Неизвестный мастер. Мадонна с Младенцем и птицей. 1745

Себастьян Лопез де Артеага Архангел Михаил и бык. Около 1650. Холст, масло. 190,5x154,9

Главной целью Испанской короны в Америке было распространение католичества. Строилось много храмов, а европейские художники отправлялись в Новый Свет, чтобы украсить их. Так, Себастьян Лопез де Артеага переехал в Мексику из Севильи около 1640.

Это большое зрелищное полотно изображает архангела Михаила в его святилище на горе Гаргано. Сюжет справа повествует о пастухе, обнаружившем своего пропавшего лучшего быка коленопреклоненным у входа в пещеру — обитель святого. Попытки вернуть животное не увенчались успехом, и тогда мужчина пустил в него стрелу. Она чудесным образом поменяла направление и ранила его самого. В левом нижнем углу картины — местный епископ. Занимателен характер связи между персонажами. Иконная фигура архангела указывает священнослужителю на событие, происходящее в правой части произведения. Сцена с пастухом и быком дана в нескольких фазах: герой выпускает стрелу, она летит, затем возвращается и ранит его, раненый лежит на земле.

Лопез де Артеага, последователь испанского живописца Франциско де Сурбарана, написал эту картину в манере тенеброссо — стиля, главными чертами которого являются драматическое освещение и театральность композиции.

Неизвестный мастер Крестоцвет. Около 1650. Золото, изумруды, жемчуг

Когда в 1519 Эрнан Кортес и его небольшая армия прибыли в Мексику, они обнаружили много золота. Металл впоследствии сыграл с завоевателями злую шутку: обилие привело к его обесцениванию, кроме того, испанцы перестали развивать производство и сельское хозяйство, что, в конечном счете, привело к отставанию в развитии от Франции и Англии. Аборигены Америки имели древнюю традицию металлообработки, включавшую филигрань, отливку, ковку. Прибывшие испанские кузнецы восприняли ее: приемы смешивались и обогащали друг друга, вылившись в итоге в роскошный стиль колониального барокко и рококо.

Представленный крестоцвет являлся частью венца большой скульптуры Девы Марии.

Приписывается Хуану Батисту Васкесу Дева Мария в молитве. Около 1675. Холст, масло. 49,5x34,6

Изображение Мадонны встречается во всех христианских культурах. Появилось оно не сразу — первый образ Девы Марии датируется III веком, немного позже, чем Христа, и с тех пор занимает почетное место в росписях церквей и на иконах. Всплеск интереса к нему наблюдается в XIII столетии — в это время почитание Мадонны превращается в целый культ, Мария наделяется различными атрибутами, ее начинают связывать с апокалиптической женой; тщательно изучаются апокрифы, и вследствие этого церкви, посвященные ей, полностью расписываются сценами из ее жизни. Особое отношение к Богоматери испанцы увозят с собой в Америку, на этой почве возникает целый букет новых иконографических прочтений. Мария Гваделупская — самое известное из них.

Хотя образ молящейся Богоматери присутствует в христианских росписях и иконах с самых ранних веков, в них Мадонна изображается более торжественной. В византийской и русской традициях это Оранта — Богоматерь в полный рост с воздетыми к небу руками. Интимное моление погруженной в себя Девы Марии, представленное на этой картине, возникает в европейском искусстве значительно позже. Оно появляется в работах Франсиско де Сурбарана — именно к нему восходит данное произведение, что подтверждают и колорит, и манера живописи.

Неизвестный мастер Миска. Конец XVII века. Керамика, свинцовая или оловянная глазурь, кобальтовая раскраска. Высота — 1 5,2

Керамика производилась на территории Америки задолго до прихода европейцев. Однако именно они принесли сюда майолику — технику, изобретенную в Средней Азии, перенятую испанцами от мусульман в процессе арабского завоевания страны в VIII–XVI веках. Так, Пуэбла в Мексике и Лима в Перу стали центрами производства майолики. Там родились особые стили росписи, которые представляли собой смесь раннеисламских, испанских, древнеиндейских образцов и китайского фарфора.

В центре композиции и донышка миски — всадник, написанный в довольно свободной манере. Стоит обратить внимание на точечное заполнение, объединяющее фигуры коня и человека, намекая, что они — единое целое. Этот метод позволяет выделить главный рисунок из окружающего орнамента. Динамику узора подкрепляют круглящиеся линии развевающейся на ветру накидки. Персонажа окружает пейзаж, заключенный в окружность миски. Занимателен ракурс: он напоминает древнеегипетские росписи. Стенки сосуда украшает причудливая смесь арабских и китайских орнаментов, написанных более густыми и плотными пятнами.

Неизвестный мастер Дева Мария с веретеном. Около 1700. Холст, масло. 63,5x53,3

Эта картина, как часто бывает в искусстве Нового Света, — причудливое сплетение христианского и доколумбового миропонимания. Образ Девы Марии смешался с образом дев солнца — девушек, выбранных для сакрального прядения ритуальных одежд. Хотя иконография прядущей Мадонны встречается в европейском искусстве (она происходит из апокрифов), для народа Перу данный тип сохранял старые ассоциации.

Мария отвлеклась от работы и смотрит на зрителя. Это заставляет его сосредоточиться на ее деятельности. Вокруг головы Богоматери — небесные силы. Интересен свет в картине: ярким лучом, пробивающим густую темноту, художник выделяет смысловые акценты и одновременно выстраивает композицию. Он акцентирует лик Марии, очень бледный и даже аристократический в контексте ее богатого одеяния, что контрастирует с темными глазами, приковывающими внимание. Вокруг лица группируются светлые пятна ангельских ликов, белизны пряжи и сорочки Богоматери. Одежда и украшение написаны свободными, легкими, но точными мазками, из-за чего они выглядят натуроподобно и живо.

Неизвестный мастер Прием гостей на террасе загородного дома. Ширма. Около 1725. Холст, масло, позолота. 216x555

Ширмы были изобретены в Китае, а усовершенствованы в Японии. В Европу они попали в конце XIV века, в Новом Свете появились лишь к XVIII столетию. Традиционным сюжетом росписи ширм, которыми владели в основном состоятельные люди, являлись сцены отдыха. Такие изделия могут многое рассказать о жизни высшего класса в Мексике XVIII века.

Персонажи в левой части данной ширмы, господа в блистательных вечерних нарядах, за круглым столом играющие в карты, более богато одеты, чем изображенные правее. Это может отражать участие обоих классов в подобных мероприятиях или означать, что группа справа — слуги. Там женщина играет на мексиканской гитаре, ей вторит мужчина на скрипке. Костюмы соответствуют эпохе: на дамах пышные юбки, тугие корсеты, кружевные манжеты и воротнички; жемчуг, золото, драгоценные камни украшают шеи.

Сцена отдыха имеет архитектурное обрамление и пейзаж на заднем плане. Он написан с учетом тональной перспективы: более близкие деревья зеленые, дальние — синеватые. Обилие цветов и птиц настраивает на игривый и расслабленный лад. Эта ширма, несомненно, была прекрасным дополнением интерьера дома какой-нибудь прекрасной представительницы высшего света и радовала ее взор.

Луис Ниньо Богоматерь Победы Малагская. Около 1740. Холст, масло, сусальное золото. 149,8x111,1

Данная картина приписывается Луису Ниньо, боливийскому художнику, скульптору и ювелиру. Он работал в архиепископстве города Потоси, но его произведения были известны даже Европе.

Художник изобразил статую Богоматери Победы из Малаги, считавшейся там покровительницей моряков и путешественников. Это очень торжественный образ Мадонны с Младенцем — традиционного христианского сюжета, но внимательный зритель заметит множество мотивов из искусства доколумбовой цивилизации. На Марии — роскошные одежды с множеством золотых узоров: листы сусального золота накладывались на гипс. В этих орнаментах спрятаны изображения птиц, которых инки почитали за то, что они летают близко к солнцу — главному божеству. Такая щедрость в драгоценном металле была возможна благодаря богатым запасам Нового Света. Широкая одежда Богоматери восходит к традиционным испанским статуям, но форма этого одеяния напоминает Пачамаму — богиню земли инков, которую они изображали в виде горы, что демонстрирует инерцию визуальной культуры. Полумесяц у ног Девы Марии указывает на ее принадлежность к традиционной европейской иконографии «Жены, облеченной в солнце» — образа из Откровения Иоанна Богослова. В то же время этот полумесяц, соединяющийся с двумя вертикальными полосами над ним, напоминает туми — церемониальный нож инков, связанный с символикой победы, вопрос чего — христианства над местной традицией или наоборот.

Неизвестный мастер Святой Фердинанд 1730–1760. Дерево, гипс, золото, раскраска. Высота — 193

Святой Фердинанд — испанский король XIII столетия, мудрый правитель, достигший больших успехов в освобождении Испании и Португалии от арабских завоевателей.

Подобного вида полихромная деревянная скульптура появилась в Средние века, свой расцвет она пережила в Германии XV столетия. Тогда раскраска изваяний не была столь изощренной, для художников являлось главным обозначить основные цвета, а не добиться с ее помощью натуроподобия. Однако для эпохи барокко и дальнейшего развития этого вида искусства в Латинской Америке оказалось важно сделать поверхность живой. Творец, создавая эту скульптуру, использовал множество различных техник. Сначала на дерево накладывался слой гипса, смешанный с красным пигментом. Затем на данную основу наносилось сусальное золото. Часть этой золотой поверхности закрашивалась, после высыхания краска процарапывалась в некоторых местах: так получался очень тонкий узор. Для правдоподобной раскраски лица и рук мастер использовал другую технику: дерево покрывается гипсом, затем краской, после наносится лак с песком, что придает вид человеческой кожи.

Мастерская Бернардо Легарда Богоматерь Кито. Около 1750. Дерево, золото, серебро, раскраска. 44,4x24,1

В XVII веке город Кито, столица Эквадора, был известен как лидер в изготовлении деревянной скульптуры. Эти небольшие фигурки экспортировались по всей Латинской Америке и в Европу. Местные мастера применяли технику эстофадо, которая заключалась в нанесении краски поверх золота и процарапывании узоров. Другой мотив в эквадорской скульптуре — использование серебряного листа, так в данной сделана накидка Богоматери. Работа из мастерской Бернардо Легарда — прекрасный образец тонкой резьбы и умелой раскраски. Стиль барокко с его тяжелыми развевающимися складками и театральными позами был очень любим в Латинской Америке. Ожившее дерево, пришедшее в движение, золото и серебро вместе с монументальной пластикой форм делают произведение торжественным. Это необходимо, так как перед зрителем — Богоматерь в апокалиптическом образе «жены, облаченной в солнце», она должна передавать значительность момента, заставлять прихожан переживать чудесное, но устрашающее своей масштабностью событие, знаменующее конец времен.

Себастьян Сальседо Дева Мария Гваделупская 1779. Медь, масло. 62,8x47,4

Дева Мария Гваделупская с ее характерной лучистой мандорлой и голубой накидкой в звездах — исключительно мексиканский образ, он считается нерукотворным.

В 1531 Мадонна четырежды являлась крестьянину Хуану Диего и повелела построить храм на горе Тепейак. Хуан Диего сообщил об этом местному епископу, но тот ему не поверил. Тогда мужчина попросил Пресвятую Деву о каком-нибудь доказательстве для священнослужителя: Богоматерь позвала его на вершину холма, которая оказалась заполнена цветущими розами. Он срезал несколько и завернул в свой плащ, а когда пришел к епископу и развернул одеяние, на полотне осталось изображение Богородицы. Храм был построен, а Дева Мария Гваделупская стала самым почитаемым образом Латинской Америки. На этой картине она окружена фигурами пророков, святых, ангелов и семью сценами чудес, связанных с ее образом. В нижней части — патриарх Бенедикт XIV и принцесса ацтеков показывают Богоматери северную церковь Мехико.

Неизвестный мастер Принцесса инков Начало XIX века. Холст, масло. 45,8x37,7

Этот холст — посмертный портрет принцессы инков, заказанный ее потомками в доказательство своего высокого происхождения. Надпись в левом нижнем углу гласит о том, что на картине — первая принцесса инков, принявшая христианство. Когда некий мужчина попытался нарушить обет ее целомудрия, девушка обезглавила его. Сделав это, она повторила подвиг Мамы Окьё, первой королевы династии инков и богини плодородия, убившей таким образом врага при завоевании Куско. Этот образ перекликается с ветхозаветной Юдифью, уничтожившей Олоферна.

Полотно притягивает в первую очередь насыщенностью красок. Лазурный фон, заполняющий его большую часть, прекрасно дополняется красным и золотистым. Белая фигура героини написана плоскостно и выглядит очень цельно. С изображением слуги справа и монументом слева композиция становится почти геральдической. Этими средствами достигается выразительность, свойственная архаическому, доколумбовому искусству, что, несомненно, было важным для потомков принцессы.

Неизвестный мастер Тупак Юпанки. Конец XIX века. Холст, масло. 64,1x48,8

Тупак Юпанки правил империей инков в период ее расцвета. Он проявил себя талантливым полководцем, при нем империя достигла максимальных размеров: властитель завоевал Чиму, Кито, Сантьяго. Он пригласил элиту порабощенных народов в Куско, где отдал ей важные посты, стал активно развивать культуру, и в город потянулись ученые, художники и мыслители. Это было очень мудрым решением, так как успокоило побежденных и, в конечном счете, привело империю к расцвету.

Данная картина составлена на трезвучии лазурного, золотого и черного, присутствуют красные акценты. Живописца не интересует объем, он ищет выразительность в плоскости и линии, в лаконичности. Тупак Юпанки изображен фронтально, в его правой руке — золотой топор, в левой — щит с геометрическим рисунком токапу, имеющим определенный смысл. На герое множество золотых изделий: шлем, серьги, массивное шейное украшение. Это парадный портрет правителя, он предстает перед зрителем со всей торжественной строгостью.

Моллено Иконостас. Около 1825. Деревянная доска, гипс, роспись

Моллено работал в Чимейо, районе на севере Нью-Мексико, на протяжении первой половины XIX века. Он был сантеро, то есть художником, специализирующимся на сакральной живописи.

Данный иконостас, как и любой другой, — упорядоченное, иерархиезированное изображение священных образов. В центре в верхнем ряду — Иосиф с Младенцем на руках. В правом нижнем углу — Дева Мария, попирающая полумесяц (ее традиционный в испанском искусстве атрибут). В левом нижнем расположен святой Христофор, переносящий через реку невероятно тяжелого маленького мальчика, которым оказался Иисус, несущий на себе все тяготы мира. В самом центре иконостаса — святая Барбара, наказанная своим отцом-язычником за принятие христианства.

Все фигуры исполнены в очаровательной в своей простоте линейной манере, напоминающей живопись средневековых миниатюр, что создает правильный контекст и не отвлекает от молитвы.

Рафаэль Арагон Богоматерь с горы Кармель. Около 1830. Дерево, гипс, раскраска. 73,6x27,3

Богоматерь с горы Кармель — иконографический тип Девы Марии в качестве покровительницы монашеского ордена кармелитов. Эта схема изображения восходит к образу Мадонны с Младенцем, к тому же типу относятся и Мадонны Рафаэля, и Богоматерь Владимирская.

Специфика статуэтки заключается в принадлежности к испанской колониальной традиции. Когда европейцы высадились на берегах юго-западной Америки в XVI веке, они привезли с собой католицизм, родной язык и основали Новую Испанию. Довольно долго названная культура не смешивалась с обычаями местных индейцев, которые сознательно уничтожались. Как колониальное, данное искусство носило провинциальный характер, что выражалось в архаизированных формах, любви к экспрессии, эклектизму — смешению разнообразных стилей: барокко, рококо и примитива. Отсутствие детализации, некоторая примитивность форм, яркая раскраска и увеличенные жесты свидетельствуют об этом.

Амедео Модильяни. Портрет женщины. 1918. Фрагмент

Следующий том:

Экспозиция Музея кикладского искусства, находящегося в Афинах, посвящена популяризации произведений, созданных представителями древних культур, живших на берегах Эгейского моря и Кипра. Основу коллекции составляют предметы, исполненные на Кикладах. Они разительно отличаются от всего, что было создано другими народами данного региона в то же время и стали источником вдохновения для многих современных художников. Объем хранящихся в музее предметов составляет примерно 3000 единиц.