппер

«Оскар»: Джордж Стивенс (режиссер)

Номинации на «Оскар»: Дж. Стивенс, Г. Гинсберг (лучший фильм), Ф. Гийол, Айван Моффат (сценарий), Дж. Дин (актер), Р. Хадсон (актер), М. МакКембридж (женская роль второго плана), М. Мабри, М. Бест (дизайн костюмов), У. Хорнбек, Ф. У. Андерсон, Ф. Боханен (монтаж), Д. Тёмкин (музыка)

Эдна Фербер писала сентиментальные семейные саги, действие некоторых из них происходит в западных штатах. Ее роман 1930 г. «Симаррон» экранизировался в Голливуде дважды, также был снят фильм «Плавучий театр» (1926), действие которого разворачивается в самых южных штатах. В «Гиганте», сценарий которого написан в 1950 г., Бик Бенедикт (Рок Хадсон) играет техасского скотовода, женатого на энергичной красавице из Мэриленда Лесли (Элизабет Тейлор). Сестра Бика оставила часть своего состояния Джетту Ринку (Джеймс Дин), бывшему рабочему. Ринк находит нефть и становится безмерно богатым, но его личная жизнь оставляет желать лучшего (он влюблен в Лесли), и, в конце концов, он спивается. Проходят годы, и Бика и Лесли начинает беспокоить вопрос о том, кто будет управлять ранчо после их смерти. Их дочь (Кэролл Бейкер) желает вступить во владение, но Лесли это не по душе. К разочарованию Бика, их сын (Деннис Хоппер) женился на латиноамериканке и стал врачом. В конечном итоге Бик и Лесли находят выход.

На протяжении более чем трех часов просмотра фильм «Гигант» оправдывает свое название. Игра актеров превосходна, и Джеймс Дин не является исключением (вскоре после окончания съемок он погиб в автомобильной катастрофе). Режиссер картины Джордж Стивенс отдает должное красоте техасского пейзажа и, что само по себе необычно для того времени, в фильме затронуты проблемы расовой и классовой дискриминации. Э. Б.

 

ВСЕ, ЧТО ДОЗВОЛЕНО НЕБЕСАМ (1956)

ALL THAT HEAVEN ALLOWS

США (Universal), 89 мин., техниколор

Режиссер: Дуглас Серк

Продюсер: Росс Хантер

Авторы сценария: Пег Фенвик, Эдна Л. Ли, Гарри Ли по рассказу Эдны Л. Ли

Оператор: Расселл Метти

Музыка: Фрэнк Скиннер

В ролях: Джейн Уаймен, Рок Хадсон, Агнесс Мурхед, Конрад Нейджел, Вирджиния Грей, Глория Толботт, Уильям Рейнольдс, Чарлз Дрейк, Хейден Рорк, Жаклин де Вит, Ли Сноуден, Доналд Кертис, Алекс Джерри, Нестор Пайва, Форрест Льюис

Фильм Дугласа Серка «Все, что дозволено небесам» напоминает ироничную сказку, которая в середине 20 в. была превращена в телевизионную «мыльную оперу». Но эмоциональные переживания главных героев сохраняют свою актуальность и в наши дни. Эта прекрасная цветная мелодрама 1950-х гг. по праву может считаться наиболее классической из всех снятых на студии «Юниверсал» датским радикальным театральным режиссером Серком (настоящее имя Детлеф Зирк). Он стал известным кинорежиссером, сбежав в Голливуд со своей женой-еврейкой из нацистской Германии. Никому неизвестный эмигрант пробовал свои силы в неприбыльных и неоригинальных проектах. Благодаря своей европейской утонченности и творческому видению он превратил нелепые и сентиментальные истории в увлекательные, реалистичные и бытовые драмы, среди них «Великолепная одержимость» (1954), «Слова, написанные на ветру» (1956), «Запятнанные ангелы» (1958) и «Имитация жизни» (1959).

В фильме «Все, что дозволено небесам» миловидная вдова из среднего класса Кэри Скотт (Джейн Уаймен), страдающая из-за отчужденности своих эгоистичных детей и насмешек общества, влюбляется в молодого садовника Рона Кирби (Рок Хадсон). Ее сын Нэд (Уильям Рейнольдс) озабочен своей карьерой, а избалованную дочь-школьницу Кей (Глория Толботт) раздражает, что у матери есть свои запросы и потребности. Дети делают большое одолжение матери, если посмотрят с ней телевизор. Любовь преодолевает все препятствия, но лишь после испытания жестокими сплетнями, жертвенным расставанием и кризисом, угрожающим жизни влюбленных. Все это характерно для женщин в фильмах Серка. Но режиссер также вносит в их характер эмоциональную глубину, скрытую под маской радостного провинциального здравомыслия, и едва различимое управление своими тайными желаниями.

Наряду с «Имитацией жизни» данный фильм послужил основой для дерзкой и экспрессивной мелодрамы Тодда Хейнса «Вдали от рая» (2002). Его сюжет также был взят за основу режиссером Фасбиндером для создания ремейка, затронувшего социально-экономические проблемы, «Страх съедает душу» (1974). В нем повествуется о живущей в Германии вдове, несправедливо осмеянной из-за ее любви к молодому Али, доброму и столь же одинокому североафриканскому иммигранту. Дизайн костюмов в картине «Все, что дозволено небесам» нашел свои отголоски во французской фарсовой ленте «Восемь женщин» (2002), где дочь (Катрин Денёв) приезжает домой на каникулы в таком же костюме и шляпке, как у героини Толботт.

Хадсон очень правдоподобен в роли сурового, но чувствительного молодого садовника, в котором находит теплоту и сочувствие Уаймен. Фильм смотрится на одном дыхании, в нем найдено замечательное цветовое решение, блестящая компоновка кадров, прекрасно подобрано освещение, мастерски выполнено общее декоративное оформление и костюмы. Все это служит для наблюдения обманчивой сущности человеческой природы и раскрытия основного содержания фильма. А. Э.

 

ВТОРЖЕНИЕ ПОХИТИТЕЛЕЙ ТЕЛ (1956)

INVASION OF THE BODY SNATCHERS

США (Allied Artists, Walter Wanger), 80 мин., черно-белый

Режиссер: Дон Сигел

Продюсер: Уолтер Вангер

Автор сценария: Дэниэл Мейнуоринг по роману «Похитители тел» Джека Финни

Оператор: Эллсворт Фредерикс

Музыка: Кармен Дрейгон

В ролях: Кевин МакКарти, Дана Уинтер, Ларри Гейтс, Кинг Донован, Кэролин Джонс, Джин Уиллз, Ральф Дамке, Вирджиния Кристин, Том Фадден, Кеннет Паттерсон, Гай Уэй, Эйлин Стивенс, Беатрис Мод, Жан Андрен, Бобби Кларк

Популярный параноидальный фильм золотого века американского научно-фантастического кино «Вторжение похитителей тел» Дона Сигела одновременно неоднозначная и противоречивая аллегория «холодной войны» и сказка о внеземной угрозе.

Несмотря на оттенок второсортности, в фильме Сигела, снятом по роману Джека Финни, большее внимание уделяется драматизации ужасов социальной жизни и угрозе вторжения, как извне, так и внутри самого общества, чем характерным научно-фантастическим деталям. Но отсутствие какого-либо проявления монстров — отчасти по экономическим соображениям — обеспечило большую экономию средств. Хотя мы не видим монстров, внешне обычная жизнь уже не является таковой. Как писал Ким Ньюмен, «гораздо больше, чем резиновые когти, анимационные динозавры и смертельные лучи инопланетян, нас приводит в ужас человек, скашивающий траву на газоне; заброшенная придорожная овощная палатка; бар без хозяина; мать, кладущая в манеж к ребенку неизвестное растение; и толпа, собирающаяся на городской площади в субботу в 7.45 утра».

Когда доктор Майлз Беннел (Кевин МакКарти) возвращается домой в небольшой калифорнийский городок Санта-Майра, некоторые его пациенты признаются ему, что их с виду здоровые родственники не похожи на себя. Майлз убеждается, что это правда, когда во время барбекю с друзьями обнаруживает две огромные скорлупы, из которых вытекает пенистая жидкость, и появляются двое людей, один из которых выглядит в точности как Майлз. Подозревая вторжение инопланетян, Майлз и его возлюбленная Бекки (Дана Уинтер) пытаются бежать.

Является ли этот фильм ужастиком, направленным против угрозы коммунизма, или фильмом, несущим в себе антимаккартистское послание, скрытое под маской научной фантастики? «Вторжение похитителей тел» подтверждает обе гипотезы. Явно пессимистическое окончание, когда Майлз бежит по дороге и кричит прямо в камеру «Ты следующий!» — заставляет нас задуматься, кто спит рядом с нами ночью. С. Дж. Ш.

 

НЕ ТОТ ЧЕЛОВЕК (1956)

THE WRONG MAN

США (First National, Warner Bros.), 105 мин., черно-белый

Режиссер: Альфред Хичкок

Продюсеры: Герберт Коулмен, Альфред Хичкок

Авторы сценария: Энгус МакФейл, Максвелл Андерсон, по роману «Подлинная история Кристофера Эммануэля Балестреро» Максвелла Андерсона

Оператор: Роберт Беркс

Музыка: Бернард Херрманн

В ролях: Генри Фонда, Вера Майлз, Энтони Квейл, Гарольд Стоун, Джон Хелдабранд, Дорин Лэнг, Норма Коннолли, Лола Д’Аннунцио, Роберт Эссен, Дейтон Луммис, Чарлз Купер, Эстер Минчиотти, Лоринда Барретт, Ниэмайя Персофф, Киппи Кэмпбелл

Это один из самых мрачных фильмов Хичкока. Генри Фонда играет Манни Балестреро, джазового музыканта, которого ошибочно принимают за человека, ограбившего страховую компанию. Хотя его освобождают под залог, на его взволнованную жену Роуз (Вера Майлз) обрушивается презрение. Супруги пытаются найти людей, которые смогли бы подтвердить невиновность Манни, но им это не удается. Перед слушанием дела у Роуз происходит нервный срыв, и ее помещают в клинику для душевнобольных. В конце концов совершенно случайно находят настоящего виновника, но это не улучшает ее состояние.

Черно-белый фильм снят почти в духе документального реализма. Его сюжет основан на реальном событии, как заявляет сам Хичкок в коротком прологе. В нем раскрыта любимая тема Хичкока о человеке, обвиненном в преступлении, которого он не совершал (в его фильме «На север через северо-запад» (1959) аналогичная ситуация). Режиссер с присущей ему гениальностью показывает, насколько процедура обвинения и заключения в тюрьму раздувает слухи о виновности человека. В этом мастерски снятом фильме Хичкок субъективно показывает унизительные страдания Манни, когда его арестовывают, обыскивают и снимают отпечатки пальцев: грязные чернила на его руках как будто служат подтверждением его вины. Э. Б.

 

БОЛЬШЕ, ЧЕМ ЖИЗНЬ (1956)

BIGGER THAN LIFE

США (Fox), 95 мин., делюкс

Режиссер: Николас Рэй

Продюсер: Джеймс Мейсон

Авторы сценария: Сирил Хьюм, Ричард Мейбаум, по статье Бертона Руче

Оператор: Джозеф МакДоналд

Музыка: Дэвид Раксин

В ролях: Джеймс Мейсон, Барбара Раш, Уолтер Маттау, Роберт Ф. Саймон, Кристофер Олсен, Роуленд Уинтерс, Расти Лейн, Рейчел Стивенс, Кипп Хэмилтон

Венецианский кинофестиваль: Николас Рэй — номинация (Золотой лев)

Прекрасный фильм Николаса Рэя — экспрессионистская мелодрама, в которой затронуты актуальные в то время противоречия, вызванные «чудо-наркотиком» кортизоном (разновидностью стероида). В картине это служит для критики материалистического конформизма среднего класса, который олицетворял собой «американскую мечту» послевоенных лет.

Джеймс Мейсон (который также является продюсером) очень правдоподобно сыграл учителя в небольшом городке, обеспокоенного проблемами денег и среднего возраста. Ему прописывают стероиды, и он становится зависимым от чувства наслаждения, которое они ему доставляют. Стероиды превращают его в раздражительного, невоздержанного тирана по отношению к жене, сыну и ко всем окружающим. Этот наркотик, разумеется, всего лишь катализатор, заглушающий чувство отвращения к самому себе и незыблемому самодовольному миру, в который он загнан, как в ловушку. Его отчаяние становится столь глубоким, что он решает спасти своего сына от безнравственности человечества, убив его. Жена (Барбара Раш) напоминает ему, что Господь остановил Авраама от жертвоприношения Исаака. На что Мейсон просто отвечает: «Господь ошибался». Один из наиболее глубоких голливудских фильмов выделяется не только благодаря презрению провинциальных понятий о «нормальности», но и благодаря потрясающей зловещей обнаженности ярких визуальных образов. Это настоящий шедевр. Дж. Э.

 

ВЫСШЕЕ ОБЩЕСТВО (1956)

HIGH SOCIETY

США (Bing Crosby, MGM, Sol C. Siegel), 107 мин., техниколор

Режиссер: Чарлз Уолтерс

Продюсер: Сол С. Сигел

Автор сценария: Джон Патрик, по пьесе Филипа Барри

Оператор: Пол Вогел

Музыка: Сол Чаплин, Коул Портер

В ролях: Бинг Кросби, Грейс Келли, Фрэнк Синатра, Селест Холм, Дж. Ланд, Л. Калхерн, С. Блэкмер, Л. Армстронг, М. Гилмор

Номинации на «Оскар»: Э. Берндс, Э. Ульман (сценарий), Джонни Грин, Сол Чаплин (музыка), Коул Портер (песня)

Фильм «Высшее общество» — современная музыкальная версия романтического фарса Джорджа Кьюкора «Филадельфийская история». Он объединил непревзойденные музыкальные таланты Бинга Кросби, Фрэнка Синатры, Луи Армстронга с красавицей Грейс Келли, покинувшей Голливуд, чтобы стать принцессой Монако.

Холодная, избалованная Трейси (Келли) вынуждена выйти замуж за недалекого, но верного Джорджа (Джон Ланд). Но накануне свадьбы возвращается ее бывший муж Декстер (Кросби) и пытается расстроить торжество. Журналисты Лиз (Селест Холм) и Майк (Синатра) готовы раструбить о событии года, а великий король джаза Луи Армстронг (играющий самого себя) организует нечто вроде греческого хора. В то же время накаляются и без того запутанные отношения Декстера и Трейси.

Следуя традициям голливудских мюзиклов 1940–50-х гг., режиссер наполняет фильм прекрасными песнями и танцевальными номерами. Сидя на заднем сиденье лимузина вместе со своим оркестром, Армстронг начинает песню, которая объясняет сюжет. Синатра и Холм, находясь наедине в комнате Трейси, заваленной свадебными подарками, с воодушевлением поют песню «Кто хочет стать миллионером?» «Высшее общество» — это легкая музыкальная комедия со светлым содержанием. Дж. Э.

 

ДЕСЯТЬ ЗАПОВЕДЕЙ (1956)

THE TEN COMMANDMENTS

США (Cecil B. DeMille, Paramount), 220 мин., техниколор

Режиссер: Сесил Б. ДеМилль

Продюсеры: Сесил Б. ДеМилль, Генри Уилкоксон

Авторы сценария: Энис МакКензи, Джесси Ласки-мл., Джек Гарисс, Фредерик М. Фрэнк, по романам «Огненный столб» Дж. Х. Ингрэма, «На орлиных крыльях» А. Э. Саутона и «Принц Египта» Дороти Кларк Уилсон

Оператор: Лойал Григгс

Музыка: Элмер Бернстайн

В ролях: Чарлтон Гестон, Юл Бриннер, Э. Бакстер, Э. Дж. Робинсон, И. Де Карло, Д. Пейджет, Д. Дерек, С. Хардуик, Н. Фош

«Оскар»: Д. П. Фултон (спецэффекты)

Номинации на «Оскар»: С. Б. ДеМилль (лучший фильм), Х. Перейра, У. Х. Тайлер, А. Нозаки, С. Камер, Р. Мойер (художественное оформление и декорации), Л. Григгс (оператор), Э. Хэд, Р. Джестер, Дж. Дженсен, Д. Джикинс, А. Фриберг (дизайн костюмов), Энн Боученс (монтаж), Л. Л. Райдер (звук)

Последний фильм Сесила Б. ДеМилля продолжительностью около четырех часов — необычный и захватывающий. В нем много нелепости и вульгарности, но цветные съемки превосходны, а способность ДеМилля произвести эффект (в этом фильме он также выступает как рассказчик) просто безупречна. Роль Моисея в карьере Чарлтона Гестона может по праву считаться его апофеозом — если только кто-то не сочтет, что это Моисей достиг своего апофеоза в лице Гестона. Игра остальных актеров также выше всяких похвал.

В увлекательной эпопее много смешных моментов. В ней затронуты и социальные проблемы. Картину следует воспринимать как идеологическое, духовное восприятие де Миллем «холодной войны» в 1956 г. Главная цель режиссера — не просто использовать древние источники, чтобы рассказать о 30 годах жизни Моисея, опущенных в Библии, но и объяснить зрителям, что «Тема данного фильма заключается в том, что человеком управляют либо божественные законы, либо прихоти диктатора наподобие Рамзеса». Под «диктатором» режиссер, несомненно, подразумевал Мао Цзедуна, что вполне понятно по игре Юла Бриннера (Рамзес).

Фильм несколько раз переиздавался в анаморфном формате, когда верх и низ каждого фрейма обрезаны. Участие в этом фильме можно в некоторой степени считать божественным возмездием. ДеМилль любил показывать ноги актеров, снимая кинотрюки, и многие исполнители главных ролей в фильмах ДеМилля лишились ног. Дж. Роз.

 

12 РАЗГНЕВАННЫХ МУЖЧИН (1957)

12 ANGRY MEN

США (Orion-Nova), 96 мин., черно-белый

Режиссер: Сидни Люмет

Продюсеры: Генри Фонда, Реджиналд Роуз

Автор сценария: Реджиналд Роуз

Оператор: Борис Кауфман

Музыка: Кеньон Хопкинс

В ролях: Генри Фонда, Ли Дж. Кобб, Эд Бегли, Э. Г. Маршалл, Джек Уорден, Мартин Болсэм, Джон Фидлер, Джек Клагмен, Эд Биннс, Джозеф Суини, Джордж Восковек, Роберт Уэббер

Номинации на «Оскар»: Генри Фонда, Реджиналд Роуз (лучший фильм), Сидни Люмет (режиссер), Реджиналд Роуз (сценарий)

Берлинский международный кинофестиваль: Сидни Люмет (Золотой медведь), Сидни Люмет (премия OCIC)

Драма Сидни Люмета «12 разгневанных мужчин» в течение многих лет сохраняет популярность благодаря актерскому составу, внезапным поворотам сюжета и страстным монологам. Эта прекрасно снятая захватывающая драма разворачивается не в зале суда, за исключением короткого пролога, а в душный полдень в совещательной комнате присяжных.

Генри Фонда играет присяжного номер 8, чьи обоснованные сомнения и аргументированное сопротивление в итоге мешают одиннадцати присяжным выдвинуть поспешный вердикт о виновности подростка в убийстве отца. На Фонду произвел впечатление запутанный телесценарий Реджиналда Роуза, который транслировался в прямом эфире по каналу CBS в 1954 г. Решив, что данная роль прекрасно подходит для его невозмутимого, спокойного темперамента, Фонда решил сыграть такого героя и вложил свои деньги в создание фильма. Фонда обратился к Люмету, энергичному профессиональному постановщику драм в прямом телевизионном эфире, и опытному оператору Борису Кауфману, способному производить съемку в ограниченном пространстве на черно-белой кинопленке, что усилило возрастающее напряжение сложного, запутанного сценария Роуза. Они сняли фильм менее чем за 20 дней.

Самый знаменитый фильм Люмета — его дебютная работа в кино, которая, несмотря на некоторую театральность и неестественность, подчеркивает клаустрофобную напряженность сюжета фильма. Игра каждого актера отличается правдоподобностью, начиная от неуверенного старшины присяжных Мартина Болсэма и заканчивая агрессивно настроенным Ли Дж. Коббом, присяжным номер 3. Кстати, два актера Джозеф Суини и Джордж Восковек играли и в телевизионной постановке. Классовые и этнические предрассудки, частные суждения и сами герои участвуют в тяжелой борьбе за вынесение справедливого приговора. На Берлинском кинофестивале фильм был удостоен Золотого медведя. Но его самое большое достоинство в том, что после его просмотра каждый, кто решает стать присяжным, мечтает быть поборником справедливости подобно Фонде, независимо от тяжести преступления. А. Э.

 

СЕДЬМАЯ ПЕЧАТЬ (1957)

DET SJUNDE INSEGLET

Швеция (Svensk), 96 мин., черно-белый

Язык: шведский

Режиссер: Ингмар Бергман

Продюсер: Аллан Экелунд

Автор сценария: Ингмар Бергман по своей пьесе «Tramaning»

Оператор: Гуннар Фишер

Музыка: Эрик Нордгрен

В ролях: Гуннар Бьёрнстранд, Бенгт Экерот, Нильс Поппе, Макс фон Зюдов, Биби Андерссон, Инга Гилл, Мод Ханссон, Инга Ландгре, Гуннел Линдблом, Бертил Андерберг, Андерс Эк, Аке Фриделл, Гуннар Олссон, Эрик Страндмарк

Каннский кинофестиваль: Ингмар Бергман (специальная премия жюри)

Зрелище одетой в черное бледнолицей Смерти (Бенгт Экерот), играющей в шахматы на берегу с уставшим от жизни крестоносцем (Макс фон Зюдов) глубоко откладывается в памяти любителей кино. Одна лишь эта сцена из шведского фильма «Седьмая печать» имеет важное значение для понимания влияния новых тенденций в развитии кино в то время, когда в Голливуде наметился спад производства. Как еще можно объяснить пародии и ссылки, которые впоследствии встречаются в фильмах «Маска красной смерти» (1964) Роджера Кормана, «Любовь и смерть» Вуди Аллена, «Последний киногерой» (1993) Джона МакТьернана и «Новые приключения Билла и Теда» (1991) Питера Хьюитта, в котором Смерть строит козни.

Эта сцена часто вводит зрителей в заблуждение, и, к сожалению, принято считать, что она главная. Не следует думать, что сценарист и режиссер Ингмар Бергман стремился произвести мрачное впечатление, пытаясь создать некий архетип важности и претенциозности. Несмотря на то что «Седьмая печать» затрагивает серьезные темы, волновавшие Бергмана, это очень живой фильм, с комичными моментами. Его можно рассматривать как средневековую сказку, навеянную фильмами Куросавы о самураях, которыми восторгался Бергман. В нем есть место как простым радостям и удовольствиям, так и сильным переживаниям.

Антониус Блок (Зюдов), вернувшись после кровавого десятилетнего крестового похода, предводителем которого оказался нечестный человек, теперь живущий тем, что грабил трупы, чувствует, что его вера в Бога — это болезнь, которую человечество должно искоренить. Вместе со своим закадычным другом сквайром (Гуннар Бьёрнстранд) Блок сталкивается со смертью в виде трупа человека, погибшего от чумы, а затем встречает настоящую Смерть. Игра в шахматы Смерти с рыцарем на протяжении фильма — это борьба не просто за жизнь рыцаря, а за его чувства к Богу, религии и человечеству. В конце фильма надежда приходит из другого Святого Семейства — от акробата бродячего цирка (Нильс Поппе), его земной, чувственной жены (Гуннел Линдблом) и их прелестного невинного малыша. Блок спасает их от чумы, с готовностью начиная танец со Смертью, которой больше по вкусу испорченные, корыстные души.

Если рыцарь, непрерывно мучимый вопросами о существовании Бога (он даже спрашивает ведьму, которую везут на сожжение, что знает о Боге дьявол), олицетворяет одну сторону Бергмана, то простодушный циркач, которого мягко укоряет его практичная жена («Ты слишком много мечтаешь»), — другую. Циркач ищет искупления, веселя публику, и очень расстраивается, когда его невинное представление прерывается ужасным, одобренным церковью избиением плетьми толпы кающихся грешников. Бергмана всегда раздражает и удручает человеческое зло, особенно разрешенное религией, но в фильме также есть место плотской и духовной любви, вкусным яствам. Его творческой манере свойственна экспрессивность и преклонение перед естественной красотой. К. Н.

 

НЕЗАБЫВАЕМЫЙ РОМАН (1957)

AN AFFAIR TO REMEMBER

США (Fox), 119 мин., делюкс

Режиссер: Лео МакКэри

Продюсеры: Лео МакКэри, Джерри Уолд

Авторы сценария: Лео МакКэри, Милдред Крэм, Делмер Дейвс, Доналд Огден Стюарт

Оператор: Милтон Р. Краснер

Музыка: Хьюго Фридхофер, Гарри Уоррен

В ролях: Кэри Грант, Дебора Керр, Ричард Деннинг, Н. Паттерсон, Кэтлин Несбитт, Р. К. Льюис, Ч. Уоттс, Ф. Бонанова

Номинации на «Оскар»: М. Р. Краснер (оператор), Ч. Ле Мер (дизайн костюмов), Х. Фридхофер (музыкальное сопровождение), Г. Уоррен, Г. Адамсон, Л. МакКэри (песня)

«Дорогой, если ты сможешь рисовать, я снова смогу ходить!» В течение многих лет тернистый путь Кэри Гранта и Деборы Керр в «Незабываемом романе» вызывал неописуемое восхищение. Затем популярность фильма сошла на «нет», но многие моменты были с успехом воспроизведены в фильме «Неспящие в Сиэтле» (1993). «Незабываемый роман», ремейк комедийной драмы «Любовная связь» (1939) с Айрин Данн и Чарлзом Бойером, отражает две различные стороны творческой манеры продюсера, сценариста и режиссера Лео МакКэри. В начале своей карьеры мастер комедии создал дуэт Лорела и Харди, снял «Утиный суп» с братьями Маркс и получил своего первого «Оскара» за сумасбродную классику 1930-х гг. «Ужасная правда» с участием Гранта. Но МакКэри также отличался сентиментальностью, которая заметна в его любимом фильме 1940-х гг. «Идти своим путем» («Оскар» за лучший фильм, режиссуру и сценарий).

Грант играет остроумного плейбоя Ники Ферранте, художника-неудачника, а Керр — неуверенную в себе певицу ночного клуба Терри Маккей (мы слышим голос знаменитой профессиональной певицы Марни Никсон, которая также озвучивала Керр в фильме «Король и я»). Познакомившись на борту шикарного корабля, они влюбляются, и их роман разворачивается в атмосфере добродушного юмора. К сожалению, оба помолвлены. Герои фильма заключают романтическое соглашение: через шесть месяцев, если они решат изменить свою жизнь, то встретятся на крыше Эмпайр Стэйт Билдинг и будут жить долго и счастливо. По прошествии этого срока изменившийся Грант убирает подальше свои кисти и в счастливом ожидании вышагивает по площадке обозрения небоскреба, но Керр, летящая к нему, как на крыльях, попадает под машину.

Затем происходит нечто непостижимое для современного поколения, привыкшего к сотовым телефонам. Грант, считая себя обманутым, превращается в озлобленного циника, не зная, что Керр мужественно пытается смириться с параличом, слишком гордая, чтобы сообщить ему о случившемся. Вся вторая половина фильма вызывает слезы умиления, а зрители находятся в неведении и гадают, будут ли герои снова вместе. МакКэри включил в фильм много песен, но даже Керр, руководящая хором прелестных мальчуганов, не в силах помешать раскрытию ее тайны и воссоединению с возлюбленным, что приводит к счастливой развязке. А. Э.

 

ЗЕМЛЯНИЧНАЯ ПОЛЯНА (1957)

SMULTRONSTÄLLET

Швеция (Svensk), 91 мин., черно-белый

Язык: шведский

Режиссер: Ингмар Бергман

Продюсер: Аллан Экелунд

Автор сценария: Ингмар Бергман

Оператор: Гуннар Фишер

Музыка: Эрик Нордгрен

В ролях: Виктор Хёстрём, Биби Андерссон, Ингрид Тулин, Гуннар Бьёрнстранд, Юллан Киндал, Фольке Сундквист, Бьёрн Бьелфвенстам, Найма Вифстранд, Гуннел Брострём, Гертруд Фрид, Сив Рууд, Гуннар Шёберг, Макс фон Зюдов, Аке Фриделл, Ингве Нордвалл

Номинация на «Оскар»: Ингмар Бергман (сценарий)

Берлинский международный кинофестиваль: Виктор Хёстрём (премия FIPRESCI), Ингмар Бергман (Золотой медведь)

Венецианский кинофестиваль: Ингмар Бергман (премия итальянских кинокритиков)

Этот фильм Ингмара Бергмана может по праву считаться самым знаменитым его шедевром. Пожилой профессор Исак Борг (В. Хёстрём) — его имя на шведском языке означает «ледяная крепость» — совершает географическое и духовное путешествие. Борг едет в компании свой невестки Марианны (Ингрид Тулин) из Стокгольма в Лундский университет на вручение почетной докторской степени. По пути он знакомится с тремя молодыми людьми, путешествующими автостопом, в том числе энергичной Сарой (Биби Андерссон), которая своим именем и характером напоминает ему любимую женщину, и супружеской парой средних лет. Главный герой посещает состарившуюся мать, а затем пытается завести задушевный разговор с сыном Эвальдом (Гуннар Бьёрнстранд), циничным мизантропом, с которым Марианна хочет расстаться. Разговор Борга с Эвальдом — ключевой момент фильма, не только потому, что он может спасти брак, но и потому, что путешествие позволило профессору узнать себя. Борг осознал не только то, что является простым смертным, он почувствовал свою замкнутость, унаследованную от своих родителей и усилившуюся из-за жизненных разочарований и погружения в работу. И он невольно передал ее Эвальду, подобно вирусу.

Сила оценки Бергманом одного мгновения жизни — или, скорее, путешествия длиной в один день с воспоминаниями, помогающими профессору оглянуться на свою жизнь, — заключается в том, что он сочетает объективную и субъективную реальность в жизни Борга. Внутренние и внешние детали постепенно проливают свет на жизнь этого человека. Не только его мечты и воспоминания помогают нам понять его (и ему понять самого себя), но и его встречи и беседы с другими людьми. Марианна, несмотря на свою тактичность и привязанность, недвусмысленно намекает на недостатки Борга. Сара напоминает ему его пылкую юность. Спорящие супруги вызывают в памяти его собственную склонность к недовольству жизнью и наводят на мысль о будущем, которое ожидает Марианну с Эвальдом.

Спасительное самопознание Борга оказывает влияние и на тех, кто его окружает, и уникальность «Земляничной поляны» заключается в том, что Бергман никогда не опускается до сентиментальности. Благодаря блестящей и правдоподобной игре Хёстрёма, знаменитого шведского режиссера, этот замечательный фильм вызвал многочисленные подражания и поражает огромной эмоциональной силой и честностью, с которой автор раскрывает свое мировосприятие во время путешествия героя. Дж. Э.

 

НОЧИ КАБИРИИ (1957)

LE NOTTI DI CABIRIA

Италия/Франция (De Laurentiis, Marceau), 110 мин., черно-белый

Язык: итальянский

Режиссер: Федерико Феллини

Продюсер: Дино Де Лаурентис

Авторы сценария: Федерико Феллини, Эннио Флайяно, Туллио Пинелли, Пьер Паоло Пазолини

Оператор: Альдо Тонти

Музыка: Нино Рота

В ролях: Джульетта Мазина, Франсуа Перье, Амедео Надзари, Альдо Сильвани, Франка Марци, Дориан Грей, Марио Пассанте, П. Гуаландри, Полидор, Э. Джиролами, К. Тассу, Ж. Молье, Р. Феллини, М. Л. Роландо, А. Джирарди

«Оскар»: Италия (за лучший иностранный фильм)

Каннский кинофестиваль: Джульетта Мазина (лучшая актриса), Федерико Феллини (премия OCIC — специальное упоминание)

В классическом фильме Федерико Феллини «Ночи Кабирии» главную роль сыграла жена режиссера Джульетта Мазина, которая вполне заслуженно получила награду на Каннском кинофестивале за роль наивной проститутки. Стыдясь своей профессии, отважная Кабирия безуспешно пытается найти богатого покровителя, который забрал бы ее с собой. Но в глубине души она надеется найти вечную любовь.

После премьеры из фильма был вырезан фрагмент с изображением прекрасной самаритянки с мешком, полным добрых дел, из-за протеста католической церкви. Разумеется, внезапная щедрость — это провинциальная черта, но, к счастью, материал в итоге был восстановлен. Проблема доброты в фильмах Феллини первостепенна, и с виду мирская, суетная Кабирия стремится стать счастливой, как никто другой. Она — проститутка с золотым сердцем, никогда не унывает, и всегда готова радоваться жизни по любому поводу.

Кабирия постоянно сеет вокруг себя доброту, но часто это оборачивается для нее разочарованием или даже унижением. Внезапная встреча на карнавале с гипнотизером (Альдо Сильвани) выводит на поверхность ее скрытые желания, и это выглядит очень трогательно. Но в то же время сцена особенно жестока, поскольку показывает мнимое осуществление ее мечты и фантазии о лучшей жизни. Ее прямота и откровенность позволяют зрителям насмехаться над ее сокровенными желаниями. Даже жестокое отношение к Кабирии известного киноактера (Альберто Ладзари) вселяет в нее тщетные надежды, несмотря на то что в конечном итоге (и буквально) он относится к ней, как к собаке.

Мечтам Кабирии не суждено сбыться, и она становится жертвой своей глупой наивности. И все же Феллини рассказывает ее историю не только для того, чтобы вызвать у нас сочувствие. Это сильная гордая женщина, которая отвечает на каждую неудачу тем, что, собравшись духом, отмахивается от прошлого и начинает жизнь заново. Дж. Кл.

 

ТРОН В КРОВИ (1957)

KUMONOSU-JÔ

Япония (Toho), 105 мин., черно-белый

Язык: японский

Режиссер: Акира Куросава

Продюсеры: Акира Куросава, Сёдзиро Мотоки

Авторы сценария: Синобу Хасимото, Рюдзо Кикусима, Акира Куросава, Хидэо Огуни, по пьесе «Макбет» Уильяма Шекспира

Оператор: Асакадзу Накаи

Музыка: Масару Сато

В ролях: Тосиро Мифунэ, Исудзу Ямада, Такаси Симура, Акира Кубо, Хироси Татикава, Минору Тиаки, Такамару Сасаки, Кокутэн Кодо, Китидзиро Уэда, Эйко Миёси, Т. Нанива, Накадзиро Томита, Ю. Фудзики, Сатио Сакаи, С. Отомо

Венецианский кинофестиваль: Акира Куросава — номинация (Золотой лев)

Фильм «Трон в крови» Акиры Куросавы — мрачная, строгая и очень близкая к оригиналу адаптация Макбета Шекспира, заслуженно считается одной из наиболее захватывающих его экранизаций. Сюжет и психологический фон прекрасно соответствуют феодальной Японии. Храбрый самурай Васидзу (Т. Мифунэ) и его жестокая жена леди Асадзи (И. Ямада), движимые бесчеловечными амбициями и вдохновленные пророчеством ведьмы, убивают своего военачальника и захватывают власть в королевстве. Тем самым обрекают себя на неизбежное ритуальное проклятие, сопровождающееся кровопролитием, паранойей, безумием и деградацией.

Игра неподражаемого Мифунэ, любимого актера Куросавы, с которым его связывало длительное сотрудничество (более 16 фильмов), столь же безупречна, как и игра Роберта де Ниро в фильмах Мартина Скорсезе. Благодаря этой картине во всем мире Мифунэ стали считать самым выдающимся японским актером, а блестяще снятая сцена смерти, в которой героя пронзают стрелами, — одна из вершин в истории кино. В «Троне в крови» сочетаются элементы театра Но, японского классического боевого искусства, реальные исторические события и размышления о природе добра и зла. Они слились здесь воедино в замкнутом тайном мире зловещих и магических предзнаменований, звучащих в лесу и замке. А. Э.

 

НЕВЕРОЯТНО УМЕНЬШАЮЩИЙСЯ ЧЕЛОВЕК (1957)

THE INCREDIBLE SHRINKING MAN

США (Universal), 81 мин., черно-белый

Режиссер: Джек Арнольд

Продюсер: Альберт Загсмит

Авторы сценария: Ричард Матесон, Ричард Алан Симмонс по роману «Уменьшающийся человек» Ричарда Матесона

Оператор: Эллис У. Картер

Музыка: Фостер Карлинг, Эрл Э. Лоуренс

В ролях: Грант Уильямс, Рэнди Стюарт, Эйприл Кент, Пол Лэнгтон, Рэймонд Бейли, Уильям Шаллерт, Фрэнк Дж. Сканнелл, Хелен Маршалл, Дайана Даррин, Билли Кертис

Скотт Кэри (Грант Уильямс), подвергшийся воздействию загадочного и, возможно, радиоактивного облака во время круиза, обнаруживает, что начинает съеживаться. Некоторая зрительная монотонность творческой манеры режиссера Джека Арнольда вполне соответствует нелепости и неопределенности сюжета Ричарда Матесона. Главный герой предстает перед нами со своими медицинскими, домашними и социально-экономическими проблемами. Эта картина стоит на одном уровне с фильмами Николаса Рэя «Больше, чем жизнь» (1956) и Дугласа Серка «Слова, написанные на ветру» (1956) по своей превосходной манере изображения «вывернутой наизнанку» жизни американца среднего класса. Во второй части фильма Скотт уменьшается до размера задника ботинка, блуждает в трюме корабля и вынужден справляться с различными природными опасностями. Это часть — наиболее захватывающая и мастерски снятая в жанре научной фантастики. Вдохновенное заключение служит редким примером популяризации фантастики, имеющей отношение к метафизике.

Сила воздействия фильма исходит в основном из его психологической остроты и четкого, экспрессивного изображения предметов. Для Матесона и Арнольда Скотт Кэри — обыкновенный человек атомного века: его приключение служит объективным уроком, преподанным в условиях враждебной окружающей обстановки и присущей человеку склонности считать себя мерой всех вещей. К. Фу.

 

НЕПОКОРЕННЫЙ (1957)

APARAJITO

Индия (Epic), 127 мин., черно-белый

Язык: бенгали

Режиссер: Сатьяджит Рай

Продюсер: Сатьяджит Рай

Автор сценария: Сатьяджит Рай по роману Бибхутибхушана Бандьопадхьяй

Оператор: Субрата Митра

Музыка: Рави Шанкар

В ролях: Кану Баннерджи, Каруна Баннерджи, Пинаки Сенгупта, Смаран Гхосал, Санти Гупта, Рамани Сенгупта, Ранибала, Судипта Рой, Аджай Митра, Чарупракаш Гхош, Субодх Гангули, Мани Сримани, Хеманта Чаттерджи, Кали Баннерджи, Каличаран Рой

Венецианский кинофестиваль: Сатьяджит Рай (Золотой лев)

Фильм Сатьяджита Рая «Непокоренный» — второй из прекрасной трилогии Апу. После смерти сестры в фильме «Песнь дороги» молодой Апу (Пинаки Сенгупта) с родителями переезжает в Бенарес. Пока его отец Харихар (Кану Баннерджи) зарабатывает на жизнь, проповедуя религию на берегу Ганга, мальчик бродит по городу, восхищаясь обилием зрелищ и звуков. Харихар подхватывает лихорадку и умирает, а мать Апу Сарбоджайя (Каруна Баннерджи), не способная самостоятельно заработать на жизнь, возвращается с сыном в деревню в дом своего свекра. Апу, уже познавшему мир, больше не нравится жить в простой деревушке, в которой он вырос, а местный школьный учитель вселяет в юношу честолюбие и любопытство. В шестнадцать лет он получает стипендию для обучения в Калькутте. Охваченный возбуждением переполненного города, Апу (теперь его играет Смаран Гхосал) редко и неохотно приезжает домой. Одинокая и безнадежно больная Сарбоджайя не жалуется сыну, так как боится, что ему придется прервать обучение. В конце концов Апу, получив от дяди письмо, возвращается домой, но слишком поздно. После похорон Апу, не желая становиться священником, как его отец, возвращается в Калькутту.

Как и подобает второму фильму трилогии, «Непокоренный» служит своеобразным мостом в трилогии Сатьяджита. Он начинается с вневременной замкнутой жизни в бенгальской деревушке из фильма «Патер Панчали», затем мы видим разрушительное влияние города, оказываемое на главного героя. Апу разрывается между двумя мирами, постепенно и неизбежно отдаляясь от родителей. Как всегда, Рай не отдает предпочтения ни одному из героев. Мы понимаем, почему Апу стремится выйти в большой мир, мы разделяем его восторг, его гордость личными достижениями. В то же время мы разделяем страдания Сарбоджайи, она потеряла свою маленькую дочь, а теперь теряет и сына. В самый грустный момент фильма Сарбоджайя, умирая, ожидает прибытия ночного поезда, на котором Апу приедет домой в последний раз. На расстоянии слышен гудок поезда, она быстро вскакивает, вглядываясь в темноту. И ничего — лишь тишина и танец мотыльков служат ей ответом. Ф. К.

 

ПЕРЕСТРЕЛКА В О. К. КОРРАЛ (1957)

GUNFIGHT AT THE OK CORRAL

США (Paramount), 122 мин., техниколор

Режиссер: Джон Стёрджес

Продюсеры: Джозеф Х. Хейзен, Пол Нейтан, Хэл Б. Уоллис

Авторы сценария: Джордж Скаллин, Леон Юрис, по статье «Убийца» Джорджа Скаллина

Оператор: Чарлз Лэнг

Музыка: Дмитрий Тёмкин

В ролях: Берт Ланкастер, Кёрк Дуглас, Ронда Флеминг, Джо Ван Флит, Джон Айрленд, Лайл Беттгер, Фрэнк Фейлен, Эрл Холлиман, Тэд де Корсиа, Д. Хоппер, У. Бисселл, Д. Мэтьюс, Джон Хадсон, Д. Келли, М. Милнер

Номинации на «Оскар»: У. Лоу (редактор), Дж. Даттон (звук)

Известный вестерн Джона Стёрджеса, в котором Уайат Эрп борется с бандой Клэнтона в Тумстоуне, штат Аризона, 26 октября 1881 г., — не первая экранизация данного сюжета, но эта версия более детальная. «Перестрелка в О. К. Коррал» — прекрасно снятый фильм, на который были потрачены большие средства, и в нем играют профессиональные актеры. Берт Ланкастер правдоподобно изображает властного Эрпа, иногда поражающего своей решительностью. Кёрк Дуглас с большим воодушевлением играет Холидея, уничтожающего все на своем пути, с неизменной улыбкой на лице, но опасного как змея. Превосходно смотрится Джо Ван Флит в роли Кейта по прозвищу Большой Нос, любовница Дока и Джон Айленд в роли бандита Джонни Ринго.

Прекрасно музыкальное сопровождение, написанное Дмитрием Тёмкиным, а песня в исполнении Фрэнки Лейна произвела сенсацию. Однако желающие увидеть более мрачную версию истории Уайата Эрпа могут посмотреть продолжение, снятое Стёрджесом в 1967 г., «Час револьвера». В нем происшествие в О. К. Коррал — это только начало. Э. Б.

 

МОСТ ЧЕРЕЗ РЕКУ КВАИ (1957)

THE BRIDGE ON THE RIVER KWAI

Великобритания (Columbia, Horizon), 161 мин., техниколор

Язык: английский/японский/тайский

Режиссер: Дэвид Лин

Продюсер: Сэм Шпигель

Авторы сценария: Карл Форман, Майкл Уилсон по роману Пьера Буля

Оператор: Джек Хилдъярд

Музыка: М. Арнольд

В ролях: Уильям Холден, Алек Гиннесс, Джек Хоукинс, Сессю Хайякава, Дж. Доналд, Дж. Хорн, А. Морелл, П. Уильямс, Дж. Боксер, П. Херберт, Г. Гудвин, Э. Сирс, Х. Окава, Кейитиро Кацумото, М. Р. Б. Чакрабандху

«Оскар»: С. Шпигель (лучший фильм), Д. Лин (режиссер), П. Буль, К. Форман, М. Уилсон (сценарий), А. Гиннесс (лучший актер), Д. Хилдъярд (оператор), П. Тейлор (монтаж), М. Арнольд (музыкальное сопровождение)

Возможно, у воров нет чести, но враги во время войны — это совсем другое дело. По крайней мере, так считал герой Алека Гиннесса полковник Николсон в фильме «Мост через реку Квай». Он настаивал на том, чтобы японские надзиратели справедливо относились к нему и узникам бирманского лагеря военнопленных, страдавшим от жары. Но когда этот образцовый военачальник и представитель английского прагматизма начинает строительство железнодорожного моста для своих врагов, группа американцев под командованием майора Ширса (Уильям Холден), бежавшего из лагеря военнопленных, собирается взорвать его.

Дэвид Лин изображает конфликт, принимающий угрожающие размеры, с максимальной иронией, делая героя Гиннесса ярым противником бесчувственного янки (Холден). Наибольшее внимание в этом фильме о Второй мировой войне привлекает игра трех исполнителей главных ролей — жесткого и непреклонного Гиннесса, неряшливого и циничного Холдена и Сессю Хайякавы в роли японского полковника. Наряду с превосходно снятыми финальными сценами фильма с царящим в них разрушением, необычайно хороша постановка боя. Дж. Кл.

 

МАТЬ ИНДИЯ (1957)

BHARAT MATA

Индия (Mehboob), 172 мин., техниколор

Язык: хинди

Режиссер: Мехбуб Кхан

Продюсер: Мехбуб Кхан

Авторы сценария: Мехбуб Кхан, Ваджахат Мирза, С. Али Раза

Оператор: Фаредун А. Ирани

Музыка: Наушад Али

В ролях: Наргис, Сунил Дутт, Радж Кумар, Раджендра Кумар, Канхайялал Чатурведи, Кумкум, Мастер Саджид, Ситара Дэви, Мукри, Саджид Кхан, Азра, Чанчал, Канан Каушал, Шила Наик

Номинация на «Оскар»: Индия (за лучший иностранный фильм)

«Мать Индия» — один из самых выдающихся фильмов даже почти спустя пятьдесят лет после выхода на экраны. Картина рассказывает о женщине Радхи (Наргис), пытающейся совместить традиционные ценности и деревенскую жизнь с обещанной современной утопией. «Мать Индия» имела большой успех у жителей Азии и Африки, которые считали Индию образцом для подражания в борьбе за независимость, а также получила признание в Европе и Америке.

Мехбуб Кхан — один из первых индийских режиссеров, снимавших в цвете, выпускал эпические исторические фильмы, а затем использовал свои навыки на съемках деревенской жизни, постепенно создавая национальную киноэпопею, новую историю для новой нации. «Мать Индия» начинается со свадьбы героини и заканчивается ее старостью. В картине упоминаются многочисленные легенды, а имена героев фильма ассоциируются с именами главных персонажей индийской мифологии.

В фильме играют самые известные актеры того времени, среди них Наргис, Радж Кумар и Сунил Дутт. Многих потрясло известие о том, что Наргис, имевшая любовную связь с Раджем Капуром, после съемок вышла замуж за Сунила Дутта (он сыграл ее сына). «Мать Индия» знаменита также своими неувядающими мелодиями, сочиненными Наушадом Али, которые сочетают в себе народные и классические мотивы в исполнении оркестра из 100 музыкальных инструментов в западном стиле. Али ввел в моду такую музыку, и она стала символом индийского кино. Картина изобилует зрелищными сценами, в одной из них героиня с трудом тащит за собой плуг, в другой — показаны счастливые лица Радхи с сыновьями после уборки урожая, мечтающих о счастливом будущем в духе советского реализма. Эти сцены уже стали классикой.

Сложность фильма и многочисленные версии его прочтения до сих пор привлекают зрителей. Это один из тех индийских фильмов, которые стоит посмотреть в первую очередь. Р. Дв.

 

ЛЕТЯТ ЖУРАВЛИ (1957)

СССР (Мосфильм), 97 мин., черно-белый

Язык: русский

Режиссер: Михаил Калатозов

Продюсер: Михаил Калатозов

Автор сценария: Виктор Розов по своей пьесе «Вечно живые»

Оператор: Сергей Урусевский

Музыка: Моисей Вайнберг

В ролях: Татьяна Самойлова, Алексей Баталов, Василий Меркурьев, Ирина Шмелева, Александр Шворин, Светлана Харитонова, Константин Никитин, Валентин Зубков, Антонина Богданова, Борис Коковкин, Екатерина Куприянова

Каннский кинофестиваль: Михаил Калатозов (Золотая пальмовая ветвь), Татьяна Самойлова (специальное упоминание)

В последние годы сталинизма советское кино практически исчезло. Основные усилия шли на послевоенное восстановление разрушенной экономики страны. Это привело к тому, что некогда процветающие киностудии СССР почти прекратили свое существование. После смерти Сталина в 1953 г. советское кино стало постепенно возрождаться, а «Летят журавли» Михаила Калатозова послужили символом такого возрождения. В фильме рассказывается о любви Бориса (Алексей Баталов) и Вероники (Татьяна Самойлова), которым пришлось расстаться в первые дни войны. Фильм смело бросал вызов почти каждому штампу своего жанра. Помимо празднования великой победы Советской Армии, в фильме затронуты самые трагические моменты войны, когда внушающая ужас немецкая военная машина рассеивает неорганизованных и плохо вооруженных (хотя и героических) русских бойцов.

После окончания войны ощущается некоторое отчаяние и необходимость поисков нового лидера. Поразительно, но советские зрители очень тепло встретили такую версию своих переживаний. Уставшие от пропаганды, они слишком хорошо осознавали, что в действительности не все во время войны были героями. Роли молодых влюбленных Баталов и Самойлова исполняют очень экспрессивно, с большой чувственностью и подкупающей страстностью. И все же истинной звездой фильма является оператор Сергей Урусевский. Снимая захватывающую сцену полета журавлей с панорамными кадрами и искусно передвигая камеру, Урусевский (который работал с Довженко над выдающимся документальным военным фильмом «Битва за Советскую Украину») изображал мир, потерявший свою точку опоры и своего лидера — морального, политического и практически осязаемого. Урусевский продолжил работу с Калатозовым в печально известном, но вызвавшем восхищение зрителей фильме «Я — Куба» (1964). Несмотря на то что картина «Летят журавли» кажется несколько наигранной и стилизованной, его визуальные эффекты всегда несут в себе смысл. «Летят журавли» — первый советский фильм, созданный в период «холодной войны», получивший широкое признание в Соединенных Штатах (дистрибьютор — «Уорнер бразерс»). Р. П.

 

ТРОПЫ СЛАВЫ (1957)

PATHS OF GLORY

США (Bryna, Harris-Kubrick), 87 мин., черно-белый

Язык: английский/немецкий

Режиссер: Стэнли Кубрик

Продюсеры: Кёрк Дуглас, Джеймс Б. Харрис, Стэнли Кубрик

Авторы сценария: Стэнли Кубрик, Колдер Уиллинхем, Джим Томпсон, по роману Хамфри Кобба

Оператор: Георг Краузе

Музыка: Джеральд Фрид

В ролях: Кёрк Дуглас, Ральф Микер, Адольф Менжу, Джордж Макреди, Уэйн Моррис, Ричард Андерсон, Джо Теркел, Кристиан Кубрик, Джерри Хаузнер, Питер Кейпелл, Эмиль Мейер, Берт Фрид, Кем Диббс, Тимоти Кэри, Фред Белл

Стэнли Кубрик впоследствии не раз будет возвращаться к теме войны. В основу этого яркого и значительного фильма по роману Хамфри Кобба легло постыдное происшествие во французской армии во время Первой мировой войны (сценаристы Стэнли Кубрик, Джим Томпсон и Колдер Уиллинхэм). Картина производит еще большее впечатление благодаря сухой, отстраненной манере режиссера, с которой он изображает невообразимо страшные вещи.

Два глупых безжалостных военачальника (Адольф Менжу, Джордж Макреди) приказывают солдатам на свой страх и риск атаковать неприступную германскую позицию. Когда несколько выживших возвращаются, полк обвиняют в трусости, и трех (выбранных наугад) пехотинцев отдают под трибунал. В их защиту яростно выступает полковник Дэкс (Кёрк Дуглас), но несмотря на это трех невиновных, необычайно храбрых солдат приговаривают к смерти. Это превосходный фильм на военную тему с непревзойденной игрой актеров: при его просмотре зрители приходили в гнев. После казни осужденных мы видим одну из самых эмоциональных сцен, когда-либо снятых Кубриком. Толпа веселых солдат заставляет немецкую девушку (Сьюзан Кристиан, впоследствии Кристиан Кубрик) петь песню, которая в ее неловком исполнении звучит грустно и искренне. К. Н.

 

СЛАДКИЙ ЗАПАХ УСПЕХА (1957)

SWEET SMELL OF SUCCESS

США (Hecht, Hill & Lancaster, Norma-Curtleigh), 96 мин., черно-белый

Режиссер: Александр Макендрик

Продюсеры: Тони Кертис, Гарольд Хехт, Джеймс Хилл, Берт Ланкастер

Авторы сценария: Клиффорд Одетс, Эрнест Леман, Александр Маккендрик по новелле Эрнеста Лемана

Оператор: Джеймс Вонг Хау

Музыка: Элмер Бернстайн

В ролях: Берт Ланкастер, Тони Кертис, Сьюзан Харрисон, Мартин Милнер, Сэм Ливин, Барбара Николс, Джефф Доннелл, Салли, Джо Фриско, Эмиль Мейер, Эдит Этуотер, Чико Хэмилтон

Превосходно снятый едкий сатирический фильм. Изворотливый публицист Сидни Фалько (Тони Кертис) стремится всячески угодить злобному газетному обозревателю Дж. Дж. Хансекеру (Берт Ланкастер), но в своем стремлении достичь большего он рискует стать на путь самоуничтожения. В фильме «Сладкий запах успеха» звучит известная джазовая музыка в исполнении Чико Хэмилтона и нью-йоркские мелодии, популярные около 1957 г. Мы видим шумные ночные клубы, где каждый готов продать душу дьяволу; размытые дождем улицы, где жестокие полицейские совершают облавы на джазовых музыкантов в поисках наркотиков и до смерти избивают врагов Дж. Дж. Хансекера.

Режиссер Александр Маккендрик превращает эксцентричную комедию в жестокий триллер, сохранив циничное правдоподобие сценария Эрнеста Лемана, а также добавив свои более мрачные детали. Монументальный Ланкастер с горящим взглядом, как у монстра Франкенштейна, пылает ненавистью («Достань меня, если сможешь, Сидни!»), а Кертис просто неподражаем в роли раболепного Сидни, который из кожи вон лезет, чтобы оказать Хансекеру услугу. Он портит любовные отношения между джазменом (Марти Милнер) и хрупкой младшей сестрой (к сожалению, мало снимавшейся Сьюзан Харрисон), которой Дж. Дж. навязывает кровосмесительную связь. К. Н.

 

ЧЕЛОВЕК С ЗАПАДА (1958)

MAN OF THE WEST

США (Ashton), 100 мин., цветной

Режиссер: Энтони Манн

Продюсер: Уолтер Мириш

Автор сценария: Реджиналд Роуз по роману «The Border Jumpers» Уилла С. Брауна

Оператор: Эрнест Холлер

Музыка: Ли Харлайн

В ролях: Гари Купер, Джули Ландон, Ли Дж. Кобб, Артур О’Коннелл, Джек Лорд, Джон Денер, Ройял Дэйно, Роберт Дж. Уилки

После создания в 1950-е гг. серии известных вестернов с Джеймсом Стюартом в главной роли Энтони Манн начал сотрудничество со стареющим Гари Купером. В фильме «Человек с Запада» ему пришлось заглянуть в прошлое, о котором, казалось, он давно забыл. Как обычно в вестернах Манна, прошлое героев фильма довлеет над ними, и память о нем может стереть лишь смерть. Купер играет Линка Джонса, уважаемого горожанина, который собирается нанять учителя для своего городка. После ограбления поезда, на котором ехал Джонс, он оказывается в неизвестной местности вместе с девушкой-барменшей Билли (Дж. Ландон). Линк решает попросить помощи у старых знакомых, живущих неподалеку. Но выясняется, что у него криминальное прошлое, и его бывшие друзья объединились в банду опасных преступников, которых сыграли постоянные звезды вестернов Ройал Дэйно, Роберт Уилки и Джон Денер. Вскоре становится очевидным, что эта шайка пытается заставить Линка помочь им в ограблении, угрожая изнасиловать Билли. Такое поведение вызывает безудержный гнев у покладистого до сей поры Линка, и он жестоко избивает одного из членов банды.

Лидер банды — Док Тобин (Ли Дж. Кобб). В вестернах Манна семейные узы всегда оказываются прочнее, чем любые другие отношения в обществе, и банда Тобина представляет собой жалкую пародию на родственников. Док относится к Линку как к «сыну». В финальной сцене противоборства, поставленной Манном в старом исчезающем городе, Док, изнасиловав Билли, чтобы спровоцировать Линка, заставляет его совершить нечто вроде отцеубийства. Расправившись наконец с «отцом», Линк обнаруживает в себе неконтролируемую, дикую жестокость.

По мере того как накаляются отношения между Линком и членами банды, усиливается и мрачность обстановки, в которой разворачивается действие, что необычно для вестернов Манна. Но операторская работа, как всегда, непревзойденна. Обязательно посмотрите этот фильм! Э. Б.

 

ПЕЧАТЬ ЗЛА (1958)

TOUCH OF EVIL

США (Universal), 95 мин., черно-белый

Режиссер: Орсон Уэллс

Продюсер: Альберт Загсмит

Автор сценария: Орсон Уэллс по роману «Знак зла» Уита Мастерсона

Оператор: Расселл Метти

Музыка: Генри Манчини

В ролях: Чарлтон Гестон, Джанет Ли, Орсон Уэллс, Джозеф Каллейя, Аким Тамирофф, Джоанна Кук Мур, Рэй Коллинс, Деннис Уивер, Валентин де Варгас, Морт Миллс, Виктор Миллан, Лало Риос, Ристо, Майкл Сарджент, Фил Харви, Джой Лэнсинг, Марлен Дитрих

«В некотором роде он был человеком». Уже в течение нескольких десятилетий кинематографисты воздают должное яркому произведению Орсона Уэллса «Печать зла» в жанре «черного» фильма. Сюжет был написан в 1950 г. Это страшный рассказ о развращении и совести. Его действие разворачивается в различных притонах и мотелях убогого приграничного городка. Чарлтон Гестон играет благородного мексиканского чиновника, противостоящего наркоторговцам. В роли отвратительного американского полицейского, обвиняемого в убийстве, предстает сам Орсон Уэллс. А Джанет Ли — это испуганная до смерти пешка в борьбе Уэллса и Гестона.

Гестон настоял, чтобы студия «Юниверсал» пригласила голливудского «изгнанника» Уэллса в качестве режиссера и на роль Хэнка Куинлена. Уэллс сразу же отказался от своего сценария и переделал роман Уита Мастерсона «Знак зла», превратив дешевый второсортный триллер в киношедевр. Фильм пропитан атмосферой зла и страха и запоминается благодаря начальной панорамной сцене, в которой в течение трех минут камера показывает шумный ночной город. Мигель «Майк» Варгас (Гестон) и его дерзкая американская жена Сьюзан (Ли) едут по Соединенным Штатам. Неизвестный бросает в их автомобиль бомбу. Молодожены и работники приграничного патруля выясняют подробности происшедшего. Так приходит конец медовому месяцу.

Для проведения расследования приезжает начальник полиции Куинлен, а в это время Сьюзан подстерегают мексиканские наркодельцы, которых пытается «накрыть» Варгас. В считанные минуты карты оказываются розданными, и начинается опасная игра, не следующая никаким правилам. Куинлен похищает Сьюзан и вводит ей наркотик, чтобы помешать Варгасу обвинить его в преступлении. Образ обрюзгшего психопата Куинлена — один из самых запоминающихся в истории «черного» кино. Превышение полномочий превратило его в чудовище (Уэллсу подкладывали под одежду подушки и приклеивали фальшивый нос). Его не сразу узнает загадочная проститутка (Марлен Дитрих), когда-то общавшаяся с ним. Гестон в роли мексиканца выглядит немного нелепо, но его игра интересна. Но наибольшее впечатление производит трагическая фигура любимого лакея Куинлена Пита Мензиса (Дж. Каллейя).

С начальными кадрами могут соперничать сложные эпизоды, благодаря которым его называют эпитафией «черного» кино. Уэллс неестественно усиливает элементы этого жанра, достигая особой реалистичности благодаря мастерству оператора Рассела Метти и сочетанию латиноамериканских, джазовых и рок-н-ролльных мелодий Генри Манчини. Безумная финальная сцена погони насыщена яркими визуальными образами, звуковыми эффектами и атмосферой страха.

Уэллсу не понравилась редакция студии «Юниверсал», и в 1998 г. по его подробным записям фильм был полностью восстановлен. Теперь он стал на несколько минут длиннее, также были возвращены сцены пребывания Сьюзан в мотеле и путешествие Варгаса с Куинленом. Но как старая, так и восстановленная версии «Печати зла» — шедевры техники, воображения и эксцентричной дерзости. А. Э.

 

КАИРСКИЙ ВОКЗАЛ (1958)

BAB EL HADID

Египет (Gabriel Talhami), 95 мин., черно-белый

Язык: арабский

Режиссер: Юссеф Шахин

Продюсер: Габриэль Талхами

Авторы сценария: Мухаммед Абу Юссеф, Абдель Хай Адиб

Оператор: Алевиз Орфанелли

Музыка: Фуад Эль-Захри

В ролях: Фарид Шауки, Хинд Ростом, Юссеф Шахин, Хассан эль Баруди, Абдель Азиз Халил, Найма Васфи, Саид Халил, Абдель Гхани Нагди, Лутфи Эль Хаким, Абдель Хамид Бодаоха, Ф. Эль Демердаше, Саид Эль Араби, Ахмед Абаза, Хана Абдель Фаттах, Сафиа Сарват

В начале не было ничего. Такой взгляд ошибочен и глуп, потому что на самом деле в Египте, арабских странах и Африке создавалось много фильмов с этническими сюжетами и характерными визуальными образами. Однако ни один из них не выходил за пределы места своего создания, и о них мало кто знал. После взрыва антиколониального движения произошло пробуждение африканских и арабских наций. Это привело к созданию музыкальных комедий и слащавых мелодрам, в которых играли красивые молодые актеры с горящим, чувственным взглядом и звучными голосами. В этих добротно сделанных фильмах было много экзотики, и если вам довелось посмотреть хоть одну египетскую картину, скорее всего вы отнеслись к ней снисходительно.

Когда на экраны вышел «Каирский вокзал», создалось впечатление, как будто египетское кино, едва достигнув определенного уровня развития, вновь «впало в детство» своего неизведанного мира. Извлекая уроки из голливудского и итальянского неореализма, египетские кинематографисты создали свой собственный стиль, их фильмы были полны юмора, мудрости и страданий. В них уделяется внимание несущественным деталям повседневной жизни города; изображаются первобытные страсти и желания на фоне классической и восточной мифологии и религии; и при этом вымысел переплетается с реальностью. Фильм «Каирский вокзал» живой и трогательный, с точной передачей портретных образов, и оригинален как по созданию индивидуальных портретных характеристик, так и по изображению культурных особенностей своей страны, которые похожи на западные и все же отличаются от них.

Кто же руководил всем этим? Юссеф Шахин, «безумный» режиссер, в порыве тоски и отчаяния раскрывает свою мятущуюся душу на экране. Он играет хромого продавца газет Кинави, который безнадежно влюблен в красивую продавщицу лимонада (Хинд Ростом). Хотя сюжет довольно прост, изображенный здесь мир сложен и опасен. Разворачивающиеся события раскрывают черные пропасти в жизни города, несмотря на внешне дружелюбные отношения людей. После выхода на экраны фильм не получил признания египетских зрителей, но после повторного «открытия» спустя 20 лет признан достаточно интересной работой. Ж.-М. Ф.

 

ЖИЖИ (1958)

GIGI

США (MGM), 119 мин., колор

Режиссер: Винсент Миннелли

Продюсер: Артур Фрид

Авторы сценария: Алан Джей Лернер, Анита Лус по роману «Колетт»

Оператор: Джозеф Руттенберг

Музыка: Фредерик Леве

В ролях: Лесли Карон, Морис Шевалье, Луис Джордан, Гермиона Джинголд, Эва Габор, Жак Бержерак, И. Джинс, Д. Эбботт

«Оскар»: А. Фрид (лучший фильм), В. Минелли (режиссер), А. Д. Лернер (сценарий), У. А. Хорнинг, Э. П. Эймс, Г. Грейс, Ф. К. Глисон (художественное оформление и декорации), Д. Руттенберг (оператор), С. Битон (костюмы), А. Фазан (монтаж), А. Превен (музыка), Ф. Леве, А. Дж. Лернер (песня)

Мюзикл В. Миннелли «Жижи», снятый на киностудии MGM, побил рекорды фильма «Унесенные ветром» по количеству полученных «Оскаров». В основу фильма лег рассказ Колетт о молодой парижанке, которую бабушка и тетушка, по семейной традиции, готовили к роли куртизанки. Лернер и Леве написали замечательные песни, в том числе «Благодарение небесам за молодых девушек» и «Я рад, что молодость ушла» (обе песни в исполнении Мориса Шевалье способствовали возрождению его карьеры). Лесли Карон прекрасно смотрится в роли веселого ребенка. Она с трудом выносит уроки этикета, не желает кокетничать и постигать науку обольщения, а также разбираться в драгоценных камнях. Затем она превращается в уравновешенную привлекательную молодую девушку. Луис Джордан превосходен в роли скучающего светского льва, сбитого с толку чувствами, которые он испытывает к героине. Великолепно смотрится Париж конца 19 в. (съемки велись в Булонском лесу, Тюильри и шикарном ресторане «Максим»). Дизайн костюмов Сесила Битона может соперничать лишь с его работой в мюзикле Лернера и Леве «Моя прекрасная леди». Фильм «Жижи» очарователен и запомнится надолго. А. Э.

 

СКОВАННЫЕ ОДНОЙ ЦЕПЬЮ (1958)

THE DEFIANT ONES

США (Curtleigh, Lomitas), 97 минут, черно-белый

Режиссер: Стэнли Крамер

Продюсер: Стэнли Крамер

Авторы сценария: Недрик Янг, Харольд Джейкоб Смит

Оператор: Сэм Ливитт

Музыка: Эрнест Голд

В ролях: Тони Кертис, Сидни Пуатье, Теодор Байкел, Чарлз МакГроу, Лон Чени-мл., Кинг Донован, Клод Экинс, Л. Добкин, У. Бисселл, К. «Алфалфа» Свитцер, К. Кохлин, К. Уильямс

«Оскар»: Недрик Янг, Харольд Джейкоб Смит (сценарий), Сэм Ливитт (оператор)

Номинации на «Оскар»: С. Крамер (лучший фильм), С. Крамер (режиссер), Т. Кертис (актер), С. Пуатье (актер), Т. Байкел (мужская роль второго плана), К. Уильямс (женская роль второго плана), Ф. Надсон (монтаж)

Берлинский международный кинофестиваль: Сидни Пуатье (Серебряный медведь)

Яркий и значительный фильм Стэнли Крамера «Скованные одной цепью» затрагивает проблему расовых отношений в США. Двух заключенных, белого и негра (Тони Кертис и Сидни Пуатье), сковывают одной цепью, прежде чем отправить на грузовике в тюрьму. По дороге машина переворачивается. Оба в душе терпеть не могут людей с другим цветом кожи, и вначале единственное их желание — разорвать цепь и разойтись. Но вполне логично, что в этой аллегорической американской истории им это не удается. Неизбежное совместное пребывание заставляет их забыть о стереотипах и предвзятом отношении друг к другу, и в итоге они учатся видеть в товарище по несчастью человека.

Им не удается украсть еду, и, к досаде белого, обоих преследует готовая растерзать их толпа. Когда они попадают на ферму к одинокой белой женщине, им наконец удается разорвать цепь. И все же они не идут каждый своей дорогой, несмотря на то, что белая женщина пытается заставить их расстаться. Последний рывок к свободе через болото, а затем на товарном поезде оборачивается провалом, и они снова оказываются за решеткой.

Прекрасная игра Кёртиса и Пуатье придает жизненность и духовную силу рассказу, который мог оказаться всего лишь дешевой мелодрамой. Фильм «Скованные одной цепью», возможно, в 1950-е гг. был наиболее злободневен для либералов-«реалистов», когда американское общество пыталось смириться с фактом существования афроамериканцев. Б. П.

 

ГОЛОВОКРУЖЕНИЕ (1958)

VERTIGO

США (Alfred J. Hitchcock, Paramount), 128 мин., техниколор

Режиссер: Альфред Хичкок

Продюсер: Альфред Хичкок

Авторы сценария: Сэмюэл А. Тейлор, Алек Коппел, по роману «Из мира мертвых» Пьера Буало и Тома Нарсежака

Оператор: Роберт Беркс

Музыка: Бернард Херрманн

В ролях: Джеймс Стюарт, Ким Новак, Барбара Бел Геддес, Том Хелмор, Генри Джонс, Реймонд Бейли, Эллен Корби, Константин Шейн, Ли Патрик

Номинации на «Оскар»: Хэл Перейра, Генри Бамстед, Сэм Камер, Фрэнк Р. МакКелви (художественное оформление и декорации), Джордж Даттон (звук)

Несмотря на то что в момент выхода «Головокружения» на экраны Альфред Хичкок находился на вершине славы, этот фильм был воспринят не слишком благожелательно. Большинство критиков делали упор на неправдоподобном и запутанном сюжете. Злодей разрабатывает план невероятно жестокого убийства и своими действиями застает окружающих врасплох. Кульминация фильма неожиданна: убийце удается уйти от наказания, хотя в заключительной вставной сцене, снятой Хичкоком в духе его телепостановок, содержится намек на то, что злодей все же попал в руки правосудия. На съемках в отношениях Джимми Стюарта и Ким Новак, на которых завязан сюжет, ощущалась некоторая напряженность. В течение длительного времени, пока картина отсутствовала в прокате из-за проблем с авторскими правами, она снова стала объектом внимания критиков и теперь считается одним из шедевров Хичкока.

Джон «Скотти» Фергюсон (Стюарт), полицейский из Сан-Франциско, увольняется с работы из-за боязни высоты, помешавшей ему спасти жизнь своему коллеге. (Это показано в прологе.) Подрабатывая частным детективом, он соглашается работать на старого друга Гевина Элстера (Том Хелмор) и начинает следить за его женой Мадлен (Новак), холодной блондинкой, которая одержима мыслью о похожей на нее девушке, утонувшей в 19-м в. Первая половина фильма напоминает рассказ о привидениях. Скотти влюбляется в нервозную Мадлен, предполагая, что ее реинкарнация, по всей видимости, приведет к ее смерти. Здесь Хичкок предстает перед нами мастером создания атмосферы ужаса и подозрительности и истинного воскресения неземных страстей. После смертельного падения Мадлен с башни фильм «меняет курс» и становится более напряженным. Скотти знакомится с Джуди Бартон (снова Новак), дерзкой продавщицей-брюнеткой, которая напоминает погибшую Мадлен, и вступает с ней в связь. В немногих известных голливудских фильмах присутствует такая тревожность и напряженность, как в «Головокружении». Особенно в сценах, когда Скотти указывает новой девушке, перевоплощению его старой любви, какую выбрать одежду и прическу, чтобы походить на Мадлен. Для многих сцена, в которой Джуди с жадностью вампира обнимает Скотти, является столь же физически и эмоционально шокирующей, как сцена под душем в «Психозе».

Подобно другим шедеврам Хичкока, этот фильм вызывал многочисленные подражания. Фильмы подобно «Наваждению» Брайана де Пальмы являются полнометражными ремейками оригинала. Технические трюки — одновременное приближение и отдаление камеры, используемое для передачи головокружения Стюарта, — применял Стивен Спилберг в фильме «Челюсти». Кадры из «Головокружения» также добавляли и в другие картины для передачи нужной атмосферы (например, в фильме Терри Гиллиама «Двенадцать обезьян»). Другими словами, «Головокружение» — это грандиозный триллер со серо-стальными визуальными образами, элементами реализма и незабываемой музыкой Бернарда Херрманна. К. Н.

 

ПЕПЕЛ И АЛМАЗ (1958)

POPIÓŁ I DIAMENT

Польша (Polski, ZRF), 105 мин., черно-белый

Язык: польский

Режиссер: Анджей Вайда

Продюсер: Станислав Адлер

Авторы сценария: Ежи Анджеевский, Анджей Вайда по роману «Пепел и алмаз» Ежи Анджеевского

Оператор: Ежи Войчик

Музыка: Ян Кренц, Филип Новак

В ролях: Збигнев Цибульский, Ева Кшижевска, Вацлав Застшежиньский, Адам Павликовский, Богумил Кобьела, Ян Чечерский, Станислав Мильский, Артур Млодницкий, Калина Квятковска, Игнаци Маховский, Збигнев Сковроньский, Барбара Крафтувна, Александр Севрук, Зофиа Червинска, Виктор Гротович

Венецианский кинофестиваль: Анджей Вайда (премия FIPRESCI)

Начиная с конца 1950-х гг., когда итальянский неореализм сошел на «нет» и вошло в моду французское кино, к себе привлекли внимание польские художественные фильмы. Киноленты со сложными, запутанными сюжетами на тему военной солидарности, самопожертвования и верности идеям социализма с человеческим лицом. Возможно, самым лучшим польским фильмом этой эпохи, затрагивавшим проблемы нового поколения западноевропейских художников и интеллектуалов, стал фильм Анджея Вайды «Пепел и алмаз».

В основу фильма лег противоречивый роман Ежи Анджеевского, в котором описывается последний день Второй мировой войны. Враг сдался, но победители не уверены в своей победе: и коммунисты, и националисты уже понимают, что их хрупкий военный альянс очень непрочен. Входит Мачек (Збигнев Цибульский) — вспыльчивый молодой человек, вступает в националистическую подпольную организацию в провинциальном городке. Ему поручают убить недавно прибывшего местного коммунистического лидера, и он всю ночь прячется в отеле. Но это лишь первая ночь покоя, которую Мачек познал в своей взрослой жизни, и он стремится узнать, что еще может предложить ему жизнь. Он знакомится с симпатичной молодой девушкой и влюбляется в нее, и это чувство угрожает его миссии.

На протяжении всего фильма Вайда ведет съемки в нерезком ракурсе, таким образом придавая одинаковую значимость различным персонажам и актуальным политическим проблемам. Главным событием фильма стало приглашение Вайдой польского актера Цибульского на роль Мачека. Цибульский с глазами, спрятанными за стеклами очков, неловкими движениями и застенчивой подкупающей улыбкой прозвали «восточным Джеймсом Дином», символом поколения, которое привлекали не политические ярлыки, а конкретные человеческие качества. В течение нескольких кадров Цибульский переходил от безумия к беспомощности и гневу. Его финальный «танец смерти», когда он, смеясь, идет через поле после смертельного ранения, — одна из наиболее ярких и часто упоминаемых финальных сцен в истории кино. Р. П.

 

ДРАКУЛА (1958)

DRACULA

Великобритания (Hammer), 82 мин., техниколор

Режиссер: Теренс Фишер

Продюсеры: Майкл Каррерас, Энтони Хайндс, Энтони Нелсон Кис

Автор сценария: Джимми Сэнгстер по роману Брэма Стокера

Оператор: Джек Эшер

Музыка: Джеймс Бернард

В ролях: Питер Кушинг, Кристофер Ли, Майкл Гуф, Мелисса Стриблинг, Кэрол Марш, Ольга Дики, Джон Ван Эйссен, Валери Гонт, Джанина Фэй, Барбара Арчер, Чарлз Ллойд Пэк, Джордж Мерритт, Джордж Вудбридж, Джордж Бенсон, Майлз Маллесон

Фильм Теренса Фишера, снятый на студии «Хаммер» по знаменитому роману Брэма Стокера, — один из самых известных фильмов ужасов. Главные роли, ставшие поворотными в карьере актеров, сыграли Питер Кушинг (Ван Хелсинг, интеллигент с атлетическим телосложением) и Кристофер Ли (холодный властный красавец граф).

Подобно предыдущему фильму «Проклятие Франкенштейна», снятому на той же студии, «Дракула» вызывал настоящий шок как в день премьеры, так и спустя многие годы после выходы на экраны. В начале 1970-х гг. киностудия «Хаммер» перенесла акценты на физические аспекты ужаса, что явилось поворотным моментом в развитии жанра и отличительной чертой легендарной киностудии. Даже сегодня впечатлительные зрители способны оценить ту дерзость, с которой эта картина преступает границы ранее снятых фильмов ужасов. Это особенно заметно, когда мы видим дикие и жестокие глаза и клыки Дракулы, кровь, капающую из сердец женщин-вампиров, и явно сексуальные отношения между вампиром и его жертвами. Сначала Дракула входит в спальню своей жертвы и закрывает дверь прямо перед камерой. Вполне логичным было бы в этот момент завершить сцену, но Фишер проникает в комнату и наблюдает за тем, как Дракула подталкивает девушку к постели. Такой подход подчеркивает безжалостность, жестокость и ужас происходящего. К. Фу.

 

МОЙ ДЯДЮШКА (1958)

MON ONCLE

Франция/Италия (Alter, Centauro, Gray, Specta), 110 мин., истменколор

Язык: французский

Режиссер: Жак Тати

Продюсеры: Луи Доливе, Жак Тати, Ален Теруанн

Авторы сценария: Жак Ланранж, Жан Л’От, Жак Тати

Оператор: Жан Бургуан

Музыка: Франк Барселлини, Ален Роман

В ролях: Жан-Пьер Золя, Адриенн Серванти, Люсьен Фрежис, Бетти Шнайдер, Жан-Франсуа Марсьяль, Д. Мари, И. Арно, А. Даниэли, А. Бекур, Р. Фонтенэ, К. Бадолль, М. Мартель, Н. Батай, Ж. Тати

«Оскар»: Франция (за лучший иностранный фильм)

Каннский кинофестиваль: Жак Тати (специальная премия жюри)

В своих первых двух фильмах «Праздничный день» (1948) и «Каникулы господина Юло» (1953) Жак Тати превосходно передал очарование провинциального, беспорядочного и неуклюжего человека. В картине «Мой дядюшка» режиссер высмеивает страсть к механизации, угрожающую обыденному укладу жизни.

Излюбленный экранный персонаж Тати, неуклюжий молчаливый господин Юло живет в старом ветхом квартале Парижа. Недалеко живет семейство Арпелей, его сестра и зять (Адриенн Серванти и Жан-Пьер Золя), в ультрасовременном доме, полном модных бытовых приборов. Большая часть этих приборов не работает, особенно когда неподалеку оказывается Юло с благородными намерениями.

Как всегда в фильмах Тати, здесь юмор также почти осязаем. Немногим комедийным режиссерам удалось столь мастерски наложить звуки щелчков, жужжания, шипения и бормотания разнообразных приспособлений Арпелей и механизмов на заводе, на котором Арпель по глупости предоставляет своему шурину работу. В итоге такие звуки подчас доводят до безумия. Тати находит особую радость, показывая, как бытовая техника, якобы предназначенная для улучшения качества жизни, лишает людей комфорта. Но нельзя исключить и человеческий фактор, представленный ходячим мистером «Несчастный случай» в лице господина Юло. Ф. К.

 

МУЗЫКАЛЬНАЯ КОМНАТА (1958)

JALSAGHAR

Индия (Aurora), 100 мин., черно-белый

Язык: бенгали

Режиссер: Сатьяджит Рай

Продюсер: Сатьяджит Рай

Автор сценария: Сатьяджит Рай по роману Тарашанкара Банерджи

Оператор: Субрата Митра

Музыка: Устад Вилайат Хан, Асис Кумар, Робин Маджумдер, Дахин Мохан Тахур

В ролях: Чхаби Бисвас, Падма Дэви, Пинаки Сенгупта, Гангапада Басу, Тулси Лахири, Кали Саркар, Вахид Хан, Рошан Кумари, Сардар Ахтар, Тулси Чакраборти, Бисмилла Хан, Саламат Али Хан

Сатьяджит Рай наиболее известен своей трилогией об Апу. Эти фильмы познакомили с индийским кинематографом весь мир, который привык лишь к эксцентричности и зрелищности голливудских мюзиклов. Рай показал совершенно новую Индию, жизнь обычной деревушки, разрушительное влияние голода, холода и бедности. Красивые и трогательные картины Рая, на которого большое влияние оказал итальянский неореализм, показывали моральную и социальную несправедливость. Эти фильмы снимались в сельской местности, и режиссер приложил максимум усилий, чтобы правдиво показать настоящую жизнь в Индии. Однако в картине «Музыкальная комната» стиль и намерения Рая изменились. Этот необычный, полный элегической грусти фильм станет настоящим сюрпризом для тех, кто ожидает увидеть нечто в духе трилогии об Апу или «Отдаленного грома» (1973).

В основу фильма, действие которого разворачивается в 1920-е гг., положена типично чеховская история. Герой картины — обедневший аристократ Хузур Рой. Рой постепенно утратил свою власть и состояние, его дворец разрушился, слуги разбежались, и все свое время он проводил, сидя на крыше и предаваясь воспоминаниям о прошедшей славе. Махим Гангули (Гангапада Басу) — ростовщик, чьи грубые манеры не оставляют сомнения в усилении его власти и положении. Гангули олицетворяет собой все то, что потерял Рой. Когда Гангули объявляет, что собирается устроить концерт, Рой также решает в тот же вечер устроить концерт, столкнув старое и молодое поколение в заключительной борьбе. Рой питает особую страсть к своему музыкальному салону, и в фильме присутствуют ретроспективные кадры, в которых показываются прежние концерты. Предстоящее событие станет последним широким жестом, хотя из-за него Рой окончательно растратит свое состояние. Это его единственный шанс жить так, как он привык, и он хочет встретить неизбежное в последний вечер, наполнив его музыкой и красотой.

Атмосфера разрушения и меланхолии очень заразительна. Мы на себе ощущаем конец мира Роя, и все же, как и он, тщетно мечтаем, чтобы этот конец не наступил. В картине прекрасно переданы отличительные особенности времени и места, характерные для фильмов Рая в духе неореализма. Но миру героя приходит конец, что более свойственно экспрессионизму. Мы видим, что двум оставшимся слугам не удается справиться со стихиями, и дворец зарастает травой. Пустынные равнины, на которые падает взгляд Роя, являются отражением его падения. В этом фильме Сатьяджит Рай рассматривает новые идеи и экспериментирует с новыми методами, и очень увлекательно наблюдать совершенствование стиля режиссера. Фильм «Музыкальная комната» доставляет большое удовольствие и является признанным шедевром мирового кино. Р. Х.

 

ЧЕТЫРЕСТА УДАРОВ (1959)

LES QUATRE CENTS COUPS

Франция (Carrosse, Sédif), 94 мин., черно-белый

Язык: французский

Режиссер: Франсуа Трюффо

Продюсер: Франсуа Трюффо

Автор сценария: Франсуа Трюффо

Оператор: Анри Декэ

Музыка: Жан Константен

В ролях: Жан-Пьер Лео, Клер Морье, Альбер Реми, Ги Декомбль, Жорж Фламан, Патрик Оффе, Даниэль Кутюрье, Франсуа Ноше, Ришар Канаян, Рено Фонтанароза, Мишель Жирар, Анри Моати, Бернар Аббу, Жан-Франсуа Бергуиньян, Мишель Лесиньор

Номинации на «Оскар»: Франсуа Трюффо, Марсель Мусси (сценарий)

Каннский кинофестиваль: Франсуа Трюффо (режиссер) (премия OCIC)

Первый фильм Франсуа Трюффо «Четыреста ударов» завоевал премию за лучшую режиссуру на Каннском кинофестивале в 1959 г. В одно мгновение молодой режиссер был признан мировым кинематографом, встав наравне с такими знаменитостями, как Жан-Люк Годар и Эрик Ромер.

Подобно другим режиссерам «новой волны», Трюффо пропагандировал свои основные идеи в статьях для журнала «Cahiers de Cinema», редактором которого был Андре Безан, считавший, что критики вправе иметь свои собственные убеждения. Трюффо был наиболее активным представителем данной группы и яростно критиковал «традицию погони за качеством» во французском кино, одновременно создавая politique des auteurs («авторское кино»).

В фильме «Четыреста ударов» хорошо прослеживается дух авторского кино, о котором Трюффо написал много хвалебных статей в качестве кинокритика. Прототипом героя фильма Антуана Дуанеля (Жан-Пьер Лео) был сам автор, и Трюффо впоследствии признавался, что усилил глубину игры 15-летнего актера, добавив ему особую скрытность, которая отличала его от других актеров творческой группы. Выдающийся оператор Анри Деке снимал фильм в Париже на натуре, и Трюффо часто отклонялся от сюжета ради подчеркивания острых волнующих деталей. В одном таком эпизоде Антуан катается на аттракционе в парке развлечений, а его тело изгибается и перекашивается, что символизирует его неотчетливое стремление к бунту против жестких общественных норм. В другой сцене в конце фильма камера следит за Антуаном, который, задыхаясь, бежит из интерната неизвестно куда, а затем приближает его лицо, чтобы показать на стоп-кадре его невыразимую тоску. Эта сцена по праву может считаться самой сильной в истории кино «новой волны».

Трюффо и Лео сняли продолжение приключений Антуана в четырех последующих фильмах, заключительным из которых была «Ускользающая любовь» (1979), за четыре года до безвременной кончины Трюффо. Хотя эти фильмы-продолжения по-своему интересны, именно «Четыреста ударов» остается непревзойденным шедевром, являясь квинтэссенцией наиболее ярких творческих взглядов «новой волны». Д. С.

 

НА СЕВЕР ЧЕРЕЗ СЕВЕРО-ЗАПАД (1959)

NORTH BY NORTHWEST

США (MGM), 136 мин., техниколор

Режиссер: Альфред Хичкок

Автор сценария: Эрнест Леман

Оператор: Роберт Беркс

Музыка: Бернард Херрманн

В ролях: Кэри Грант, Ива Мари Сент, Джеймс Мейсон, Джесси Ройс Лэндис, Лео Дж. Кэрролл, Джозефин Хатчинсон, Филип Обер, Мартин Ландау, Адам Уильямс, Эдвард Платт, Роберт Элленстейн, Лес Тремейн, Филип Кулидж, Патрик МакВей, Эд Биннс

Номинации на «Оскар»: Эрнест Леман (сценарий), Уильям А. Хорнинг, Роберт Ф. Бойл, Меррилл Пай, Генри Грейс, Фрэнк Р. МакКелви (художественное оформление и декорации), Джордж Томазини (монтаж)

После того как герой Кэри Гранта Роджер О. Торнхилл, менеджер по рекламе, называет свое имя, женщина спрашивает его, что означает буква «О». Что же отвечает Грант? «Ничего». Но буква «О», подобно многим деталям одного из наиболее захватывающих фильмов Альфреда Хичкока «На север через северо-запад», является еще одной вспомогательной деталью развития действия.

Иногда весь фильм кажется совершенно непонятным, но, как ни странно, это лишь усиливает его притягательность. В картине все поставлено с ног на голову: Торнхилла принимают за шпиона, подозреваемого в убийстве дипломата ООН, и его единственные помощники — огромное обаяние и остроумие. Он спасается бегством, преследуемый бандитами (Джеймс Мейсон и наводящий ужас Мартин Ландау), за которыми по пятам следуют правительственные агенты. Примерно в середине фильма появляется ошеломляюще красивая и невообразимо чувственная Ив Кенделл (Ива Мари Сент), которая постоянно мечется между «хорошими» парнями и «плохими».

Удастся ли Гранту спастись от своих возможных убийц? Удастся ли ему узнать правду, почему его приняли за убийцу, и что это меняет? В фильме есть нескольких замечательных сцен — погоня злодеев на самолете за героем Гранта, преследование героя в горах Рашмор. Этот фильм стал достойным завершением золотого периода в карьере Альфреда Хичкока. Производят впечатление даже надписи и титры в кинокадрах, придуманные Солом Бассом, а музыку Бернарда Херрманна можно сравнить с главными музыкальными темами из «Психоза» (1960) и «Головокружения» (1958).

На пути к вечному счастью стоит лишь заключительное испытание закоренелого холостяка огнем. Таким образом, возникает вопрос не о том, будут ли герои вместе, а о том, каким образом это произойдет. Гранту приходится преодолевать различные преграды не только для спасения собственной жизни, но и для своего совместного будущего с Сент, а Хичкок, будучи романтическим садистом, находит особое удовольствие ставить перед героями препятствия. Дж. Кл.

 

В ДЖАЗЕ ТОЛЬКО ДЕВУШКИ (1959)

SOME LIKE IT HOT

США (Ashton, Mirisch), 120 мин., черно-белый

Режиссер: Билли Уайлдер

Продюсеры: И. Э. Л. Даймонд, Доан Харрисон, Билли Уайлдер

Авторы сценария: И. Э. Л. Даймонд, Билли Уайлдер

Оператор: Чарлз Лэнг

Музыка: Адольф Дойч, Гас Кан, Берт Калмар, Лео Вуд

В ролях: Мэрилин Монро, Тони Кертис, Джек Леммон, Джордж Рафт, Пэт О’Брайен, Джо Э. Браун, Ниэмайя Персофф, Джоан Шоули, Билли Грей, Джордж Э. Стоун, Дэйв Барри, Майк Мазурки, Гарри Уилсон, Беверли Уиллс, Барбара Дрю

«Оскар»: Орри-Келли (лучший дизайн костюмов)

Номинации на «Оскар»: Билли Уайлдер (режиссер), И. Э. Л. Даймонд, Билли Уайлдер (сценарий), Джек Леммон (актер), Тэд Хауорт, Эдвард Дж. Бойл (художественное оформление и декорации), Чарлз Лэнг (оператор)

Джазовые музыканты-неудачники Джо (Тони Кертис) и Джерри (Джек Леммон) становятся свидетелями гангстерских разборок в Чикаго в день св. Валентина 1929 г. и спасаются бегством. Представившись Джозефиной и Дафной, они присоединяются к женскому музыкальному коллективу, который держит путь в Майами. Оба влюбляются в Душечку Кейн Ковальчик (Мэрилин Монро), чувствительную певицу, любящую приложиться к бутылке. Но к Дафне пристает любострастный плейбой Осгуд Филдинг III (Джо Э. Браун). Обстановка еще сильнее накаляется, когда бандиты, от которых скрываются наши ребята-музыканты, — главарь чикагской мафии «Белые гетры» Коломбо (Джордж Рафт) и его «свита», — приезжают в отель во Флориде на встречу мафиози.

Эта легендарная комедия, полная искрометного юмора, поражает неожиданными комичными ситуациями, тщательно продуманными розыгрышами и мистификациями и превосходной игрой актеров. Секс-символ 1950-х, в расцвете своего очарования, сводящая с ума зрителей, вызывающая смех Монро просто бесподобна. Хотя в немалой степени это заслуга ее коллег и режиссера. Занудливый герой Кертиса с его показной отчужденностью — полная противоположность несдержанного, нелепого героя Леммона.

Фильм является независимой продюсерской и режиссерской работой Билли Уайлдера, в которой он вторично сотрудничал со сценаристом Даймондом. На создание этого фильма Уайлдера вдохновила немецкая комедия «Фанфары любви» (1951). Но Уайлдер не хотел, чтобы его герои влюблялись в одну девушку. По сюжету они представляются женщинами, и все их приключения в поезде, сопровождавшиеся сильным искушением, вызывали безудержный смех. И хотя у бандитов было полно других дел, ради забавы они угрожают нашим музыкантам, что придает подобным эпизодам оттенок «черного» фильма, когда крупным планом показаны ноги героя Рафта.

Знаменитая фраза фильма была написана Даймондом ночью накануне последнего дня съемок, и сценарист доказывал сомневающемуся Уайлдеру, что эта фраза смешна своей неожиданностью. Зрители меньше всего ждут, что на признание Джерри: «Но я же мужчина!» Осгуд, пожав плечами, ответит: «У каждого свои недостатки». Эпизод, где Леммон в безумном экстазе танцует танго, является шедевром, при этом Уайлдер настоял, чтобы за кадром был слышен смех зрителей. Он предпочел снимать фильм в черно-белом варианте не только для того, чтобы подчеркнуть время действия, но и скрыть макияж главных героев. Их превращения настолько забавны, что цветные съемки утрировали бы эффект. Поговаривали, что фильм провалится в прокате, поскольку во время съемок было нарушено несколько традиционных правил (например, ко времени начала съемок сценарий был написан лишь наполовину, и фильм длится два часа). Но зрители были просто в восторге и до сих сходят с ума, даже через столько лет после того, как он был назван Американским институтом кинематографии лучшей комедией всех времен. А. Э.

 

АНАТОМИЯ УБИЙСТВА (1959)

ANATOMY OF A MURDER

США (Carlyle, Columbia), 160 мин., черно-белый

Режиссер: Отто Преминджер

Продюсер: Отто Преминджер

Автор сценария: Уэнделл Мейес по роману Джона Д. Волкера

Оператор: Сэм Ливитт

Музыка: Дюк Эллингтон

В ролях: Джеймс Стюарт, Ли Ремик, Бен Газзара, Артур О’Коннелл, Ив Арден, Кэтрин Грант, Джордж К. Скотт, Орсон Бин, Расс Браун, Мюррей Хэмилтон, Брукс Уэст, Кен Линч, Джон Куолен, Говард МакНир, Александр Кэмпбелл

Номинации на «Оскар»: Отто Преминджер (лучший фильм), Уэнделл Мейес (сценарий), Джеймс Стюарт (актер), Артур О’Коннелл (мужская роль второго плана), Джордж К. Скотт (мужская роль второго плана), Сэм Ливитт (оператор), Льюис Р. Леффлер (монтаж)

Венецианский кинофестиваль: Джеймс Стюарт (кубок Вольпи за лучшую актерскую работу), Отто Преминджер — номинация (Золотой лев)

Фильм Отто Преминджера в свое время вызвал противоречивые отзывы. Зрителям было непривычно слышать с экрана такие слова, как «трусики», «изнасилование» и «сперматогенез». Картина также полна резких нападок на американскую систему правосудия.

Начиная с оформления титров, выполненного Солом Бассом, и кончая джазовым музыкальным сопровождением Дюка Эллингтона, фильм «Анатомия убийства» необычен для Голливуда в своем жанре. В нем отсутствуют сцены убийства и сцены, о которых идет речь в суде. Таким образом, режиссер оставляет нам право решать наравне с присяжными, действительно ли вспыльчивый, но ныне безучастный ко всему лейтенант Фредерик Мэнион (Бен Газзара) поддался «непреодолимому импульсу», равносильному помешательству, и застрелил Барни Куилла, владельца бара. Куилл изнасиловал дерзкую жену Мэниона Лору (Ли Ремик). Адвокатом Мэниона выступает Пол (Полли) Биглер (Джеймс Стюарт), бывший окружной прокурор, который стремится вернуть свои позиции в суде и разобраться со своим преемником. Он пользуется услугами своей хитрой секретарши (Ив Арден) и коллеги по расследованию (Артур О’Коннелл), мастера своего дела и любителя выпить. Для обвинения сбитый с толку окружной прокурор вызывает в суд из близлежащего крупного города Клода Дансера (Джордж К. Скотт), чопорного юрисконсульта, чья хитрость и острота ума могут сравниться лишь с коварством самого героя Джеймса Стюарта. В роли судьи перед нами предстает настоящий гигант судебного дела. Его играет настоящий прокурор Джозеф Уэлч, чьи настойчивые попытки докопаться до истины («Где же ваша совесть?») буквально положили конец карьере сенатора Джозефа МакКарти.

«Анатомия убийства» — один из лучших фильмов о расследовании, гораздо менее запутанный, нежели замечательный, хотя и несколько утрированный фильм «12 разгневанных мужчин». Стюарт и Скотт (оба были номинированы на «Оскар») великолепно справились со своими «судебными» ролями. Их персонажи имеют высокую самооценку и умело ведут себя, чтобы оказать давление на присяжных. К. Н.

 

ГЛАЗА БЕЗ ЛИЦА (1959)

LES YEUX SANS VISAGE

Франция/Италия (Champs-Élysées, Lux), 88 мин., черно-белый

Язык: французский

Режиссер: Жорж Франжю

Продюсер: Жюль Боркон

Автор сценария: Пьер Буало, Клод Сотэ, Пьер Гаскар, Том Нарсежак, по роману Жана Редона

Оператор: Эжен Шюффтан

Музыка: Морис Жарр

В ролях: Пьер Брассер, Эдит Скоб, Алида Валли, Франсуа Герен, Александр Риньо, Беатрис Альтариба, Жюльетт Меньель, Шарль Блаветт, Клод Брассер, Мишель Эчеверри, Иветт Этьеван, Рене Женен, Люсьен Юбер, Марсель Перес

О фильме Жоржа Франжю «Глаза без лица» было написано немало; это единственный фильм ужасов одного из основателей Парижской синематеки. Хотя картина справедливо считается выдающейся для своего жанра, часто проводятся аналогии его вымышленного сюжета и поэтического образного воплощения с творениями таких мастеров, как Жан Кокто и Эдгар Аллан По. Талантливый врач Женесье (Пьер Брассер), проводящий эксперименты по борьбе с отторжением пересаженных органов, хочет найти молодую женщину, которая «отдаст» свое лицо его дочери Кристиан (Эдит Скоб), обезображенной во время автокатастрофы, произошедшей по его вине.

Главные герои, безумный ученый и его помощница (Алида Валли), наделены Франжю сложной и чувствительной натурой, не говоря о «монстрах», которые не дают ему покоя. С первых кадров режиссер заставляет зрителей поверить в существование Кристиан без лица. В первой сцене мы видим ночной пейзаж французской деревни в освещении двух фар машины, что создает впечатление безликости, сравнимое с отсутствием лица у Кристиан. Но это лишь внешний фасад. Наше первое знакомство с фильмом происходит как бы из-под этой маски, и когда мы наконец видим лицо Кристиан, наше внимание привлекает не сама маска и не оголенные мышцы лица (когда она снимает маску), а глаза молодой женщины, которые мы уже как будто видели в первом кадре. И это придает фильму убедительность: для доктора Женесье мы являемся теми самыми «монстрами», из-за которых он совершает свое ужасное преступление.

Картину «Глаза без лица» можно считать театром «Гран-Гиньоль» на большом экране: в фильме много страшных моментов: маска Кристиан, ее обезображенное лицо и другие медицинские откровения и, наконец, эпизод, в котором доктора Женесье раздирают на части его собственные собаки. В подобных сценах Франжю показывает нам различие между высокими и низкими культурными вкусами, а также красоту и поэзию, скрытые под маской ужаса из-за отказа режиссера отойти от графических изображений. Если бы мы в действительности являлись теми монстрами, из-за которых он совершал свои преступления, все происходящее не показалось бы нам столь ужасным. М. К.

 

ОДИНОКИЙ ВСАДНИК (1959)

RIDE LONESOME

США (Columbia), 73 мин., истменколор

Режиссер: Бадд Беттикер

Продюсеры: Бадд Беттикер, Гарри Джо Браун

Автор сценария: Берт Кеннеди

Оператор: Чарлз Лоутон-мл.

Музыка: Хайнц Ремхельд

В ролях: Рэндолф Скотт, Карен Стил, Пернелл Робертс, Джеймс Бест, Ли Ван Клиф, Джеймс Коберн

Семь вестернов Бадда Беттикера с Рэндолфом Скоттом в главной роли примечательны благодаря многим моментам. Это многогранная игра видавшего виды Скотта, выразительная игра исполнителей ролей второго плана, красивые виды и приглушенный, но все же ощутимый оттенок трагедийности. «Одинокий всадник» отличается от остальных вестернов своим оптимистичным финалом и беззаботными отношениями между Робертсом и Коберном, излюбленными исполнителями отрицательных ролей у Беттикера. Фильм снят по превосходному сценарию Б. Кеннеди.

Охотник за преступниками с необычным именем Бен Бригейд (Скотт), захватив в первой сцене фильма опасного убийцу (несколько инфантильный Джеймс Бест), везет его, чтобы получить вознаграждение. По пути Бригейд против своей воли приобретает трех попутчиков: привлекательную жену начальника станции (Карен Стил) и веселых головорезов (Робертса и Коберна), собирающихся украсть у Бригейда его пленника. Тем временем еще один преступник, брат пленника (Ли Ван Клиф), в спешке преследует группу.

Герои фильма постоянно соревнуются в достижении своих целей — ни один из них не может и шагу ступить без того, чтобы кто-нибудь не помешал ему. И все они понимают, что впереди их ждет неизбежное разоблачение. В широкоэкранном фильме Беттикер отдает должное как остроумию сценария, так и превосходной игре актеров. К. Фу.

 

ЧЕРНЫЙ ОРФЕЙ (1959)

ORFEU NEGRO

Бразилия/Франция/Италия (Dispat, Gemma, Tupan), 100 мин., истменколор

Язык: португальский

Режиссер: Марсель Камю

Продюсер: Саша Гордин

Авторы сценария: Винисиус Де Мораэс, Марсель Камю, Жак Вио по пьесе «Orfeu do Carnaval» Винисиуса Де Мораэса

Оператор: Жан Бургуан

Музыка: Луис Бонфа, Антонио Карлос Жобим

В ролях: Брену Меллу, Марпесса Дон, Л. де Оливейра, Леа Гарсиа, Адемар Да Сильва, А. Константино, В. Де Суза, Ж. Душ Сантуш, А. Кассиано

«Оскар»: Франция (за лучший иностранный фильм)

Каннский кинофестиваль: Марсель Камю (Золотая пальмовая ветвь)

Фильм Марселя Камю по мотивам мифа об Орфее, действие которого происходит во время карнавала в Рио-де-Жанейро, неожиданно завоевал «Золотую пальмовую ветвь» на Каннском кинофестивале, а позже был удостоен «Оскара» за лучший иностранный фильм. «Черный Орфей» снимался в духе неореализма — в нем принимали участие актеры-непрофессионалы, а съемки велись на переполненных улицах Рио. Картина получила признание благодаря яркому, живому отображению жизни и традиций бразильцев. Она считалась необычной для своего времени, так как была одной из первых, где играли актеры только с черным цветом кожи. Фильм привлекает еще и замечательной музыкой.

Как ни странно, в Бразилии картину часто критикуют из-за того, что в ней усиленно подчеркивается экзотичность страны, где всю ночь напролет танцуют карикатурно изображенные страстные латиноамериканцы. Хотя такая критика вполне оправданна и в ней отражены политические воззрения того времени, «Черный Орфей» — замечательное произведение своего жанра. Превосходно играют Марпесса Дон и Брено Мелло. Сцены с изображением реки Стикс и перевозчика душ Харона просто незабываемы. В образе Харона предстает ночной сторож правительственного учреждения, стоящий в коридоре с развевающимися по ветру кусочками бумаги. Р. Х.

 

ТЕНИ (1959)

SHADOWS

США (Lion), 81 мин., черно-белый

Режиссер: Джон Кассаветис

Продюсеры: Сеймур Кассел, Морис МакЭндри

Автор сценария: Джон Кассаветис

Оператор: Эрих Коллмар

Музыка: Шифи Хади

В ролях: Бен Карразерс, Лелия Голдони, Хью Херд, Энтони Рэй, Деннис Саллас, Том Аллен, Дэвид Покитиллоу, Руперт Кросс, Дэвид Джоунс, Пир Марини, Виктория Варгас, Джек Акерман, Жаклин Уэлкотт, Клифф Карнелл, Джей Крекко

Первый, превосходно снятый на 16-мм пленке фильм Джона Кассаветиса, впоследствии расширенный до 35 мм, полон горького сарказма. В нем повествуется о двух братьях и сестре, живущих вместе в Манхэттене. Старший брат — никудышный певец в ночном клубе (Хью Херд) имеет черный цвет кожи, тогда как остальные двое (Б. Карразерс и Л. Голдони) — достаточно светлокожие, чтобы сойти за белых. Это единственный фильм Кассаветиса, снятый при отсутствии сценария в полном смысле этого слова. Хотя исследователь творчества Кассаветиса Рэй Карни объяснил, что заключительная надпись в фильме, называющая все увиденное зрителями импровизацией, скорее всего сделана для отвода глаз и не отражает объективную позицию автора. В действительности над сюжетом «Теней» в основном работали Кассаветис и Роберт Аллан Артур, под руководством которых импровизировали актеры. Ранний и короткий вариант фильма с более свободным повествованием, по-видимому, утерян.

Редко в американских фильмах мы ощущаем столько неподдельной теплоты, деликатности и искренности. Фильм вышел на экраны одновременно с ранними шедеврами французской «новой волны», такими как «На последнем дыхании» и «Четыреста ударов», и его можно поставить в один ряд с ними благодаря свежей и свободной творческой манере авторов. В картине показан уже несуществующий Манхэттен в период битников. Она служит отражением того тяжелого времени. Актеры играли под своими именами. Главные роли в фильме исполнили Тони Рэй (сын режиссера Николаса Рэя), Руперт Кросс, Деннис Саллас, Том Аллен, Дейви Джоунс, а в эпизодических ролях снялись сам Кассаветис и Сеймур Кассел.

Превосходное джазовое музыкальное сопровождение Чарлза Мингуса с солирующим альт-саксофоном в исполнении Шифи Хади столь же экспрессивно, как и накал страстей фильма. Вполне понятно, что Кассаветис создавал и лучшие фильмы, но, наряду с его последним творением «Потоки любви» (1984), в котором также повествуется о теплых взаимоотношениях между братьями и сестрами, фильм «Тени» достоин восхищения. Дж. Роз.

 

МИР АПУ (1959)

APUR SANSAR

Индия (Satyajit Ray), 117 мин., черно-белый

Язык: бенгали

Режиссер: Сатьяджит Рай

Продюсер: Сатьяджит Рай

Автор сценария: Сатьяджит Рай по роману «Непокоренный» Бибхутибхушана Бандьопадхьяй

Оператор: Субрата Митра

Музыка: Рави Шанкар

В ролях: Сумитра Чаттерджи, Шармила Тагор, Алок Чакраварти, Свапан Мухерджи, Дхиреш Маджумдар, Сефалика Дэви, Дхирен Гхош, Беларани, Шанти Бхаттачерджи, Абхиджит Чаттерджи

Фильм «Мир Апу» завершает трилогию фильмов об Апу, которая прославила Сатьяджита Рая и познакомила мир с индийским кино. Взрослый Апу (Сумитра Чаттерджи), став сиротой, живет в жалкой комнатенке в Калькутте и стремится стать писателем. Его друг Пулу (Свапан Мухерджи) приглашает его на свадьбу своей сестры Апарны (Шармила Тагор) в небольшую бенгальскую деревушку. Однако счастье длится недолго: жених оказывается сумасшедшим. Но если невеста не выйдет замуж в назначенный час, она будет навеки опозорена. В знак протеста сбитый с толку Апу женится на девушке и забирает молодую жену с собой в город. Несмотря на столь поспешную свадьбу, их брак оказывается удачным. После года счастливой жизни Апарна возвращается домой, чтобы родить ребенка. Апу получает письмо, из которого узнает, что она умерла во время родов. Потрясенный Апу отказывается даже видеть своего сына. Через пять лет Пулу находит Апу работающим в далекой угольной шахте и уговаривает вернуться и взять на себя заботу о ребенке. Сначала мальчик грубо отвергает чужака, но постепенно между ними возникает хрупкое доверие, и тогда Апу с сыном на плечах возвращается обратно в свои родные места и в мир.

Таким образом, в конце происходит возвращение Апу в его родную деревушку, в его воспоминания детства, и это придает всей трилогии завершенность. В каждом из фильмов об Апу сюжет вертится вокруг двух смертей, хотя в «Мире Апу» вторым умирает сам Апу. Здесь он умирает духовно после потери Апарны, и лишь случай спасает его от самоубийства. Его возрождение происходит после признания своего сына. Для предполагаемого самоубийства он выбирает поезд. В фильме, как и во всей трилогии, поезд символизирует непреодолимые безликие силы, приносящие с собой изменения, разлуку и смерть.

Ядром фильма является свадьба Апу и Апарны. Она совершается в спешке, в рамках экранного времени занимая не более получаса, и все же она несет в себе сильный эмоциональный и чувственный заряд. Рай не стремится к непосредственному показу сексуальных отношений молодоженов. Даже если бы он попытался, индийские моральные устои не допустили бы этого. Но режиссер передает мощные эротические чувства, связывающие героев, через детали. Рай разглядел талант Чаттерджи и Тагор, для которых фильм стал дебютом в кино. Они исполняют свои роли с удивительной глубиной и достоверностью. Неудивительно, что оба актера стали звездами индийского кино, а также главными исполнителями в фильмах Рая. Тагоре, необычайно прелестной в роли Апарны, во время съемок было всего 14 лет. Благодаря игре этих актеров и неподдельной теплоте и утонченности режиссуры Рая любовь главных героев является одним из наиболее трогательных и ярких описаний супружеской отношений в истории кино. «Мир Апу» не просто завершает превосходно снятую трилогию Рая, это также волнующий рассказ о любви и утрате. Ф. К.

 

НА ПОСЛЕДНЕМ ДЫХАНИИ (1959)

À BOUT DE SOUFFLE

Франция (Impéria, Georges de Beauregard, SNC), 87 мин., черно-белый

Язык: французский

Режиссер: Жан-Люк Годар

Продюсер: Жорж де Борегар

Авторы сценария: Жан-Люк Годар, Франсуа Трюффо

Оператор: Рауль Кутар

Музыка: Марсьяль Солаль

В ролях: Жан-Поль Бельмондо, Джин Себерг, Даниэль Буланже, Жан-Пьер Мельвиль, Анри-Жак Юэ, Ван Дуд, Клод Мансар, Жан-Люк Годар, Ришар Бальдуччи, Роже Анен, Жан-Луи Ришар, Лилиан Давид, Жан Демарши, Жан Душе, Реймонд Хантли, Андре С. Лабарт, Франсуа Морей, Лилиан Робен

Берлинский международный кинофестиваль: Жан-Люк Годар (Серебряный медведь), номинация (Золотой медведь)

Что привлекает молодых зрителей к этому фильму Жана-Люка Годара в наш век телевизионной рекламы, когда кинозвезды, снимавшиеся в нем, давно ушли в мир иной (в том числе Джин Себерг) или больше не снимаются (например, Жан-Поль Бельмондо)? В современных «комедиях нравов» нас заставляют смеяться над нелепостями американского и европейского образа жизни. Нас постоянно пичкают второсортными телевизионными боевиками с дешевым гангстерским сюжетом и пронырливыми ловкачами, щеголяющими новомодными словечками.

Как ни странно, для Годара с его бунтарским мировоззрением и столь стремительной карьерой фильм «На последнем дыхании» был достаточно скромным дебютом. Картина со страшным сюжетом, предательством, полицейскими погонями и заключительной перестрелкой — настоящий триллер. Джазовое музыкальное сопровождение, написанное Марсьялем Солалем, вполне в духе «черного» фильма.

Но не стоит забывать и о скрытых достоинствах фильма. Снимая сцены несчастных случаев и других подобных сцен, Годар использовал моментальный стиль съемки и обходился минимальными средствами. Проявив изобретательность, достойную Орсона Уэллса, Годар отказался от непосредственной записи речи и общего озвучания фильма, что не только ускорило работу над диалогами, но и позволило создать звуковое сопровождение, в котором невозможно было отличить настоящие звуки от тех, которые наложил режиссер. Аналогичным образом, павильонная съемка способствовала появлению нового творческого метода, в котором последовательность лишь слегка отличающихся кадров складывается в кубистскую мозаику различных настроений и личностей героев.

Фильм «На последнем дыхании» не остался незамеченным, но именно благодаря любовной истории он сохраняет свою огромную популярность у нашего поколения. В послевоенную эпоху последователи экзистенциализма, культуры битников и поп-культуры воспринимают любовь как игру, а сами являются бессознательными бунтарями. Герои фильма мечутся между отвергаемыми ими традиционными ценностями и другим, пока не материализовавшимся способом любви. Все это кажется знакомым, не правда ли? Э. Мат.

 

БЕН-ГУР (1959)

BEN-HUR

США (MGM), 212 мин., техниколор

Режиссер: Уильям Уайлер

Продюсер: Сэм Зимбалист

Авторы сценария: Карл Танберг по роману Лью Уоллеса

Оператор: Роберт Сертис

Музыка: Миклош Рожа

В ролях: Чарлтон Гестон, Джек Хоукинс, Хайя Харарит, Стивен Бойд, Хью Гриффит, Марта Скотт, Кэти О’Доннелл, Сэм Джаффе, Финлэй Карри, Фрэнк Тринг, Теренс Лонгдон, Джордж Релф, Андре Морелл

«Оскар»: Сэм Зимбалист (лучший фильм), Уильям Уайлер (режиссер), Чарлтон Гестон (лучший актер), Хью Гриффит (мужская роль второго плана), У. А. Хорнинг, Э. К. Карфаньо, Х. Хант (художественное оформление и декорации), Роберт Сертис (оператор), Элизабет Хаффенден (дизайн костюмов), А. Арнольд Гиллеспи, Р. МакДоналд, Майло Б. Лори (спецэффекты), Р. Э. Уинтерс, Дж. Д. Даннинг (монтаж), Миклош Рожа (музыка), Франклин Милтон (звук)

Номинации на «Оскар»: Карл Танберг (сценарий)

Сюжет фильма Уильяма Уайлера «Бен-Гур» основан на романе, написанном участником Гражданской войны 19-го в. генералом Лью Уоллесом. Это третья и самая знаменитая версия легендарного сказания о христианском прощении во времена жестокой Римской империи. Данный фильм знаменит захватывающей, стремительной гонкой на колесницах, съемка которой обошлась в 1 млн. долларов, не говоря уже о бюджете всего фильма. В нем приняли участие 350 актеров, имеющих реплики, а также 50000 участников массовки. «Бен-Гур» был номинирован на 12 премий «Оскар» и удостоен одиннадцати из них. Этот рекорд повторил лишь «Титаник» 40 лет спустя. Чрезмерный размах постановки этого фильма казался чем-то немыслимым, что прослеживается и в знаменитой фразе Морта Саля: «Возлюби Христа, возненавидь Бен-Гура».

Сюжет картины об Иисусе Христе завязан на дружбе между римлянином Мессалой (С. Бойд) и молодым евреем Иудой Бен-Гуром (Ч. Гестон), за которым начинается охота после покушения на жизнь римского правителя. Бен-Гура отправляют в рабство на галеры, его жену и сестру похищают, и он страстно желает смерти Мессалы, который к тому времени становится римским легионером. Их дуэль происходит в знаменитой, смертельно опасной гонке на колесницах. В итоге получилось более 40 версий сценария. Одним из сценаристов был Гор Видал, настаивавший на том, чтобы в фильме между Мессалой и Бен-Гуром были гомосексуальные отношения. Если приглядеться, можно догадаться об этом из игры Бойда.

Основной темой фильма «Бен-Гур» является любовь, а ставился он с целью получения прибыли: студия MGM находилась в очень стесненном финансовом положении. Несмотря на значительные проблемы во время съемок, зрелищность фильма гарантировала его успех у зрителей. Это спасло киностудию от разорения, а Гестон стал знаменитостью. К. К.

 

КАРМАННИК (1959)

PICKPOCKET

Франция (Lux), 75 мин., черно-белый

Язык: французский

Режиссер: Робер Брессон

Продюсер: Аньес Делаэ

Автор сценария: Робер Брессон

Оператор: Леонс-Анри Бюрель

Музыка: Жан-Батист Люлли

В ролях: Мартэн Ласалль, Марика Грин, Жан Пелегри, Долли Скаль, Пьер Лемари, Кассажи, Пьер Этэ, Сезар Гаттеньо

Берлинский международный кинофестиваль: Робер Брессон — номинация (Золотой медведь)

В своих фильмах Робер Брессон стремится показать духовную бедность жизни парадоксальным способом: он раскрывает перед зрителями не поддающиеся описанию понятия, соединяя их в конкретные изображения и звуки. Брессон запечатлевает камерой каждую деталь и нюанс физического мира. Актеры в его фильмах не драматизируют события, в сценах отсутствует мелодраматизм, сюжет, как правило, несложный — повествование у Брессона ведется посредством развития действия. Невозмутимый голос за кадром дает объяснение мотивам и чувствам героев. В фильмах Брессона часто играли непрофессиональные актеры, которых он называл «моделями», и режиссер настаивал, чтобы они избегали театральности и плавно «двигались» по мере развития сюжета. В его фильмах все детали упрощены. Такая упрощенность и медленное развитие действия предоставляют зрителю возможность свободно интерпретировать происходящее на экране, таким образом и зрители, и актеры задают одни и те же вопросы и пытаются решить затронутые проблемы.

Картина «Карманник» — один из наиболее ярких примеров характерного стиля Брессона. Главный герой Мишель (Мартэн Ласалль), недовольный жизнью молодой интеллектуал, одержим карманным воровством. Вначале такие кражи служат для него лишь средством свести концы с концами, но вскоре он начинает воспринимать это как творческое действие. После неумелой попытки он сразу же попадает в руки полиции. Впоследствии Мишель становится учеником профессионального вора. Сцены, в которых Мишель ворует, очень захватывающие и виртуозные. Хотя Мишель продолжает общаться с больной матерью и у него есть девушка Жанна (Марика Грин), именно карманное воровство дает ему ощущение полноценного эмоционального человеческого общения. Это становится еще более очевидным, когда Мишель продолжает воровать уже не с целью финансового обогащения, и, когда в конце его арестовывают, он проявляет полное безразличие.

Хотя Брессон избегает использования традиционных элементов драмы, «Карманник» — увлекательная картина. В то же время нас не могут не волновать моральные проблемы и чувство изолированности Мишеля. Это один из тех фильмов, которые полностью меняют наше представление о том, что такое кино и чем оно может стать. Брессон — один из самых оригинальных режиссеров-новаторов. Ему удается раскрыть внутренний мир героев и абстрактные философские понятия. Брессон предстает в «Карманнике» чрезвычайно изобретательным режиссером. Он добивается нужного эффекта, используя характерные особенности кинематографа, и создает нечто необычное средствами реального мира. «Карманник» Брессона занимает достойное место в мировом кинематографе, и просмотр фильма — непростое, но очень приятное занятие. Р. Х.

 

ХИРОСИМА, МОЯ ЛЮБОВЬ (1959)

HIROSHIMA MON AMOUR

Франция/Япония (Argos, Como, Daiei, Pathé), 90 мин., черно-белый

Язык: французский/японский/английский

Режиссер: Ален Рене

Продюсеры: Анатоль Доман, Сами Альфон, Саша Каменка, Такео Сиракава

Автор сценария: Маргерит Дюрас

Операторы: Митио Такахаси, Саша Вьерни

Музыка: Жорж Делерю, Джованни Фуско

В ролях: Эммануэль Рива, Эйдзи Окада, Стелла Дассас, Пьер Барбо, Бернар Фрессон

Номинация на «Оскар»: Маргерит Дюрас (сценарий)

В своем первом художественном фильме Ален Рене воспользовался опытом съемок документального кино. Француженка (Эммануэль Рива) заводит роман с японским архитектором (Эйдзи Окада) в Хиросиме, куда она прилетела на съемки фильма. Рене использовал материал документального фильма 1945 г. о ядерной атаке на город, а также кадры с изображением музея и восстановленной Хиросимы. (В действительности, вначале предполагались съемки документального фильма о сброшенной на Хиросиму бомбе, но впоследствии Рене решил использовать отснятый материал в художественном фильме.) Эти кадры перемежаются с лирическими сценами любовных отношений главных героев, и нежная любовь на фоне ужасов войны заставляет актрису вспомнить свое собственное прошлое во французском городе Невер. Во время войны у нее был роман с немецким солдатом, и она собиралась уехать с ним, но в последний день сражения он был убит. Дорогие до боли воспоминания отчетливо всплывают в памяти по мере развития романа с японским архитектором. В конце фильма этому роману приходит конец, и оба они возвращаются к своим супругам.

Сценарий был написан Маргерит Дюрас, творчество которой оказало значительное влияние на французское кино. Впоследствии она сама стала режиссером, и ее работы показывают, насколько ее волновала роль воспоминаний и влияние прошлого на настоящее. В картинах Рене память о прошлом также является постоянной темой. Один из его документальных фильмов о Французской национальной библиотеке носит название «Вся память мира» (1956). В картине «Хиросима, моя любовь» Рене часто прерывает действие ретроспективными кадрами, которые постепенно раскрывают завесу прошлого и его влияние на настоящее. Такому творческому методу в значительной степени способствует навязчивая музыка Джованни Фуско и Жоржа Делерю, а также яркая и выразительная игра актеров. В особенности Рива, лицо которой отражает все ее противоречивые чувства, вплоть до нюансов. Фильм как будто говорит нам, что наша личность зависит от наших воспоминаний, но в конечном итоге они тускнеют и исчезают из памяти. Э. Б.

 

РИО БРАВО (1959)

RIO BRAVO

США (Armada), 141 мин., техниколор

Режиссер: Ховард Хоукс

Продюсер: Ховард Хоукс

Авторы сценария: Ли Брэккет, Джулс Фертман по рассказу Б. Х. МакКэмпбелл

Оператор: Расселл Харланн

Музыка: Дмитрий Тёмкин

В ролях: Джон Уэйн, Дин Мартин, Рикки Нелсон, Энджи Дикинсон, Уолтер Бреннан, Уорд Бонд, Джон Расселл, Педро Гонзалес Гонзалес, Эстелита Родригес, Клод Эйкинс, Малькольм Аттербери

В фильме Фрэда Циннемана «Ровно в полдень» (1952) речь шла о мужественном поведении человека, столкнувшегося с проблемами правосудия. Картина Ховарда Хоукса «Рио Браво» служит своеобразной реакцией на фильм «Ровно в полдень». В нем повествуется еще об одном смелом человеке, также действующем от лица правосудия, но на этот раз история разворачивается в небольшом техасском городке, и шериф Джон Т. Чанс (Джон Уэйн) не одинок. На его стороне местный пьяница (Рики Нелсон) и старый калека помощник по прозвищу Коротышка (Уолтер Бреннан). Вместе они должны справиться с бандой головорезов, которые наводнили город, чтобы вытащить брата ранчеро из тюрьмы.

Хоукс всегда считался одним из самых уважаемых и многогранных режиссеров, но после фильма «Джентльмены предпочитают блондинок» (1953) из-за досадного недоразумения он покинул Америку и поселился в Европе. «Рио Браво» стал достойным символом его возвращения в Америку, к своему творчеству. Апофеозом картины стала осада города, когда разносортные герои собрались для последнего сражения.

Картина Хоукса стала классикой жанра. По ее мотивам создавали свои фильмы такие режиссеры-почитатели творчества Хоукса, как Джон Карпентер и Джордж Ромеро. Они считали, что скромное художественное оформление фильма «Рио Браво» вполне подходит и для их собственных малобюджетных картин. В фильме Хоукса важна не сама осада, а взаимоотношения между героями, участвующими в ней. Собрав их всех в одном месте, Хоукс с удовольствием наблюдал, как они наскакивали друг на друга, раскрывая в своих героях интересные, но малозаметные черты характера, которые помогают им преодолевать значительные препятствия. Фильм «Рио Браво», вышедший на экраны вскоре после знаменитого вестерна Джона Форда «Искатели» (1956), считается одной из последних в своем жанре. Этот увлекательный старомодный вестерн проводит четкое разграничение между хорошими героями и плохими. Дж. Кл.

 

ДЫРА (1959)

LE TROU

Франция/Италия (Filmsonor, Play Art, Titanus), 109 мин., черно-белый

Язык: французский

Режиссер: Жак Беккер

Продюсер: Серж Зильберман

Авторы сценария: Жан Орель, Жак Беккер, Жозе Джованни, по роману Жозе Джованни

Оператор: Гислен Клоке

Музыка: Филипп Артюи

В ролях: Мишель Константен, Жан Кероди, Филипп Леруа, Раймон Мёнье, Марк Мишель, Андре Бервиль, Жан-Поль Коклен, Эдди Разими, Жерар Эрнандес, Поль Павель, Катрин Спаак, Доминик Зарди

Фильм «Дыра» — последняя работа замечательного, но малоизвестного режиссера Жака Беккера. Он снят по мотивам романа Жозе Джованни, в котором рассказывается подлинная история о попытке побега из тюрьмы, предпринятой автором в 1947 г. Беккер писал сценарий вместе с Джованни, в его фильме играют актеры-непрофессионалы, и один из них, Жан Кероди, в реальной жизни сыграл ту же роль, что и в фильме.

Участие непрофессиональных актеров подчеркивает достоверность этой необычной картины. Сцена, в которой пять сокамерников разбивают каменный пол камеры, была снята почти за четыре минуты. При этом мы ощущаем, что герои тратят столько же усилий, сколько бы они потратили в реальной жизни. Мы сопереживаем героям Беккера и заодно с ними участвуем в их борьбе.

Нас еще сильнее задевают их проблемы, потому что мы разделяем, хотя и не до конца, точку зрения Гаспара (Марк Мишель), заключенного, переведенного из другой камеры, который неожиданно нарушает покой заключенных. Его появление заставляет остальных принять решение: либо отказаться от своего плана, либо рассказать Гаспару о нем. Хотя заключенные выбирают второй вариант, Гаспару так никогда и не удается слиться с группой. Его отличает не только образование и манеры, но и то, что нам известны подробности лишь его преступления. Напряжение, вызываемое его присутствием, создает особый психологический настрой, который достигает особого трагизма в заключительной сцене.

Показывая одиночество Гаспара, Беккер позволяет нам понять и оценить братство других заключенных. Товарищеские отношения между сокамерниками можно заметить по одобрительным взглядам и улыбкам на каждой ступени к свободе. В один из редких моментов, когда Гаспар находит общий язык с заключенными, он делится с ними рисовой лепешкой. Много лет спустя после Беккера режиссеры стали приглушать звук в важных сценах, тогда как у Беккера в некоторых сценах звук отсутствует вообще. Это говорит о его стремлении изображать персонажей за рамками условностей, созданных требованиями сюжета.

Фильм сравнивали с картиной Робера Брессона «Приговоренный к смерти бежал» (1956) и «Великая иллюзия» (1937) Жана Ренуара, но Беккера меньше волновала трансцендентальность Брессона и критика Ренуаром социального неравенства. Наше внимание привлекают положительные качества заключенных — тщательный подход к любому делу, изобретательность и способность сформировать коллектив. Возможно, из всех режиссеров, включая даже Ховарда Хоукса, Беккер лучше всех объединил эти качества.

Во время съемок и монтажа Беккер был тяжело болен и ко времени озвучания уже умер. Фильм был завершен в соответствии с пожеланиями режиссера, но после его выхода на экраны в первоначальной версии длиной в 140 мин. продюсер Серж Зильберман сократил его примерно на 24 мин. для улучшения возможностей проката. Оставшийся материал считается утерянным, но несмотря на это «Дыра» является настоящим шедевром. К. Фу.

 

ПЛАВУЧИЕ ТРАВЫ (1959)

UKIKUSA

Япония (Daiei), 119 мин., истменколор

Язык: японский

Режиссер: Ясудзиро Одзу

Продюсер: Масаити Нагата

Авторы сценария: Кого Нода, Ясудзиро Одзу

Оператор: Кадзуо Миягава

Музыка: Таканобу Саито

В ролях: Гандзиро Накамура, Матико Кьо, Аяко Вакао, Хироси Кавагути, Харуко Сугимура, Хикару Хоси, Йосукэ Ириэ, Кодзи Мицуи, Хитоми Нодзоэ, Тисю Рю, Масахико Симадзу, Харуо Танака, Кумэко Урабэ, Мантаро Усио

Фильм «Плавучие травы» — вторая цветная работа Ясудзиро Одзу, снятая оператором Кадзуо Миягава. Это прекрасный поздний фильм Одзу, в которой он проявил свое возрастающее мастерство и разнообразие чувств. Будучи одним из ремейков, созданных Одзу в этот период, фильм повествует о труппе бродячих актеров («плавучие травы») и сохраняют свойственное режиссеру стремление показывать отношения между семьями и поколениями. В отличие от другой картины Одзу «Повесть о плавучих травах» (1934), более драматичной с комичными эпизодами, «Плавучие травы» получились гораздо более мрачными, с элементами ностальгии и философии, что можно проследить во многих сценах, где царит спокойствие и сочетание приглушенного изображения и звука.

Хотя Одзу обычно много экспериментирует с пространством, этот фильм производит впечатление серии соединяющихся друг с другом натюрмортов, и его ритм соответствует спокойному, повторяющемуся ритму повседневной жизни. В первом кадре автор сравнивает бутылку и маяк по объему, форме и цвету, и во всем этом не предполагается и намека на движение. Звук пыхтящего мотора лодки усиливает «целостность» и «завершенность» изображения на экране. В таких эпизодах фильм достигает безмятежности и спокойствия, которые можно сравнить даже с самой грустной работой Одзу «Токийская история» (1953). Э. Д.